L'AFFAIRE THOMAS CROWN, de Norman Jewison (1968)

L'AFFAIRE THOMAS CROWN (The Thomas Crown Affair) est un film réalisé et produit par Norman Jewison.

Le scénario est écrit par Alan Trustman. La photographie est signée par Haskell Wexler. La musique est composée par Michel Legrand.

Dans les rôles principaux, on trouve : Steve McQueen (Thomas Crown), Faye Dunaway (Vicky Anderson), Paul Burke (l'inspecteur de police Edward "Eddy" Malone).

Thomas Crown
(Steve McQueen)

Thomas Crown est un homme d'affaires qui a brillamment réussi et brasse des millions de dollars dans divers domaines. Divorcé, cet homme séduisant profite de sa fortune tout en songeant à se retirer car il s'ennuie.

Pour retrouver le frisson que ne lui procurent plus son business, il réunit un groupe d'hommes sans rapport les uns avec les autres et sans qu'il puisse l'identifier, remet à chacun une forte somme pour acheter différents équipements (voiture, arme...), exige qu'ils soient disponibles dès qu'il aura besoin d'eux.

Le jour venu, ce gang commet un audacieux braquage dans une banque de Boston, surveillé à leur insu par Thomas Crown depuis son bureau au sommet de son building situé en face de l'établissement. Puis les malfaiteurs se dispersent - le dernier d'entre eux dépose le butin dans une poubelle dans un cimetière de la ville où va le récupérer le millionnaire.

Revigoré par l'adrénaline que lui a procuré ce hold-up et son succès, Thomas Crown se sent revivre...

Vicky Anderson
(Faye Dunaway)

Bien entendu, la police est sur les dents et l'inspecteur Edward "Eddy" Malone, en charge de l'enquête, est harcelé par les médias. Tous les clients et le personnel de la banque sont interrogés, mais il évident que le coup a été si soigneusement préparé et efficacement effectué que le magot ne sera pas facile à pister.

Eddie Malone et Vicky Anderson
(Paul Burke et Faye Dunaway)

La compagnie d'assurances de la banque fait alors appel à sa meilleure détective, la très élégante et charmante Vicky Anderson, dont la réputation flatteuse prétend qu'elle n'a jamais connu l'échec. Malone doit, à contrecoeur, accepter de collaborer avec cette femme volontiers arrogante.

Ensemble, ils épluchent la liste des plus gros dépositaires de la banque braquée car Vicky a la conviction que le commanditaire du vol n'est pas un vulgaire gangster mais un client déjà installé qui a organisé cette opération pour le plaisir de défier le système dont il fait partie et en étant sûr de ne pas être pris.

Leurs soupçons se portent sur...

Thomas Crown

... Thomas Crown évidemment. Pendant que Malone continue d'enquêter sur les mouvements de fonds et les affaires du millionnaire, découvrant qu'il s'est déplacé récemment en Suisse (où il a effectivement caché dans une autre banque son butin), Vicky l'aborde en lui déclarant franchement qu'elle le suspecte et qu'elle le confondra.

Crown est amusé par ce nouveau défi et un jeu de séduction s'installe entre lui et cette détective atypique mais très attirante. Il l'invite dans sa luxueuse maison un soir...  

Vicky Anderson et Thomas Crown

Disputant, pour se tester, une partie d'échecs, ils finissent par s'embrasser et coucher ensemble. C'est lé début d'une liaison qui ne tarde évidemment pas à être découverte par Malone, dont les agents filent le millionnaire et photographient ses faits et gestes. 

Vicky se défend auprès du policier en lui certifiant qu'elle n'est pas amoureuse de Crown : elle est toujours aussi résolue à le faire arrêter. Et justement, Malone a peut-être coincé un des hommes de main du braquage, qui s'est trahi en dépensant l'argent avancé par son commanditaire : une confrontation est organisée sans que le millionnaire ne soit prévenu. Mais la ruse n'aboutit pas...  

Vicky Anderson et Thomas Crown

L'enquête piétine et Vicky est tiraillée entre son devoir et ses sentiments : elle est maintenant éprise de Crown qui semble, lui-même, prêt à lui proposer une relation plus sérieuse. Il avoue même avoir monté le braquage et fanfaronne en disant être capable d'en commettre un autre, avec le même mode opératoire.

Thomas Crown réussira-t-il ? Et si oui, Vicky finira-t-elle par le faire arrêter ? Ou le businessman-braqueur privilégiera-t-il ses intérêts à leur amour ?

Ma fascination pour Steve McQueen se confond avec l'intérêt que j'ai pour le cinéma, américain en particulier : je crois en effet qu'on se familiarise avec le 7ème Art à travers un acteur (quand on est un garçon) en particulier qui incarne le héros premier, l'homme qu'on aimerait idéalement être. Ma passion pour les films résidait initialement dans les westerns et un des premiers que je vis au point de le revoir ensuite fréquemment, sans éprouver la moindre lassitude, était Les 7 Mercenaires de John Sturges (1960), dans lequel McQueen jouait

L'histoire de la personnalité complexe de Steve McQueen trouve sa clé dans sa jeunesse, vécue dans des conditions très précaires, ne connaissant pas son père et subissant l'alcoolisme de sa mère, avant d'enchaîner des petits métiers sans sortir de la misère. En accédant à la célébrité à partir de 1956 à 26 ans grâce à la série télé Au Nom de la Loi puis au cinéma quatre ans plus tard donc, cet enfant de la rue connut une revanche éclatante sur la vie qui en ferait dans les années 70 l'acteur le mieux payé du monde. 

Or, en revoyant L'affaire Thomas Crown, on a l'impression d'une quasi-autobiographie de McQueen : comme lui, ce personnage de millionnaire arrivé au sommet a tout mais ne ressent plus rien et se transforme en cambrioleur génial juste pour le frisson. Le spectateur un peu informé sur le parcours de l'acteur ne peut s'empêcher d'imaginer que Thomas Crown vient lui aussi de la rue et qu'il y redescend pour l'adrénaline en commettant ce braquage. Ses beaux costumes, ses voitures de marque, ses maisons de luxe, dissimulent mal qu'un ancien voyou se cache derrière l'homme d'affaires qui défie le système pour tromper sa lassitude.

Ce rôle, McQueen dira d'ailleurs toujours que c'était son préféré. Il y est étincelant, au sommet de son charme, traversant l'intrigue et l'image avec cette décontraction animale incomparable, qui lui a valu le surnom de "king of cool". Cette aisance charismatique était aussi peut-être l'émanation d'un autre aspect étonnant de l'acteur comme je le découvris dans le recueil de photos que lui consacrèrent les éditions Taschen, Steve Mc Queen : William Claxton photographs : "Clax" y révèle que son modèle fumait jour et nuit de la marijuana et lui avait demandé comment il pouvait rester concentré. Réponse de l'intéressé : "J'aime repousser les limites. C'est ce qui me fait avancer. C'est comme un défi. J'adore l'impression que je ne vais pas pouvoir y arriver, et finalement, j'y arrive." Ne sont-ce pas là des mots que Thomas Crown pourrait avouer à Vicky Anderson pour se justifier ? 

Le film est aussi fascinant esthétiquement : c'est un film pop en somme, qui traite son intrigue avec une désinvolture amusée, un clinquant assumé. Norman Jewison avait découvert dans une exposition le procédé du "split screen", l'écran divisé, et eut l'idée de l'appliquer pour filmer le scénario écrit par Alan Trustman pour montrer plusieurs actions simultanément. Richard Fleischer emploiera le même truc la même année dans L'Étrangleur de Boston, et bien après un cinéaste comme Brian De Palma en fera une de ses figures de style favorites.

Le scénario, dans sa première mouture, était très bref, une quarantaine de page, mais Trustman était avocat à Boston avant d'être un auteur. Cette base sommaire permit à Jewison d'expérimenter visuellement avec la complicité du photographe Haskell Wexler, qui utilisa des filtres, des objectifs divers, des éclairages variés, qui éloignent le film de tout réalisme. De l'aveu même du réalisateur, L'affaire Thomas Crown était un objet où la forme primait sur le fond.

Tout est too much dans ce film et joue de ce parti-pris : la première apparition à l'aéroport de Faye Dunaway illustre parfaitement cela. On voit arriver cette femme à la beauté incroyable, habillée de manière extravagante pour une détective d'une agence d'assurances, telle une mannequin lors d'un défilé de haute-couture, et on en sourit tout en l'acceptant. Tout est comme ça : les hommes de main recrutés par Crown sont eux-mêmes pareils à des gravures de mode, avec leurs costumes noires, leurs chapeaux, leurs lunettes fumées, leurs gants blancs ; l'inspecteur Malone ressemble plus à un gentleman dans une soirée cocktail qu'à un officier de police ; Crown et Vicky s'amusent dans une jeep sur une plage et sirotent des drinks, fréquentent des salles d'enchères, assistent à un match de polo, en passant par une séance de planeur... So chic. 

Un érotisme très suggestif s'installe dès la première rencontre entre Crown et Vicky et culmine lors d'une scène d'anthologie : la fameuse partie d'échecs où la jeune femme manipule les pièces, sa robe ou effleure ses lèvres qui trouble autant le millionnaire que le spectateur. Le héros, n'y tenant plus, finit par étreindre son invitée et l'embrasse - un baiser langoureux, d'une sensualité affolante, qui semble ne jamais finir, avec la caméra qui tournoie autour des deux amants dans des jeux de lumière quasi-psychédéliques. 55 secondes, tournées durant plus de huit heures sur plusieurs jours !

Michel Legrand, qui a composé la bande originale pour laquelle il remporta un Oscar, avec la chanson Windmills of your mind (paroles de Noel Carpenter), expliqua que le premier montage du film durait cinq heures ! Désemparé, Jewison lui demanda comment couper, alors que trois monteurs (dont le futur réalisateur Hal Ashby) étaient déjà à l'oeuvre, et le musicien lui suggéra de se caler sur sa partition. C'est aussi cela qui donne un aspect pop au film : sa musicalité, sa fluidité étonnante, pour un résultat de 102' finalement.

Même s'il ne fait guère de doute que Steve McQueen était son premier choix (et celui du studio The Mirisch Corporation), le rôle principal fut d'abord envisagé pour Sean Connery mais il déclina l'offre (le regrettant ensuite). Aujourd'hui, il est impossible d'imaginer un autre que McQueen pour incarner Thomas Crown.

De la même manière, avant de revenir à Faye Dunaway, éblouissante après avoir interprété Bonnie Parker dans Bonnie & Clyde d'Arthur Penn, Anouk Aimée et Brigitte Bardot ont été approchées, sans succès, pour le rôle de Vicky Anderson. Jewison avait également pensé à Eva Marie Saint (qu'il avait dirigé dans Les Russes arrivent, en 1966). Le couple qu'elle forme avec McQueen appartient désormais à la légende - et ce ne sont pas Pierce Brosnan et Rene Russo, dans le remake de John McTiernan, qui les supplanteront.

Film champagne, L'affaire Thomas Crown est un mix imparable de polar et de romance, un authentique film-culte sur lequel les années n'ont pas de prise. 

COMME UN TORRENT, de Vincente Minnelli (1958)

COMME UN TORRENT (Some Came Running) est un film réalisé par Vincente Minnelli.

Le scénario est écrit par John Patrick et Arthur Sheekman, d'après le roman de James Jones. La photographie est signée William H. Daniels. La musique est composée par Elmer Bernstein. 

Dans les rôles principaux, on trouve : Frank Sinatra (Dave Hirsh), Shirley MacLaine (Ginny Moorhead), Dean Martin (Bama Dillert), Arthur Kennedy (Frank Hirsh), Martha Hyer (Gwen French), Nancy Gates (Edith Barclay), Leora Dana (Agnes Hirsh).

 Dave Hirsh et Ginny Moorhead
(Frank Sinatra et Shirley MacLaine)

Soldat démobilisé, l'écrivain Dave Hirsh est de retour dans sa ville natale, Parkman, après une partie de poker gagnée à Chicago. Il se réveille au terminus du bus en compagnie de Ginny Moorhead, une prostituée qui s'est entichée de lui.

Frank et Dave Hirsh
(Arthur Kennedy et Frank Sinatra)

Sachant que son arrivée déplaît à sa famille, préoccupé par son inspiration déclinante et s'auto-dénigrant comme romancier, Dave donne de l'argent à Ginny pour qu'elle rentre à Chicago. Puis il reçoit, dans la chambre d'hôtel où il est s'est installé, son frère aîné, Frank, avec lequel il est fâché depuis seize ans. Celui-ci, dans le souci d'apaiser la situation, l'invite à dîner chez lui, malgré les réticences se son épouse qui n'a pas pardonné à Dave d'avoir évoqué leur famille sous un jour peu flatteur dans son dernier livre.  

Dave Hirsh et Gwen French
(Frank Sinatra et Martha Hyer)

Lors de cette soirée, Dave fait la connaissance de Gwen French, fille de son ancien professeur, elle-même enseignante d'art littéraire et grande admiratrice de son oeuvre. Il lui fait la cour mais comprend rapidement qu'elle s'intéresse plus de savoir quand il écrira à nouveau. Il prend congé alors qu'elle le reconduit à son hôtel pour entrer dans un bar.

 Dave Hirsh et Bama Dillert
(Frank Sinatra et Dean Martin)

Dans ce bar, Dave rencontre Bama Dillert, un joueur professionnel, qui lui propose d'être partenaires au poker. Il retrouve aussi Ginny, qui n'est pas repartie, mais que son souteneur jaloux a rejoint. Mêlé à une bagarre contre ce dernier, Dave finit la nuit au poste de police. Le scandale éclabousse la réputation de Frank qui a versé la caution pour le libérer, en échange de quoi il demande à son frère de quitter Parkman.

Dave Hirsh, Ginny Moorhead et Bama Dillert

Frank n'est pourtant pas irréprochable : il commence une liaison adultère avec sa secrétaire, Edith Barclay, que surprend sa fille, Agnes. Bouleversée, la jeune fille va se soûler dans un cabaret à Terre-Haute où Dave avec Ginny retrouvent Bama. Dave téléphone à Gwen qui lui annonce avoir fait publier une nouvelle qu'il lui avait faite lire et lui avoue enfin qu'elle l'aime. 

Dave et Ginny

Mais avant que Dave ne revoie l'institutrice, cette dernière reçoit la visite de Ginny qui lui explique les sentiments qu'elle éprouve pour l'écrivain. Désarmée, Gwen la rassure puis rompt ensuite avec Dave, prétextant que, si elle l'admire, elle ne peut accepter sa façon de vivre.

Dave, en colère, se calme en comprenant que nulle femme ne l'aimera aussi totalement que Ginny et il la demande en mariage, ce que désapprouve Bama, refusant d'être leur témoin chez le juge. Le joueur apprend ensuite que le souteneur de Ginny est encore en ville et armé, résolu à tuer Dave. Il ne parviendra qu'à le blesser, Ginny se sacrifiant pour le protéger.

Comme un torrent est le sommet du mélodrame américain. Esthétiquement et narrativement, le film permet à Vincente Minnelli d'afficher tous ses talents dans cette histoire où le sordide côtoie le sublime, le vulgaire à la pureté : c'est sans nul doute pour cela, cet accomplissement artistique, que le public en fit un succès et que long métrage a conservé son pouvoir de fascination.

Les protagonistes de cette fresque intime (135 minutes) se distinguent par de simples détails qui les résument tout en leur laissant une part de mystère et en annonçant leur trajectoire dramatique : Bama Dillert (le plus beau rôle de Dean Martin, avec celui de Dude dans Rio Bravo) est un superstitieux fataliste qui ne quitte jamais son chapeau (ce qui ne lui évitera toutefois pas un gros ennui de santé pour lequel il refuse d'être traité) ; Frank Hirsh est un pleutre plus attaché à son rang qu'à son frère et sa femme et incapable de résister à la tentation d'une liaison avec sa secrétaire (quand bien jure-t-il au début qu'il ne se compromettrait jamais avec une employée) ; Gwen French cache derrière son admiration littéraire une évidente frigidité (qu'elle n'admet pas par orgueil) ; le souteneur de Ginny préférerait tuer celle-ci plutôt que la lâcher (surtout pour un homme qu'il n'estime pas) ; Dave Hirsh fuit l'effort d'écrire et de changer de style de vie pour se complaire dans la débauche (autant par lâcheté que par provocation) ; et Ginny Moorhead se sacrifiera pour celui qu'elle aime à la fois naïvement mais sincèrement (alors qu'il la traite souvent avec mépris).

Minnelli réussit à transfigurer ce tourbillon d'émotions et animer cette galerie de personnages par le génie de sa mise en scène : il souligne les regards, les gestes, les attitudes, les silences, magnifie les sentiments à la fois exacerbés et subtils par une photo flamboyante (incandescente même, ouvragée par William H. Daniels, qui fait effectivement ressembler Parkman à un décor artificiel jusqu'au dénouement lors de la fête du centenaire de la ville, avec ses stands multicolores, ses néons criards). La caméra accompagne les tourments, les aspirations, les déceptions, les frustrations : l'ombre de la fatalité plane sur ce récit où le retour précipite la perte.

La beauté picturale de la réalisation est toute entière au service des connections riches entre chaque personnage mais elle permet de dépasser le réalisme classique du roman de James Jones pour glisser dans une ambiance onirique douloureuse et poignante.

Cela est traduit par une anecdote célèbre : Frank Sinatra (dans sa meilleure interprétation, et dont les scènes avec Dean Martin raviront, par leurs sous-entendus, les fans du Rat Pack) eut le nez fin et un geste élégant en suggérant à la fin du tournage que Minnelli ne fasse pas mourir Dave mais Ginny (incarnée avec une sensibilité déchirante par Shirley MacLaine, outrageusement maquillée comme un masque pour dissimuler sa fragilité) : le réalisateur accéda à cette requête en comprenant que ce n'était pas un caprice de star mais une intuition géniale, le sacrifice dont avait besoin cette histoire pour briser le coeur des spectateurs.

Tout simplement de quoi transformer une chronique déjà inspirée en une oeuvre poétique, en un des plus beaux films du monde. 

LA GRANDE EVASION, de John Sturges (1963)

LA GRANDE EVASION (The Great Escape) est un film réalisé par John Sturges.

Le scénario est adapté du récit de Paul Brickhill par James Clavell et W. R. Burnett. La photographie est signée Daniel L. Fapp. La musique est composée par Elmer Bernstein.

Dans les rôles principaux, on trouve : Steve McQueen (capitaine Virgil Hilts dit "cooler king", "le roi du frigo"), Richard Attenborough (commandant Richard Bartlett dit "le Grand X"), James Garner (capitaine Bob Hendley dit "le chapardeur"), Donald Pleasance (Colin Blythe dit "le faussaire"), James Coburn (Louis Degwick dit "le matériel"), Charles Bronson (lieutenant Daniel Wellinski dit "le roi du tunnel"), David McCallum (commandant Eric Ashley-Pitt dit "la dispersion"), Hannes Messemer (commandant Von Luger).

1943. Pologne. Le Stalag Luft III est sous la direction du commandant allemand Von Luger et reçoit plusieurs nouveaux prisonniers alliés, en majorité britanniques. 

Le commandant Von Luger
(Hannes Messemer)

Parmi eux se trouve le commandant Richard Bartlett, qui décide rapidement d'organiser une évasion massive en faisant creuser un tunnel qui aboutira aux abords de la forêt voisine.

Le commandant Richard Bartlett
(à gauche : Richard Attenborough)

Le lieutenant Daniel Wellinski, bien qu'il souffre de claustrophie, est un expert de ce genre de chantier et mène les travaux.

Le lieutenant Daniel Wellinski
(Charles Bronson)

Les autres soldats détenus dans le camp contribuent, tous à leur manière, à la réalisation du projet en fournissant du matériel pour l'équipe du souterrain (mission menée par Louis Sedgwick et le capitaine Bob Hendley), confectionner des vêtements civils, des faux papiers d'identité (cette tâche est conduite par Colin Blythe, dont la vue baisse jusqu'à ce qu'il devienne totalement aveugle peu avant l'évasion), préparer la sortie du camp et la dispersion des fugitifs (c'est le commandant Eric Ashley-Pitt qui se charge de cette partie)...

Colin Blythe et le capitaine Bob Hendley
(Donald Pleasance et James Garner)

Il faut aussi composer avec un élément inattendu : le capitaine Virgil Hilts, un aviateur américain, qui a déjà tenté à une vingtaine de reprises de se faire la belle en solo, mais qui, cette fois, accepte de prêter main forte aux anglais.

Le capitaine Virgil Hilts
(Steve McQueen)

La grande évasion aura bien lieu, malgré de nombreux aléas, mais plusieurs prisonniers se feront reprendre et d'autres y laisseront la vie...

Louis Sedgwick
(James Coburn)

Inspiré de faits réels relatés par Paul Brickhill, un prisonnier de guerre australien, le film est une épopée de près de trois heures réalisée par John Sturges, un cinéaste certes classique mais solide. Pour ce réalisateur aguerri, habile à diriger les plus grandes stars, à respecter les budgets et à servir tous les genres d'histoires, cette évocation de la seconde guerre mondiale à travers la vie dans les camps de prisonniers est l'occasion une fois encore de disposer d'un casting prestigieux, au sein duquel il retrouve plusieurs de ses iconiques Mercenaires : Charles Bronson, James Coburn et surtout Steve McQueen. Ce dernier a vite conscience qu'il tient là le rôle qui fera de lui une grande vedette : il a raison et même davantage qu'il ne le pense puisqu'il y gagnera son surnom de "king of cool".

Pourtant le tournage sera houleux : Bronson prendra ombrage du fait que McQueen veuille voler la vedette, en exigeant la réécriture (à l'avantage de son personnage) de nombreuses scènes après avoir visionné les premiers rushes. Ce sera la première d'une longue série de clashs d'ego, sur laquelle les acteurs garderont le secret pendant longtemps (avant d'en rire lors du cinquantième anniversaire du film) : ainsi McQueen était-il jaloux de James Garner dont le rôle de "chapardeur" suscitait une sympathie immédiate et possédait un look vestimentaire très chic pour un soldat prisonnier, mais le comédien joua les médiateurs entre le réalisateur et son rival quand celui-ci menaça de quitter le tournage (il corrigea quand même McQueen en lui assénant : "Tu veux jouer un héros, mais ne rien faire d'héroïque.").

Bronson, toujours aussi susceptible, jouant souvent aux cartes avec d'autres acteurs, dont Garner, trichait ostensiblement mais n'apprécia pas qu'on l'accusa lors d'une partie et fut tout près d'en venir aux poings - ses adversaires se résignèrent devant le colosse ! Donald Pleasance, grand amateur de bolides comme McQueen, fanfaronnait au volant d'une jeep de l'équipe technique quand il ne prétendait pas donner des leçons d'Histoire sur les véritables conditions de détention des prisonniers de guerre.

Tous ces héros ne se comportaient pas très héroïquement...

Il n'empêche, ces tensions sont imperceptibles à l'image. Au contraire, on y voit une troupe formidablement dirigé, dont chaque membre livre des prestations inoubliables - et ce, même si les acteurs américains ne s'entendaient pas avec leurs partenaires anglais, de l'aveu même de David McCallum (l'infortuné interprète du commandant Ashley-Pitt subit même l'humiliation suprême en assistant au coup de foudre de son épouse d'alors, Jill Ireland, pour Charles Bronson, dont elle devient la compagne quatre ans plus tard !). Les critiques, lors de la sortie du film, ne furent d'ailleurs pas tendres, allant même, pour certains, jusqu'à déclarer que les allemands étaient plus sympathiques que leurs prisonniers dans cette histoire !

L'aspect esthétique du film fut aussi discuté, et là, c'est injuste : bien que l'action se déroule aux 3/4 à l'intérieur du Stalag, le récit n'est jamais ennuyeux grâce à l'abondance de péripéties et une image tirant le meilleur parti des baraquements gris du camp et de la forêt verdoyante alentour (faute d'avoir trouvé un décor satisfaisant en Californie, la production consentit à s'installer en Bavière, inspirant à John Sturges cette pensée laconique : "Finalement rien ne ressemble plus à l'Allemagne que l'Allemagne.").

On suit avec passion, amusement, tension, les tentatives solitaires de Hilts pour s'échapper (ce qui lui vaut, de retour au camp, des séjours à l'isolement, dans une cellule appelée "le frigo"), les mille et une astuces des prisonniers pour creuser le tunnel (avec les tourments que cela occasionne : éboulements, évaluation de la distance, crises de claustrophobie de Danny) et dissimuler la terre du sous-sol, fabriquer des habits civils, des faux papiers (la cécité qui gagne Blythe est source d'angoisse et d'émotion, son amitié avec Hendley est aussi touchante), se procurer des équipements divers (le flegme de Coburn est irrésistible)... Sans oublier des parenthèses narratives humoristiques (la distillerie d'une gnôle à base de pommes de terre particulièrement corsée).

La dernière partie, hors du camp, permet à Sturges de démontrer tout son savoir-faire pour orchestrer des scènes spectaculaires, aux issues souvent poignantes ou ironiques : Hendley guidant Blythe jusqu'à un avion, Sedgwick lisant "Libération" (qui était à l'époque de l'histoire un journal clandestin), le piège qui se referme dans une gare sur "le grand X", et surtout le morceau de bravoure inoubliable où Hilts tente de semer à moto les allemands en voulant sauter par-dessus les barbelés de la frontière suisse (ce n'est pourtant pas Steve McQueen, motard chevronné, qui exécute cette cascade avec une Triumph Trophy TR6 mais son ami Bud Ekins. L'acteur, lui, tient le guidon d'une moto allemande aux trousses de son personnage ! Et Garner expliquera plus tard que, la scène en boîte, lui, Coburn et McQueen s'amusèrent à la reproduire, en la réussissant facilement : de quoi encore plus maudire les assureurs trop frileux !).

Il ne faut bien entendu pas oublier de mentionner la musique magnifique, incroyablement entêtante, composée par Elmer Bernstein, qui accompagne jusqu'à la fin cette fresque dont le parfum mêle la défaite frustrante et la victoire bravache de manière inextricable et si plaisante.

Un classique indémodable, qui synthétise idéalement tout ce que le cinéma d'action avait de cool dans les années 60, avec une bande d'acteurs au charme irrésistible, sublimée par un cinéaste qui savait aussi bien gérer ces fortes personnalités que raconter intelligemment cette histoire virile sur le sens du sacrifice et de la liberté.

LES 100 FUSILS, de Tom Gries (1969)

LES 100 FUSILS (100 Rifles) est un film réalisé par Tom Gries.

Le scénario est écrit par Tom Gries et Clair Huffaker, d'après le roman de Robert MacLeod. La photographie est signée Cecilio Paniagua. La musique est composée par Jerry Goldsmith.

Dans les rôles principaux, on trouve : Raquel Welch (Sarita), Jim Brown (Lyedecker), Burt Reynolds (Yaqui Joe Herrera), Fernando Lamas (Verdugo), Hans Gudegast (Von Klemmer), Soledad Miranda (la prostituée).

Lyedecker, Yaqui Joe et Sarita
(Jim Brown, Burt Reynolds et Raquel Welch)

Sarita assiste au lynchage de son père par le cruel général Verdugo et ses soldats qui avaient trouvé chez lui un fusil : cela suggère que des rebelles indiens seraient armés pour affronter l'armée mexicaine. La jeune femme est capturée et emmenée à Nogales pour y être interrogée. 

Yaqui Joe et Lyedecker

En ville arrive un shérif américain, Lyedecker, chargé de trouver et d'arrêter Yaqui Joe Herrera, qui a braqué une banque aux Etats-Unis. Son butin servirait justement à acheter des fusils pour "los Togres de rocas" ("les Tigres des rochers"), les insurgés indiens. 

Lyedecker, Sarita et Yaqui Joe

Pour quitter Nogales, Yaqui Joe provoque une émeute qui permet à Sarita de s'échapper. Mais Verdugo le fait arrêter et l'interroge avec Lyedecker, qu'il soupçonne d'être son complice. Ils sont présentés à cette occasion à Von Klemmer, un officier allemand qui étudie une alliance avec les mexicains.

Lyedecker et Sarita

Le shérif et son prisonnier réussissent à s'évader et rejoignent Sarita. Verdugo et ses troupes les prennent en chasse et commettent des massacres pour les débusquer. Témoin de ces atrocités, Lyedecker accepte de s'allier à Yaqui Joe et les indiens pour récupérer les cent fusils promis au chef des rebelles, Romero. Mais celui-ci a trouvé la mort au combat.

Lyedecker, Yaqui Joe et Sarita

Impressionné par les dons de stratège de Lyedecker, les indiens en font leur nouveau leader : ensemble, ils s'emparent du train de Grimes, qui transportent les soldats mexicains. A bord de ce véhicule, ils mènent un assaut spectaculaire contre Verdugo et ses hommes à Nogales. Mais l'effet de surprise et la détermination des insurgés suffiront-ils à leur assurer la victoire ?

Tom Gries (mort à 55 ans en 1977) fut découvert et promu réalisateur par le producteur Stanley Kramer (Le Train sifflera 3 fois). Il signait avec Les 100 Fusils son long métrage le plus spectaculaire, tourné dans les décors d'Almeria en Espagne (où les cinéastes italiens filmaient leurs westerns).

Ce qui frappe d'emblée, c'est que que cette histoire est traitée comme un récit de pirates, menée avec la même énergie et une pointe d'humour qui en agrémente les aspects les plus sombres, sans occulter une réflexion sans concessions sur les guerres raciales. En l'occurrence, il s'agit d'aborder les massacres commis par l'armée mexicaine contre les indiens, et une des originalités de 100 Rifles est son absence de personnages américains - hormis le shérif Lyedecker.

Le film abonde en scènes mémorables, qui lui ont assuré sa place au panthéon du genre : on se souvient notamment de celle où la belle Sarita, véritable pasionaria des révoltés, se douche sous un réservoir d'eau près de la voie ferrée pour tromper la vigilance des soldats mexicains tandis que Lyedecker et Yaqui Joe sont cachés avec les indiens tout autour du site, prêts à attaquer. Un mix de sensualité et de violence détonant, un peu racoleur certes, mais imparable.

L'autre grand moment du film concerne évidemment la scène d'amour entre Jim Brown et Raquel Welch, soit un homme noir et une femme blanche, qui connut un retentissement considérable à l'époque. Le tabou concernant l'amour physique d'un couple multi-racial n'avait pas encore été brisé et si cela ne choque plus grand-monde aujourd'hui (du moins faut-il l'espérer...), en 1969, l'étreinte entre un ex-footballeur célèbre reconverti et un sex-symbol fit couler beaucoup d'encre : le magazine "Variety" la jugea "déplaisante (...), uniquement là pour choquer" et en appela à la censure - et encore Raquel Welch était-elle d'origine mexicaine et son personnage, en pure héroïne de mélodrame, après le dénouement, devait-il connaître le châtiment réservé aux "pécheresses" du genre !

Le tournage ne fut pas de tout repos pour Gries qui, bien que disposant de son plus important budget, dut être très diplomate avec ses vedettes : Burt Reynolds (savoureux en bandido à la fois facétieux et solidaire) se plaignait d'incarner encore une fois un étranger (considérant idiot de jouer un métisse indien moustachu aux cheveux courts), Jim Brown (sobre et imposant) n'était pas à l'aise à cheval et Raquel Welch, mariée à un homme jaloux et mère de deux enfants, rechigna à enlacer langoureusement son partenaire noir, craignant aussi que cela ne compromette son image.

Malgré cela, Les 100 Fusils procure un divertissement irrésistible, souvent spectaculaire, et courageux pour montrer les horreurs commises dans le conflit (chaque camp commet des exactions, même si le scénario prend la défense des indiens). Des critiques prétendent que le film a subi un montage différent que celui voulu par Tom Gries (qui n'avait pas le final cut) : c'est probable, mais pas là où on peut l'attendre (le sort de Sarita, quelques faux raccords). En tout cas, le résultat est d'une efficacité indéniable, avec un vrai panache, accompagnée par la superbe musique composée par Jerry Goldsmith. 

LES 7 MERCENAIRES, de John Sturges (1960)

LES 7 MERCENAIRES (The Magnificent Seven) est un film réalisé par John Sturges.

Le scénario est écrit par Walter Newman, William Roberts, Walter Bernstein et Thomas Conroy, d'après le film Les 7 Samouraïs d'Akira Kurosawa (1954). La photographie est signée Charles Lang Jr.. La musique est composée par Elmer Bernstein.

Dans les rôles principaux, on trouve : Yul Brynner (Chris), Steve McQueen (Vin), Eli Wallach (Calvera), Charles Bronson (O'Reilly), Horst Buchholz (Chico), Robert Vaughan (Lee), James Coburn (Britt), Harry (Brad Dexter).

Parce qu'ils sont régulièrement pillés par le bandit Calvera et sa bande, un village de mexicains désigne trois représentants pour se procurer des armes avec le peu d'économies qu'ils leur restent. 

Calvera

(Eli Wallach)

C'est ainsi qu'ils rencontrent Chris, un vétéran de l'armée américaine, et Vin, qui ont osé se dresser face à la population locale afin de conduire le cercueil d'un mexicain au cimetière. Impressionnés, les émissaires les abordent et Chris leur explique qu'il serait plus simple pour eux d'engager des professionnels contre leur ennemi. Vin, aventurier sans projet, et Chris, ému par ces paysans, acceptent de leur prêter main forte.

Chris et Vin

(Yul Brynner et Steve McQueen)

C'est ainsi que les deux pistoleros persuadent des amis de les rejoindre, chacun d'entre eux ayant une motivation particulière pour cette mission : 

O'Reilly

(Charles Bronson)

- O'Reilly, un bûcheron métisse, le fait en souvenir de ses origines modestes ; 

Lee

(Robert Vaughn)

- Lee, un tueur malade nerveusement, veut se prouver qu'il est toujours le meilleur ; 

Britt

(James Coburn)

- Britt, engagé dans la construction de voies ferrées, veut fuir les ouvriers qui ne cessent de le défier au tir ; 

Harry

(Brad Dexter)

- et Harry est certain que les mexicains cachent un trésor.  

Un jeune homme, Chico, en quête de sensations fortes, suit le groupe dans l'espoir de l'intégrer, mais Chris est réticent à engager une tête brûlée. Il cède malgré tout, davantage pour le protéger que par conviction en ses talents.

Chico

(Horst Buchholz)

Les sept mercenaires prennent leurs quartiers dans le village où ils sont accueillis en héros et entraînent les hommes à manier le fusil. Les enfants s'attachent particulièrement à O'Reilly, qui a du sang mexicain, et une jeune femme tombe amoureuse de Chico. 

Lorsque la bande de Calvera resurgit, elle est chassée, prise par surprise. Chico suit les pilleurs et s'infiltre parmi eux afin d'en apprendre davantage sur la suite de leurs plans. Quand il revient auprès de ses compagnons, il leur révèle que leurs ennemis sont affamés et désespérés, et l'autorité de Calvera est entamée. Chris décide d'en profiter pour les attaquer mais l'équipe trouve le camp des bandits déserté.

De retour au village, ils sont attendus par Calvera et ses sbires qui, menaçant de s'en prendre aux femmes et aux enfants, convainquent Chris et ses amis de déguerpir définitivement. 

Mais les mercenaires, humiliés, choisissent de revenir sur leurs pas, à l'exception de Harry. Une ultime bataille a lieu au cours de laquelle la majorité des héros trouve la mort. Les survivants pourront apprécier la défaite de Calvera et repartir, sans récompense certes, mais avec la satisfaction d'avoir défendu une noble cause. 

En 1954, Akira Kurosawa réalisait Les 7 Samouraïs, film qui, s'il fut longtemps méconnu dans son propre pays, connut un succès critique et commercial mondial. 6 ans plus tard, Les 7 Mercenaires en propose une version western située à la frontière mexicaine, que le cinéaste japonais reconnaîtra comme une authentique réussite. Pour ma part, si je n'ai jamais réussi à voir jusqu'au bout l'original, je ne compte plus le nombre de fois où j'ai savouré le long métrage de John Sturges, qui m'a émerveillé enfant et dont les innombrables rediffusions ne m'ont jamais lassé. J'ignore s'il s'agit d'un chef d'oeuvre et, à dire vrai, je m'en fiche complètement : ce que je sais, c'est que ces Magnificent Seven ont participé à mon amour pour le cinéma et plus particulièrement pour le western comme aucun autre film. 

Sturges était déjà un vétéran, comme le personnage de Chris, en 1960, puisque, durant la décennie précédente, il avait démontré son impeccable savoir-faire avec de grandes réussites comme Fort Bravo (1953) ou Dernier train de Gun Hill (1959) en passant par Règlements de comptes à OK Corral (1957) et Un homme est passé (1954). Aujourd'hui, c'est un réalisateur peu cité, considéré avec condescendance comme un "faiseur", alors qu'en vérité, c'était un directeur d'acteurs hors pair, capable de "gérer" les stars comme de révéler des débutants, et un cinéaste  sobre et solide, qui se souciait avant tout de servir l'histoire qu'il devait raconter : peut-être pas des qualités flamboyantes, mais, pour moi, de celles qui assurent à celui qui les possèdent une filmographie offrant un plaisir durable.

Sturges n'était certes pas un homme qui se servait (en particulier) du western pour délivrer des messages (mais comme l'a dit Jacques Prévert : "pour les messages, j'utilise la Poste"...) ni pour livrer sa vision de l'humanité. Ce n'est ni Anthony Mann et son cinéma sans illusions, ni John Ford et la légende de l'Ouest. Mais c'est le réalisateur exaltant des figures héroïques, trouvant dans l'action, les coups d'éclat, l'exécution d'une mission, la possibilité d'exercer leur charge, de prouver leur sens de l'honneur, d'affirmer la solidarité. 

Son mérite me semble d'autant plus à réévaluer qu'il n'a pas eu la tâche facile sur ce qui allait pourtant être un retentissant succès, tremplin pour nombre de ses acteurs (dont certains se retrouveraient en 63 dans La Grande Evasion). Le projet a été initié par Yul Brynner qui se réservait le rôle du leader, Chris : réputé pour son fort caractère, il s'est effectivement comporté comme un petit chef durant le tournage, et même avant - ainsi insista-t-il (en vain) pour que Anthony Quinn lui donne la réplique, alors que le studio voulait rassembler Clark Gable, Stewart Granger, Glenn Ford. Il voulait également que ce soit Martin Ritt qui réalise mais la Mirisch Company lui préféra donc Sturges (qui se vit offrir le crédit de co-producteur par la même occasion).  

A partir de là, le rapport de force s'équilibra et permit de composer un casting de quasi-inconnus (moins chers). Feignant un accident de voiture, Steve McQueen, qui pressentait le potentiel du rôle de Vin et du film, put prendre congé de la série télé Au Nom de la Loi, mais s'opposa rapidement à Brynner : le clash était inévitable entre deux acteurs aussi dissemblables. Brynner venait du théâtre, où il était une vedette, et dont il avait gardé la discipline, tandis que McQueen était un curieux mélange entre l'apprentissage de la méthode de l'Actor's Studio et du jeu instinctif. Vous pouvez vous amuser à noter le nombre de fois où McQueen s'incruste dans les plans où se trouve Brynner, manipulant son chapeau avec un sourire en coin, ce qui avait le don d'insupporter son partenaire - et vous ressentirez peut-être la tension entre les deux hommes (le chauve le plus célèbre du cinéma américain face au jeune loup qui allait régner sur Hollywood).

Pourtant, ces gamineries servent le film, lui conférant une malice et une intensité jubilatoires. Marmoréen, Charles Bronson joue presque son propre rôle : il apparaît en train de fendre des bûches de bois à la hache, et ce n'est pas du chiqué - il a été bûcheron, et son physique impressionnant ne devait rien à la "gonflette". Par ailleurs, comme O'Reilly, il était d'origine modeste et expatrié. Robert Vaughn (qui redonnerait la réplique à McQueen dans Bullitt, 1968) est aussi extraordinaire en tueur saisi de tremblements, devinant sa fin prochaine. James Coburn (qui referait équipe avec Bronson pour Le Bagarreur, en 1975) impose sa dégaine coolissime et cela suffit pour rendre son personnage inoubliable. Brad Dexter fait une crapule, que les scrupules rattraperont in extremis, délectable. Et Horst Buchholz fait (presque) croire qu'il s'appelle Chico. Le miracle est là en fait : ces mercenaires sont peu développés psychologiquement, faiblement caractérisés, mais les acteurs qui les interprètent leur donnent suffisamment de présence, d'allure, pour qu'on s'attache à eux, qu'on les identifie sans problème. C'est finalement plus efficace que l'idée première (confier ces rôles à des stars déclinantes). 

Savoir décider intelligemment est ce qui distingue Les 7 Mercenaires : tout comme Chris s'adresse à des hommes qui ont chacun un talent spécial et une motivation forte, le réalisateur et les producteurs du film ont su faire des choix. L'intrigue est simple, dépouillée, mais emballée sur un rythme soutenu, à la manière d'un conte. Le méchant est très méchant, et Eli Wallach s'en donne à coeur joie (comme s'il se préparait pour son rôle de Tuco dans Le Bon, la brute et le truand, de Sergio Leone, 1966), l'affrontement inégal, disproportionné, épique, annonce un dénouement où le spectateur sait que tous ne survivront pas mais tomberont avec dignité et bravoure. 

En vérité, de mercenaires, les héros ne méritent pas le titre, dégradant, hormis Harry (et encore, donc, il prouve qu'il vaut mieux que ça à la fin) : malgré le simplisme apparent, il demeure quelque chose de trouble dans le fait que ces sept hommes vont à une mort certaine. Pour l'un (Lee), il s'agit sans doute de finir en beauté. Pour un autre, de protéger d'abord des enfants (O'Reilly). Pour Chico, l'épreuve a une valeur initiatique : convaincu de pouvoir vivre par les armes, il reverra ses ambitions en découvrant l'amour et en apprenant à respecter ces paysans qui sont ses "frères". Britt traverse cette aventure comme une sorte d'"aquaboiniste". Vin est un cowboy cynique, volontiers moralisateur, souvent sarcastique : sans passé, ni avenir, il trompe son ennui. Mais le futur d'un mercenaire est justement décrit comme précaire et jamais glorieux : il loue leur gâchette, risque leur vie, et si les survivants y gagnent la considération de opprimés, ils repartent aussi fauchés qu'au début. 

Les séquences d'action sont superbes, avec un montage nerveux mais qui ne sacrifient la composition soignée des plans de Sturges, et la musique d'Elmer Bernstein est entêtante et entraînante à souhait. 

Les 7 Mercenaires est un tournant dans l'Histoire du western, pas seulement pour sa remarquable efficacité, son groupe d'acteurs, le plaisir immédiat et néanmoins durable qu'il procure, mais parce qu'il se situe à la croisée des chemins : déjà différent du classicisme mais pas encore dans la révision italienne. Bien qu'il ait engendré des suites (toutes inférieures, et dispensables) et même un récent remake (par Antoine Fuqua, cette année), il reste, sinon pour les spécialistes sûrs de leurs listes d'incontournables, en tout cas pour moi et des tas de gamins qui l'ont découvert et le revoient avec un enchantement intact, le film culte par excellence.