BLUE VALENTINE, de Derek Cianfrance (2010)

BLUE VALENTINE est un film réalisé par Derek Cianfrance.

Le scénario est écrit par Derek Cianfrance, Cami Delavigne et Joey Curtis. La photographie est signée Andrij Parekh. La musique est composée par Grizzly Bear.

Dans les rôles principaux, on trouve : Ryan Gosling (Dean Perreira), Michelle Williams (Cindy Heller-Perreira), Faith Wladyka (Frankie Perreira), Mike Vogel (Bobby Ontario), John Dorman (Jerry Heller), Jen Jones (la grand-mère de Cindy), Ben Shenkman (Dr. Sam Feinberg).

 Cindy et Dean
(Michelle Williams et Ryan Gosling)

Dean Perreira est déménageur dans une entreprise de Brooklyn. Cindy Heller est étudiante en médecine et vit dans une famille en crise (ses parents se disputent constamment et elle seule prend soin de sa grand-mère). Dean rencontre Cindy dans la maison de soins où séjourne sa grand-mère alors qu'il vient de livrer les meubles d'un nouveau locataire.

Dean Perreira
(Ryan Gosling)

Après quelques rendez-vous, à l'initiative du jeune homme, Cindy annonce à Dean qu'elle est enceinte mais elle ignore s'il est le père de l'enfant qu'elle porte car elle fréquentait un autre garçon, Bobby Ontario, quand elle l'a rencontré.

Cindy Heller
(Michelle Williams)

Dean accompagne Cindy à la clinique lorsqu'elle décide d'avorter, mais elle se ravise au début de la procédure. Dans le bus qui les ramène chez elle, il choisit d'assumer cette paternité et demande à Cindy de fonder un foyer avec lui. Lorsque Bobby apprend leur liaison, il découvre où travaille Dean et va lui casser la figure par dépit amoureux. 

Cindy et Dean

Cinq ans plus tard, le couple s'est installé en Pennsylvanie, près du père de Cindy, malade et veuf. Elle travaille comme infirmière dans une clinique, il est devenu peintre en bâtiment, et leur fille Frankie s'inquiète de la disparition soudaine de son chien - sa mère le découvrira écrasé sur la route mais le cachera à l'enfant pour ne pas lui causer de chagrin tandis que son père l'enterrera dans leur jardin. 

Dean et Cindy

Après avoir croisé Bobby Ontario dans un supermarché, Cindy se dispute une énième fois avec Dean. Il tente toutefois de recoller les morceaux entre eux en profitant d'une invitation dans un hôtel où ils passeront la nuit en laissant leur fille à son grand-père. Mais la soirée se passe mal : Cindy reproche à Dean d'avoir renoncé à exploiter ses talents alors que lui estime s'être épanoui dans son rôle de père et de mari, même s'il ne comprend plus pourquoi sa femme le repousse. 

Cindy et Dean

Le lendemain matin, Dean se réveille seul et avec la gueule de bois à l'hôtel mais trouve un mot de Cindy, rappelée à la clinique pour remplacer une collègue. Il la retrouve là-bas et provoque une scène de ménage, s'en prenant violemment au médecin qu'il soupçonne d'être l'amant de sa femme. De retour chez le père de Cindy, elle lui annonce son intention de divorcer. Dévasté, il jure de se racheter mais il est trop tard. Il s'en va alors que sa fille tente de le retenir.

C'est avec ce premier long métrage, produit par ses deux comédiens, que Derek Cianfrance s'est fait remarquer au festival de Sundance. Le cinéaste s'inscrivait dans la tradition du cinéma indépendant, bénéficiant de peu de moyens, mais s'inspirant des méthodes d'un John Cassavettes, en poussant ses interprètes à improviser et en filmant en lumière naturelle et une caméra très mobile pour saisir la vérité et l'urgences des situations.

Si, esthétiquement donc, le résultat souffre un peu de ces contraintes budgétaires, Cianfrance évoque étonnamment un autre film au thème et à la narration éclatée comme le sien : on pense dans ce va-et-vient entre passé et présent pour raconter la lente et inexorable désagrégation d'un couple au superbe Voyage à deux de Stanley Donen (1967). 

A cinq ans d'intervalle, le cinéaste et ses scénaristes exposent, sans vraiment l'expliquer, le gouffre qui s'est creusé entre les amants idylliques du début et le mari et la femme au bord de l'implosion aujourd'hui, l'amertume qui a englouti les sentiments aériens. Blue Valentine exploite habilement son dispositif fragmenté pour souligner ce contraste cruel sans montrer ce qui s'est produit entretemps pour que l'échec soit aussi consommé. C'est un peu frustrant mais intense.

On peut imaginer que la relation de Dean et Cindy a sombré d'abord à cause des milieux sociaux dont ils sont issus : elle vient de la classe moyenne et la maternité l'a empêchée d'accomplir la carrière de médecin qu'elle ambitionnait, il est un prolétaire qui n'avait pas prévu d'être mari et père et ni lui ni le spectateur ne saura jamais si sa fille qu'il aime plus que tout est vraiment la sienne. Tout cela a fini par remonter à la surface et éclater aux visages du couple, les condamnant à la séparation après moult crises.

L'interprétation vibrante de Michelle Williams sert un personnage peu aimable en vérité, déjà un peu triste au temps le plus joyeux de la romance mais dénué ensuite de compassion quand le désamour l'a emporté. Face à elle, Ryan Gosling exprime avec force le désenchantement dans une composition poignante, passant du gentil garçon charmeur à l'époux frustré qui noie son incompréhension dans l'alcool (avec une transformation physique à la clé puisqu'il affiche une calvitie, une moustache et des lunettes qui effacent toute séduction).

Malgré quelques longueurs (la séquence pathétique sur fond de règlements de comptes dans la chambre "futuroscope" de l'hôtel) et une insistance un peu sadique à faire endosser le poids du désastre à cet homme qui n'a que son amour pour excuse, Blue Valentine est un mélodrame intimiste, cruel et mélancolique de qualité, dont l'auteur confirmera les promesses par la suite (le magistral The Place beyond the pines et le plus inégal La Vie entre deux océans).

CRAZY, STUPID, LOVE, de Glenn Ficarra et John Requa (2011)

CRAZY, STUPID, LOVE est un film réalisé par Glenn Ficarra et John Requa.

Le scénario est écrit par Dan Fogelman. La photographie est signée Andrew Dunn. La musique est composée par Christophe Beck.

Dans les rôles principaux, on trouve : Steve Carell (Cal Weaver), Ryan Gosling (Jacob Palmer), Julianne Moore (Emily Weaver), Emma Stone (Hannah Weaver), Kevin Bacon (David Lindhagen), Marisa Tomei (Kate), Jonah Bobo (Robbie Weaver), Analeigh Tipton (Jessica Riley), John Carroll Lynch (Bernie Riley).

 Cal et Emily Weaver
(Steve Carell et Julianne Moore)

Lors d'un dîner en tête à tête au restaurant, Emily Weaver déclare à son mari, Cal, qu'elle veut divorcer car elle l'a trompé avec son collègue, David Lindhagen. D'abord incrédule, Cal quitte le domicile conjugal et s'installe dans un studio où il reçoit ses deux plus jeunes enfants pour mieux les confier à leur baby-sitter, Jessica Riley.

Jacob Palmer et Cal Weaver
(Ryan Gosling et Steve Carell)

Dépité, il noie son amertume dans un bar chic où, monologuant à voix haute sur ses déboires, il attire l'attention de Jacob Palmer, un jeune séducteur. Celui-ci propose à Cal de "reconquérir sa masculinité" en lui apprenant comment charmer à nouveau des femmes.

Kate
(Marisa Tomei)

Après avoir été relooké et instruit par Jacob, Cal devient, contre toute attente, un élève doué et c'est ainsi qu'il convainc Kate, ravissante célibataire, de coucher avec lui. Il collectionne alors les aventures sans lendemain, mais néglige son rôle de père, ne se rendant pas compte que son fils, Robbie est amoureux de sa baby-sitter, Jessica... Laquelle est éprise en secret de Cal !

David Lindhagen et Emily Weaver
(Kevin Bacon et Julianne Moore)

Cependant, Hannah, brillante et jolie étudiante en Droit, subit également une cuisante déconvenue sentimentale quand elle découvre que son petit ami, Richard, lui propose non pas de l'épouser mais une place d'associée dans son cabinet juridique. 

Jacob Palmer et Hannah Weaver
(Ryan Gosling et Emma Stone)

Après avoir bu plus que de raison, elle se jette au cou de Jacob qui lui avait fait la cour, sans succès, quelque temps auparavant. Toutefois, le jeune homme n'entend pas profiter de la situation et il passe la nuit avec Hannah à se confier. Ils s'attachent l'un à l'autre dans les jours qui suivent tandis que Cal, qui a découvert que Kate était un des professeurs de son fils, cherche à le contacter.

Robbie Weaver et Jessica Riley
(Jonah Bobo et Analeigh Tipton)

Encouragé par Robbie, qui n'apprécie pas David Lindhagen, Cal entreprend de reconquérir Emily et lui prépare une fête-surprise à laquelle il convie leur fille aînée. Celle-ci n'est autre que Hannah qui présente à cette occasion Jacob comme son nouveau compagnon - relation que désapprouve Cal. La situation dérape totalement quand Bernie Riley, qui a découvert les sentiments de sa fille, Jessica, pour Cal, surgit pour lui casser la figure, et que David s'invite à la réception. Une bagarre éclate au terme de laquelle tous les hommes, confus, se dispersent et Hannah prend ses distances avec son père.

David Lindhagen, Bernie Riley, Jacob Palmer et Cal Weaver
(Kevin Bacon, John Carroll Lynch, Ryan Gosling et Steve Carell)

Jacob essaie de raisonner Cal plus tard en lui annonçant qu'il va assister avec Hannah, qu'il aime sincèrement, à la remise du diplôme de Robbie. Lors de la cérémonie, l'adolescent commence à prononcer un discours désenchanté sur la folie et la stupidité de croire en l'amour avant que son père ne l'interrompe et explique que c'est au contraire pour ces raisons qu'il faut y croire. Il se réconcilie ainsi avec Emily, éloignant du même coup David, se rabiboche avec Jacob et Hannah, tandis que Robbie reçoit de Jessica une enveloppe contenant des photos d'elle nue pour l'aider à tenir en attendant qu'il trouve une fille de son âge à aimer.

I Love you Philip Morris, le premier long métrage du tandem Glenn Ficarra-John Requa, était une belle promesse avec sa rocambolesque romance homosexuelle, inspiré d'une histoire vraie et brillamment interprétée par Jim Carrey et Ewan McGregor. Il était donc inévitable que les deux cinéastes tentent de reproduire cette recette gagnante en la développant sous la forme d'un film choral.

Hélas ! le procédé, au lieu d'améliorer la formule, ne fait qu'en révéler la mécanique et celle-ci tourne à vide. Puisqu'il se revendique comme une comédie sentimentale, il faut bien admettre que Crazy, Stupid, Love n'est ni drôle ni attachant. Pire encore : c'est un film cruellement dénué de ressort, qui s'étire péniblement, une énième variation sur les jeux de l'amour et du hasard dont le twist à mi-chemin ne suffit pas à masquer l'échec.

Comme c'est le cas dans leurs trois productions à ce jour (en comptant leur dernier effort, le thriller Diversion, 2015), la mise en scène est soignée, la photo clinquante, mais ne fait qu'enrober une narration aux péripéties pataudes, à la morale convenue et même frelatée. La promesse d'un récit sur le transfert d'un type largué par sa femme qui devient un tombeur et de son coach en séduction qui se range avec la seule fille qui a su lui résister et l'écouter est vite expédiée, diluée dans des sous-intrigues sans intérêt (le fils amoureux de la baby-sitter qui, elle, en pince pour le père de famille ; l'épouse infidèle qui n'ose pas assumer son attirance pour un collègue). Les personnages sont plus pathétiques que sympathiques et on a de la peine à éprouver la moindre compassion pour eux.

Si la piètre prestation de Julianne Moore n'a rien d'étonnant vu son peu de disposition naturelle pour le registre comique, Steve Carell est étonnamment terne dans son rôle. Kevin Bacon comme Marisa Tomei héritent de partitions impossibles à défendre tant elles sont sommaires. Il faut regarder ailleurs pour percevoir une étincelle et, en l'occurrence, Crazy, Stupid, Love vaut essentiellement comme l'acte de naissance d'un couple de cinéma devenu depuis évident : Ryan Gosling y montre une auto-dérision remarquable tandis qu'Emma Stone n'a besoin que de quelques scènes pour imposer son charme mutin et son expressivité irrésistible (avec à la clé la meilleure réplique lorsqu'elle découvre, stupéfaite, les abdos sculptés de son partenaire : "On dirait que tu es photoshopé !").

Mais c'est surtout un sentiment de gâchis qui subsiste après ces presque 120 minutes laborieuses au possible. 

LA LA LAND, de Damien Chazelle (2016)

LA LA LAND est un film écrit et réalisé par Damien Chazelle.

La photographie est signée Linus Sandgren. La musique est composée par Justin Hurwitz.

Dans les rôles principaux, on trouve : Emma Stone (Mia Dolan), Ryan Gosling (Sebastian Wilder), John Legend (Keith), Rosemarie DeWitt (Laura Wilder), JK Simmons (Bill), Tom Everett Scott (David).

 Sebastian Wilder
(Ryan Gosling)

Los Angeles. Coincée dans un embouteillage, Mia Dolan, serveuse dans un café attenant aux studios de Hollywood et aspirante actrice, insulte Sebastian Wilder, pianiste de jazz, qui vient de la klaxonner. Peu après, elle arrive à une audition où elle essuie un nouvel échec.

Mia Dolan
(Emma Stone)

Le soir, pour se détendre, elle suit ses trois co-locataires à une fête donnée sur les hauteurs de la ville mais elle s'en va avant la fin. Mia a alors la désagréable surprise de constater que sa voiture a été embarquée par la fourrière et doit rentrer chez elle à pied. En passant devant un restaurant, elle est attirée à l'intérieur par la musique qui en provient et découvre au piano Sebastian se livrant à une superbe improvisation jazz - qui provoque immédiatement après son renvoi par Bill, le patron de l'établissement. Furieux, il quitte l'endroit en bousculant Mia venue à sa rencontre pour le féliciter. 

Mia et Sebastian sur Ferndell Trail

Les semaines suivantes, Mia et Sebastian ont à nouveau l'occasion de se croiser comme cette fois où elle le remarque jouant du clavier avec un groupe ringard dans une réception et se moque de lui. Il ironise quant à lui sur le fait que sa carrière de comédienne n'est pas plus brillante. Quittant la fête ensemble, ils échangent quelques mots, troublés par la ressemblance de leur situation et leur attirance évidente.  

Sebastian et Mia dans les studios de Hollywood

Sebastian retrouve Mia et ils sympathisent en se faisant découvrir leurs passions respectives : elle le guide dans une visite des studios de cinéma en évoquant son plaisir de jouer la comédie ; il l'entraîne dans un club de jazz (musique qu'elle avoue ne pas aimer) pour lui faire comprendre à quel point lui est ému par ceux qui l'interprètent en rêvant d'ouvrir sa propre boîte. 

Mia et Sebastian au "Lighthouse Cafe"

Ils conviennent d'aller au cinéma ensemble, voir La Fureur de vivre, et Mia plaque son fiancé pour rejoindre Sebastian. La projection est abrégée suite à un pépin technique mais ils finissent la soirée à l'Observatoire Griffith (un des décors emblématiques du long métrage) où ils s'embrassent pour la première fois.

Keith
(John Legend)

Encouragée par Sebastian, Mia entreprend d'écrire un one-woman show tandis qu'il décroche une place de pianiste au "Lighthouse Cafe". C'est là qu'il croise une vieille connaissance en la personne de Keith, chanteur et musicien à succès, avec qui il accepte, pour l'argent, de partir en tournée. Les absences prolongées de Sebastian minent Mia jusqu'à ce qu'une dispute éclate entre eux lors d'un dîner où il lui reproche de l'avoir aimé quand il galérait parce que cela la rassurait. Leur rupture est consommée quelques jours plus tard où, retenu pour une séance photo avec le groupe de Keith, Sebastian arrive après la fin de la première sur scène de Mia, qui s'est produite devant une salle quasiment vide.  

Et si ça s'était passé autrement...

La jeune femme, écoeurée, rentre chez elle, auprès de ses parents, à Boulder City, mais Sebastian part l'y rechercher après avoir reçu un appel d'une directrice de casting. Elle se laisse convaincre de saisir cette audition de la dernière chance où elle donne tout ce qu'elle a... 

Chacun de son côté...

Cinq ans passent : Mia est devenue une actrice célèbre, mariée et mère de famille ; Sebastian a ouvert son club. Un soir qu'elle sort avec son époux, David, Mia entre avec lui dans le restaurant tenu par Sebastian : en la remarquant dans la salle, alors qu'il s'installe au piano, il imagine quelle aurait été leur vie commune. Puis elle repart après avoir échangé un dernier regard et un ultime sourire avec son ancien amant.

Je ne vais pas faire durer le suspense : La La Land est bien, pour moi aussi, le chef d'oeuvre encensé par la majorité de la presse et un large public déjà conquis des deux côtés de l'Atlantique.

A présent, pourquoi est-ce si bon ?

Damien Chazelle l'a expliqué dans une interview récemment (publiée dans "Paris Match") : "on ne peut pas faire un film sur Los Angeles sans avoir en tête que c'est la cité des rêves, mais où beaucoup ne se réalisent pas. L'air y est empli de tous ces livres jamais écrits, de ces chansons qui n'ont pas vu le jour, de films jamais tournés." Et donc : "mes héros ne pouvaient pas tout gagner !"

Mais le jeune cinéaste (rappelons quand même que ce prodige n'a que 32 ans !) a par contre remarquablement réussi son film en forme de défi - face au refus des studios, face au "déclinisme" ambiant - et ce, quel que soit le nombre d'Oscar qu'il remportera le 26 Février (il est en lice dans 14 catégories).

Cette réflexion, aussi belle et amère que l'amour peut l'être, sur le succès est explorée dans plusieurs scènes de La La Land à travers des moments aussi humiliants pour Mia et Sebastian que ceux traversés par le héros de son précédent opus, le batteur de Whiplash : des castings cruels pour elle, des prestations minables dans des restos ou des réceptions pour lui. Ce sont donc d'abord leurs échecs qui provoquent la rencontre et la passion amoureuse entre ces deux jeunes rêveurs, qui vont ensuite s'encourager mutuellement - lui pour qu'elle s'écrive un rôle au lieu d'en attendre un à sa hauteur, elle pour qu'il croit en son projet d'ouvrir un club de jazz où il jouera cette musique qu'il adore.

Mais la solidarité qu'ils partagent pour leurs désirs professionnels va aussi révéler et précipiter ce qu'ils exigent de sacrifices sur le plan sentimental. Lorsque Sebastian accepte de jouer dans un groupe de soul-pop (mené par John Legend, évidemment parfait dans son propre personnage) pour l'argent (même s'il doit lui servir justement à financer son futur club), Mia déplorera qu'il brade ainsi son talent et son exigence. Sebastian lui rétorquera cruellement qu'elle l'aimait davantage quand il galérait comme elle, oubliant ensuite d'assister à la première du spectacle de la jeune femme, qui s'est produite devant une salle presque vide. Aussi blessée que vaincue, elle quittera L.A. pour rentrer chez elle, son vrai "chez moi", dans son patelin de Boulder City, auprès de ses parents, loin des désillusions de Hollywood et de son couple. 

En allant la rechercher, Sebastian cherche évidemment autant à se racheter qu'à l'empêcher de passer à côté d'une miraculeuse opportunité professionnelle avec une audition déterminante. Mais, déjà, le sort en est jeté : il restera absent, sur les routes pour une tournée ; elle partira en France pour plusieurs mois répéter et jouer dans un film.

Lorsqu'ils se recroiseront cinq ans plus tard, Mia comme Sebastian ont accompli leurs rêves professionnels, mais au prix de leur amour. Cela en valait-il la peine ? A son piano pour lui, dans la salle du club pour elle, ils imaginent leur vie commune si les choses avaient tourné différemment et cette existence parallèle, fantasmée, inspire au spectateur comme aux héros le même regret tout en permettant de ne pas les quitter, en sortant de la salle (de cette bulle renvoyant à l'expression "to live in La La Land"), sur une note trop triste.

Et on en revient au rêve car fantasmer suffit finalement à les (et à nous) rendre heureux : c'est ainsi qu'ils ont été les plus gais, amoureux, au temps où tout était possible, et c'est en se souvenant de ces moments passés qu'ils le resteront, malgré les regrets.

Chazelle réussit à émouvoir ainsi parce qu'il ancre son récit, ponctué de superbes numéros musicaux dansés et chantés sans jamais verser dans la performance mais en privilégiant le naturel, dans des décors réels (à l'exception, logique, de la séquence onirique finale). Tout en nous entraînant dans la fantaisie colorée et les artifices du pur musical, nous restons comme Mia et Sebastian dans un monde où lieux et sentiments existent, avec vérité.

Entre les références assumées par le cinéaste lui-même (Jacques Demy au premier rang) et celles citées par les critiques et les spectateurs les plus cinéphiles (Vincente Minnelli, Stanley Donen et Gene Kelly), La La Land évoque, je trouve, surtout, par la fluidité virtuose de ses mouvements de caméra et ses plans -séquences magnifiques (où on peut suivre les héros quitter une fête, dialoguer, chanter, danser et se quitter, sans coupure, comme dans cette scène fantastique sur Ferndell Trail, tournée durant "l'heure magique", dans un crépuscule au ciel rosé), à Max Ophüls. Avec ce maître, Chazelle partage une philosophie - "le bonheur n'est pas gai", dixit Maupassant dans Le Plaisir - et un sens du mouvement qui traduit les élans et les tourments de ses personnages. 

Cette alternance entre glamour (les couleurs éclatantes saisies par la photo de Linus Sandgren, le format Scope) et émotion (captée en se concentrant sur le couple), entre beauté et sensibilité, est formidablement exprimée par les deux comédiens principaux, dont la complémentarité et la complicité fait des étincelles (comme si Crazy, Stupid Love et Gangster Squad n'avaient été qu'un échauffement) : Emma Stone rayonne et prouve qu'elle possède une expressivité renversante en plus d'avoir un charme à la fois mutin et bouleversant, tandis que Ryan Gosling révèle derrière une apparente impassibilité et une classe incomparable des nuances incroyables. La sincérité de leur prestation permet sans peine de croire à leur amour digne des grands couples romantiques.

La La Land dépasse l'hommage rétro car Damien Chazelle remixe la romance et le musical en réécrivant les règles de ces deux genres, capable aussi bien d'enchaîner des morceaux de bravoure que de s'en priver pendant toute la dernière partie avant de dégainer une "Audition" magique puis une rêverie enchanteresse et poignante.

C'est avec ce plaisir rare et donc précieux d'avoir assisté à un spectacle aussi euphorisant que mélancolique, également ressentis, qu'on salue les artistes : cette réussite, c'est la signature des chefs d'oeuvre. 

THE NICE GUYS, de Shane Black (2016)

THE NICE GUYS est un film réalisé par Shane Black.

Le scénario est écrit par Shane Black et Anthony Bagazzori, d'après Blue Murder de Brett Halliday. La photographie est signée Philippe Rousselot. La musique est composée par John Ottman et David Buckley.

Dans les rôles principaux, on trouve : Russell Crowe (Jackson Healy), Ryan Gosling (Holland March), Angourie Rice (Holly March), Margaret Qualley (Amelia Kuttner), Kim Basinger (Judith Kuttner), Yaya DaCosta (Tally), Matt Bomer (John Boy), Lois Smith (Mrs. Glenn).

 Holland March et Jackson Healy

(Ryan Gosling et Russell Crowe)

1977. Los Angeles, Californie. Mrs. Glenn embauche le détective privé Holland March pour retrouver sa nièce, Misty Mountains, une actrice porno, qu'elle jure avoir vue vivante alors qu'elle s'est tuée en voiture quelques jours auparavant. Quoique perplexe, mais surtout fauché, il accepte l'affaire et découvre rapidement que la défunte était en relation avec une certaine Amelia Kuttner. Or celle-ci loue les services de Jackson Healy pour ne pas être retrouvée.

 Holly March

(Angourie Rice)

Après avoir découragé, brutalement, March de poursuivre son enquête, Healy est agressé chez lui par deux hommes également aux trousses d'Amelia. Il réussit à les faire fuir, mais retourne voir March pour lui proposer de s'allier afin de tirer cette affaire au clair. La fille du détective, Holly, 13 ans, s'invite dans leurs investigations, malgré les efforts de son père pour l'en tenir éloignée. Mais c'est tous ensemble qu'ils apprennent qu'Amelia et Misty ont participé au tournage d'un film "expérimental", How do you like mu car, big boy ?, pour dénoncer la pollution automobile en ville. La maison du réalisateur de ce court-métrage, Dean, a brûlé et il a péri dans cet incendie. 

 Jackson Healy, Judith Kuttner et Holland March

(Russell Crowe, Kim Basinger et Ryan Gosling)

March et Healy s'incrustent dans une fête donnée par Sid Shattuk, pornographe notoire et producteur du film. Holland découvre accidentellement son cadavre mais il est surpris par Amelia qui s'enfuit en pensant que c'est lui qui l'a abattu. Un tueur à gages, John Boy, est également dans les parages, tandis que Healy doit à nouveau affronter les deux malfrats qui l'avaient déjà agressés chez lui. La police intervient alors et March et Healy sont conduits chez Judith Kuttner, fonctionnaire haut placé au Ministère de la Justice, et mère d'Amelia qu'elle décrit comme une adolescente folle, voulant ruiner sa carrière. 

 Amelia Kuttner

(Margaret Qualley)

Après cette entrevue, Healy montre à March un billet qu'il a trouvé chez Shattuk, dans la boîte d'un film avec Misty, où est écrit l'adresse d'un hôtel où doit certainement se rendre Amelia. Une fois sur place, ils récupèrent, avec chance, la jeune fille, qui a échappé à John Boy. 

 John Boy

(Matt Bomer)

Conduite chez March, elle explique que sa mère veut empêcher la fabrication d'un pot d'échappement catalytique et que le film avait pour but de dénoncer cette magouille. Le court métrage sera projeté lors d'une exposition automobile le lendemain soir. C'est alors que Healy et March sont appelés par Tally, l'assistante de Judith, pour qu'ils procèdent à sa place à la remise d'une rançon de 100 000 $. Mais en rentrant chez lui, le détective découvre que la mallette qu'on leur a remise contient seulement des coupures de papier : c'était une manoeuvre de diversion pour les éloigner pendant que John Boy doit tuer Amelia.

Tally

(Yaya Dacosta)

La mort de la jeune fille et le danger auquel a été exposé Holly convainquent March et Healy de confondre Judith et ses complices. Ils se rendent à l'exposition automobile où le film doit être projeté et affrontent Tally et John Boy qui veulent récupérer les bobines du court métrage. Mais la projection a quand même lieu grâce à Chet, un ami d'Amelia. 

Holland March et Jackson Healy

Malgré le scandale et l'arrestation de Judith, les compagnies automobiles ne sont pas inquiétées, faute de preuves les confondant dans cette magouille. Malgré ça, March propose à Healy de continuer à faire équipe pour sa prochaine affaire et lui présente le flyer qu'il a fait imprimer, les présentant comme "The Nice Guys".

Le projet d'adapter le roman de Brett Halliday remonte à 2001 : Shane Black collabore avec Anthony Bagazzori pour en tirer un script, chacun d'eux se chargeant de développer l'histoire en s'occupant d'un des deux héros (à Black Holland March, à Bagazzori Jackson Healy). Mais le résultat ne convainc aucun grand studio de cinéma et le cinéaste pense alors à en faire une série pour la chaîne télé CBS - sans succès.

Profitant des bonnes critiques recueillies par Kiss Kiss Bang Bang (2005), et soutenu par le producteur Joel Silver, Black ressort en 2009 la première mouture de The Nice Guys et le remanie avec Bagazzori en resituant l'action dans les années 70 et en le proposant à Russell Crowe et Ryan Gosling qui cherchaient un film dont ils partageraient l'affiche. Le tournage peut alors commencer en Octobre 2013, la Warner étant rassuré sur le compte de Black après le carton au box office d'Iron Man 3 qu'il a mis en scène la même année.

Comme KKBB, ce nouvel opus mélange la comédie, la série noire et le buddy movie dans une intrigue tortueuse à souhait, dont le dénouement compte moins en vérité que l'efficacité du divertissement, ponctué de de répliques punchy (Healy à March après avoir découvert le corps de Shattuk : "On vomit d'abord, puis on se débarrasse du corps.", ou ce lapsus hilarant de March : "Munich, c'est un mec à qui on a coupé les couilles.").

Mais derrière l'humour et le polar, Black soigne la caractérisation de ses personnages : ainsi Holland March, détective alcoolique mais perspicace, et Jackson Healy, brute épaisse sans ambition mais se croyant investi d'une mission, sont certes grossiers, minables, déconnectés, ils se méprisent ouvertement l'un l'autre, mais c'est la fille du privé, Holly, gamine irrésistible de treize ans, qui sera leur planche de salut. Il s'agit moins de l'impressionner que de ne pas la décevoir, et c'est en essayant de la protéger qu'ils développeront un véritable rapport de loyauté mutuel.

Les seconds rôles sont davantage réduits à des clichés grotesques mais qu'importe car ils sont pensés d'abord pour être suffisamment mémorables dans un récit méandreux : dans cette catégorie, Matt Bomer (Neal Caffrey dans la série White Collar/FBI : duo très spécial) livre une composition étonnante en tueur tandis que Margaret Qualley (la fille d'Andie McDowell) n'a besoin que de deux scènes pour marquer les esprits. 

La mise en scène de Black a le mérite de ne pas céder à l'illustration facilement nostalgique pour un film recréant les années 70 de façon fantasmée : il glisse dans pratiquement chaque scène un détail, visuel ou narratif, qui requiert l'attention du spectateur pour pleinement apprécier l'ensemble. Ce faisant, le film entraîne ses héros dans une aventure qui les dépasse tellement qu'ils deviennent à la fois drôles et attachants par l'obstination qu'ils déploient à la démêler. 

Et mine de rien, derrière l'apparente légèreté, Shane Black pointe du doigt la corruption des fonctionnaires par les industriels et les gangsters : les deux Nice Guys, détachés au début, s'impliquent de plus en plus quand leurs vies et celles de leurs proches sont compromises par leur enquête. A la fin, c'est devenu une question d'honneur.

Dans la peau de ces deux limiers aussi limités que pugnaces, Russell Crowe (qui redonne la réplique à Kim Basinger 19 ans après L.A. Confidential, de Curtis Hanson), gros ours mal embouché, et Ryan Gosling, père pathétique, sont formidables, n'hésitant pas à écorner leur image (l'ex-Gladiator a pris du ventre, le pilote de Drive a perdu tout son charme ténébreux de cascadeur romantique). A leurs côtés, Angourie Rice leur vole souvent la vedette. 

Dans cet imbroglio où un film est convoité par tous, bons comme méchants, Shane Black produit donc à la fois un film noir déconnant réjouissant et une sorte de manifeste anachronique sur le cinéma dont la "coolitude" est bien plus sincère et engagée qu'elle le paraît en surface. Dommage que le succès ait été tout juste suffisant pour amortir son budget, The Nice Guys aurait pu, comme le voulait à l'évidence son réalisateur, le premier volet d'une nouvelle franchise jubilatoire...

THE PLACE BEYOND THE PINES, de Derek Cianfrance (2013)

THE PLACE BEYOND THE PINES est un film réalisé par Derek Cianfrance.

Le scénario est écrit par Derek Cianfrance, Ben Coccio et Darius Marder. La photographie est signée Sean Bobbitt. La musique est composée par Mike Patton.

Dans les rôles principaux, on trouve : Ryan Gosling (Luke Glanton), Bradley Cooper (Avery Cross), Eva Mendes (Romina), Rose Byrne (Jennifer Cross), Mahershala Ali (Kofi), Ray Liotta (Pete DeLucca), Bruce Greenwood (Bill Killcullen), Dane Dehaan (Jason Glanton), Emory Cohen (AJ Cross).

Luke Glanton est un cascadeur qui réalise, avec deux partenaires, un spectaculaire numéro à moto dans un cirque itinérant. Il se produit dans un patelin aux environs de New York, Shenectady, où il s'est déjà produit un an auparavant.

Luke Glanton et Romina
(Ryan Gosling et Eva Mendes)

Il retrouve Romina, avec qui il avait eu une liaison, une jeune serveuse, Romina, dont il découvre qu'elle lui a donné un fils, Jason. Mais la jeune femme a refait sa vie en couple avec Kofi.

Pour Luke, la paternité est une remise en question fondamentale et il quitte le cirque pour être prêt de son enfant, espérant aussi reconquérir Romina. Il est engagé par un garagiste du coin, qui ne tarde pas à lui proposer de commettre ensemble des braquages. Après avoir d'abord refusé, Luke comprend que l'argent lui permettrait de subvenir aux besoins de la famille qu'il veut former.

Mais après une altercation avec Kofi, il est chassé par Romina. Se fâchant avec le garagiste, qui a détruit sa moto quand Luke lui a annoncé vouloir renoncer aux braquages, il décide d'attaquer seul une nouvelle banque. Son dernier coup, pense-t-il, avec le butin duquel il espère combler son fils et la femme qu'il aime.

Avery Cross
(Bradley Cooper)

Mais, en tentant d'échapper à la police, Luke est traqué par un agent, Avery Cross, qui le neutralise. Le flic devient, grâce à cet acte de bravoure, au cours duquel il est blessé, un héros et il tente, grâce cela, de négocier une promotion qui lui est malgré tout refusée.

Jennifer Cross
(Rose Byrne)

Avery est frustré, d'autant plus que son épouse, Jennifer, supporte mal sa popularité, dont ses collègues se servent pour abuser de leurs pouvoirs en tracassant Romina, chez qui se trouve une partie de l'argent volé par Luke.

Cross découvre que plusieurs de ses homologues, y compris son chef, sont corrompus, et décide de les faire traduire en justice, quitte à sacrifier sa carrière - mais en obtenant du procureur une place dans son bureau. L'affaire éclate, c'est un scandale, mais Avery n'est pas compromis.

AJ Cross et Jason Glanton
(Emory Cohen et Dane Dehaan)

Quinze ans passent. Avery enterre son père, magistrat intègre et réputé à qui il succède. Divorcé, il accepte la garde de son fils, AJ, que sa mère n'arrive plus à discipliner. A l'école, il devient l'ami de Jason, issu d'un milieu plus modeste, mais qui lui fournit occasionnellement de la drogue. 

Lorsqu'il l'invite à une fête chez lui, AJ ingore qu'il va permettre à Jason de découvrir que son père était Luke. Cette révélation va bouleverser tous les protagonistes...

Cette fresque de 135' est découpée en trois actes dont l'action se déroule sur une quinzaine d'années et impacte deux générations de personnages. Mais, en vérité, que l'époque à laquelle l'histoire se déroule ne vous trompe pas : Derek Cianfrance a bel et bien réalisé un (post) western avec ce drame où la fatalité poursuit deux pères et leurs fils.

Le scénario, écrit par Cianfrance, Ben Coccio et Darius Marder, est audacieux, moins par sa construction (linéaire) que par sa progression : au bout de 3/4 d'heures où on suit le personnage du motard Luke Glanton (joué avec un magnétisme impressionnant par Ryan Gosling), un coup de théâtre fait basculer le film en l'orientant de manière très risquée. On se demande alors comment les auteurs vont enchaîner et continuer à pouvoir développer aussi puissamment leur intrigue.

Pourtant ils parviennent à rebondir en dressant le portrait aussi passionnant d'un personnage de policier ambitieux qui profite d'un moment de gloire pour gravir les échelons (Bradley Cooper est également excellent dans ce rôle ingrat mais charismatique). L'acte deux se déploie alors, s'éloignant radicalement du précédent : le spectateur sait que ces deux pistes narratives vont se rejoindre mais sans savoir comment. Sinon par un nouveau tour de force scénaristique...

Une ellipse de quinze ans et c'est le troisième et dernier acte : les héros en sont les fils du motard et du policier, le film révèle alors son thème pivotal - la prédestination - de façon magistrale. Ce que les pères produisent, les fils sont-ils condamnés à le reproduire ? Cette interrogation est creusée avec une exceptionnelle intelligence, une intensité dramatique poignante, et son dénouement est bouleversant sans céder à aucune facilité. Ce mélange de sobriété et de souffle romanesque est l'oeuvre d'un cinéaste qui perpétue le grand cinéma classique américain où l'espace et le temps encadrent le sort des individus qui les traversent. Le patelin qui est le théâtre de ce récit a pour nom Shenectady, ce qui signifie en dialecte iroquois "l'endroit au-delà des pins" ("the place beyond the pines"), avec donc cette forêt où Luke, Avery et Jason reviennent sans cesse et où s'écrivent leurs destins.

Les plans majestueusement composés, avec une photographie sublime (de Sean Bobbitt), le souffle à la fois épique et intimiste, mais aussi la justesse mesurée du traitement, le casting fourni et impeccablement dirigé (tous les seconds rôles sont formidables : Eva Mendes, Rose Byrne, Mahershala Ali, Ray Liotta, Bruce Greenwood, et surtout les deux "juniors" : Dane Dehaan et Emory Cohen), tout participe à la grande cohérence esthétique et narrative, aboutit à une émotion vibrante précisément contenue.

Rarement a-t-on l'occasion de regarder un film réunissant autant d'atouts et les exploitant aussi brillamment : c'est le sentiment qui vous saisit devant l'oeuvre d'un cinéaste au sommet de son art ou face à un deuxième film comme celui-ci qui a tout d'un "instant classic". De quoi surveiller avec appétit le prochain effort de Derek Cianfrance.

DRIVE, de Nicolas Winding Refn (2011)

DRIVE est un film réalisé par Nicolas Winding Refn. 

Le scénario est adapté par Hossein Amini du roman du même nom de James Sallis. La photographie est signée Newton Thomas Siegel. La musique originale est composée par Cliff Martinez.

Dans les rôles principaux, on trouve : Ryan Gosling (le chauffeur), Carey Mulligan (Irene), Bryan Cranston (Shannon), Oscar Isaac (Standard), Christina Hendricks (Blanche), Albert Brooks (Bernie Rose).

Le chauffeur
(Ryan Gosling)

Il n'a pas de nom mais c'est un chauffeur automobile qui met ses talents au service de cascades pour des films de cinéma le jour et de braqueurs la nuit. Entre ses deux activités, il travaille dans un garage, tenu par son ami Shannon, même si ce dernier ne sait rien de sa vie nocturne.

Shannon
(Bryan Cranston)

Néanmoins, convaincu du talent du jeune homme, ledit Shannon souhaiterait qu'il participe à des courses automobiles et, pour financer ce projet, il se résout à demander le soutien d'un gangster, Bernie Rose. 

Bernie Rose et le chauffeur
(Albert Brooks et Ryan Gosling)

Le chauffeur vit dans un appartement modeste, voisin d'une jeune mère célibataire, Irene, qui élève son garçon, Benicio.  

Benicio, Irene et le chauffeur
(Kaden Leos, Carey Mulligan et Ryan Gosling)

Le mari d'Irene, Standard, sort de prison peu après. Il est heureux de retrouver sa femme et son fils et résolu à demeurer désormais dans le droit chemin. Mais son passé le rattrape vite : un malfrat, Cook, qui le protégeait derrière les barreaux, menace de tuer Irene et Benicio s'il ne participe pas à un braquage pour le rembourser.

Standard et le chauffeur
(Oscar Isaac et Ryan Gosling)

Par amitié (ou amour ?) pour Irene, le chauffeur offre ses services à Standard. Grâce à Blanche, une complice, ils ciblent un prêteur sur gages pour le voler mais la situation dégénère.  Standard est abattu, mais le chauffeur récupère le magot, d'un montant d'un million de dollars (au lieu des 40 000 prévus). Il est poursuivi par une autre voiture qu'il réussit à semer avec difficulté. Cela signifie que l'affaire est plus dangereuse qu'il ne l'avait pensée.

Blanche
(Christina Hendricks)

Blanche, rudoyée par le chauffeur, avoue que les hommes de Cook sont à leurs trousses pour se débarrasser d'eux et mettre la main sur le fric. Les malfrats surgissent dans le motel où ils se sont cachés, prévenus par Blanche. Le chauffeur parvient à les tuer mais Blanche meurt.

Le chauffeur règle ses comptes... Au marteau !

Le chauffeur va ensuite affronter Cook, qui n'est que le lieutenant de Nino, un proche de Bernie Rose. Puis il va retrouver Irene qu'il sauve in extremis de deux hommes de mains, tandis que Nino explique à Bernie qu'il faut exécuter Shannon et le chauffeur. 

Après avoir découvert le cadavre de Shannon, le chauffeur poursuit en voiture Nino qu'il finit par envoyer dans l'océan. Il téléphone à Irene en lui avouant ses sentiments puis va s'expliquer définitivement avec Bernie pour qu'il laisse la jeune femme et son fils tranquilles... 

Irene et le chauffeur

Il en va parfois de la réussite d'un film comme de l'alignement des planètes : le résultat tient à pas grand-chose, relève quasiment du miracle. Drive en est la parfaite et brillante démonstration.

  

Le début du film contient en germe tout ce qui en fait la singulière qualité. La séquence d'ouverture est à la fois simple et accrocheuse, et Nicolas Winding Refn la réalise si bien qu'il gagne son pari dès ces premières minutes. Pourtant la figure de la course-poursuite, qui sera déclinée ensuite dans l'intrigue, est un cliché du genre, mais elle est ici enrichie et épurée à la fois, notamment par la grâce de a bande-son qui mêle le vrombissement du moteur, le crissement des pneus et la musique entêtante (avec la chanson Nightcall de Kavinsky). Dans le décor nocturne d'une ville aux allures de forêt urbaine (ce Los Angeles déjà si bien filmé par Michael Mann), le bolide se joue des voitures et hélicoptères de la police jusqu'à ce que le chauffeur sans nom mette les deux braqueurs qu'il a véhiculés à l'abri dans un parking souterrain et ne quitte la scène. 

Ce prologue, stylé, séduit par sa modestie : le cinéaste danois ne prétend pas réinventer les codes du polar, il fait même preuve d'une salutaire humilité et se réfère davantage en vérité à des réalisateurs de série B comme Joseph H. Lewis ou Don Siegel que des auteurs plus modernes comme Mann ou Tarantino. Son héros correspond aussi à cette catégorie de film : un solitaire taiseux mais qui ne manque pas de culot, sûr de son talent bien spécial, qu'il met en pratique comme cascadeur à Hollywood, chauffeur de braqueurs ou mécanicien. Cet homme sans passé, sans identité, sans attaches, travaille pour un garagiste dont la claudication semble être le stigmate d'une ancienne vie semblable à celle de son protégé.  

Si sa voiture semble être le prolongement physique de ce driver, la machine semble soudain connaître sa première faille lorsqu'il fait la connaissance de sa jolie voisine (interprétée par Carey Mulligan dont la délicatesse ferait, il est vrai, fondre n'importe quel homme) au regard triste. Pourtant, il s'éclipse dès que son mari réapparaît... Pour mieux leur porter secours quand ce dernier est impliqué dans une sale affaire. Son attitude à la fois fuyante et sentimentale interroge, tout comme elle sidère quand après une scène d'un tendre romantisme il laisse exploser toute sa violence contre des malfrats menaçant sa belle : le moment est inoubliable.

Le rôle a valu à Ryan Gosling d'être comparé à Steve McQueen, mais McQueen était un tigre à la virilité héritée d'une jeunesse difficile. Pourtant, il impose quelque chose de plus féminin, une silhouette svelte, fragile presque, à la fois flegmatique et timide. Ce qui ne fait que souligner le bouillonnement qui semble l'habiter et le rend crédible en chevalier au grand coeur mais à la brutalité bien réelle. Son look se distingue par un blouson argenté au dos duquel est dessiné un scorpion, arthropode à la symbolique riche - combatif, passionné, mystérieux, il représentait Selkis dans la mythologie égyptienne.

Winding Refn aime visiblement jouer avec ces archétypes pour mieux brouiller leur signification. Les crédits du générique sont écrits en rose, la musique électronique cite le disco et donne ainsi l'impression que l'histoire qui est censée se dérouler de nos jours se situe dans les années 80. Sans cesse, le film navigue entre l'hommage et le pastiche, réécrit plutôt qu'il ne créé. Mais il le fait davantage en retranchant qu'en ajoutant, comme le scénario d'Hossein Amini qui a complètement retaillé le roman de James Sallis (dont la narration était dominée par des flash-backs alors qu'ici elle est linéaire).

Ainsi désossé, Drive impose son mouvement au spectateur comme son action à ses personnages, filant droit, sans concessions, hypnotique plutôt que spectaculaire. On est alors comme le passager de ce récit qui définit avec à-propos la mission du cinéma : nous emmener ailleurs.

GANGSTER SQUAD, de Ruben Fleischer (2013)

GANGSTER SQUAD est un film réalisé par Ruben Fleischer.

Le scénario est écrit par Will Beall, d'après le livre de Paul Lieberman. La photographie est signée Dion Beebe. La musique est composée par Steve Jablonsky.

Dans les rôles principaux, on trouve : Josh Brolin (John O'Mara), Ryan Gosling (Jerry Wooters), Emma Stone (Grace Faraday), Sean Penn (Mickey Cohen), Nick Nolte (Bill Parker), Mireille Enos (Connie O'Mara), Anthony Mackie (Coleman Harris), Giovanni Ribisi (Conwell Keeler), Robert Patrick (Max Kennard), Michael Peña (Navidad Ramirez).

Sergent John O'Mara
(Josh Brolin)

Los Angeles (Californie), 1949. Le mafieux Mickey Cohen tient la ville en corrompant la police et en orchestrant divers trafics, défiant la pègre basée à Chicago dont il juge les méthodes et le fonctionnement dépassés.

Le chef de la police Bill Parker
(Nick Nolte)

Pourtant un flic, ancien soldat durant la guerre du Pacifique, John O'Mara, n'accepte pas cette situation et rue dans les brancards. La sanction est immédiate : sa hiérarchie le rappelle à l'ordre. Mais le chef de la police, Bill Parker, lui confie alors une mission : harceler Mickey Cohen en bousillant son business pour le pousser à la faute et l'arrêter dans les règles.

John et Connie O'Mara
(Josh Brolin et Mireille Enos)

O'Mara recrute, avec les conseils de son épouse Connie, plusieurs officiers de police qui n'ont rien à perdre et partagent ses convictions, prêts à travailler sans couverture. 

La "Gangster Squad" au complet (de gauche à droite) :
John O'Mara, Max Kennard, Coleman Harris, Navidad Ramirez,
Jerry Wooters et Conwell Keeler
(Josh Brolin, Robert Patrick, Anthony Mackie, Michael Peña,
Ryan Gosling et Giovanni Ribisi)

Son meilleur ami, un flic désabusé, Jerry Wooters, qui a une liaison avec la petite amie de Cohen, Grace Faraday, hésite à prendre parti, convaincu que la ville est perdue.

Grace Faraday et Jerry Wooters
(Emma Stone et Ryan Gosling)

Il se joindra finalement à la cause après la mort d'un de ses proches dans la guerre ouverte entre cette brigade spéciale et les hommes de main du malfrat.  

Malgré les doutes passagers de certains membres de l'équipe pour qui agir de la sorte n'est pas évident même pour neutraliser un gangster, John O'Mara tient bon face à Mickey Cohen jusqu'à leur affrontement final. Qui en sortira vainqueur ?

Mickey Cohen et John O'Mara
(Sean Penn et Josh Brolin)

Le film s'inspire de faits réels transcrits dans le livre du même nom de Paul Liebermann dont l'adaptation a été signée par Will Beall. A partir de cela, la production a sollicité successivement Ben Affleck puis Darren Arronovsky avec l'ambition de rendre un hommage aux séries noires des années 50.

Ce fut donc une surprise de voir le projet confié à Ruben Fleischer, spécialisé dans la comédie (Bienvenue à Zombieland), mais il pouvait s'appuyer sur un chef opérateur solide comme Dion Beebe (Collateral de Michael Mann, Chicago de Rob Marshall). A eux deux, ils ont su donner à Gangster Squad un style musclé, à l'ambiance rétro et majoritairement nocturne, même si le cinéaste a parfois inutilement abusé de quelques effets (les ralentis pour les fusillades).

Pourtant, il se dégage du résultat une impression de cinéma direct renforcée par une narration simple, linéaire. C'est une limite car jamais le film ne décolle vraiment, et n'égale pas ses références (Les Incorruptibles de Brian De Palma), mais c'est aussi son principal atout, une certaine humilité envers le genre. 

Les personnages sont ainsi basiquement caractérisés, correspondant aux clichés qu'on attend : le flic pugnace et rugueux (Josh Brolin, excellent dans une composition minimaliste qui rappelle Charles Bronson), son meilleur ami désinvolte et charmeur (Ryan Gosling, parfait dans ce registre cool), les membres de l'escouade bien typés (le vieux cowboy Robert Patrick, le rookie latino Michael Peña, le black teigneux Anthony Mackie, le technicien ingénieux Giovanni Ribisi : tous impeccables), la femme fatale (Emma Stone, renversante de glamour avec sa jupe fendue rouge et sa frange rousse, fumant sensuellement ses cigarettes), le méchant absolu (Sean Penn qui en fait des caisses, doté d'une invraisemblable prothèse nasale : le seul bémol du casting car son jeu est trop caricatural)...

L'intrigue repose sur un harcèlement et culmine logiquement dans une fusillade d'anthologie, rien de surprenant donc, mais c'est divertissant, mené sur un rythme soutenu, on ne s'ennuie pas. J'aurai aimé que le scénario prenne un peu de temps pour creuser les dilemmes de certains personnages tiraillés entre l'envie de stopper leur ennemi et les méthodes employés pour ça. Cela se résume ici aux brefs échanges entre O'Mara et Wooters, et un peu avec Keeler : pour l'un, la fin justifie les moyens, le boulot de flic est une extension de son devoir de soldat ; pour l'autre, il s'agit de protéger la femme qu'il aime et aussi de "protéger et servir" comme l'indique la devise de la police.

Esquivant ces interrogations, le polar bascule in fine dans le western le plus classique, mais Gangster Squad a le bon sens de ne pas vouloir être plus qu'il n'est : une série B efficace. A condition de l'estimer à sa juste mesure, on l'appréciera lucidement.