MOONRISE KINGDOM, de Wes Anderson (2012)

MOONRISE KINGDOM est un film réalisé par Wes Anderson.

Le scénario est écrit par Wes Anderson et Roman Coppola. La photographie est signée Robert Yeoman. La musique est composée par Alexandre Desplat.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jared Gilman (Sam Shakusky), Kara Hayward (Suzy Bishop), Edward Norton (Randy Ward), Bruce Willis (capitaine Sharp), Frances McDormand (Mrs. Laura Bishop), Bill Murray (Mr. Walter Bishop), Tilda Swinton (l'Action Sociale), Jason Schwartzman (cousin Ben), Harvey Keitel (commandant Pierce), Bob Balaban (le narrateur).

 Suzy Bishop et Sam Shakusky

(Kara Hayward et Jared Gilman)

Du 3 au 5 Septembre 1965. Île de New Penzance, Nouvelle-Angleterre. Sam Shakusky, orphelin de 12 ans, fait partie du camp de scout Ivanhoé dirigé par le chef Randy Ward. Suzy Bishop, 12 ans aussi, vit sur l'île avec ses parents, deux avocats, et ses trois frères. Les deux gamins sont amoureux depuis un an, lorsqu'ils se sont rencontrés à une représentation théâtrale dans l'église locale.

Le chef Randy Ward et sa troupe de scouts

(Edward Norton)

Ils ont entretenu leur romance en correspondant et, par ce courrier, ils ont organisés leur fugue. Sam apporte le matériel pour camper et cuisiner, Suzy emmène sa paire de jumelles, ses six romans favoris, son chaton et le tourne-disque à batterie de son frère. 

Suzy et Sam

Leur périple les conduit dans les bois où ils affrontent des scouts d'un camp rival et sèment ceux lancés à leur recherche par le chef Ward. Rien ne saurait les faire dévier de leur objectif : gagner une crique isolée de l'île où ils espèrent être tranquilles et qu'ils décident de rebaptiser "Moonrise Kingdom" ("le Royaume du lever du soleil"). Ils y installent leur tente, écoutent de la musique (Le Temps de l'amour de Françoise Hardy), dansent en sous-vêtements (après avoir plongé dans l'eau tout habillés) et s'embrassent pour la première fois. 

Mr. et Mrs Bishop, Randy et le capitaine Sharp

(Bill Murray, Frances McDormand, Edward Norton et Bruce Willis)

Les parents de Suzy, le chef Ward et le capitaine de police Sharp (qui est aussi l'amant de Mrs. Bishop) trouvent les deux enfants dans la crique. Suzy rentre avec ses parents mais la famille adoptive de Sam refuse de le reprendre. Le garçon reste avec Sharp en attendant l'arrivée de la représentante de l'Action Sociale - qui a fait savoir qu'elle entendait le placer dans un refuge pour mineurs difficiles où il subira un traitement à base d'électrochocs.

L'Action Sociale

(Tilda Swinton)

Les camarades scouts de Sam, qui ne l'appréciaient guère jusque-là, décident de l'aider à échapper à ce terrible sort et, avec Suzy, volent une barque à bord de laquelle ils rejoignent le camp de Fort Lebanon où se trouve le cousin Ben. Celui-ci accepte de les marier et organisent la suite de leur fuite, tandis que le commandant du camp, Pierce, apprend par radio que Ward a désormais perdu toute sa troupe.

Le cousin Ben, Sam et Suzy

(Jason Schwartzman, Jared Gilman et Kara Hayward)

Le temps se gâte : la tempête annoncée depuis le 3 Septembre s'abat maintenant sur l'île et contrarie la cavale de Sam et Suzy. Ils se réfugient avec leurs complices dans l'église puis, quand ils y sont localisés par Sharp, Ward, les Bishop et l'Action Sociale, grimpent dans le clocher.  

Sam et le capitaine Sharp

Sharp les convainc d'en descendre avant d'être foudroyés, ayant obtenu, avec le soutien des Bishop, de devenir le tuteur de Sam. Ainsi pourra-t-il rester en contact avec Suzy...

Le septième opus de Wes Anderson est sorti deux ans après son premier film d'animation, le jubilatoire Fantastic Mr. Fox. Il s'agissait pour le cinéaste de confirmer son retour en grâce : mission accomplie dès les premières scènes, dans lesquelles on retrouve sa mise en scène inimitable, avec ses travellings latéraux, son esthétique précieuse, son casting de stars, ses ambiances décalées.

Comme beaucoup de cinéastes, Anderson éprouve une fascination pour les îles au large de la Nouvelle-Angleterre (où Roman Polanski a planté ses caméras pour son magistral The Ghostwriter et Martin Scorsese pour son adaptation hystérique du Shutter Island de Dennis Lehane). Mais en vérité, toute l'oeuvre du réalisateur a toujours eu un aspect insulaire, ses héros vivant souvent leurs aventures dans des espaces détachés du monde réel où qu'ils transforment en terrains de jeux à leur image (le campus dans Rushmore, la demeure de La Famille Tenenbaum, le sous-marin "Belafonte" de La Vie aquatique, le train d'A Bord du Darjeeling Limited).

Avec Moonrise Kingdom, Anderson pousse cette figure de style encore plus loin en situant l'action dans des camps scouts et une crique perdue, cette dernière figurant un sanctuaire abritant le premier amour de ses deux jeunes fugueurs.

Sam et Suzy sont deux héros "andersoniens" par excellence : introvertis mais géniaux, incompris mais pleins de ressources. La différence, c'est que cette fois le cinéaste ne se contente pas d'animer des adultes restés des mômes inconsolables, il met en scène deux gamins de douze ans. Elle est une lolita boudeuse et rebelle, lui un garçon malin et bonhomme, et leurs looks racontent beaucoup d'eux-mêmes - elle, élégante dans sa robe rose et ses petites valises, lui dans son uniforme kaki garni de badges (dont on devine qu'ils signifient tous quelque chose de précis - comme la broche qui a appartenu à sa mère biologique). Cette présentation visuelle permet à Anderson d'éviter toute explication psychologique, le spectateur sait quasi-immédiatement à qui il a affaire. L'interprétation formidable de Jared Gilman et Kara Hayward fait le reste : ils sont tout simplement épatants.

Leur prestation est d'autant plus remarquable qu'ils sont entourés par des comédiens de haute volée : on y trouve des habitués (Jason Schwartzman, Bill Murray - et je ne saurai que trop vous conseiller les bonus du DVD parmi lesquels il donne une interview hilarante en nous faisant visiter les sites du tournage et en nous révélant pourquoi Wes Anderson a tenu à faire porter à tous ses acteurs des pantalons trop courts...), et de prestigieux nouveaux venus (Edward Norton, Tilda Swinton - qui reviendront dans le film suivant, The Grand Budapest Hotel - , Frances McDormand, Harvey Keitel, Bob Balaban, et un fabuleux Bruce Willis, qui tourne en dérision son emploi de flic). 

Mélangeant à la perfection idéalisme et dérision, le film est une bulle défiant la réalité, une mécanique fragile mais précise, qui résume la démarche d'Anderson : une oeuvre marginale, à part, qui fonctionne en autarcie comme les scouts sur l'île de New Penzance ignorent le continent, invoquent le paradis perdu d'une Amérique encore innocente et prospère dans les années 60.

Cette vision miniaturisée du monde (camps scouts isolés, cabanes dans les arbres, maisons au milieu de nulle part, église) abonde en symboles pop, agit comme une galerie vintage au charme puissant parce qu'assemblés avec maniaquerie. Pour synthétiser cela, il suffit d'observer les bagages de Suzy et le paquetage de Sam, un invraisemblable bric-à-brac mais qui révèle un esprit logique autant que sentimental et structure l'esthétique de l'ensemble.

Les deux enfants ne fuient pas tant les autres que la tristesse et l'ennui qu'ils ont remarqué chez les adultes, leur quête vise un tête-à-tête intime, et l'assurance de leurs sentiments contraste avec le branle-bas de combat qui agite ensuite leurs poursuivants. Tous ceux qui leur courent après le font par culpabilité (le chef Ward, qui apprend que Sam est orphelin), par compassion (le capitaine Sharp qui refuse qu'on maltraite Sam et qui veut protéger Suzy car l'amour qu'il a pour sa mère est sans espoir), ou pour appliquer sans discernement la procédure (l'Action Sociale, prête à tout pour mater ces garnements).

Au déchaînement des éléments répond un affolement du rythme : dans sa dernière partie, Moonrise Kingdom emprunte aussi bien aux cartoons loufoques qu'au film catastrophe et au (micro) drame. Mais Wes Anderson conclut sur une note poignante quand il dévoile le tableau que peint Sam pour (et chez) Suzy et qui représente la crique désormais rayée de la carte de leur escapade romantique : cette image témoigne d'un sentiment évoqué avec une pudeur exemplaire - la nostalgie.  

A BORD DU DARJEELING LIMITED, de Wes Anderson (2008)

A BORD DU DARJEELING LIMITED (Darjeeling Limited) est un film réalisé par Wes Anderson.

Le scénario est écrit par Wes Anderson, Roman Coppola et Jason Schwartzman. La photographie est signée Robert Yeoman. La musique est composée d'extraits des bandes originales des films de Satyajit Ray et James Ivory, et de plusieurs chansons.

Dans les rôles principaux, on trouve : Adrien Brody (Peter Whitman), Jason Schwartzman (Jack Whitman), Owen Wilson (Francis Whitman), Anjelica Huston (Patricia Whitman), Amara Karan (Rita), Waris Ahluwalia (le chef steward du "Darjeeling Limited"), Barbet Schroeder (le mécanicien), Bill Murray (le businessman), Natalie Portman (l'ex-fiancée de Jack). 

HÔTEL CHEVALIER est un court métrage écrit et réalisé par Wes Anderson, qui est le prologue de A Bord du Darjeeling Limited. La photographie est signée Robert Yeoman.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jason Schwartzman (Jack Whitman) et Natalie Portman (son ex-fiancée).

Jack Whitman et son ex-fiancée

(Jason Schwartzman et Natalie Portman)

Jack Whitman s'est installé dans la suite d'un palace parisien depuis la mort de son père. Il reçoit un appel téléphonique de son ex-fiancée qui a appris où il se trouvait et veut le voir. Lorsqu'elle arrive, ils s'étreignent, plus pour se réconcilier que pour vraiment renouer.

La réalisation de ce court métrage est curieuse : Wes Anderson en a l'idée en 2005 et il l'écrit rapidement pour un de ses acteurs fétiches, Jason Schwartzman. L'objectif est de tourner vite, à la manière d'un film de fin d'études. Il recrute une équipe réduite, dont son chef opérateur habituel, Robert Yeoman, deux caméras, un preneur de son, et passe un accord avec le bagagiste Louis Vuitton pour disposer d'accessoires qu'il re-designe avec leur équipe.

Ayant remarqué Natalie Portman dans le film de Mike Nichols, Closer (entre adultes consentants), la même année, il la rencontre grâce au producteur Scott Rudin et la convainc de rejoindre l'aventure. Elle rejoindra Paris avec les cheveux courts, tels qu'elle les porte depuis le tournage de V pour vendetta de James McTeigue (2006).

L'affaire est bouclée en deux jours, mais Anderson ne sait pas ensuite comment exploiter ce court métrage. Le personnage de Jack lui a donné envie de l'intégrer au scénario qu'il développe pour son nouveau film, co-écrit avec Roman Coppola, A bord du Darjeeling Limited, mais il ne souhaite pas pourtant l'intégrer au projet car il sait que ces treize minutes forment un bloc trop différent par rapport à l'intrigue.

Finalement, le résultat est projeté en ouverture du film lors du festival de Venise puis mis en ligne le lendemain sur Internet. Il bénéficie immédiatement d'un nombre considérables de vues et de commentaires élogieux. Anderson choisit alors de garder cette formule de présentation : Hôtel Chevalier est diffusé juste avant A bord du Darjeeling Limited en salles et figure parmi les bonus du DVD.

Un débat agite les fans du court métrage et ceux du long : les uns adorent le premier mais trouvent le second décevant en comparaison, et vice-versa. Une autre polémique surgit lorsque Natalie Portman se plaint au sujet des critiques qui insistent surtout sur le fait qu'elle apparaît nue, même si on loue aussi sa prestation subtile et comique. Elle figure, très fugacement, dans A bord du Darjeeling limited, où son personnage est régulièrement évoqué.

Quoi qu'il en soit, c'est une authentique merveille, à la fois romantique et mystérieuse, qui peut s'apprécier de façon autonome, mais aussi complète singulièrement le long métrage. Pour ma part, la question ne se pose pas de les comparer : j'aime autant l'un que l'autre, avec leurs qualités propres. La réalisation de Wes Anderson y est toujours aussi raffinée, précise, avec une crudité inédite (la nudité de Portman effectivement, mais aussi l'étreinte qui a précédé entre elle et Schwartzman). La fin est absurde (Jack montre la vue qu'il a de Paris depuis le balcon de sa suite : en fait, elle est bouchée par la façade de l'hôtel voisin) et dégage un mélange de mélancolie et de sérénité étonnant.

Après ça, changement complet d'ambiance et de décor : direction l'Inde ! 

Le Businessman

(Bill Murray)

Un businessman grimpe dans un taxi et il est conduit à toute allure jusqu'à la gare. Il se précipite pour rattraper son train avant d'être dépassé par un jeune homme qu'il réussit à y monter alors que le véhicule a déjà démarré. L'homme d'affaires reste, désoeuvré, sur le quai.

A bord du "Darjeeling Limited", le jeune homme embarqué in extremis, Peter Whitman, retrouve ses deux frères, Jack, surnommé "le loup solitaire", qui a quitté Paris où il s'est réconcilié avec son ex-fiancée, et Francis, qui a planifié tout ce périple alors qu'il a survécu par miracle à un terrible accident à moto.

 Jack, Francis et Peter Whitman

(Jason Schwartzman, Owen Wilson et Adrien Brody)

Francis a caché à Jack et Peter la finalité du voyage mais réglé toutes ses étapes avec son assistant, Brendan, qui occupe une cabine dans un autre compartiment. Les trois frères traversent l'Inde et sont bouleversés par ses couleurs, ses odeurs, sa population, mais la tension est palpable entre eux.

Francis reproche à Peter de s'être approprié des objets de leur défunt père (ses lunettes de vue qu'il porte malgré les migraines qu'elles lui infligent, son rasoir), Peter est excédé par la maniaquerie de Francis (ils en viendront aux mains, malgré les blessures de ce dernier), et Jack essaie de compenser l'interdiction de fumer que leur a signifié le chef steward du train en séduisant et couchant avec la belle Rita, hôtesse du compartiment (et compagne dudit steward).

Rita

(Amara Karan)

Les disputes et l'indiscipline des trois frères leur valent d'abord d'être consignés dans leur cabine puis expulsés du train. Résolus malgré tout à continuer à pied pour gagner le monastère himalayien où s'est retirée leur mère, Patricia, comme le leur révèle finalement Francis, ils se rappellent alors les circonstances désastreuses dans lesquelles leur père a été enterré - obsèques auxquelles leur mère avait refusées de se rendre justement : ils veulent s'en expliquer avec elle. 

Peter, Francis et Jack

Francis avoue aussi que l'accident dont il porte les séquelles était en fait une tentative de suicide, Peter explique que sa femme, Alice, est enceinte de sept mois et demi, et Jack raconte qu'il revu à Paris son ex.

(Au centre) Patricia Whitman

(Anjelica Huston)

Après un détour par un village où ils ont ramené un garçon qui s'est noyé sous leurs yeux et dont le père a voulu qu'ils soient présent pour ses funérailles, Francis, Peter et Jack atteignent enfin la retraite de leur mère. Elle entend leurs reproches sans chercher leur pardon, mais obtenant qu'ils se réconcilient tous les quatre.

Le lendemain, elle est repartie. Les trois frères peuvent rentrer à leur tour, ressoudés, apaisés.

Si on considère donc le tournage du court métrage Hôtel Chevalier comme une parenthèse, ou un échauffement, en 2005, il s'est donc écoulé quatre ans entre le précédent film de Wes Anderson, La Vie aquatique, et la sortie de A Bord du Darjeeling Limited. Une longue interruption conséquente à l'échec commercial de son quatrième opus et sans doute à la remise en question qu'il a suscité.

Pourtant, le temps n'a pas tant changé ni l'artiste ni son cinéma : son film porte indéniablement sa marque, renoue avec la patine de ses devanciers. On y renoue avec des motifs familiers sur les plans thématique, narratif et esthétique : une histoire de famille, initiatique et en quasi-huis clos. Ici, donc trois frères qui ont perdu leur père et veulent retrouver leur mère, engagés dans un voyage dans un pays étranger brouillant tous leurs repères, se déroulant en grande partie dans le cadre d'un train.

Pourtant, ce long métrage sera fraîchement accueilli par la critique : on lui reprochera d'être moins réussi que le court métrage qui en est le prologue (mais d'autres préféreront le long métrage), de ne pas montrer de manière réaliste l'Inde (ce qui est assez ridicule puisque le cinéma de Anderson n'a vraiment jamais été réaliste), de se complaire dans des tics formels (ce fameux look "maison de poupées-boîte à bijoux" et cet humour pince-sans-rire). En vérité, c'était une forme de procès absurde pointant ce qui constitue le style même de l'auteur, donc ce qui confirme pourquoi on l'apprécie ou pas (un peu comme ceux qui prétendent en s'en plaignant que Woody Allen fait toujours le même film - ce qui est non seulement faux mais n'est pas un argument menant bien loin).

Moi, j'adore ce goût affirmé et assumé pour une élégance un peu désuète, ces compositions maniaques (avec ces plans symétriques), l'exotisme décalé. Wes Anderson a du génie pour transformer les contraintes (qu'il s'impose lui-même quand le budget, somme toute modeste, de ses productions ne les lui dicte pas) en atouts : en somme, il n'est jamais plus à l'aise et inspiré que dans des cadres minutieusement définis, c'est l'identité même de son oeuvre.

Au-delà de l'analyse, j'ai une affection spéciale pour ce Darjeeling Limited parce que je me souviens qu'en sortant de la salle où je l'ai vue, j'avais été séduit par sa musicalité, son rythme. La bande-son du film est remarquable ici et on notera que Anderson ne collabore plus avec Mark Mothersbaugh (Alexandre Desplat composera les partitions de ses futurs films) : il a emprunté des morceaux aux longs métrages de Satyajit Ray et de James Ivory, et y ajouté des chansons pop comme il les aime et si bien les sélectionner. C'est ainsi que je repérai trois titres des Kinks, un de mes groupes favoris, tous issus d'un de leurs meilleurs albums (Lola vs Powerman and the Money-go-round) : This time tomorrow, Strangers et Powerman. 

(Vous connaissez peut-être ce bon mot des amateurs de pop-music : "Vous êtes plutôt Stones ou Beatles ? - Je préfère les Kinks." Hé bien, quand vous entendez ces trois chansons-là, effectivement, le groupe de Ray Davies devient la véritable alternative aux bandes de Jagger-Richards et Lennon-McCartney.)

La petite musique du film, c'est aussi celle qui renvoie à la dernière fois que Jack (Jason Schwartzman, parfait en néo-Droopy farouche) a vu son ex (il se repasse en boucle une chanson sur son i-phone) ; ce sont les fausses notes des dialogues hypocritement courtois entre Francis (Owen Wilson, impressionnant dans un rôle aux ressemblances troublantes avec sa vraie vie d'alors - quittée par Rachel McAdams, il avait voulu mettre fin à ses jours - et qui ment sur l'origine de ses spectaculaires blessures camouflées par des bandages) et Peter (Adrien Brody, évident nouveau venu dans la galaxie Anderson, qui s'inflige des migraines affreuses en portant les lunettes de son père comme s'il espérait partager sa vision du monde) ; c'est le roulis du train ; la passion fulgurante et clandestine entre Jack et Rita ; le sifflement du serpent que s'achète Peter... Les nouvelles portées écrites par Wes Anderson transcrivent des mélodies douloureuses, maladroites, laborieuses, en espérant aboutir à une harmonie.

La charge symbolique a sans doute dérouté, déplu à certains car le cinéaste la manie plus directement : les épreuves qu'ont subi les trois frères et les douleurs qu'ils trimbalent se lisent clairement sur eux, figurées par des bandages (cachant et soutenant une tête fracassée), des binocles (dissimulant des larmes), des bagages encombrantes (remplis de leur passé). 

Pourtant, c'est quand ils sont jetés du train, livrés à eux-mêmes, forcés d'improviser, confrontés à de nouvelles difficultés, que Peter, Francis et Jack dépassent enfin ce qui les accablent, les opposent. Chacun essaie alors de sauver l'autre - et les autres, même s'ils ne réussiront pas toujours (le passage poignant de la mort de l'enfant). Au bout de l'aventure, ils renonceront, difficilement, mais raisonnablement, aux mots pour se réconcilier entre eux et avec leur mère.

A la manière d'un dérisoire mais salvateur rituel où Jack enterre sous plusieurs petites pierres tout ce qui les affligeait, le film s'achève sur un nouveau départ : courant encore une fois après un train, mais prêts à sacrifier leurs valises pour y monter, comme on abandonne les rancoeurs, les regrets derrière soi, comme on se débarrasse de pansements pour oser enfin exposer ses plaies, comme on est disposé à aimer à nouveau la fille qu'on a quitté, les héros s'engagent au son des Champs-Elysées chanté par Joe Dassin dans le nouvel acte de leur existence.  

Peut-être pas parfait, mais quelle grâce quand même dans ce film : Wes Anderson était lui aussi reparti pour un tour, pleins de merveilles.

RUSHMORE, de Wes Anderson (1998)

RUSHMORE est un film réalisé par Wes Anderson.

Le scénario est écrit par Wes Anderson et Owen Wilson. La photographie est signée Robert D. Yeoman. La musique est composée par Mark Mothersbaugh.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jason Schwartzman (Max Fischer), Bill Murray (Herman Blume), Olivia Williams (Rosemary Cross), Seymour Cassel (Bert Fischer), Brian Cox (Dr Nelson Guggenheim), Luke Wilson (Dr Peter Flynn), Mason Gamble (Dirk Calloway), Sara Tanaka (Margaret Yang), Connie Nielsen (Mme Calloway).

Fils d'un modeste coiffeur, Max Fischer a pu intégrer la prestigieuse école privée Rushmore grâce à une bourse d'études. Il a fait de l'établissement sa nouvelle demeure, présidant ou étant membre d'une multitude de clubs. 

Max Fischer

(Jason Schwartzman)

Ces activités nuisent cependant à ses résultats, médiocres, malgré son évidente intelligence, et le doyen, le docteur Nelson Guggenheim, le met en garde : s'il n'obtient pas de meilleures notes, il ne pourra pas redoubler ici.

Dr. Nelson Guggenheim

(Brian Cox)

C'est en consultant un ouvrage sur le commandant Jacques-Yves Cousteau à la bibliothèque de l'école que Max découvre une citation manuscrite sur une page qui le trouble suffisamment pour qu'il se renseigne sur ceux qui ont emprunté le livre avant lui. Ainsi va-t-il faire la connaissance d'une jeune et très belle professeur, Rosemary Cross, dont il tombe amoureux au premier regard.

Rosemary Cross

(Olivia Williams)

A la même époque, durant le mois de Septembre, il assiste au discours de Herman Blume, un industriel fortuné venu motiver, en des termes singuliers, les élèves. Max est ébloui par l'éloquence de ce self-made man et fait tout pour s'en faire remarquer. L'homme d'affaires sympathise avec ce cancre qui ne manque pas d'aplomb ni d'idées qui vient lui demander de financer un projet fou pour conquérir Miss Cross : la construction d'un aquarium géant.

Herman Blume

(Bill Murray)

Mais l'institutrice, qui porte encore le deuil de son époux, est mal à l'aise à l'idée d'être ainsi courtisée par un adolescent de quinze ans, qui se montre odieux avec un de ses amis, le docteur Peter Flynn.

Dr. Peter Flynn

(Luke Wilson)

Herman est sollicité par Max pour implorer le pardon de Rosemary, mais Blume tombe à son tour amoureux d'elle. Les deux soupirants s'affrontent alors, ce qui provoque le renvoi de Fischer. Admis dans une école publique, il attire alors l'attention d'une camarade, Margaret Yang...

Margaret Yang

(Sara Tanaka)

Rushmore est un film que je peux voir et revoir en étant toujours sûr d'être comblé. En 90 minutes, l'affaire est vite pliée : j'apprécie les films concis et denses alors qu'aujourd'hui je suis souvent découragé par les formats très longs de beaucoup de réalisateurs qui semblent tellement désireux de faire un grand film et n'arrivent qu'à livrer de gros films où on se demande où sont passés le monteur et le producteur.

Rushmore est donc un de ces films dont je ne me lasse(rai) jamais, un miracle, une pépite, un objet curieux, à la fois drôle, magnifiquement composé, et mélancolique, qui illustre, comme l'écrivit ironiquement le critique Jacques Morice, "l'art de tirer la gueule en beauté".

En le réalisant, Wes Anderson et son co-scénariste, l'acteur Owen Wilson (qui est aussi son comédien fétiche, même s'il est absent ici devant la caméra), ambitionnaient de recréer une "fantaise réaliste" inspiré par le romancier Roald Dahl. En se renseignant un peu, on peut ainsi découvrir que, comme Max Fischer, Wilson a été renvoyé d'une école préparatoire et que Anderson partage avec son héros un esprit imaginatif et réfractaire aux institutions. Ces deux tempéraments ont abouti à un univers qui fait penser à un théâtre à la fois loufoque et émouvant (comme les pièces écrites et régies par Max, adaptations jubilatoires de Serpico ou des films de guerre au Vietnam).

Ecrit avant Bottle Rocket, le script transgresse les codes et clichés associés au campus movie : le réalisateur a expliqué que l'idée initiale était de montrer "un gosse de 15 ans et un homme de 50 qui deviennent amis en se considérant comme égaux". Pour pimenter ce postulat, il y ajoute une romance triangulaire dont l'objet est un belle institutrice, mais celle-ci est veuve et pas encore prête à refaire sa vie : après avoir été déstabilisée par la cour que lui font successivement Max Fischer et Herman Blume, elle assiste à leur affrontement, qui précipite leur chute et motivera leur réconciliation.

Produite avec un budget dérisoire (Anderson évoluant dans cette zone floue qu'est le cinéma indépendant américain, capable d'attirer d'excellents acteurs et l'attention lors des remises de prix sans pourtant bénéficier de l'appui solide et constant d'un gros studio), cette comédie impressionne d'abord par la qualité de son interprétation : le cinéaste y dirige deux des comédiens qui vont devenir des habitués de son monde, l'extraordinaire Jason Schwartzman (18 ans à l'époque du tournage) et le génial Bill Murray (incomparable dans cette impassibilité qui suggère tour à tour l'humeur blasée, amusée, charmeuse - un sommet d'underplay - et d'une classe folle). Entre eux deux, Olivia Williams, une des plus belles actrices britanniques, à la finesse de jeu épatante (capable de vous émouvoir avec son sourire triste comme de vous estomaquer en assénant des punchlines agressivement vulgaires quand elle est excédée par un de ses courtisans - comment se fait-il qu'un tel talent, assorti d'un tel charme, n'ait pas une meilleure carrière ?), réussit à exister, et même mieux : son personnage équilibre et dynamise le film en en devenant l'enjeu.

Les seconds rôles sont tous fabuleux, portés par des interprètes de premier ordre (Brian Cox, Luke Wilson - frère de Owen - , Seymour Cassel, Sara Tanaka, Mason Gamble).

Pour une telle distribution, il faut une écriture narrative et visuelle ciselée. C'est ce qui distingue Anderson du tout-venant : le soin maniaque avec lequel il compose ses plans, jouant sur la symétrie, employant des travellings latéraux, des champs-contrechamps vifs (sans être hachés), tout évoque un esthète travaillant ses images avec des motifs visuels très puissants. Quoique très dialogué, son cinéma puise dans l'énergie du muet, chez Chaplin et Keaton, avec cette rigueur imparable. Chaque élément est comme un instrument intervenant au bon endroit, au bon moment, avec une efficacité maximum.

Le foisonnement de détails est aussi remarquable dans le scénario, depuis les innombrables clubs animés par Max (fondateur des pilotes de kart, metteur en scène de la compagnie de théâtre à son nom, membre du club d'aviation, éditeur de la Yankee review, président du club de français, représentant de la Russie dans le programme des Nations Unies, vice-président du club de philatélie, capitaine des joutes verbales, manager de l'équipe de la Crosse, président du club de calligraphie, fondateur de la société d'astronomie, capitaine de l'équipe d'escrime, espoir junior de décathlon, directeur de la chorale, fondateur de l'équipe de ballon prisonnier, ceinture jaune de kung-fu, fondateur du club de ball-trap, président des apiculteurs) jusqu'aux mesquineries accompagnant le duel entre lui et Blume, en passant par les échanges ambigus pour séduire Miss Cross, les mensonges sur le père, les rapports entre Herman et ses deux fils (des brutes épaisses), les soupirs du docteur Guggenheim, l'amitié compromise avec Dirk Calloway, l'affection de Margaret Yang... Tout est si merveilleusement traité là-dedans, avec ce parfait dosage d'absurde et de tendresse : quel brio pour un deuxième film ! 

La bande son est un régal, qui contribue encore au plaisir, abondante en chansons majoritairement folk et compositions jazz.

N'hésitez pas : inscrivez-vous, vous aussi, à Rushmore !

BIG EYES, de Tim Burton (2014)

BIG EYES est un film réalisé par Tim Burton.

Le scénario est écrit par Scott Alexander et Larry Karaszewski, d'après la vie de Margaret Ulbrich et Walter Keane. La photo est signée Bruno Delbonnel. La musique est composée par Danny Elfman.

Dans les rôles principaux, on trouve : Amy Adams (Margaret Ulbrich), Christoph Waltz (Walter Keane), Delaney Raye et Madeleine Arthur (Jane Ulbrich enfant et adolescente), Krysten Ritter (DeeAnn), Danny Huston (Dick Nolan), Jon Polito (Banducci), Jason Schwartzmann (Ruben), Terence Stamp (John Canaday).

 Margaret Ulbrich et Walter Keane
(Amy Adams et Christoph Waltz)

1958. Margaret Ulbrich quitte son mari, Frank, avec leur fille, Jane, et la Caroline du Nord pour se rendre à San Francisco où l'attend sa meilleure amie, DeeAnn. Elle trouve un travail dans un magasin de meubles et expose ses tableaux dans un jardin public sur son temps libre. C'est ainsi qu'elle fait la connaissance de Walter Keane, ancien étudiant aux Beaux-Arts de Paris, désormais agent immobilier, divorcé, et intrigué par ses peintures représentant des enfants abandonnés aux grands yeux.

Lorsque Frank réclame la garde exclusive de Jane, Walter demande Margaret en mariage pour la protéger. Ils célèbrent leurs noces à Hawaï où elle tire le portrait à de riches clientes de l'hôtel où ils séjournent en signant désormais "Keane".

Ruben
(Jason Schwartzmann)

De retour à San Francisco, Margaret annonce son changement de situation à DeeAnn tandis que Walter essaie, sans succès, de placer ses peintures et celles de son épouse dans la galerie de Ruben. Amer, il réussit quand même à convaincre Banducci, patron d'un club de jazz, d'accrocher leurs toiles aux murs de son établissement. 

Walter Keane et Dick Nolan
(Christoph Waltz et Danny Huston)

Quand Dino Olivetti (le propriétaire de la marque de machines à écrire) achète un tableau de Margaret, Dick Nolan, journaliste à "The Examiner", aborde Walter qui s'attribue la paternité de l'oeuvre. Le succès s'étend, des célébrités acquièrent de nouvelles peintures : l'Ambassadeur de l'URSS, Joan Crawford, Natalie Wood... Grâce à l'argent gagné, Walter peut ouvrir sa propre galerie, juste en face de celle de Ruben.

Seule Jane désapprouve de voir sa mère ainsi dépossédée. Mais même le prêtre auquel elle se confesse lui dit de soutenir les efforts de son mari pour assurer la subsistance de leur foyer.

Margaret, DeeAnn et Walter
(Amy Adams, Krysten Ritter et Christoph Waltz)

1960 : John Canaday, célèbre critique du "New York Times", écrit une article virulent contre les tableaux de "Keane", pointant leur laideur esthétique et leur pauvreté technique. Pour se défendre, Walter réussit à passer à la télé où il raconte avoir voulu témoigner de la vision traumatisante des enfants perdus durant la seconde guerre mondiale (alors que Margaret lui avait expliqué peindre de grands yeux parce que, durant son enfance, elle avait subi une opération l'ayant rendu temporairement sourde et l'obligeant à davantage regarder le monde). 

Mais son baratin émeut le public qui s'arrache désormais les produits dérivés (posters, cartes postales) de l'oeuvre de Margaret. Elle souffre d'être ainsi exploitée, déconsidérée artistiquement, et a des hallucinations ponctuelles. Pour se ressaisir, elle tente de changer de style en réalisant des autoportraits mais dans l'indifférence des visiteurs de la galerie Keane.

Walter et Margaret

DeeAnn remarque la détresse de son amie et se dispute violemment avec Walter. Margaret découvre ensuite dans une caisse des toiles de son mari signés par un certain Cenic : elle le confond en face à face et apprend qu'il n'a même jamais été à Paris ni suivi des cours aux Beaux-Arts.

1964 : Walter veut exposer à la Foire internationale de New York dans le pavillon de l'Education au profit de l'UNICEF. Margaret peint une fresque pour l'occasion mais John Canaday, en l'apprenant, obtient que l'oeuvre soit décrochée. Walter se moque que ce soit le travail de sa femme qui soit ainsi attaqué, il s'estime personnellement insulté et s'en prend successivement à Canaday puis à Margaret et Jane. 

John Canaday et Walter Kean
(Terence Stamp et Christoph Waltz)

1965 : La mère et la fille s'enfuient à Hawaï. Walter n'accepte de divorcer que si Margaret lui cède l'intégralité des droits des tableaux des "enfants aux grands yeux" et lui en livre une centaine d'inédits. Elle les lui envoie mais signé de ses initales (MDH comme Margaret Doris Hawkins) puis révèle à la radio l'imposture de Walter. L'éditeur de Keane, éclaboussé par ce scandale, le lâche. 

Walter et Margaret

Décidant de se défendre seul, Walter perd le procès qui l'oppose ensuite à Margaret après que le juge, pour trancher, ordonne aux deux parties de réaliser un tableau devant le jury.

Walter mourra en 2000 sans jamais admettre sa défaite mais en ne produisant plus rien. Margaret, elle, se remariera, ouvrira une galerie et peindra tous les jours de sa vie.

Big Eyes est un curieux film : oeuvre d'un cinéaste dont la réputation s'est bâtie sur des histoires et des héros à la marge (de fameux "freaks" souvent incarnés par son acteur fétiche, Johnny Depp - Edward aux mains d'argent, Sleepy Hollow : la légende du cavalier sans tête, Sweeney Todd, Charlie et la chocolaterie, Dark Shadows...), l'histoire s'inspire de faits réels et a été adaptée par un tandem rompu à l'exercice du biopic, Scott Alexander et Larry Karasewski, qui avait déjà fourni le script de Ed Wood à Tim Burton (mais aussi Man on the moon sur la vie de l'humoriste Andy Kaufman et Larry Flint sur le fondateur de la revue pornographique pour Milos Forman). A priori donc, tous les ingrédients requis pour un solide succès critique et public.

Pourtant, à quelques rares exceptions, la presse et les fans de Burton ont été sceptiques devant le résultat et le film a été son plus gros échec commercial. Un revers ironique pour une success story fondée sur une ahurissante imposture, mais aussi révélatrice des attentes suscitées par un auteur qu'on relie d'abord à une esthétique sombre, gothique, et un univers fantastique. Pourtant, ce n'est pas la première fois que le cinéaste s'éloigne de ses terres de prédilection, mais c'est comme si, à chaque fois qu'il le fait, les commentateurs et les spectateurs le refusaient (Big Fish, inspiré par la mort de son propre père, avait subi le même sort).

Big Eyes mérite-t-il donc son échec ? Tout d'abord, il n'aura pas condamné Burton qui l'a tourné pour un petit budget et qui s'est vite remis en selle (son prochain opus, le prometteur Miss Peregrine et les enfants particuliers, sera en salles le 3 Octobre prochain, précédé d'une rumeur positive). Ensuite, même si le résultat est inégal, il est loin d'être déshonorant et possède même divers attraits indéniables.

Le premier d'entre eux est justement d'apprécier le talent du cinéaste hors de sa zone de confort : s'il n'a pas la poésie pathétique d'Ed Wood, son précédent biopic (1994), la photo de Bruno Delbonnel (qui avait éclairé Inside Llewyn Davis des frères Coen) est superbe et n'est pas parasitée par trop d'effets spéciaux (les hallucinations de Margaret, qui voit à un moment les clients d'un supermarché avec de grands yeux comme les enfants qu'elle peint, sont rapides et discrètes). Ensuite, la narration est bien rythmée : le film dure 105 minutes sans réel temps mort (seul le procès à la fin est un peu trop long, alourdi par le cabotinage de Christoph Waltz, toujours incapable de composer un autre personnage que celui d'un odieux connard sadique et bavard depuis sa révélation dans Inglorious Basterds de Tarantino en 2009). Enfin, Burton intègre habilement la reconstitution de l'époque (fin des 50's, début des 60's) sans être trop décoratif : le design du film est élégant et la mise en scène fluide, soulignant surtout les acteurs (son actrice principale en particulier).  

De même, si le récit cite certaines célébrités contemporaines des Keane (et en montre certaines), Big Eyes évite soigneusement une figuration tape-à-l'oeil : il est question d'Andy Warhol, de Marilyn Monroe, Natalie Wood, Joan Crawford, mais le scénario préfère intégrer des seconds rôles moins renommés mais plus déterminants comme un obscur journaliste spécialisé dans les faits divers comme Dick Nolan (Danny Huston, un peu trop effacé) ou le critique d'arts John Canaday (Terence Stamp, toujours impressionnant et dont on se surprend à découvrir qu'il apparaît pour la première fois chez Burton). Jon Polito et Krysten Ritter apparaissent aussi, mais leurs prestations sont sous-exploitées, tout comme l'est la fille de Margaret, incarnée successivement par Delaney Raye (excellente) et Madeleine Arthur (un peu en deçà) - dommage car, dans ce dernier cas, il est évident qu'elle a toujours représenté une menace dans la combine de Walter Keane. 

En revanche, s'il y en a bien une qui mérite d'être saluée au-delà de toutes les réserves émises sur le film, c'est Amy Adams : j'avoue avoir longtemps dédaigné cette comédienne, abonnée aux comédies romantiques (un peu comme Anne Hathaway), avant qu'elle ne participe justement à une version ironique du genre (Il était une fois, de Kevin Lima, 2007). Il semble que, comme le vin, elle se bonifie avec l'âge et qu'en abordant la si redoutée quarantaine, elle affiche toute la subtilité de son jeu (nomination à l'Oscar pour American Bluff de David O. Russell, 2013 ; annoncée comme une des favorites à la statuette en 2017 dans le prochain Denis Villeneuve, Arrival, et le nouveau Tom Ford, Nocturnal Animals).

Qui mieux qu'elle, avec son regard clair, pouvait interpréter cette femme dépossédée de son oeuvre hantée par ces "grands yeux" du titre ? Elle livre une prestation très fine, frémissante et touchante, qui permet au spectateur d'être plus ému par le sort de Margaret mère et épouse que par l'artiste au talent si discuté (sa peinture ne me semble pas bonne même si elle dégage indéniablement une impression singulière, une sensibilité spéciale).

Peut-être formellement impersonnel, Big Eyes n'en reste pas moins un film éminemment "Burtonien" : ce portrait d'un couple malade, damné par le mensonge du mari et la condition de la femme, est bien celui du cinéaste qui, depuis Beetlejuice, occupe dans le paysage de Hollywood une figure étrangement ressemblante à ses héros, celle d'un auteur bizarre néanmoins parfaitement intégré au système sans qu'on sache si c'est un compromis ou un choix.   

FANTASTIC MR. FOX, de Wes Anderson (2010)

FANTASTIC MR. FOX est un film d'animation réalisé par Wes Anderson.

Le scénario est écrit par Wes Anderson et Noah Baumbach, d'après le livre de Roald Dahl. La photographie est signée Tristan Oliver. La musique est composée par Alexandre Desplat.

Les voix en version originale sont assurées par : George Clooney (Foxy Fox), Meryl Streep (Felicity Fox), Jason Schwartzman (Ash Fox), Eric Anderson (Kristofferson), Bill Murray (Badger), Willy Wolodarsky (Kylie), Willem Dafoe (le Rat), Robin Urlstone (Boggis), Hugo Guinness (Bunce), Michael Gambon (Bean).

Après avoir été complices en vols de tous genres, Foxy et Felicity Fox ont décidé de changer d'existence pour élever honnêtement leur fils unique, Ash. Foxy abandonne ainsi ses activités coupables pour devenir un éditorialiste respectable et ambitionne d'offrir un foyer digne confortable à sa famille.

Un bel arbre pour la famille de Foxy Fox...

Pour réaliser son rêve, Foxy convainc le notaire, Badger, de l'aider à acquérir un bel arbre même si celui-ci est planté en face des propriétés de Boggis, Bunce et Bean, trois propriétaires humains aussi riches que redoutables pour les animaux nuisibles à leurs exploitations.

Foxy et Felicity Fox

Cependant, après une douzaine d'années tranquilles, Foxy s'ennuie et il reprend ses méfaits en mentant sur ses escapades nocturnes à Felicity, devenue peintre-paysagiste, et à Ash, qui aimerait pourtant l'accompagner pour gagner son respect.

Ash et Kristofferson

Ce train-train est bouleversé avec l'arrivée de Kristofferson, le neveu de Foxy, dont le père est malade. La présence du nouveau venu attise la jalousie de Ash car ce cousin est un modèle de vertu, instruit et pratiquant le yoga. Cela séduit Foxy, qui peut compter sur cet allié calme et habile, et à Felicity, qui le juge digne de confiance.

Boggis, Bunce et Bean

Mais, en allant voler la volaille de Boggis, Bunce et Bean, Foxy déclenche leur colère. Elle atteint rapidement des proportions épiques et les représailles des trois humains mettent en péril non seulement la famille du renard mais aussi celles de tous les animaux du voisinage.

Le Rat

Coincés sous terre, manquant de vivres, la communauté reproche son inconséquence à Foxy avant de de se rassembler derrière lui lorsque Kristofferson est capturé et que le fameux renard perd sa queue dans la bataille. 

Que Wes Anderson adapte un jour un ouvrage de Roald Dahl, voilà qui était comme une évidence : on trouve chez le cinéaste et le romancier la même malice et la même adresse pour parler de thèmes graves avec énergie. Par ailleurs, la fameuse esthétique "maison de poupées-boîte à bijoux" de l'un convient tellement bien au petit monde si mobile raconté par l'autre que leur rencontre promettait des merveilles. Promesses parfaitement tenues avec cette superbe transposition du récit Fantastique Maître Renard.

Ce film a aussi été une étape importe pour Anderson qui avait un peu déçu ses fans avec son précédent opus, A Bord du Darjeeling Limited (2007) - même si, pour ma part, j'ai une grande tendresse pour ce long métrage. Cela lui fournissait l'occasion de s'essayer à une technique inédite pour lui, celle du cinéma d'animation au moyen du procédé de la stop motion capture, c'est-à-dire des prises de vue image par image de figurines dans des décors en modèle réduit (popularisé par les studios Aardman, à qui on doit Wallace et Gromit ou Chicken Run avec leurs héros en pâte à modeler).

Après leur collaboration sur La Vie Aquatique (2003), Anderson veut partager la réalisation avec Henry Selick (L'Etrange Noël de Mr. Jack, 1993), familier de l'univers de Roald Dahl (dont il a adapté James et la Pêche Géante en 1996), mais ce dernier préfère se consacrer à Coraline (2009), d'après Neil Gaiman. Le cinéaste lui trouve alors comme remplaçant Tristan Oliver. 

Anderson veut totalement s'imprégner de l'esprit de Dahl et loue sa propriété de Gypsy House dans le Buckinghamshire : dans ce cadre bucolique, il trouve l'inspiration pour celui de l'histoire, avec l'arbre où habitera la famille Fox, puis listera tous les objets, accessoires et autres éléments prolongeant l'intrigue. Il en respecte d'ailleurs fidèlement la construction narrative, n'y ajoutant qu'une (épique) poursuite finale, et modifiant légèrement le dénouement, mais l'histoire correspond surtout aux thèmes explorés dans ses précédents films, peaufiné avec Noah Baumbach (déjà co-auteur de Life Aquatic with Steve Zissou).

Comme les héros habituels de Anderson, Foxy Fox est un adulte qui n'a pas grandi et n'assume pas ses responsabilités : son comportement va provoquer une série de catastrophes dont ses proches vont souffrir. C'est une figure semblable à celle de Royal Tenenbaum, Steve Zissou. Mais à côté de ce père indigne, il y a un fils qui, parce qu'il cherche le respect de son géniteur et se questionne sur le sens de (sa) la vie, fait contrepoids : en s'invitant dans la grande aventure alors déclenchée, il permet une résolution des problèmes, résout les conflits, en privilégiant l'action au dialogue. Mr. Fox avait promis à sa femme, Felicity, à la naissance de leur fils, Ash, de cesser ses rapines pour leur assurer une vie de famille paisible. En manquant à sa promesse, et en semant le chaos à cause cela, il n'a pas d'autre choix pour se racheter, aux yeux des siens mais aussi de la communauté qu'il a compromise, que de réparer.

Le miracle du film, au-delà de la performance technique, soulignée par un montage très tonique (préfigurant la furia de The Grand Budapest Hotel avec ses séquences dignes du slapstick), tient surtout à l'équilibre prodigieux entre l'abondance des péripéties, tour à tour spectaculaires et drôles, et l'émotion qui s'y glisse, interrogeant la notion de famille, de filiation, de solidarité, de résistance. 

Anderson a pu s'appuyer sur un casting vocal exceptionnel, lui-même mis en condition dans des circonstances peu communes : en effet, tous les acteurs ont non pas enregistré en studio mais en plein air, dans une nature semblable à celles de leurs personnages, et surtout en mouvement, pour obtenir un rendu plus réaliste dans la diction, les respirations, les intonations, le rythme. Avoir réussi à embarquer dans une telle aventure George Clooney (Foxy), Meryl Streep (Felicity) - deux nouveaux venus - mais aussi des habitués comme Jason Schwartzman (Ash), Bill Murray (Badger), Willy Wolodarsky (Kylie), Michael Gambon (Bean), Eric Anderson (Kristofferson - le propre frère de Wes) et Willem Dafoe (le Rat), sans oublier Adrien Brody, Owen Wilson dans de plus petits rôles participent au régal.   

On en oublierait presque qu'on assiste à une sorte de super représentation de marionnettes, patiemment animées, tant l'ensemble possède une fluidité époustouflante. La photo est superbe, avec ses teintes automnales, et la bande originale d'Alexandre Desplat (qui combine avec des titres des Beach Boys, Rolling Stones ou des extraits de la partition de George Delerue pour Les Deux anglaises et le continent) est magnifique (le compositeur va devenir le nouveau partenaire attitré d'Anderson, remplaçant le fidèle Mark Mothersbaugh).

Fantastic Mr. Fox est un chef d'oeuvre : stylisé, amusant et mélancolique, incroyablement entraînant, abondant en morceaux de bravoure (comme le combat digne des meilleurs duels kung-fu entre Foxy et le Rat), il a permis de constater que Wes Anderson n'avait rien perdu de son immense talent - mieux même, il lui aura donné un deuxième souffle.