DOCTOR STRANGE, de Scott Derrickson (2016)

DOCTOR STRANGE est un film réalisé par Scott Derrickson : c'est le 14ème film du Marvel Cinematic Universe et le 2ème de la Phase IV (après Captain America III : Civil War).

Le scénario est écrit par Thomas Dean Donnelly, Joshua Oppenheimer et Jon Spaihts, d'après les personnages créés par Stan Lee et Steve Ditko. La photographie est signée Ben Davis. La musique est composée par Michael Giacchino.

Dans les rôles principaux, on trouve : Benedict Cumberbatch (Dr. Stephen Strange), Chewitel Ejiofor (Karl Mordo), Rachel McAdams (Christine Palmer), Tilda Swinton (l'Ancien), Mads Mikkelsen (Kaecilius), Benedict Wong (Wong), Benjamin Bratt (Jonathan Pangborn).

 Kaecilius

(Mads Mikkelsen)

Népal. Le sorcier Kaecilius et ses zélotes s'emparent dans la bibliothèque du temple de Kamar-Taj de pages d'un grimoire sur lesquelles est inscrite une ancienne incantation. L'Ancien tente de l'arrêter mais il arrive à fuir.

 Christine Palmer et Stephen Strange

(Rachel McAdams et Benedict Cumberbatch)

New York. Stephen Strange est un brillant neurochirurgien qui est victime d'un grave accident en voiture. Sa collègue et ex-amante Christine Palmer est à son chevet quand il revient à lui et découvre les dommages irréparables qu'ont subis ses mains. Un rééducateur, supportant mal l'attitude détestable de l'impatient docteur, lui apprend pourtant qu'un précédent patient, sévèrement blessé, a réussi à s'en remettre. C'est ainsi que Strange rencontre Jonathan Pangborn qui lui parle de Kamar-Taj.

 L'Ancien et Stephen Strange

(Tilda Swinton et Benedict Cumberbatch)

Au Népal, Strange est sauvé d'une agression en pleine rue par Karl Mordo qui l'a entendu demander où trouver Kamar-Taj. Il l'introduit auprès de l'Ancien qui accepte, à contrecoeur, de l'intégrer à ses élèves, doutant que cet homme sceptique et arrogant soit apte à devenir un bon sorcier.

 Karl Mordo et le Dr. Strange

(Chewitel Ejiofor et Benedict Cumberbatch)

Néanmoins, même s'il commet quelques entorses au règlement, Strange progresse vite. Sa curiosité le conduit notamment à découvrir que l'Ancien doit certainement son exceptionnelle longévité à la Dimension Noire sur laquelle règne Dormammu, que sert Kaecilius. Pour protéger la Terre, trois sanctuaires sacrés, occupés par des sorciers, se trouvent à New York, Hong Kong et Londres.

 New York sans dessus-dessous

La capitale britannique est justement attaquée par Kaecilius qui tue le sorcier Daniel Drumm sous les yeux de Strange et Mordo. Ils affrontent leur adversaire dont le pouvoir lui permet d'altérer la matière physique lorsque l'Ancien se mêle au combat. Elle est mortellement blessée durant cette bataille.

Le nouveau Sorcier Suprême

Strange et Mordo gagnent ensuite Hong Kong assailli par Kaecilius et ses zélotes et prêtent main forte à Wong. Dormammu est sur le point d'engloutir la Terre dans sa dimension noire mais Strange le défie en le piégeant dans une boucle temporelle grâce à la relique de l'Oeil d'Agamatto (le premier des Sorciers Suprêmes) jusqu'à ce qu'il abandonne son projet. Kaecilius en paie le prix en disparaissant dans la dimension noire, mais Mordo désapprouve la manière dont Strange a résolu le problème, en manipulant le temps, et part de son côté.

Strange décide de s'établir à New York avec Wong pour protéger le monde de futures menaces occultes.

Deux scènes supplémentaires figurent dans les crédits post-générique de fin :

- Strange reçoit Thor dans son sanctuaire et lui offre son aide pour retrouver Odin et capturer Loki en échange de quoi ils s'engagent à ne plus quitter Asgard.

- Mordo retrouve Jonathan Pangborn à qui il vole sa magie (le rendant donc à nouveau infirme) et explique qu'il va désormais s'employer à traquer les sorciers qui exercent leur art mystique de manière inconséquente.

Subtilement, le producteur Kevin Feige, grand ordonnateur des Marvel Studios qui adaptent les comics de l'éditeur au cinéma (et aussi à la télé avec les séries diffusées sur Netflix, comme Jessica Jones, Daredevil et Luke Cage), semble depuis Ant-Man (Peyton Reed, 2015) préparer une sorte de relève aux héros déjà établis sur grand écran : l'an prochain sortira en effet le troisième Thor (sous-titré : Ragnarok) et en 2018 le troisième Avengers (Infinity War) - après les trilogies consacrées à Iron Man et Captain America. Tout cela anticipe donc certainement le remplacement à la fois de personnages emblématiques et (surtout) de leurs interprètes (dont le cachet en constante augmentation plombe les budgets de films déjà coûteux). A terme, il ne serait pas étonnant que des super-héros jusqu'à présent au second plan dans les team movies (Black Widow, Hawkeye, Vision, Falcon) ou récemment introduits dans leurs aventures en solo (Ant-Man, puis Black Panther, Captain Marvel) deviennent les nouvelles stars de Marvel sur grand écran.

Si cette hypothèse se vérifie, Dr. Strange s'ajoutera donc à cette nouvelle vague qui succédera à terme à Captain America, Iron Man, Thor, Hulk. Et le Sorcier suprême, l'Homme-fourmi, la Veuve noire, le Faucon, la Vision, Oeil-de-faucon, la Panthère noire et Scarlet Witch formeraient une version probable équivalent aux New Avengers des comics.

En attendant, donc, Doctor Strange, c'est à la fois un nouveau chapitre et une nouvelle origin story pour présenter un nouveau personnage. Après avoir présenté différents aspects de l'univers Marvel (les héros de la Terre - Captain America, Iron Man - , les héros divins - Thor - , les héros de l'espace - les Gardiens de la galaxie), cet opus invoque la magie. Et, une fois encore, le studio a mis les petits plats dans les grands tout en parvenant à rendre attractif ce nouveau venu.

Le choix de confier cette grosse production à Scott Derrickson (surtout connu pour ses oeuvres horrifiques comme Délivre‑nous du mal, Sinister) a surpris et éveillé la méfiance - simple faiseur acceptant de diriger une histoire sur laquelle Feige a le dernier mot (méthode qui n'a pas fait que des heureux - voire Kenneth Branagh, ou Edgar Wright qui a abandonné Ant-Man après des années de préparation) ou réalisateur malin capable de s'arranger avec ces contraintes ? Le résultat indique qu'il appartient à la seconde catégorie (comme les frères Russo, voire Jon Favreau et Joss Whedon) : il emballe l'affaire avec brio, aussi à l'aise dans le grand spectacle (dès le début, l'initiation de Strange par l'Ancien ou la représentation des pouvoirs de Kaecilius  produit des scènes esthétiquement fantastiques, très fidèles à l'inspiration psychédélique du dessinateur Steve Ditko, co-créateur avec Stan Lee, du héros) que dans le rythme soutenu de la narration (les 115' du film passent à toute vitesse, sans temps mort).

Le scénario de Thomas Dean Donnelly, Joshua Oppenheimer et Jon Spaihts a la bonne idée, après les grandes assemblées de héros costumés de Avengers II : L'ère d'Ultron et Captain America III : Civil War, de se concentrer sur cinq personnages essentiels, dont le pivot est bien sûr Strange lui-même. Le destin du sorcier évoque évidemment celui de Tony Stark - un surdoué imbu de lui-même qui va se réinventer à la suite d'une épreuve et endosser des responsabilités supérieures en se reconvertissant - mais l'intrigue ne copie pas celle du premier Iron Man : Strange reste un type arrogant, et on ne peut que souscrire à l'avertissement final de Mordo quand il lui affirme que ses méthodes pour vaincre son premier ennemi lui vaudront tôt ou tard de "payer la facture".

L'autre originalité du récit tient à son méchant - ou plutôt à ses méchants : le plus évident est Kaecilius mais il est d'abord à la solde du bien plus imposant Dormammu (dont l'aspect, différent de celui des comics, est très impressionnant, au point que Thanos, la némésis primordial du MCU jusqu'ici, paraît soudain ne pas boxer dans la même catégorie). Et, en cours de route, l'Ancien (ici féminisé, mais sans que ce changement ne déçoive) incarne une figure bien plus ambiguë qu'un simple mentor pour bons sorciers (rendant par là même son héritage très trouble).Qu'importe dès lors que le plan de l'ennemi (engloutir la Terre dans la Dimension noire) ne soit pas des plus originaux : il suffit à procurer des frissons, du grand spectacle et un avenir délicat à gérer pour le héros (dont la tâche le situe au premier plan face aux menaces futures - la première scène durant le générique de fin est à cet égard prometteuse, en rapprochant Strange de Thor dans une négociation serrée).

Le casting tient toutes ses promesses, s'imposant même comme une nouvelle grande réussite du studio : plus personne ne pourra imaginer un autre acteur que le génial Benedict Cumberbatch en Dr. Strange (alors qu'il n'a été choisi qu'après des contacts avec des comédiens aussi divers que Jared Leto, Joaquin Phoenix, Ryan Gosling, Ewan McGregor - pour ma part, j'ai longtemps espéré que ce soit Adrien Brody). Il livre une prestation formidable, très nuancée, paraissant s'être régalé pour composer un héros plus têtu et orgueilleux que simplement brave et attachant.

Il est fort bien entouré par l'excellent Chiwetel Ejiofor (assuré de revenir vite - il est déjà question qu'il soit le prochain adversaire de Strange dans une suite), Tilda Swinton (à nouveau métamorphosée de façon saisissante). Mads Mikkelsen prête son physique imposant et malsain à Kaecilius, et Rachel McAdams réussit à exister au milieu de cette bande de magiciens hauts en couleurs.

Visuellement donc, le film est époustouflant, avec des effets spéciaux très graphiques, et une représentation de la sorcellerie très spectaculaires - les architectures bouleversées par les sortilèges rappellent bien sûr Inception de Christopher Nolan mais à la puissance dix. Et le tout est accompagné par une musique fabuleuse composée par Michael Giacchino (peut-être bien la première fois qu'un film Marvel bénéficie d'une si belle partition). 

Difficile de faire la fine bouche donc : cette Phase IV confirme ses ambitions, et rend impatient de découvrir en 2017 Guardians of the Galaxy, vol. 2 et Thor III : Ragnarok.

WELCOME BACK, de Cameron Crowe (2014)

WELCOME BACK (Aloha) est un film écrit et réalisé par Cameron Crowe.

La photographie est signée Eric Gautier. La musique est composée par Mark Mothersbaugh.

Dans les rôles principaux, on trouve : Bradley Cooper (Brian Gilcrest), Emma Stone (capitaine Alison Ng), Rachel McAdams (Tracy Woodside), John Krasinski (Johnny Woodside), Bill Murray (Carson Welch), Alec Baldwin (colonel Lacy).

Brian Gilcrest et Alison Ng

(Bradley Cooper et Emma Stone)

Ancien militaire décoré, Brian Gilcrest a quitté l'armée et s'est reconverti en négociateur pour un richissime entrepreneur spécialisé dans les télécommunications, Carson Welch. Sa nouvelle mission le ramène à Hawaï où il a connu son heure de gloire pour convaincre les indigènes que leurs montagnes sacrées ne seront pas profanées par de nouvelles installations.

L'U.S. Army désigne le capitaine Alison Ng, qui a de vagues origines locales, pour l'escorter et veiller à la réussite des démarches. Mais il est immédiatement évident que le courant ne passe pas entre l'ancien officier, qui a préféré commercer ses talents, et la jeune femme, qui tient plus que tout au respect des traditions de l'île et de l'armée.

Brian Gilcrest et Tracy Woodside

(Bradley Cooper et Rachel McAdams)

Sur place, Gilcrest retrouve aussi Tracy, son amour de jeunesse, désormais mariée à son meilleur ami, le pilote Johnny Woodside, et mère de deux adolescents. La ressemblance de sa fille aînée avec Brian trouble aussitôt ce dernier qui hésite à lui demander s'il en est le père car il n'est pas prêt à en assumer la responsabilité et qu'il a deviné que le couple Woodside traverse une crise. 

Carson Welch et Alison Ng

(Bill Murray et Emma Stone)

Mais l'attention de Gilcrest est bientôt détournée par d'autres événements : d'abord, il entame une liaison avec Alison (manifestement pour tromper sa vigilance) ; ensuite Carson Welch lui met la pression car il a investi beaucoup d'argent dans le lancement d'un satellite pour son projet ; et enfin il découvre que le matériel destiné à être mis sur orbite est peut-être de l'armement (l'armée est-elle complice ?).

Johnny Woodside et Brian Gilcrest

(John Krasinski et Bradley Cooper)

Gilcrest décide alors de tirer tout cela au clair, admettant qu'il a pris de mauvaises décisions pour sa vie personnelle et professionnelle. Il rassure Johnny sur ses relations avec Tracy qui, elle, lui confirme qu'il est bien le père biologique de sa fille Gracie.

Brian Gilcrest et le colonel Lacy

(Bradley Cooper et Alec Baldwin)

Contre les recommandations du colonel Lacy, mais par amour pour Alison, il sabote le lancement du satellite (effectivement chargé d'armement nucléaire) et oblige Welch à fuir. Sa carrière est finie mais son honneur retrouvé, l'armée étant obligée de reconnaître qu'elle a été abusée par l'homme d'affaires, et les natifs de l'île rassurés.

Alison Ng, Brian Gilcrest et Tracy Woodside

(Emma Stone, Bradley Cooper et Rachel McAdams)

Malgré ses efforts, Gilcrest réussira-t-il a reconquérir le coeur d'Alison après l'avoir manipulée ?

Welcome Back a été lancé avec des handicaps insurmontables : son échec critique et public (au point de n'avoir même pas été exploité en salles en France, malgré ses têtes d'affiche) avait donc quelque chose d'inévitable. Pourtant c'est loin d'être un de ces improbables navets commis par un cinéaste en perdition.

Avant même sa sortie, l'affaire des mails piratés du studio Sony a révélé que les producteurs ne croyaient pas au film, le jugeant même "ridicule". Le choix d'Emma Stone pour incarner une militaire d'origine hawaïenne a été ensuite vivement critiqué, suggérant que Cameron Crowe aurait dû confier le rôle à une comédienne native de l'île : une polémique stupide (qui s'est répété récemment quand la famille de Nina Simone a accablé Zoe Saldana, qui s'est noircie la peau et a porté des prothèses pour incarner la chanteuse dans un biopic), d'autant plus que l'ascendance du personnage est liée aussi à la Chine et à la Suède et tournée en dérision car elle ne cesse de mettre en avant son métissage. 

Mais il faut bien dire que Crowe n'a plus "la carte" (quand bien même son précédent opus, Nouveau départ a bien marché aux Etats-Unis, mais sans que la presse ne le loue autant que ses grands succès comme Jerry Maguire, 1996, et Presque célèbre, 2000). L'ancien journaliste du magazine "Rolling Stones" et auteur d'un passionnant livre d'entretiens, Conversations avec Billy Wilder, persiste dans un cinéma positif, humaniste, sentimental, en rupture avec la comédie américaine actuelle (dominée par les émules de Judd Appatow, à l'humour plus gras). 

Dans ces conditions, Aloha (pourquoi, là encore, a-t-il fallu qu'en France le film soit débaptisé, au profit d'un titre anglais quelconque ?), avec ses airs de fable romantique et initiatique, fait figure de curiosité. Pourtant, l'écriture du cinéaste a des qualités incontestables, inspirés des maîtres des années 30-40, avec des personnages sensibles, se débattant avec leurs sentiments et leurs métiers, sauvés par l'amour et leur capacité à tout sacrifier pour cela. 

Malgré son statut fragilisé depuis l'échec de Rencontres à Elizabethtown (2005), Crowe parvient cependant toujours à attirer des acteurs populaires, appréciant son univers et ses thématiques, refusant le cynisme. Il y a là une vraie injustice à sa mauvaise passe et au destin de ce dernier film.

Il dirige ici trois des acteurs les plus attachants et remarquables de ces dernières années : Bradley Cooper confirme ici tout le bien qu'il a su susciter en accordant sa confiance à des réalisateurs plus exigeants (Clint Eastwood, David O. Russell) et son interprétation d'un ex-soldat vendu au grand capital est pleine d'une énergie contenue (précisons que Ben Stiller fut d'abord pressenti). Face à lui, Emma Stone (remplaçant Reese Witherspoon, initialement envisagée) est comme d'habitude formidable, rayonnante de charme (même en uniforme militaire, elle conserve toute sa séduction) et irrésistible en chaperon gaffeuse mais sincèrement attachée aux valeurs de l'île et de l'armée. Rachel McAdams évolue dans un registre qui lui est plus familier en amoureuse que le doute fait vaciller et qui le suscite chez son ancien soupirant comme chez son mari.

Les seconds rôles sont plus inégaux : seul surnage vraiment John Krasinski dans un rôle quasi-muet (la scène d'explication entre Johnny et Brian est d'ailleurs une merveilleuse trouvaille, sans un mot prononcé, mais avec des sous-titres exprimant les pensées des deux hommes). Alec Baldwin s'agite dans le vide, et Bill Murray n'est pas une bonne idée pour camper ce business man sans scrupules et pathétique.

Le vrai point faible demeure cependant la curieuse construction du scénario, en particulier avec cette intrigue secondaire relative au personnage de Carson Welch et cette affaire de satellite armé. C'est inutile, mal intégré, mal résolu. Le film est bien plus divertissant par la valse-hésitation de Brian Gilcrest, qui prend conscience à la fois de ses sentiments amoureux, de sa paternité, de l'impasse de sa carrière professionnelle des sentiments. Même si tout cela est prévisible, c'est délicieux, et situé dans un cadre somptueux, avec une bande-son impeccable (comme toujours chez Crowe, seul capable de faire passer un vieux tube ringard de Tears for Fears - Everybody wants to rule the world - avec ironie). 

Considéré dans toute sa filmographie (seulement sept titres en une vingtaine d'années), Welcome Back n'est pas son opus le plus abouti, mais seulement le plus bancal (à cause de réécritures, de producteurs lâches). Mais on y reconnaît toujours la voix unique de Cameron Crowe, lequel s'est depuis lancé dans une nouvelle entreprise (espérons-le, avec plus de succès), une série télé sur le coulisses de la tournée d'un groupe de rock intitulée Roadies (diffusée depuis Juin 2016 sur la chaîne Showtime).

MINUIT A PARIS, de Woody Allen (2011)

MINUIT A PARIS (Midnight in Paris) est le 42ème film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Darius Khondji. 

Dans les rôles principaux, on trouve : Owen Wilson (Gil Pender), Rachel McAdams (Inez), Marion Cotillard (Adriana), Léa Seydoux (Gabrielle), Kathy Bates (Gertrude Stein), Corey Stoll (Ernest Hemigway), Adrien Brody (Salvador Dali), Marcial Di Fonzo Bo (Pablo Picasso), Tom Hiddleston (Scott Fitzgerald), Alison Pill (Zelda Fitzgerald)...

Gil Pender et Inez arrivent à Paris pour y préparer leur mariage, en compagnie des parents de la jeune femme (qui ne s'entendent pas avec leur futur gendre). Gil, qui veut se consacrer à l'écriture d'un roman, aimerait s'installer dans la capitale française mais ce projet ne séduit pas sa future épouse. 

Gil et Inez

(Owen Wilson et Rachel McAdams)

Il doit aussi supporter un autre couple américain dont le mari est un ancien prétendant d'Inez, un type imbuvable, suffisant et prétendant tout savoir sur Paris, sa culture, son passé.

Paul, son amie, Inez et Gil

(Michael Sheen, Rachel McAdams et Owen Wilson)

Un soir, alors qu'Inez va danser avec ses amis, Gil va se promener et s'égare. A minuit, une voiture s'arrête près de l'endroit où il cherche à se repérer et ses occupants l'invitent à une soirée. En route, Gil comprend que ses hôtes sont Scott et Zelda Fitzgerald et qu'il a remonté le temps jusque dans les années 1920. Il rencontre ensuite Ernest Hemingway, Gertrude Stein, Pablo Picasso et la nouvelle muse de ce dernier, la belle Adriana, dont il tombe amoureux au premier regard.

Adriana

(Marion Cotillard)

Pour s'assurer qu'il n'a pas rêvé cette nuit, Gil se rend au même endroit le lendemain, toujours à minuit. A nouveau, il est transporté dans le passé et croise de nouveaux artistes de l'époque : Salvador Dali, Cole Porter, Juan Belmonte, T. S. Eliot, Luis Buñuel, Man Ray...

Zelda et Scott Fitzgerald

(Alison Pill et Tom Hiddleston)

 Gil, Ernest Hemignway et Gertrude Stein

(Owen Wilson, Corey Stoll et Kathy Bates)

Pablo Picasso

(Marcial Di Fonzo Bo)

Salvador Dali

(Adrien Brody)

Man Ray et Luis Buñuel

(Tom Cordier et Adrien De Van)

Son beau-père le fait suivre les nuits suivantes mais le détective engagé est semé. L'amour que Gil éprouve pour Adriana fait voler son couple avec Inez en éclats mais aboutit à une impasse car la muse des peintres ne pense trouver le bonheur que dans des années encore antérieures.

Gil et Adriana

(Owen Wilson et Marion Cotillard)

Gil rebondit malgré tout en se posant à Paris, où il peut se consacrer à son roman, et en se liant avec Gabrielle, une jeune et jolie antiquaire, partageant ses goûts...

Gabrielle

(Léa Seydoux)

C'est, parmi les films récents de Woody Allen, un des plus joyeux, les plus drôles, tout en restant mélancolique - il faudra attendre Magic in the Moonlight (en 2014) pour qu'il renoue avec ces tonalités.

A l'époque de Midnight in Paris, Allen a repris son tour d'Europe, entamé avec Match Point (2005), Scoop (2006), Le Rêve de Cassandre (2007), Vicky Cristina Barcelona (2008), et plus tard par To Rome with Love (2012). Ces voyages hors de Manhattan en particulier et de l'Amérique en général découlent de la recherche de financements mais aussi d'une volonté manifeste d'explorer d'autres horizons, de situer ses histoires dans d'autres cadres, même si c'est la première fois en près de quarante ans de carrière qu'il aligne des longs métrages à l'étranger aussi fréquemment.

Profitant d'un crédit d'impôts pour les tournages en France (et certainement en échange d'un petit rôle pour Carla Bruni, la femme du président de la république d'alors, Nicolas Sarkozy), Woody Allen pose donc sa caméra à Paris pour une comédie sentimentale délicieuse. Les premières images sont une succession de cartes postales de la capitale comme si le cinéaste avait voulu se débarrasser de l'hommage envers ses hôtes. Mais on peut aussi estimer qu'il s'agit de la manière dont n'importe quel touriste découvre la capitale et c'est alors une figure logique puisque le héros de l'histoire est un touriste idéalisant Paris.

Derrière quelques bonnes répliques et ce sentimentalisme assumé, Allen ne trompe personne très longtemps en brossant le portrait d'un couple qui, bien que sur le point de se marier, est composé de deux individualités contraires : le romantique démocrate Gil n'a rien à voir/à faire avec cette Inez bourgeoise républicaine, encore moins avec ses beaux-parents qui le méprisent ouvertement. Rarement le cinéaste aura d'ailleurs manifesté autant de critique avec ses concitoyens américains, comme le confirme ensuite le rôle joué par Paul et son amie : non seulement ceux-ci sont d'épouvantables snobs mais en plus ils prétendent mieux connaître la France et sa capitale que ses propres habitants et guides !

Puis le film bascule, à la fois dans la comédie romantique et le fantastique féerique, quand Gil remonte le temps lorsqu'un soir il s'égare en ville et que le douze coups de minuit sonnent. Allen met en scène alors les rencontres de son héros avec la fine fleur culturelle des années 20, une fabuleuse concentration d'expatriés s'illustrant dans la littérature, la peinture, le cinéma.

Le casting est particulièrement soigné et donne un relief à la fois drôle et troublant à cette idée puisque chaque acteur est à la fois très bon dans son rôle mais aussi très ressemblant avec la célébrité qu'il incarne : Tom Hiddleston et Alison Pill pour Scott et Zelda Fitzgerald, Corey Stoll pour Ernest Hemingway, Adrien Brody pour Salvador Dali (deux scènes hilarantes, ponctuées par une réplique culte : "I see... A Rhinoceros !"), Kathy Bates pour Gertrude Stein, Marcial Di Fonzo Bo pour Pablo Picasso... C'est par ce dernier qu'est introduit un personnage fictif mais crédible de muse qui va entraîner Gil et le film dans sa thématique profonde : Adriana ou l'insatisfaction.

Avec cette héroïne dont le protagoniste (comme le spectateur) tombe amoureux au premier regard, Woody Allen interroge l'interprétation de l'art (via un tableau la représentant peint par Picasso) : pour le pédant Paul, la toile raconte une histoire dont Gil connaît la vérité, ce qui est donc communément admis n'est pas toujours vrai.

A mesure que les connaissances qu'acquiert Gil contredisent ce que dit Paul et apprécie Inez, l'évidence que le couple de Gil et Inez ne tiendra pas (n'a jamais tenu) se fait plus évidente. Le film avance ainsi en même temps que l'histoire de Gil et Inez recule, régresse, se dissout. Cette mécanique est actionnée avec une fluidité remarquable.

Ce fossé est souligné aussi par les divergences sociales : Inez et ses parents sont plus soucieux des apparences que d'authenticité (ainsi, alors qu'ils sont chez un antiquaire et se voient proposer une chaise pour 18 000 $, Gil trouve le prix exorbitant mais sa belle-mère trouve ça "cheap" - un mot qui reviendra pour désigner en vérité autant les goûts que la personnalité de Gil). Ce sont des bourgeois mesquins et racistes, prêts à accuser sans preuves une femme de ménage (quand Inez perd une paire de boucles d'oreilles, que Gil lui a prise pour les offrir à Adriana) et à railler les français ou les opinions jugées communistes de Gil.

Néanmoins, ledit Gil a un rôle ambigu : il mène une double vie, courtisant sans scrupules Adriana, qu'il lâchera, plus sidéré que dépité, quand il constatera qu'elle aussi n'a pas les mêmes aspirations que lui, et tombant vite, à la fin, sous le charme de la jolie antiquaire, Gabrielle.

Gil n'est pas non plus un individu si détaché de la réalité qu'il trouve si pénible : son affection pour le passé a besoin de passer par des éléments concrets, physiques, ce n'est pas un doux rêveur nostalgique mais plutôt un fétichiste pour lequel divers objets font office de véhicules : des disques vinyles de Cole Porter, des livres dénichés chez des bouquinistes, les monuments historiques de la capitale - autant de passerelles bien matérielles entre le présent subi et le passé idéalisé. Il n'hésite pas non plus à user des avantages que lui procurent ses allers-retours entre aujourd'hui et hier, comme lorsque après avoir croisé Picasso avec Adriana, il fait à son tour la leçon à Paul, ou quand, s'étant fait traduire le journal intime d'Adriana, il sait pouvoir la séduire en lui offrant des boucles d'oreilles (qu'il enlève à la collection d'Inez).

Mais Woody Allen anime Gil de telle manière qu'il nous est toujours plus sympathique que lâche ou manipulateur. Et nous comprenons à la fois sa fascination pour les "Roaring twenties", qui voit défiler une galerie somptueuse d'artistes : comment ne pas l'envier quand il reçoit les conseils d'Hemingway ou Gertrude Stein, dialogue avec Dali, fait la fête avec les Fitzgerald ? La reconstitution est très soignée, et le budget relativement modeste est sur l'écran, dont les éléments sont magnifiés par la photo splendide de Darius Khondji. Allen fait aussi preuve d'une malice jubilatoire quand, au détour d'une scène, Gil glisse à un Buñuel perplexe l'idée du film L'ange exterminateur (qu'il ne réalisera qu'en 1962 !).

La romance avec Adriana introduit aussi une réflexion aigre-douce sur le rapport au temps : Gil fantasme les années 20 quand elle rêve, elle, de la Belle Époque, où elle finira par se rendre et rencontrer de charmeurs Paul Gauguin et Edgar Degas sous les yeux d'Henri de Toulouse Lautrec, qui, eux, auraient souhaité vivre lors de la Révolution française. Tous ont donc en commun de ne pas s'estimer heureux dans leur temps et d'idéaliser des périodes historiques antérieures.

Ces considérations nuanceront la nostalgie de Gil qui comprendra qu'il s'agit moins d'un problème avec le temps que de trouver la femme avec laquelle il se sentira bien au présent. Mais, là encore, Allen résout cela avec ironie puisque son héros trouvera la paix et l'amour avec une charmante antiquaire, donc avec quelqu'un qui, justement, fait commerce du passé. Cela lui permet de dépasser la conviction que c'était mieux avant et que se complaire dans le passé (ou la vénération du passé) revient à fuir le présent au lieu d'en savourer les plaisirs.

Dans un nouveau mouvement de balancier, Gil passe du statut d'homme coincé dans le passé à celui d'homme prêt à aller de l'avant, lorsqu'il abandonne Adriana et retrouve, providentiellement, Gabrielle, après avoir rompu avec Inez entretemps.

Le charme irrésistible du film passe grandement par ses interprètes : Owen Wilson imite un peu trop le phrasé et la gestuelle du cinéaste mais incarne très bien ce Gil tiraillé entre plusieurs femmes, plusieurs époques.

Marion Cotillard campe avec une séduction rare et une fragilité émouvante Adriana, ajoutant Woody Allen à son prestigieux tableau de chasse (avec ses rôles chez Christopher Nolan, James Gray, Ridley Scott, Michael Mann, Steven Soderbergh).

Rachel McAdams incarne à la perfection l'odieuse Inez, tandis que Léa Seydoux n'a besoin que de quelques scènes pour illuminer le film comme Gil.

Minuit à Paris est un film délicieux, d'une grande élégance visuelle (jusque dans son affiche dont le fond est celui de La nuit étoilée peinte par Vincent Van Gogh), drôlement poétique. Cette fantaisie romantique offre aussi son lot de réflexions (sur le temps, sur l'art, sur l'inspiration) avec cette touch si spirituelle qui fait tout le prix du cinéma de Woody Allen.

SHERLOCK HOLMES, de Guy Ritchie (2009) / SHERLOCK HOLMES : JEUX D'OMBRES, de Guy Ritchie (2011)

SHERLOCK HOLMES est un film réalisé par Guy Ritchie.

Le scénario est écrit par Lionel Wigram, Michael Robert Johnson, Anthony Peckham, Simon Kinberg, d'après les personnages créés par Arthur Conan Doyle. La photographie est signée Philippe Rousselot. La musique est composée par Hans Zimmer.

Dans les rôles principaux, on trouve : Robert Downey Jr (Sherlock Holmes), Jude Law (Dr John Watson), Rachel McAdams (Irene Adler), Mark Strong (Lord Blackwood), Eddie Marsan (Inspecteur Lestrade). 

John Watson et Sherlock Holmes

(Jude Law et Robert Downey Jr)

Sherlock Holmes et son comparse, le Dr John Watson, interrompent une messe noire dirigée par lord Blackwood, qui a déjà assassiné cinq jeunes femmes. Il est remis à l'inspecteur Lestrade. Le criminel est jeté en prison puis rapidement jugé et condamné à mort par pendaison. Son dernier souhait est de voir Holmes avant son exécution pour lui dire qu'il reviendra d'entre les morts pour se venger et terminer sa mission. Watson acte ensuite le décès de Blackwood.

Lord Blackwood

(Mark Strong)

Watson, après cette affaire, quitte Holmes pour s'installer avec sa fiancée, Mary Morstan. Le détective s'ennuie jusqu'à ce que Irene Adler, celle qui a été à la fois son adversaire la plus coriace et son amour secret, resurgisse pour lui proposer une grosse somme d'argent afin de mener une nouvelle enquête. Il devine qu'elle agit pour un commanditaire suffisamment dangereux pour qu'elle lui obéisse et qui est à la recherche d'un homme roux.

Lestrade

(Eddie Marsan)

C'est alors que Lestrade fait appel à Holmes : la tombe de Blackwood a été profanée et il aurait été vu par un témoin en train d'en sortir. Accompangé de Watson, le détective trouve dans le cercueil du criminel l'homme que lui a demandé de trouver Irene. 

Holmes et Watson inspectent le domicile du mort, un scientifique dont les recherches sont liées à celles de l'occultiste Blackwood. Après avoir affronté des canailles protégeant le laboratoire, ils sont arrêtés par la police. Mary, la fiancée de Watson, paie sa caution, tandis que Holmes est libéré par trois notables londoniens, parents de Blackwood, qui lui demandent en échange de retrouver le sorcier. 

Mary Morstan

(Kelly Reilly)

Mais deux de ces trois dignitaires sont assassinés ensuite et Holmes persuade Watson de lui prêter main forte. Ils ignorent que Blackwood est effectivement bien vivant et rallie à son projet de prendre le contrôle du Royaume-Uni plusieurs membres éminents du Parlement réunis au sein d'une secte. 

Les investigations de Holmes et Watson les mènent jusqu'à un abattoir où Blackwood retient Irene en otage. Une fois celle-ci libérée, ils quittent les lieux qui sont ravagés par une série d'explosions. Un policier prévient Holmes que les autorités le recherchent. 

Irene Adler

(Rachel McAdams)

Pour tenter de saisir les manoeuvres de Blackwood, Holmes se drogue, ce qui augmentent ses capacités déductives mais le plonge ensuite dans un bref coma. A peine remis de leurs blessures, après un bref séjour à l'hôpital, Irene et Watson le retrouvent dans sa planque où il leur fait part de ses conclusions : Blackwood va attaquer le Parlement ! Tandis que Watson et Irene s'éclipsent sur l'ordre du détective, Lestrade arrive pour l'arrêter.  

Holmes réussit à s'échapper et rejoint Watson et Irene qui ont localisé la bombe chimique de Blackwood dans les sous-sols du Parlement. Le criminel affronte le détective qui sauve la vie d'Irene et dévoile comment leur adversaire s'y est pris pour simuler sa propre mort, provoquer celles de ses proches.

La jeune femme donne à Holmes l'identité de l'homme qui l'avait employé et qui va certainement vouloir les supprimer maintenant, ce qui n'effraie pas le détective.

Guy Ritchie était, en 2009, plus connu pour être le mari de Madonna que pour être un cinéaste digne d'intérêt, sauf si vous juger Snatch comme un bon film (ce qui n'est pas mon cas). Aussi a-t-il été bien inspiré, d'un point de vue financier mais aussi artistique, d'accepter de devenir le simple metteur en scène de cette commande ambitionnant de dépoussiérer une des icônes de la littérature policière : rien moins que Sherlock Holmes - qui allait connaître un an plus tard sur BBC One un autre impressionnant lifting, incarné par le génial Benedict Cumberbatch.

Déjà influencé par Tarantino dans ses opus précédents, Ritchie l'est encore ici car son traitement évoque une relecture très pulp de la créature de Arthur Conan Doyle : le scénario, touffu à l'extrême, avec son intrigue affreusement compliquée, s'accorde au style survitaminé du cinéaste, chargé de raconter tout ça en un peu plus de 120 minutes. 

Interprété par un Robert Downey Jr, plus cabotin que jamais, mais dont le jeu a le mérite de ne pas s'inscrire dans le registre convenu immortalisé par Basil Rathbone ou Peter Cushing, Holmes est cependant très fidèle à la description qu'en rédigea Doyle : on le voit pratiquer la boxe, pratiquer le violon, ne pas hésiter à se droguer, et arborer un look vestimentaire qui le fait ressembler à un bohémien faussement négligé. Cette énergie tranche avec la vision devenue caricaturale du détective gal et imperturbable qui fume la pipe en exprimant ses déductions à haute voix d'un ton professoral.

Pourtant, à côté du numéro parfois un peu grotesque de Downey Jr, la prestation de Jude Law et, plus surprenant, de Rachel McAdams, tous deux extraordinaires en Watson et Irene Adler, rendent justice à leurs rôles qui ne se résument plus à ceux du fidèle assistant et de l'alter ego féminin de Holmes. La manière dont le film suggère, au milieu d'effets plus bruyants, l'homosexualité du détective, autant attiré qu'effrayé par cette femme, et que son acolyte n'a plus peur de remettre à sa place est très bien inspirée, et finement traduite par les deux acteurs.

Le scénario et la direction artistique mettent en avant l'aventure et l'action plutôt que la cérébralité, comme en témoigne un procédé récurrent qui montre Holmes détailler son action avant de la mettre en pratique, le spectateur vérifiant à quel point il sait aussi bien anticiper qu'attaquer - Holmes est ici autant une tête qu'un corps, autant un héros mental qu'un héros physique. De même, l'intrigue mélange avec une fantaisie décomplexée les sciences occultes et déductives : dans un cas comme dans l'autre, Blackwood et Holmes sont dépeints comme des individus s'estimant supérieurs et plus avisés que la moyenne. Le pseudo-sorcier veut reprendre en main l'Angleterre, le détective veut continuer à imposer ses caprices aux besogneux policiers : dans les deux cas, ils défient l'autorité, la toisent avec arrogance (brutalement pour Blackwood, sarcastiquement pour Holmes).

On aura remarqué que les producteurs ont imposé un américain (Robert Downey Jr) dans le rôle du plus célèbre enquêteur britannique et, si ce choix répond d'abord au fait que RDJ est devenu l'acteur le plus "bankable" du moment (depuis sa résurrection commerciale dans l'armure de Iron Man), on peut aussi l'interpréter comme la volonté de confier ce personnage à un comédien qui ne le vénère pas, se l'approprie sans manière et lui imprime une personnalité plus contrastée, plus outrée même. Holmes est ainsi capricieux et jaloux - il ne supporte pas que Watson le quitte pour une femme (les héritiers de Doyle ont d'ailleurs fait pression pour que, contrairement au voeu de Downey Jr, Holmes ne soit pas explicitement considéré comme un homosexuel, mais il semble au moins bisexuel si l'on observe bien son attitude envers Watson et Irene Adler). 

Pour exister face à lui, le Dr Watson de Jude Law est aussi affûté intellectuellement et, malgré sa claudication, également très vif physiquement, se battant, tirant au pistolet, crapahutant dans des caves, abattoirs, docks, ironisant sur les gamineries du détective. Bien sûr, ce n'est pas aussi subtilement drôle que ce qu'on devinait dans le chef d'oeuvre mutilé de Billy Wilder (La vie privée de Sherlock Holmes) mais cette version communique une bonne humeur rafraîchissante, tonique et humaine. 

La réalisation de Guy Ritchie oscille entre un maniérisme parfois dommageable (avec un montage trop haché, des effets trop appuyés - ralentis, accélérations) et un vrai souci esthétique (superbe photo du français Philippe Rousselot, qui réussit à bien intégrer des plans complètement générés par l'informatique, et à restituer l'ambiance urbaine, grouillante, crasseuse de Londres sans sombrer dans le steampunk). Le réalisateur semble toutefois éprouver un sincère attachement pour ses héros et un souci pour exposer clairement une histoire tellement boursouflée qu'elle traduit une peur ridicule sinon du vide, du moins des temps morts ou calmes (c'est le défaut de nombre de productions de ce genre : les producteurs préfèrent submerger le spectateur d'informations, de rebondissements, plutôt que de les laisser respirer de crainte qu'ils ne s'ennuient).

Il reste encore à saluer la magnifique partition écrite par Hans Zimmer, aux accents tziganes et aux rythmes entraînants, pour dire que ce Sherlock Holmes est un spectacle parfois bêtement agité mais aussi souvent jubilatoire : le succès qui l'a couronné explique aussi qu'il a rapidement connu une suite.

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SHERLOCK HOLMES 2 : JEU D'OMBRES (A Game of Shadows) est un film réalisé par Guy Ritchie.

Le scénario est écrit par Michelle et Kieran Mulroney, d'après les personnages créés par Arthur Conan Doyle. La photographie est signée Philippe Rousselot. La musique est composée par Hans Zimmer.

Dans les rôles principaux, on trouve : Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes), Jude Law (John Watson), Noomi Rapace (Sima), Jared Harris (James Moriarty), Stephen Fry (Mycroft Holmes), Kelly Reilly (Mary Watson), Rachel McAdams (Irene Adler), Eddie Marsan (Lestrade).

Consacré comme le détective le plus perspicace de son époque, Sherlock Holmes suit, seul depuis que son compère, le Dr John Watson, a déménagé pour s'installer avec sa future épouse, Mary, Irene Adler car il veut connaître l'identité de l'homme qui l'emploie depuis la précédente affaire qu'il a résolue (voir Sherlock Holmes 1).

James Moriarty et Irene Adler

(Jared Harris et Rachel McAdams)

C'est ainsi que Holmes va être confronté au professeur James Moriarty dont il a la conviction de son implication dans une série d'attentats en Europe - attentats qui pourraient précipiter le déclenchement d'une guerre mondiale. Mais quel profit en retirerait cet érudit diabolique et d'apparence pourtant respectable ?

John et Mary Watson

(Jude Law et Kelly Reilly)

Les investigations de Holmes le conduisent jusqu'à un établissement louche dans lequel il décide d'organiser l'enterrement de la vie de célibataire de Watson. Laissant le docteur se livrer à une partie de cartes, le détective inspecte l'étage où il a repéré un individu déjà remarqué sur les lieux d'un précédent attentat. C'est ainsi que Holmes fait connaissance avec une diseuse de bonne aventure gitane, Sima, menacée par un tueur car son frère serait lié à un projet criminel en relation avec les manigances de Moriarty, même si la jeune femme est sans nouvelles de son proche depuis des mois.

Sima et Sherlock Holmes

(Noomi Rapace et Robert Downey Jr.)

Le mariage de Watson se déroule sans problèmes, même si entretemps Holmes a décidé de défier Moriarty en lui rendant visite à l'université où il enseigne. Les egos démesurés des deux hommes, que seul le sens moral distingue, aboutit à des menaces réciproques : le professeur affirme que rien ni personne ne l'arrêtera et le confondra, le détective jure qu'il se dressera contre ses funestes projets. Moriarty promet alors que Watson, après Irene Adler, dont Holmes est sans nouvelles, souffrira des dommages collatéraux de leur affrontement.

Moriarty et Holmes

Holmes rattrape Watson et Mary lors de leur voyage de noces et écarte la jeune femme pour la protéger. Les hommes de main de Moriarty passent à l'attaque mais le détective et son ami leur échappent de justesse pour rejoindre Sima et ses acolytes gitans qui leur ouvrent la route, en évitant les frontières, pour suivre Moriarty.

Mycroft Holmes

(Stephen Fry)

De nouveaux mouvements se produisent - en Inde un magnat du coton est ruiné par un scandale, en Chine un trafiquant d'opium décède d'une overdose, aux Etats-Unis, un aciériste meurt. La poursuite conduit Holmes et ses comparses à Paris, puis en Allemagne et, enfin en Suisse où Mycroft, le frère du détective, ponte des services secrets britanniques, assure la sécurité d'une conférence de chefs d'Etats et d'ambassadeurs. C'est là que resurgit Moriarty dont Holmes a compris qu'il voulait provoquer la guerre pour amasser une fortune en fournissant des armes aux divers belligérants.

Holmes et Watson

Qui, du détective ou du professeur, aura le dernier mot ? 

Comme je l'écrivais dans la critique du premier film, Guy Ritchie n'est certainement pas un grand cinéaste, mais c'est un réalisateur habile et qui a su, en acceptant de se plier aux contraintes du film de commande, tirer les leçons de ses erreurs. Cela se vérifie encore plus avec cette suite qui est meilleure que le premier épisode mais aussi supérieur à tout ce qu'a pu filmer jusqu'alors le réalisateur britannique.

Explosif, le résultat l'est encore, et ce, dès le début car le film s'ouvre par une déflagration qui semble résumer la philosophie de la production : faire plus fort, ce qui correspond à ce que finance Joel Silver.  

L'intrigue de Sherlock Holmes : Jeu d'ombres reste certes tortueuse mais quand même mieux tricotée et lisible que celle du précédent opus, où le mélange d'enquête et d'occultisme (fusse-t-il bidon) convainquait à moitié. Ici, les attentats qui ponctuent l'aventure permettent à la fois de jouer sur la menace qui plane sur l'Europe et l'aspect dérisoire et prétentieux des efforts de Holmes pour déjouer une guerre. Le procédé est malin et efficace, alimentant l'histoire sur plus de deux heures sans égarer le spectateur ni l'ennuyer.

Ritchie n'a presque qu'à dérouler ce scénario qui, en multipliant les fracas, oppose surtout deux adversaires passionnants à observer dans leur propre querelle d'ego : Michelle et Kieran Mulroney ont, il est vrai, utilisé le méchant le plus emblématique, charismatique et coriace du génial détective en la personne du professeur Moriarty. Ce criminel est l'égal, sinon le supérieur, de Holmes dans sa capacité à avancer en ayant toujours un coup d'avance. Mais le film le traite avec une sorte de distance froide, implacable, très intelligente : ennemi souvent cité dans les romans de Conan Doyle mais finalement peu montré, il est un redoutable cerveau déléguant pour mieux progresser, sûr de lui.

Alors que, depuis le premier film, Holmes est présenté et ici confirmé comme un intellectuel qui éprouve le besoin de se dépenser physiquement, n'hésitant pas à faire le coup de poing (et d'ailleurs pratiquant diverses formes de combats en parallèle à ses enquêtes), vêtu comme une sorte de gypsy (qui va rencontrer d'authentiques gitans durant ses investigations) débraillé, mal rasé et hirsute, Moriarty contraste par son aspect apprêté, ses manières suaves, sa détermination glaçante. Une des réussites du film est de nous convaincre qu'il peut vaincre Holmes et que Holmes est dépassé à la fois par cet homme mais aussi par l'ampleur de ses exactions.

Une bonne partie de l'intrigue relègue donc Watson au second plan, même si, grâce au talent de Jude Law (vraiment excellent), le docteur conserve une présence forte et singulière. De même Irene Adler, toujours campée par Rachel McAdams, disparaît rapidement (sans qu'on soit cependant certain que son personnage soit mort). Mais le casting réserve une bonne surprise en inventant la tireuse de cartes tzigane Sima, à laquelle Noomi Rapace donne un charme certain (quand bien même on peut regretter que la production n'ait pas attribuée, comme prévu initialement, le rôle à une française, ce qui aurait été moins exotique qu'une suédoise) : le rôle échappe au faire-valoir féminin en tout cas et pimente la relation toujours aussi drôlement équivoque du couple Holmes-Watson.

L'action est riche et abondante dans l'histoire et Ritchie a sur varier ses effets d'une manière plus satisfaisante que dans le premier volet : le script n'abuse déjà pas des fameuses répétitions mentales de combat de Holmes, à partir de quoi on a également moins de ralentis-accélérations (ou, quand c'est le cas, à meilleur escient - comme en témoigne la fuite des héros dans la forêt bombardée, merveilleusement montée). Parfois encore, toutefois, on déplore ses champ-contrechamp trop rapides (alors que filmer simplement dans un même plan deux, ou trois, personnages dialoguant est tellement plus efficace, surtout avec des acteurs de ce calibre).

Le film enchaîne ainsi des scènes d’action avec ces trois héros dans un déluge de "bullet time", faisant osciller dangereusement le spectateur entre épilepsie et nausées. Retrouvant ses tics de mise en scène, Ritchie souligne chaque geste d’un combat par douze effets à la seconde (changement d’angle, de profondeur…), manière pompière de signifier son appartenance au genre.

Mais, de même que la partition superbe de Hans Zimmer accompagne ces rocambolesques péripéties, jusqu'au duel final directement emprunté à La chute du Recheinbach, le face à face entre Robert Downey Jr. (cabotinant encore beaucoup, mais sachant se retenir avec à-propos) et Jared Harris (terrifiant à souhait, un casting judicieux préféré au recrutement d'une vedette), arbitré par Stephen Fry (grandiose en frère aîné des Holmes) tient ses promesses, ponctué par des scènes vraiment drôles (le voyage en poney). 

On en reprendrait volontiers une tasse, même si les auteurs, interprètes et producteurs mesurent l'effort à accomplir pour réussir ce qui serait une trilogie (voire une franchise) ayant revivifié avec autant de dynamisme que la série de la BBC le détective le plus célèbre de la littérature.