THE GRAND BUDAPEST HOTEL, de Wes Anderson (2014)

THE GRAND BUDAPEST HOTEL est un film écrit et réalisé par Wes Anderson, d'après une histoire originale de Wes Anderson et Hugo Guinness.

La photographie est signée Robert Yeoman. La musique est composée par Alexandre Desplat.

Dans les rôles principaux, on trouve : Tony Revolori et F. Murray Abraham (Zero Moustafa jeune et vieux), Jude Law et Tom Wilkinson (l'Auteur jeune et vieux), Ralph Fiennes (M. Gustave H.), Tilda Swinton (Mme D. - Desgoffe und Taxis), Adrien Brody (Dmitri Desgoffe und Taxis), Willem Dafoe (JG Jopling), Edward Norton (inspecteur Albert Henckels), Jeff Goldblum (avocat Vilmos Kovacs), Mathieu Amalric (Serge X.), Léa Seydoux (Clotilde), Harvey Keitel (Ludwig), Jason Schwartzman (M. Jean), Bill Murray (M. Ivan), Owen Wilson (M. Chuck).

 La statue de l'Auteur

De nos jours. Une adolescente vient se recueillir devant la statue érigée à la mémoire de l'Auteur.

La jeune lectrice

Elle commence à lire son ouvrage le plus célèbre, The Grand Budapest Hotel.

The Grand Budapest Hotel

Le livre a été rédigé en Amérique du Sud en 1985 et évoque le séjour de l'Auteur au Grand Budapest, un hôtel situé à Nebelsbad, dans l'ex-République de Zubrowska, en 1968.

L'Auteur en 1985

(Tom Wilkinson)

  

L'Auteur y fit la connaissance, grâce au concierge M. Jean, du célèbre propriétaire des lieux, Zero Moustafa, lui-même féru de l'oeuvre de l'Auteur qu'il invita à dîner.

M. Jean et l'Auteur en 1968

(Jason Schwartzman et Jude Law)

Zero Moustafa accepta de raconter à son invité dans quelles circonstances extraordinaires il acquit cet hôtel au lendemain de la seconde guerre mondiale.

Zero Moustafa et l'Auteur en 1968

(F. Murray Abraham et Jude Law)

Tout commença en 1932, l'âge d'or du Grand Budapest Hotel...

Le Grand Budapest Hôtel en 1932

L'établissement, mondialement réputé, hébergeait une clientèle cosmopolite et richissime dans des conditions luxueuses. Parmi les habituées, depuis presque vingt ans, se trouvait Céline Villeneuve Desgoffe und Taxis.

Mme D. et M. Gustave H.

(Tilda Swinton et Ralph Fiennes)

Cette vieille bourgeoise n'était pas seulement une résidente saisonnière de l'hôtel mais également une amie intime de M. Gustave H., le concierge de l'endroit, à qui elle fit part, avant son départ, du pressentiment de sa fin prochaine et violente.

Zero Moustafa et M. Gustave

(Tony Revolori et Ralph Fiennes)

Malgré ses maigres références, le jeune Zero Moustafa, alors lobby boy, s'attira la sympathie de M. Gustave grâce à sa discrétion et son zèle. Au point que, lorsque le décès de Madame D. dans presse fut publié, le concierge emmena le garçon assister à la lecture du testament dans son château de Lutz. 

Zero et Clotilde

(Tony Revolori et Léa Seydoux)

Sur place, le majordome des Desgoffe un Taxis, Serge X., tenta - en vain - de prévenir M. Gustave d'un imprévu tandis que Clotilde, la jeune servante du château, escortait Zero.  

J.G. Jopling et Dmitri Desgoffe und Taxis

(Willem Dafoe et Adrien Brody)

L'héritage colossal de Madame D. attira les membres les plus lointains de sa famille, mais au premier rang se tenait son fils, Dmitri, et son homme de main, Jopling, tous deux ennemis déclarés de M. Gustave, dont ils savaient la relation intime avec la défunte. 

Vilmos Kovacs

(Jeff Goldblum)

La tension était à son comble quand l'avocat Vilmos Kovacs se présenta avec l'impressionnante masse notes rédigées par Madame D. pour son legs, auquel elle venait, avant sa mort, d'ajouter un chapitre. Celui-ci stipulait qu'elle offrait à M. Gustave un tableau d'une valeur inestimable, Le Garçon à la pomme, peint par Johannes Van Hoytl Le Jeune. A cette annonce, Dmitri entra dans une colère folle, inspirant à Zero et M. Gustave l'idée de repartir presto avec ledit tableau.

Zero et Agatha

(Tony Revolori et Saoirse Ronan)

De retour à l'hôtel, Zero, épris depuis son arrivée de la belle pâtissière Agatha, lui déclare ses sentiments en lui offrant un recueil de poèmes recommandé par M. Gustave. Ce présent la touche tant qu'elle répond favorablement à l'amour du lobby boy. Mais pendant ce temps, l'inspecteur Albert Henckels débarque à l'hôtel pour procéder à l'arrestation de M. Gustave, accusé du meurtre de Madame D. par le majordome de celle-ci, Serge X. 

Ludwig, M. Gustave et Zero

(Harvey Keitel, Ralph Fiennes et Tony Revolori)

Jeté en prison au Check-Point 19, M. Gustave est entouré de criminels endurcis dont il gagne le respect en se battant avec l'un d'eux, qui avait remis en cause sa virilité. Zero rend visite au concierge incarcéré qui lui affirme avoir un alibi pour la nuit du meurtre mais se refuse à s'en servir car il compromettrait une cliente avec qui il couchait. Le groom avec le concours d'Agatha fait alors discrètement passer des outils à M. Gustave pour qu'il s'évade en compagnie de ses co-détenus, mené par leur chef, Ludwig, qui sait parfaitement comment sortir de la prison. 

Dmitri, M. Gustave, l'inspecteur Albert Henckels, Zero et Agatha

(Adrien Brody, Ralph Fiennes, Edward Norton, Tony Revolori et Saoirse Ronan)

Aussitôt dehors, M. Gustave retrouve Zero et prend la fuite avec lui, poursuivis rapidement par la police dirigé par l'inspecteur Henckels mais aussi par Jopling à qui Dmitri a ordonné de pister le concierge qui veut retrouver le majordome Serge X. pour l'innocenter. Grâce à la Société des Clés Croisées, formée de concierges de divers palaces, M. Gustave et Zero gagnent le monastère au sommet du pic de Galmeister où s'est caché Serge X. Celui-ci a juste le temps, avant d'être tué par Jopling, de révéler que Madame X. avait rédigé un second testament qu'il avait recopié avant de le cacher au dos du tableau de Van Hoytl. 

Le mariage de Zero et Agatha par M. Gustave

en présence de concierges de la Société des Clés Croisées

M. Gustave et Zero tout comme Jopling cherchent alors à regagner le Grand Budapest Hôtel pour récupérer le tableau avant que Dmitri ne le prenne à Agatha, à qui l'avait confié Zero. Mais entretemps la guerre est déclarée et l'armée réquisitionne l'établissement pour le transformer en caserne. Heureusement, grâce à Agatha, en possession de la toile, et à l'inspecteur Henckels, arrêtant une fusillade dans l'hôtel entre Dmitri et M. Gustave, la preuve de l'innocence du concierge peut être sauvée et lue. Disculpé, M. Gustave peut célébrer le mariage de Zero et Agatha avant d'hériter de toute la fortune de Madame D..  

Zero, Agatha et M. Gustave

Comme M. Gustave le lui avait promis durant leur cavale, après sa mort (exécuté par des militaires lors d'un contrôle d'identité qui a dégénéré en train parce qu'il a défendu son groom apatride au titre de séjour provisoire), Zero hérita à son tour de tout l'argent de Madame D. Mais deux ans après leur union, il perdit Agatha, fauchée par la grippe prussienne.

Retour en 1968 : Zero avoue à l'Auteur que s'il a racheté, en y laissant toute sa fortune, le Grand Budapest Hotel, c'est parce que c'est ici qu'il rencontra Agatha et vécut ses jours les plus heureux. Le tableau de Van Hoytl a été, lui, accroché derrière le comptoir du concierge.

De nos jours, au pied de la statue de l'Auteur, l'adolescente poursuit la lecture de son roman.

Avec près de 175 millions de $ de recettes au box office américain, The Grand Budapest est le plus gros succès commercial de Wes Anderson. Il a été également récompensé par les Oscar de la meilleure musique (composée par Alexandre Desplat, c'est effectivement une bande-son formidable), des meilleurs décors, costumes et maquillages.

Cette réussite est justifiée quand on regarde et revoit le résultat. Même le fan habitué et idolâtre de la filmographie de Anderson ne peut qu'admettre qu'il s'agit de son chef d'oeuvre, et il rend impatient de découvrir son prochain opus (un nouveau film d'animation, comme Fantastic Mr. Fox, prévu pour 2017, inspiré de L'Or de Naples de Vittorio de Sica, avec un chien pour héros, qui aura la voix de l'irremplaçable Bill Murray).

Wes Anderson a assumé seul l'écriture de son 8ème opus, même si l'histoire a été conçue avec Hugo Guinness. Le cinéaste a reconnu aussi avoir puisé dans l'oeuvre du romancier autrichien Stefan Zweig (en particulier 24 Heures dans la vie d'une femme, 1927 ; Méfiez-vous de la pitié, 1939 ; et son autobiographie, Le Monde d'hier, 1934-1942) et le film The Shop around the corner d'Ernst Lubistsch.

Toutes ces références sont brillamment digérées dans le scénario qui constitue une petite révolution chez Anderson qui se frotte pour la première fois à une période historique précise (l'entre deux guerres des années 30) après une série de films fantaisistes et mélancoliques à la fois mais souvent hors des grands événements. La narration est sophistiquée et fluide à la fois puisqu'elle jongle avec quatre époques - de nos jours, 1985, 1968, et 1932. Cette construction évoque bien entendu celle d'un récit façon poupées russes, qui, elle, ne déroutera pas les familiers du cinéaste, n'aimant rien tant que les histoires et les personnages dont le caractère sont définis par l'accumulation de strates.

Ce qui impressionne aussi, c'est l'emballement frénétique avec lequel se déploie l'intrigue : en 100 minutes, au rythme infernal, Anderson orchestre sa partition à la manière d'un cartoon, glissant ici un hommage purement burlesque (la folle descente à ski et en traîneau, depuis le pic de Galmeister, de Jopling poursuivi par Zero et M. Gustave), là un clin d'oeil au cinéma muet (avec la séquence en noir et blanc où le contrôle d'identité de Zero dégénère à cause de M. Gustave).

Si le film est très drôle, émaillé de répliques hilarantes (des insanités proférées flegmatiquement par M. Gustave aux remarques candides de Zero en passant par les jurons de Dmitri), la tragédie n'est jamais loin puisque l'époque est troublée. Ce contraste conduit à des moments lunaires (comme lorsque Zero apporte, alarmé, le journal à M. Gustave, au lit avec une de ses vieilles clientes - mais, comme il l'avouera à Dmitri, "je couche avec tous mes clients." - et dont la "une" interroge : "Bientôt la guerre ?" avant que plus bas ne soit publiée l'annonce du décès de Madame D., bien plus triste pour le concierge).

Cette densification extrême engendrée par l'abondance de rebondissements, de mouvements, aboutit invariablement à l'espièglerie des réactions des personnages (traqué par le tueur de Dmitri et toute la police locale, M. Gustave, avec son détachement imparable, fait le point en ces termes : "the plot thickens" - "Le mystère s'épaissit"). Cela témoigne de la volonté du cinéaste de toujours réorganiser le monde à sa manière en disposant les faits de manière inattendue (gravement léger, légèrement grave) et donc comique.

Toutefois, bien que le formalisme toujours très appuyé de son cinéma frise la maniaquerie, Anderson ne sombre jamais dans l'hystérie : en en soulignant le dispositif artificiel, il nous montre ce que le théâtre de l'action a d'absurde, d'insouciant, et que, lorsque les choses se calment (apparemment) enfin, le pire approche. Au monde soigneusement étiqueté (des hommes aux objets en passant par les lieux) va succéder un autre dévasté par la guerre et le temps qui passe : hier, l'harmonie de l'hôtel passait par l'agitation bien régie qui y régnait ; aujourd'hui l'endroit ressemble à un mausolée dont Zero ne veut pas se séparer, quitte à se ruiner, parce que ses murs lui rappellent moins une époque révolue que le lieu où il rencontra son unique et éphémère amour. Cette tradition qui veut qu'un espace serve à se recueillir est aussi signifié dans l'intriguant prologue où l'adolescente lit l'ouvrage mémoriel de l'Auteur au pied de la statue érigée en sa mémoire.

La morale de tout cela, c'est que les histoires nous sont inspirées par les gens mais que l'existence de ces gens hante les lieux où ils ont vécu : y rester ou s'y rendre, c'est espérer les y rencontrer, physiquement ou spirituellement, comme on effectue un pèlerinage. Mine de rien, donc, le film invoque le devoir de mémoire à travers la conservation des endroits ayant hébergés des personnes et des événements importants.

Pour incarner ces aventures, Anderson a disposé de son plus incroyable casting, distribuant même le plus petit rôle à un comédien de premier plan (Bill Murray, Owen Wilson, Jason Schwartzman, Tilda Swinton sont donc là, mais aussi Léa Seydoux ou Mathieu Amalric). Il a attribué, selon les époques, à deux interprètes le même personnage (Jude Law et Tom Wilkinson pour l'Auteur, Tony Revolori et F. Murray Abraham pour Zero). Et Ralph Fiennes (grandiose dans son meilleur rôle), Edward Norton, Adrien Brody, Willem Dafoe ou Saoirse Ronan sont tous fabuleux, totalement investis dans cet univers si élaboré. C'est un régal absolu de voir une telle réunion de talents, si bien dirigée et photographiée (par le fidèle et génial chef op' Robert Yeoman - tout le design du film est effectivement extraordinaire, dans le moindre détail, à tel point qu'on se croirait dans une super-production au budget bien supérieur à ses modestes 23 M $).

The Grand Budapest Hotel est un film-somme : il prolonge et intensifie tout ce qui était déjà là dans les précédents opus de Wes Anderson tout en prouvant que le réalisateur n'a pas peur de se surpasser. C'est un sentiment extatique à la fin de la projection et une promesse galvanisante pour la suite.  

   

LA BELLE ET LA BÊTE, de Christophe Gans (2014)

LA BELLE ET LA BÊTE est un film réalisé par Christophe Gans.

Le scénario est écrit par Christophe Gans et Sandra Vo-Anh, d'après le conte de Suzanne-Gabrielle de Villeneuve. La photographie est signée Christophe Beaucarne. La musique est composée par Pierre Adenot.

Dans les rôles principaux, on trouve : Léa Seydoux (Belle de Beaufremont), Vincent Cassel (le Prince/ la Bête), André Dussolier (M. de Beaufremont), Eduardo Noriega (Perducas), Myriam Charleins (Astrid), Yvonne Catterfeld (la Princesse), Audrey Lamy (Anne de Beaufremont), Sara Giraudeau (Clotilde de Beaufremont), Nicolas Gob (Maxime de Beaufremont), Jonathan Demurger (Jean-Baptiste de Beaufremont), Louka Meliava (Tristan de Beaufremont).

 Le prince et la princesse

(Vincent Cassel et Yvonne Catterfeld)

Il était une fois... Un beau prince amoureux d'une princesse mais également redoutable et insatiable chasseur : il était encouragé par ses amis à tuer la seule proie qui manquait à son tableau, une belle biche dorée. La princesse fit promettre au prince de renoncer à la biche en échange de quoi elle lui donnerait un héritier. Mais le prince ne tint pas sa parole et abattit avec son arbalète armée d'une flèche d'or la biche. Horrifié, il découvrit alors qu'il avait tué sa princesse qui avait se transformait en femme pour savoir ce que c'était que de connaître l'amour d'un homme. Les cieux en fureur dévastèrent alors le domaine du prince, pétrifièrent ses amis et le changèrent en un monstre au corps d'homme et à la tête de lion.

Belle de Beaufremont et son père

(Léa Seydoux et André Dussolier)

Plus tard, un marchand, M. de Beaufremont, à la tête de trois navires, fut pris dans une tempête en mer. Deux de ses bateaux coulèrent avec leur chargement. Ruiné et humilié, il se retira avec ses trois filles - Anne, Clotilde et Belle - et ses trois fils - Maxime, Jean-Baptiste et Tristan - dans une humble masure à la campagne. 

Anne et Clotilde de Beaufremont

(Audrey Lamy et Sara Giraudeau)

Apprenant que son troisième navire avait été retrouvé et ramené au port, Beaufremont et deux de ses fils, Maxime et Jean-Baptiste, revinrent en ville pour en récupérer la cargaison mais apprit qu'il en était dépossédé pour rembourser ses créanciers.

Maxime et Jean-Baptiste de Beaufremont

(Nicolas Gob et Jonathan Demurger)

Maxime et Jean-Baptiste firent alors affaire avec le brigand Perducas afin qu'il leur avance l'argent nécessaire au rachat de la marchandise. Apprenant les mauvaises fréquentations de ses fils, M. de Beaufremont se rendit dans la taverne où le brigand avait ses habitudes mais Perducas exigea qu'il lui rembourse. 

Astrid et Perducas

(Myriam Charleins et Eduardo Noriega)

M. de Beaufremont réussit à s'enfuir pour mieux se perdre à cheval dans une forêt profonde. Il atteignit un château désert où il trouva de la nourriture en abondance mais aussi des malles pleines de robes et de bijoux comme il avait promis d'en rapporter à Anne et Clotilde. Ainsi qu'une rose rouge telle qu'en désirait Belle. En cueillant la fleur, il est alors attaqué par la Bête à qui appartient ce domaine et qui réclame une vie pour une rose d'ici au lendemain. 

Belle

En écoutant le récit des mésaventures de son père, Belle décida de se sacrifier en allant se donner à la Bête. Chaque soir, elle devra dîner avec lui, et renoncer à s'échapper. Malgré sa monstruosité physique et son tempérament ombrageux, Belle devine rapidement les sentiments amoureux de son hôte mais aussi qu'il a vécu un drame dans le passé. 

La Bête et Belle

Le secret de la Bête est révélé en songe à Belle. Elle s'en émeut et lui accorde même une danse avant de lui demander une ultime faveur : qu'il la laisse rendre visite à sa famille pour lui faire ses adieux.

La Bête et Belle

Lors de ces retrouvailles, Belle porte un diadème qui attire l'attention de Maxime et Jean-Baptiste. Ils entraînent alors la bande de pillards de Perducas jusqu'au château de la Bête. Déployant la magie de l'endroit, il riposte et tue les brigands.

Les pillards de Perducas investissent le château de la Bête

avec la complicité de deux des frères de Belle

Avertie par son dernier frère, Tristan, Belle retourne au château où elle évite de justesse que la Bête ne massacre Maxime et Jean-Baptiste. Mais Perducas en profite alors pour blesser la Bête. La nature du domaine devient folle et s'en prend au brigand tandis que Belle et ses frères transportent la Bête dans un bassin de jouvence. Il se rétablit et elle lui avoue alors son amour, lui rendant visage humain.

Les deux soeurs de Belle se marieront à des jumeaux, ses frères ouvriront un nouveau commerce, son père profitera de sa retraite, et la jeune femme épousera le prince et lui donnera deux enfants à qui elle raconte leur histoire.

Après plusieurs projets inachevés aussi ambitieux que prometteurs, Christophe Gans a fait son grand retour derrière la caméra en 2014 avec cette nouvelle version du conte de Gabrielle-Suzanne de Villeneuve écrit en 1740. 

Il l'a voulu à la fois comme un hommage au film de Jean Cocteau (1946) mais plus respectueux au texte original et surtout différent du dessin animé de Disney (1991), qu'il déteste. Pour cela, il l'adapte avec la romancière Sandra Vo-Anh sur laquelle il compte pour développer autant le personnage de la Belle que de la Bête.

Pour convaincre les financiers d'investir dans ce qu'il sait être une grosse production, Gans doit avoir deux têtes d'affiche "bankables" : il retrouve donc son ami Vincent Cassel, onze ans après Le Pacte des loups, et entraîne dans l'aventure Léa Seydoux, encore auréolée du succès critique et public de La Vie d'Adèle (2013). Le rôle de M. de Beaufremont était prévu pour Gérard Depardieu qui s'est désisté quinze jours avant les prises de vue et a été remplacé par André Dussolier (sans qu'on y perde au change).

A l'intrigue principale connue de tous (la romance improbable entre le monstre et la benjamine du marchand qui a volé pour elle une rose dans le domaine du premier, puis le secret révélé de la malédiction qui frappa le prince), Gans et sa scénariste ont développé un subplot impliquant le pillard Perducas et son alliance avec les deux frères aînés de Belle. Si la greffe prend assez bien, elle s'opère au détriment des deux soeurs de Belle, mais étant interprétées par les insupportables Audrey Lamy (dans son registre hystérique habituel) et Sara Giraudeau (exaspérante avec sa voix de fillette et la fausseté de son jeu), pas de quoi se plaindre. On peut juste estimer que le film n'aurait pas souffert d'avoir un casting ainsi délesté, et un montage plus rapide (même si les 115 minutes passent bien).

En revanche, la narration concernant le passé du prince et donc de l'origine de sa transformation en Bête est très bien conduit via des flash-backs révélés en songes à Belle. Le procédé est délicat mais ici très fluide, et permet au réalisateur de travailler son ouvrage comme un récit à tiroirs (toute l'histoire est racontée comme un conte par Belle, ce qui laisse au spectateur le choix de l'écouter au premier degré - elle dit la vérité - ou avec du recul - elle invente, enjolive, dramatise, pour captiver ses enfants).

Si Vincent Cassel est un choix naturel pour incarner la Bête, il surprend agréablement avec son interprétation du prince auquel il donne une sensualité déjà bestiale, une préférence pour la chasse contre la promesse fait à la princesse d'épargner la biche - c'est, autrement dit, un monstre à visage humain que des forces surnaturelles en lui donnant une apparence monstrueuse dont il ne sera délivré qu'en étant à nouveau aimé.

Gans a insisté pour obtenir Léa Seydoux car il déplorait de la voir toujours "tirer la tronche" dans les films qu'elle tournait alors qu'elle s'était présentée "lumineuse" à une lecture du script. Elle irradie en effet, tout en exprimant un mélange fascinant de fragilité et d'orgueil (ce côté "brut, bûté, frontal" qu'appréciait le cinéaste) au début puis assumant son attirance pour la Bête ensuite.

André Dussolier est comme d'habitude parfait en père désargenté souffrant du sacrifice de sa benjamine, et Eduardo Noriega compose une crapule impeccable (même si, là encore, on peut penser que Gans a dû abandonner au montage des scènes affinant son rôle et celui de la diseuse de bonne aventure campée par Myriam Charleins).  

Le résultat n'a certes pas la poésie unique du chef d'oeuvre de Cocteau, mais impressionne quand même par la splendeur formelle des costumes, des décors, la puissance de la bataille finale (avec les géants). Gans est un des rares, sinon le seul réalisateur français (avec Besson, quand celui-ci fait un effort conséquent sur le scénario) à assumer un tel divertissement avec cet aspect spectaculaire et esthétique.

Longtemps mis en concurrence avec un projet porté par Guillermo del Toro, une autre version, dirigée par Bill Condon, avec Emma Watson, sortira en salles l'an prochain. 

MINUIT A PARIS, de Woody Allen (2011)

MINUIT A PARIS (Midnight in Paris) est le 42ème film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Darius Khondji. 

Dans les rôles principaux, on trouve : Owen Wilson (Gil Pender), Rachel McAdams (Inez), Marion Cotillard (Adriana), Léa Seydoux (Gabrielle), Kathy Bates (Gertrude Stein), Corey Stoll (Ernest Hemigway), Adrien Brody (Salvador Dali), Marcial Di Fonzo Bo (Pablo Picasso), Tom Hiddleston (Scott Fitzgerald), Alison Pill (Zelda Fitzgerald)...

Gil Pender et Inez arrivent à Paris pour y préparer leur mariage, en compagnie des parents de la jeune femme (qui ne s'entendent pas avec leur futur gendre). Gil, qui veut se consacrer à l'écriture d'un roman, aimerait s'installer dans la capitale française mais ce projet ne séduit pas sa future épouse. 

Gil et Inez

(Owen Wilson et Rachel McAdams)

Il doit aussi supporter un autre couple américain dont le mari est un ancien prétendant d'Inez, un type imbuvable, suffisant et prétendant tout savoir sur Paris, sa culture, son passé.

Paul, son amie, Inez et Gil

(Michael Sheen, Rachel McAdams et Owen Wilson)

Un soir, alors qu'Inez va danser avec ses amis, Gil va se promener et s'égare. A minuit, une voiture s'arrête près de l'endroit où il cherche à se repérer et ses occupants l'invitent à une soirée. En route, Gil comprend que ses hôtes sont Scott et Zelda Fitzgerald et qu'il a remonté le temps jusque dans les années 1920. Il rencontre ensuite Ernest Hemingway, Gertrude Stein, Pablo Picasso et la nouvelle muse de ce dernier, la belle Adriana, dont il tombe amoureux au premier regard.

Adriana

(Marion Cotillard)

Pour s'assurer qu'il n'a pas rêvé cette nuit, Gil se rend au même endroit le lendemain, toujours à minuit. A nouveau, il est transporté dans le passé et croise de nouveaux artistes de l'époque : Salvador Dali, Cole Porter, Juan Belmonte, T. S. Eliot, Luis Buñuel, Man Ray...

Zelda et Scott Fitzgerald

(Alison Pill et Tom Hiddleston)

 Gil, Ernest Hemignway et Gertrude Stein

(Owen Wilson, Corey Stoll et Kathy Bates)

Pablo Picasso

(Marcial Di Fonzo Bo)

Salvador Dali

(Adrien Brody)

Man Ray et Luis Buñuel

(Tom Cordier et Adrien De Van)

Son beau-père le fait suivre les nuits suivantes mais le détective engagé est semé. L'amour que Gil éprouve pour Adriana fait voler son couple avec Inez en éclats mais aboutit à une impasse car la muse des peintres ne pense trouver le bonheur que dans des années encore antérieures.

Gil et Adriana

(Owen Wilson et Marion Cotillard)

Gil rebondit malgré tout en se posant à Paris, où il peut se consacrer à son roman, et en se liant avec Gabrielle, une jeune et jolie antiquaire, partageant ses goûts...

Gabrielle

(Léa Seydoux)

C'est, parmi les films récents de Woody Allen, un des plus joyeux, les plus drôles, tout en restant mélancolique - il faudra attendre Magic in the Moonlight (en 2014) pour qu'il renoue avec ces tonalités.

A l'époque de Midnight in Paris, Allen a repris son tour d'Europe, entamé avec Match Point (2005), Scoop (2006), Le Rêve de Cassandre (2007), Vicky Cristina Barcelona (2008), et plus tard par To Rome with Love (2012). Ces voyages hors de Manhattan en particulier et de l'Amérique en général découlent de la recherche de financements mais aussi d'une volonté manifeste d'explorer d'autres horizons, de situer ses histoires dans d'autres cadres, même si c'est la première fois en près de quarante ans de carrière qu'il aligne des longs métrages à l'étranger aussi fréquemment.

Profitant d'un crédit d'impôts pour les tournages en France (et certainement en échange d'un petit rôle pour Carla Bruni, la femme du président de la république d'alors, Nicolas Sarkozy), Woody Allen pose donc sa caméra à Paris pour une comédie sentimentale délicieuse. Les premières images sont une succession de cartes postales de la capitale comme si le cinéaste avait voulu se débarrasser de l'hommage envers ses hôtes. Mais on peut aussi estimer qu'il s'agit de la manière dont n'importe quel touriste découvre la capitale et c'est alors une figure logique puisque le héros de l'histoire est un touriste idéalisant Paris.

Derrière quelques bonnes répliques et ce sentimentalisme assumé, Allen ne trompe personne très longtemps en brossant le portrait d'un couple qui, bien que sur le point de se marier, est composé de deux individualités contraires : le romantique démocrate Gil n'a rien à voir/à faire avec cette Inez bourgeoise républicaine, encore moins avec ses beaux-parents qui le méprisent ouvertement. Rarement le cinéaste aura d'ailleurs manifesté autant de critique avec ses concitoyens américains, comme le confirme ensuite le rôle joué par Paul et son amie : non seulement ceux-ci sont d'épouvantables snobs mais en plus ils prétendent mieux connaître la France et sa capitale que ses propres habitants et guides !

Puis le film bascule, à la fois dans la comédie romantique et le fantastique féerique, quand Gil remonte le temps lorsqu'un soir il s'égare en ville et que le douze coups de minuit sonnent. Allen met en scène alors les rencontres de son héros avec la fine fleur culturelle des années 20, une fabuleuse concentration d'expatriés s'illustrant dans la littérature, la peinture, le cinéma.

Le casting est particulièrement soigné et donne un relief à la fois drôle et troublant à cette idée puisque chaque acteur est à la fois très bon dans son rôle mais aussi très ressemblant avec la célébrité qu'il incarne : Tom Hiddleston et Alison Pill pour Scott et Zelda Fitzgerald, Corey Stoll pour Ernest Hemingway, Adrien Brody pour Salvador Dali (deux scènes hilarantes, ponctuées par une réplique culte : "I see... A Rhinoceros !"), Kathy Bates pour Gertrude Stein, Marcial Di Fonzo Bo pour Pablo Picasso... C'est par ce dernier qu'est introduit un personnage fictif mais crédible de muse qui va entraîner Gil et le film dans sa thématique profonde : Adriana ou l'insatisfaction.

Avec cette héroïne dont le protagoniste (comme le spectateur) tombe amoureux au premier regard, Woody Allen interroge l'interprétation de l'art (via un tableau la représentant peint par Picasso) : pour le pédant Paul, la toile raconte une histoire dont Gil connaît la vérité, ce qui est donc communément admis n'est pas toujours vrai.

A mesure que les connaissances qu'acquiert Gil contredisent ce que dit Paul et apprécie Inez, l'évidence que le couple de Gil et Inez ne tiendra pas (n'a jamais tenu) se fait plus évidente. Le film avance ainsi en même temps que l'histoire de Gil et Inez recule, régresse, se dissout. Cette mécanique est actionnée avec une fluidité remarquable.

Ce fossé est souligné aussi par les divergences sociales : Inez et ses parents sont plus soucieux des apparences que d'authenticité (ainsi, alors qu'ils sont chez un antiquaire et se voient proposer une chaise pour 18 000 $, Gil trouve le prix exorbitant mais sa belle-mère trouve ça "cheap" - un mot qui reviendra pour désigner en vérité autant les goûts que la personnalité de Gil). Ce sont des bourgeois mesquins et racistes, prêts à accuser sans preuves une femme de ménage (quand Inez perd une paire de boucles d'oreilles, que Gil lui a prise pour les offrir à Adriana) et à railler les français ou les opinions jugées communistes de Gil.

Néanmoins, ledit Gil a un rôle ambigu : il mène une double vie, courtisant sans scrupules Adriana, qu'il lâchera, plus sidéré que dépité, quand il constatera qu'elle aussi n'a pas les mêmes aspirations que lui, et tombant vite, à la fin, sous le charme de la jolie antiquaire, Gabrielle.

Gil n'est pas non plus un individu si détaché de la réalité qu'il trouve si pénible : son affection pour le passé a besoin de passer par des éléments concrets, physiques, ce n'est pas un doux rêveur nostalgique mais plutôt un fétichiste pour lequel divers objets font office de véhicules : des disques vinyles de Cole Porter, des livres dénichés chez des bouquinistes, les monuments historiques de la capitale - autant de passerelles bien matérielles entre le présent subi et le passé idéalisé. Il n'hésite pas non plus à user des avantages que lui procurent ses allers-retours entre aujourd'hui et hier, comme lorsque après avoir croisé Picasso avec Adriana, il fait à son tour la leçon à Paul, ou quand, s'étant fait traduire le journal intime d'Adriana, il sait pouvoir la séduire en lui offrant des boucles d'oreilles (qu'il enlève à la collection d'Inez).

Mais Woody Allen anime Gil de telle manière qu'il nous est toujours plus sympathique que lâche ou manipulateur. Et nous comprenons à la fois sa fascination pour les "Roaring twenties", qui voit défiler une galerie somptueuse d'artistes : comment ne pas l'envier quand il reçoit les conseils d'Hemingway ou Gertrude Stein, dialogue avec Dali, fait la fête avec les Fitzgerald ? La reconstitution est très soignée, et le budget relativement modeste est sur l'écran, dont les éléments sont magnifiés par la photo splendide de Darius Khondji. Allen fait aussi preuve d'une malice jubilatoire quand, au détour d'une scène, Gil glisse à un Buñuel perplexe l'idée du film L'ange exterminateur (qu'il ne réalisera qu'en 1962 !).

La romance avec Adriana introduit aussi une réflexion aigre-douce sur le rapport au temps : Gil fantasme les années 20 quand elle rêve, elle, de la Belle Époque, où elle finira par se rendre et rencontrer de charmeurs Paul Gauguin et Edgar Degas sous les yeux d'Henri de Toulouse Lautrec, qui, eux, auraient souhaité vivre lors de la Révolution française. Tous ont donc en commun de ne pas s'estimer heureux dans leur temps et d'idéaliser des périodes historiques antérieures.

Ces considérations nuanceront la nostalgie de Gil qui comprendra qu'il s'agit moins d'un problème avec le temps que de trouver la femme avec laquelle il se sentira bien au présent. Mais, là encore, Allen résout cela avec ironie puisque son héros trouvera la paix et l'amour avec une charmante antiquaire, donc avec quelqu'un qui, justement, fait commerce du passé. Cela lui permet de dépasser la conviction que c'était mieux avant et que se complaire dans le passé (ou la vénération du passé) revient à fuir le présent au lieu d'en savourer les plaisirs.

Dans un nouveau mouvement de balancier, Gil passe du statut d'homme coincé dans le passé à celui d'homme prêt à aller de l'avant, lorsqu'il abandonne Adriana et retrouve, providentiellement, Gabrielle, après avoir rompu avec Inez entretemps.

Le charme irrésistible du film passe grandement par ses interprètes : Owen Wilson imite un peu trop le phrasé et la gestuelle du cinéaste mais incarne très bien ce Gil tiraillé entre plusieurs femmes, plusieurs époques.

Marion Cotillard campe avec une séduction rare et une fragilité émouvante Adriana, ajoutant Woody Allen à son prestigieux tableau de chasse (avec ses rôles chez Christopher Nolan, James Gray, Ridley Scott, Michael Mann, Steven Soderbergh).

Rachel McAdams incarne à la perfection l'odieuse Inez, tandis que Léa Seydoux n'a besoin que de quelques scènes pour illuminer le film comme Gil.

Minuit à Paris est un film délicieux, d'une grande élégance visuelle (jusque dans son affiche dont le fond est celui de La nuit étoilée peinte par Vincent Van Gogh), drôlement poétique. Cette fantaisie romantique offre aussi son lot de réflexions (sur le temps, sur l'art, sur l'inspiration) avec cette touch si spirituelle qui fait tout le prix du cinéma de Woody Allen.

LA VIE D'ADELE, CHAPITRES 1 ET 2, de Abdelatif Kéchiche (2013)

LA VIE D'ADELE, CHAPITRES 1 et 2 est un film réalisé par Abdelatif Kéchiche, Palme d'or du festival de Cannes 2013.

Le scénario est écrit par Abdelatif Kéchiche et Ghalya Lacroix, d'après la bande dessinée Le Bleu est une couleur chaude de Julie Maroh. La photographie est signée Sofian El Fani.

Dans les rôles principaux, on trouve : Adèle Exarchopoulos (Adèle), Léa Seydoux (Emma), Jérémy Laheurte (Thomas), Mona Walravens (Lise).

Bien entendu, il y a toujours une excitation et une appréhension mêlées quand on va voir un film aussi attendu : parce qu'il a obtenu une telle récompense, qu'il est précédé de critiques majoritairement flatteuses, mais aussi parce que sa promotion a été brouillée par un flot de polémiques entre les techniciens, les actrices et le réalisateur. Parce que, aussi, le film est déjà sorti depuis un petit moment, avec un beau succès à la clé, cette attente est doublée.

Peu de Palmes d'or ont suscité autant de commentaires, dépassant le cadre cinématographique puisque son sujet même (l'histoire d'amour de deux jeunes femmes) trouve un écho particulier après le vote du mariage pour tous). Lors du festival, le film avait provoqué un émoi peu commun, créant une sorte d'unanimité rare aussi bien chez les critiques que parmi le public de happy few de la Croisette jusqu'au jury qui a exceptionnellement accordé sa suprême récompense non seulement à son réalisateur mais aussi à ses deux comédiennes (en faisant de facto les co-auteurs de l'oeuvre).

Et puis il y a Léa Seydoux, une actrice qui me fascine non seulement par sa beauté mais également par le magnétisme qu'elle dégage, une impression comme j'en ai très rarement ressentie (surtout avec des actrices contemporaines).

Et, encore, comme un trait d'union entre le cinéma et les comics, il faut rappeler que La vie d'Adèle est initialement adapté d'une bande dessinée, un récit complet écrit et dessiné par Julie Maroh sous le titre Le Bleu est une couleur chaude (et ce fut aussi un reproche adressé à Kechiche de n'avoir jamais remercié, ni même consulté l'auteure). Je tâcherai d'écrire une critique de cet album prochainement.

Avant d'entrer plus avant dans le vif du sujet, j'aimerai m'arrêter brièvement sur un aspect sans doute anecdotique mais qui est quand même là aussi maladroit pour justement apprécier le film, avec son affiche.

Ci-dessous, on a l'affiche française :

Une image curieuse, qui n'a pas grand-chose à voir avec le film, qui me semble être un montage maladroit, mal composé, évoquant plus un long métrage dans le style de La Boum, avec deux bonnes copines de lycée, dont l'une est assez excentrique avec ses cheveux bleus, et qui affichent une mine réjouie inspirée par on ne sait quoi.

Puis, ci-dessous, on a l'affiche américaine :

Les Etats-Unis où, en passant, le film a été interdit au moins de 17 ans, ce qui l'a condamné à une exploitation en salles marginale, mais également privé d'être candidat pour l'Oscar du meilleur film étranger (si tant est que le comité qui propose des films à l'Académie des Oscar ait songé à le présenter).

Mais quoi qu'il en soit, l'image qui vend le film est bien plus belle déjà, et surtout bien plus évocatrice : on y lit l'attirance physique, le sentiment amoureux, entre les deux héroïnes, le titre y est mieux inséré (reprenant d'ailleurs celui, plus joli, de la bande dessinée).

Qu'est-il passé dans les têtes des producteurs et distributeurs pour préférer la première image à celle-ci ?

C'est un mystère, sauf en ce qui concerne le bon goût.

L'histoire de La vie d'Adèle est très simple et est effectivement construite en deux chapitres assez distincts lorsqu'on voit le film, avec une rupture temporelle et de ton nette à un moment donné du récit.

Adèle est une lycéenne de 16 ans, élève en Première L (littérature). Elle a sa bande d'amies, vit chez ses parents (des gens modestes, dont le foyer est sans histoire). Un des garçons de Terminale lui plaît et c'est réciproque, très vite ils vont faire connaissance, puis s'aimer, coucher ensemble. Mais cette expérience (dont on ignore si elle est la première pour Adèle) sème le trouble chez la jeune fille qui a eu le sentiment de ne pas en jouir pleinement, d'avoir vécu cela de manière trop détachée. 

Par un curieux hasard, peu avant son premier rendez-vous avec son petit ami, Adèle a croisé dans la rue une autre jeune fille, à peine plus âgée qu'elle, à la chevelure teinte en bleu, accompagnée d'une autre fille, et avec laquelle elle a échangé un bref regard mais qui l'a à l'évidence beaucoup troublé.

Quelque temps après, une camarade d'Adèle l'embrasse langoureusement et subrepticement. Ce baiser inattendu la remue assez pour qu'elle rompe avec son petit ami et veuille en savoir plus sur les intentions de sa camarade, comprenant alors qu'elle s'est emballée.

Puis, suivant un ami en ville une nuit, elle découvre l'ambiance d'un bar fréquenté par des homosexuels et celui d'un établissement voisin où se retrouvent des lesbiennes. C'est là qu'elle retrouve l'inconnue aux cheveux bleus, qui vient l'aborder et se présente : elle s'appelle Emma.

Emma revient vers Adèle en l'attendant devant son lycée puis elles se retirent dans un parc voisin où elles font mieux connaissance. L'attirance d'Adèle pour Emma se confirme, soulignée par une fascination certaine pour cet esprit plus affirmé, mature que le sien. Rapidement, Emma, qui a compris les sentiments d'Adèle et surtout les tourments sur son identité sexuelle, répond favorablement à son désir. Leur union se concrétise dans une première étreinte brûlante.

Emma présente Adèle à ses parents comme sa nouvelle amante : il s'agit d'un couple recomposé et ouvert d'esprit, au courant de l'homosexualité de leur fille, visiblement assez aisé socialement, et l'ayant encouragé pour devenir artiste et assumer sa situation. 

Entretemps, Adèle doit faire face à ses camarades au lycée lorsque sa relation avec Emma devient évidente, sa visite dans le bar gay ayant été préalablement éventée par l'ami qui l'y avait conduite. Une de ses amies réagit violemment. 

De façon plus détournée, Adèle mesure aussi la profondeur du précipice dans laquelle assumer son homosexualité publiquement lorsque, à son tour, elle présente Emma à ses parents, mais sans leur avouer ses sentiments (Emma acceptant de jouer la comédie et prétendant être en couple avec un homme ou de pas répliquer aux doutes du père d'Adèle sur l'incertitude que représente la vie d'artiste qu'elle mène).

A chacun de ses repas en famille, les deux filles font à nouveau l'amour, sous le toit de leurs parents respectifs - sans se retenir chez Emma, en réprimant leur jouissance chez Adèle.

Le 2ème chapitre de l'histoire s'ouvre alors après un bond de trois ans dans le futur.

Adèle et Emma se sont installées ensemble. Emma s'adonne à son art, prenant Adèle comme modèle à l'occasion. Adèle, comme elle le souhaitait, est devenue institutrice dans une école de maternelle, un travail où elle est épanouie, et soulage Emma de toutes les tâches du quotidien.

C'est ainsi qu'Adèle prépare une belle fête d'anniversaire pour Emma, où elle convie les amis (filles et garçons, et pour la plupart homosexuels et lesbiennes) de celle qu'elle aime. Cette soirée (qui fait écho au propre 17ème anniversaire d'Adèle dans le chapitre 1, en compagnie de ses parents et de ses camarades du lycée, dans une ambiance encore adolescente et insouciante, où elle était radieuse de bonheur) annonce en vérité des heures plus sombres, Emma négligeant ostensiblement sa compagne durant les festivités puis, une fois seules à nouveau, au lit, déplorant qu'elle se contente de son activité d'enseignante au détriment de l'écriture qui, pense-t-elle, la rendrait plus heureuse et sûre d'elle.

Emma est de plus en plus accaparée par son travail, entre les relations tendues qu'elle a avec un galériste et les délais d'une commande, qui la rend nerveuse. Adèle ne sait comment apaiser Emma et se retrouve de plus en plus souvent seule quand elle rentre de son boulot. Elle sort prendre l'air un soir et tombe sur un de ses collègues, qui n'est visiblement pas insensible à son charme. Dans un moment de griserie, elle l'embrasse...

Adèle cache ses écarts à Emma mais celle-ci les découvre un autre soir après l'avoir vue raccompagnée par son collègue professeur. C'est la rupture, violente, sans possibilité pour Adèle de s'expliquer, de faire admettre ses regrets. Emma met Adèle à la porte de leur appartement.

Adèle souffre doublement car, en plus de cette séparation, la fin de l'année scolaire approche et ses élèves la quittent à leur tour. Elle passe ses vacances au bord de la mer dans un état second, désemparée. De retour en ville, son chagrin ne passe pas, elle apprend même qu'Emma vit désormais avec une autre femme (entrevue lors de son anniversaire), avec son enfant.

Emma accepte un rendez-vous dans un café avec Adèle : celle-ci lui confie sa détresse et espère pousser son ancienne amante à avouer qu'elle l'aime encore elle aussi. S'il est évident qu'Emma est encore hantée par Adèle, lui a même pardonnée son infidélité, c'est pourtant bel et bien fini. Et puis elle prépare sa première exposition. Adèle est invitée au vernissage. 

Elle s'y rendra pour constater la fin définitive de l'histoire, y recroiser un jeune acteur (rencontrée lors de l'anniversaire d'Emma et qui l'avait dragué, qui semble toujours prêt à la séduire), avant de s'éclipser...

Ce résumé n'est guère plus qu'un compte-rendu. Il ne saurait rendre justice à la puissance que dégage le film, la simplicité du déroulement du récit, sa construction simple, n'en étant pas les principaux atouts. Il est, à vrai dire, très compliqué, pour ne pas dire impossible, d'exprimer toutes les émotions que produit le film, on en sort submergé, très ému, débordant de sensations. La Vie d'Adèle est un film-monstre, un film-somme dont la durée conséquente (2h59) dit toute l'ampleur.

Pourtant, pas de méprise, la longueur du film n'est pas du tout un problème : on ne la ressent jamais, mieux même il aurait pu durer encore plus longtemps sans épuiser son charme et sa force émotionnelle. C'est un des tours de force de Kéchiche, qui n'a pourtant pas toujours été aussi heureux en proposant des (très) longs métrages (comme La graine et le mulet où j'ai regardé plusieurs fois ma montre).

Cela ne signifie pas cependant que le film est exempt de maladresses, de faiblesses, ou d'excès : il y a des scènes superflues (comme celles des repas, un vrai gimmick chez Kéchiche, ou celles des cours de littérature-philosophie, dans la première partie, chargées d'un méta-texte sur la condition amoureuse trop lourdingue).

Il y a surtout une scène en particulier qui m'a dérangé alors qu'elle commence et finit formidablement, mais où j'ai trouvé que le cinéaste n'avait pas su éviter un certain grotesque. Elle se situe vers la fin du film, lorsque Adèle et Emma se retrouvent au café. Kéchiche filme exclusivement en gros plans (un exercice dans lequel il excelle), isolant du reste du monde ses deux héroïnes pour un moment crucial, le climax en quelque sorte de leur histoire, celui où leur rupture est consommée, où il n'y aura plus de retour possible. Si l'on est sentimental (comme j'assume l'être), on peut déjà rêver que cette scène offrira sinon un fin plus heureuse en tout cas moins malheureuse, mais c'est une autre affaire, on se gardera de réécrire le film selon son désir.

Non, le problème de cette scène - de cette séquence, plus exactement, c'est son centre : concrètement, Adèle avoue à Emma qu'elle l'aime(ra) toujours et est convaincue que c'est réciproque, elle lui prend la main et commence à l'embrasser, puis la glisse entre ses cuisses. Le baiser se poursuit, ardent, mêlé aux larmes des deux jeunes femmes. Adèle force Emma, elle maintient sa main entre ses cuisses, cherche désespérément une étreinte, qui scellerait leur réunion. Emma finit par se détacher, repoussant Adèle. Peu après, les deux amies se quittent, Adèle reste seule, se tourne et dévisage rapidement deux autres femmes assises plus loin, essuie ses larmes. Kéchiche élargit son cadre pour montrer Adèle abandonnée, définitivement.

Très belle scène, mais gâchée par cette idée d'étreinte, qui dure trop longtemps, qui rompt avec le naturel de tout le film : personne (un serveur, un client) n'intervient pour rappeler ces jeunes femmes de se tenir dans un lieu public ? Non, ça ne fonctionne pas, c'est même ridicule : Adèle puis Emma se "galochent", se caressent, bruyamment, ostensiblement, comme ça, dans un café, sans être dérangées. 

C'est littéralement incroyable, et d'ailleurs on n'y croit pas. C'est tout simplement trop, too much. Qu'Adèle soit bouleversée au point de perdre toute mesure, toute dignité, soit, mais l'action n'a pas lieu dans un appartement, une chambre, un cadre privé, elle se produit dans un lieu public où il est inconcevable que deux jeunes femmes se grimpent quasiment dessus. Là, où un (des) baiser(s) aurai(en)t suffi pour démontrer toute la détresse d'Adèle, Kéchiche va trop loin, trop longtemps, et transforme ce qui est déjà un moment d'émotion poignant en une scène dans la scène maladroite, pathétique, qui brise la magie de l'instant.

C'est le seul vrai bémol que j'émettrai.

Tout ce qui précède, et même le peu qui suit (même si terminer le film sur ce plan bouleversant d'Adèle seule à sa table dans le café après le départ d'Emma aurait été, à mon sens, parfait, le dénouement effectif avec la scène du vernissage n'ajoutant rien sur les plans narratif et émotionnel), est d'une intensité, d'une vérité, d'une justesse, d'une authenticité, d'une beauté à couper le souffle. 

Combien de films produisent un tel effet ? Depuis combien de temps étais-je sorti d'une salle de cinéma aussi ébranlé (Eyes Wide Shut peut-être, en tenant compte qu'il s'agissait du film testament et posthume de Kubrick, dégageant lui aussi une somme de sensations très fortes, une expérience sensorielle rare) ?

Le plus étonnant, peut-être, est la multitude d'instants qui reste en tête après la projection (tout de suite après comme plusieurs jours ensuite). Plus qu'une histoire au déroulement, comme je l'ai dit, très simple, prévisible même, La Vie d'Adèle est une sorte de collection de vignettes, de scènes, d'instants, captés avec une précision extraordinaire, presque comme s'ils avaient été volés, filmés à l'insu des comédiens, saisis dans des minutes d'abandon extrême (quand, littéralement, les acteurs ne jouent plus, mais vivent les mêmes états que leurs personnages - un résultat correspondant bien à la méthode de Kéchiche, décrite par les techniciens et les interprètes, qui enregistre un nombre incalculable de prises, parfois pendant plusieurs jours d'affilée pour une seule scène, elle-même parfois très brève).     

On compare souvent Kéchiche à Maurice Pialat, ce n'est pas un petit compliment car Pialat était un immense auteur, dont la qualité d'observation, la véracité de son cinéma étaient exceptionnelles. Mais il y avait chez Pialat une dureté, une âpreté, une cruauté. Kéchiche, bien que sa réputation de réalisateur intransigeant le précède désormais (et va certainement longtemps le handicaper), montre au contraire une tendresse étonnante pour ses personnages, une délicatesse pour un résultat qui a la même qualité naturaliste. 

A cet égard, le chapitre 1 de La Vie d'Adèle recèle quantité de scènes magnifiques. Les dialogues deviennent presque accessoire, en un échange de regards, quelques gestes, des sourires, tout est dit. Le son du film est d'une finesse extraordinaire, c'est vraiment notable : on entend le frottement du tissu d'un pantalon quand Adèle marche d'un pas serré, le frôlement d'une main sur la peau, le souffle d'une expiration de fumée de cigarette ou d'un râle de plaisir. On a littéralement l'impression d'être à côté des personnages, et notamment des deux héroïnes quand elles sont allongées l'une à côté de l'autre dans l'herbe ou quand elles font l'amour (ou après).

En soignant aussi bien le son que l'image, Kéchiche nous immerge totalement dans l'intimité de ses deux jeunes femmes. Lorsque le film déroule sa deuxième partie, la dispute terrible entre Adèle et Emma est aussi forte, brutale, déchirante parce que le son et l'image captent si parfaitement l'intensité de la scène.

Cette scène de la rupture est l'autre grand pic du film. 

Il y a bien sûr les fameuses scènes d'amour auparavant - en vérité, je pense qu'une seule aurait suffi, non pas qu'elles m'aient dérangé car elles n'ont rien d'obscène ni de ridicule. Certes, elles sont crues, elles durent de longues minutes (surtout la première où toute l'étreinte des deux filles est montrée, du début jusqu'à la fin, y compris après l'orgasme), mais ce n'est pas de la gymnastique, deux actrices qui miment des espèces d'acrobaties pseudo-érotiques, filmées par un cinéaste qui veut "choquer le bourgeois", flirter avec la représentation pornographique - c'est même tout le contraire, il n'y a aucune complaisance chez Kéchiche, aucun désir de provoquer pour le plaisir. 

Il s'agit d'abord de montrer l'amour dans sa dimension physique des deux personnages principaux, et de ce point de vue-là, on peut croire que Kéchiche aurait filmé ça de la même manière avec un homme et une femme ou deux hommes.

Sont-elles excitantes, ces scènes d'amour physique ? Indéniablement. Les deux actrices sont très belles, leur nudité est extrêmement sensuelle, on croit vraiment à leurs baisers, leurs caresses, leurs étreintes. Oui, c'est excitant. Mais pourtant, très vite, cette excitation cède le pas à la "subjugation" de ce spectacle, magnifiquement photographié, chorégraphié. La sauvagerie de ces scènes nous cueille, nous dépasse, elle ressemble à une danse érotique et primale, qui renvoie là encore à la manière même de filmer de Kéchiche : pour atteindre cette qualité de vérité, de tension, il faut sans doute un considérable acharnement, et pour les actrices, un abandon insensé.

La première de ces scènes (sur les trois que compte le film, toutes dans le chapitre 1) est cependant tellement longue, tellement puissante, que les deux suivantes n'ajoutent rien, sont presque superflues (elles ne font que confirmer en fait que les deux filles sont engagées dans une relation amoureuse aussi riche psychologiquement que physiquement). 

Pour moi, Kéchiche aurait pu se contenter de filmer juste le début de la deuxième et la fin de la troisième (assortie d'ailleurs d'un dialogue très amusant où Adèle plaisante sur le fait qu'elle jouit pleinement des leçons d'Emma, allusion au fait qu'Adèle a raconté à ses parents qu'Emma l'aidait pour ses devoirs de philosophie). Dans la salle, d'ailleurs, les deux autres scènes sexuelles ont provoqué de légers soupirs de lassitude, comme le signe que les spectateurs, au-delà de toute pudibonderie, avaient compris ce que vivaient Adèle et Emma et n'avaient donc plus besoin qu'on montre à nouveau in extenso leurs étreintes...

Pour en revenir, donc, à la scène de rupture, elle est aussi suffocante. On ne peut la regarder sans avoir en tête la polémique sur les conditions du tournage, le fait que Kéchiche a(urait) poussé les actrices à bout, après d'interminables prises. Les larmes, le nez qui coule, mais aussi la hargne, le ressentiment, tout traduit un état d'exténuation des deux interprètes égale à celui de leurs personnages dont la relation explose littéralement. 

Là, Kéchiche est dans les pas de Pialat, il filme ça avec la même radicalité, il provoque le même malaise que savait créer Pialat dans ses meilleurs moments, lorsqu'il captait le déchirement de ses héros.

La détresse d'Adèle, le malheur d'Emma sont absolument terrifiants, on est crucifié par l'impact de cette scène - une scène comme j'en ai rarement vue là encore.

Avec des moments comme ça, véritablement renversants, inoubliables, captures délicates d'un amour naissant, de sa floraison, de sa réalisation physique, de son éclatement, La vie d'Adèle procure assez de sensations pour donner au spectateur la certitude qu'il assiste à un chef d'oeuvre, un film hors du commun, une sorte de sur-film où la fiction est transcendée par le regard que porte sur elle un cinéaste et qui est incarnée par des interprètes transfigurées.

Et quelles interprètes ! Leur remettre un Prix d'interprétation à Cannes n'aurait pas suffi à récompenser justement leur prestation, cela aurait trop dissocié ce qu'elles ont donné au film du film lui-même. En attribuant à Adèle Exarchopoulos et Léa Seydoux la Palme d'or au même titre que pour le metteur en scène, le jury présidé par Steven Spielberg a compris et envoyé le message aux spectateurs que les deux actrices étaient véritablement les co-réalisatrices du film. Elles lui donnent tellement, au cinéaste, au film, au public, qu'elles co-signent pleinement l'oeuvre.

Adèle Exarchopoulos est LA révélation non seulement du film mais de l'année, c'est un diamant brut dont il faut espérer que les prochains cinéastes qui la choisiront respecteront cet aspect. On ne peut s'empêcher de penser à Sandrine Bonnaire lorsqu'elle apparut devant l'objectif de Pialat pour A nos amours : leur ressemblance physique est troublante, mais comme Bonnaire, Exarchopoulos possède quelque chose de frustre et de délicat vraiment magique. Sa présence permanente à l'écran donne le sentiment qu'elle grandit, évolue en même temps que son personnage : entre sa première et sa dernière scène, ce n'est plus la même, on a l'impression extrêmement troublante qu'elle a vieilli à la même vitesse que son personnage (rebaptisé par Kéchiche puisque dans la bande dessinée, elle se prénommait Clémentine).

Léa Seydoux est également ahurissante. Je suis sidéré par cette jeune femme : ce n'est pas qu'une question de beauté. Belle, elle l'est, ô combien ! Mais elle diffuse un je-ne-sais-quoi de peu commun, une présence, un magnétisme auquel il est, à mon avis, impossible de résister. Regarder Léa Seydoux, la regarder jouer, est un spectacle, une expérience qui produit un effet unique : on ne peut pas la quitter des yeux et en même temps elle dégage quelque chose d'insondable, qui se dérobe, qui vous échappe. Il n'est pas étonnant que sa rencontre avec Kéchiche ait créé des étincelles : elle a voulu travailler avec lui pour éprouver son jeu, essayer des choses, mais son mystère naturel, sa résistance ne pouvait qu'entrer en collision avec un cinéaste réputé pour son obsession à dépouiller ses interprètes, à éplucher les acteurs comme des oignons. Le résultat de ces frictions (au-delà d'échanges de "mots doux" par médias interposés) a abouti à son interprétation la plus pure. 

A l'opposé d'Adèle Exarchopoulos, le diamant était déjà taillé avec Léa Seydoux, le film n'a fait que ressortir son éclat, sa finesse. Jamais elle n'a à forcer le charme qu'exhale son personnage, jamais non plus elle ne cherche à en atténuer la brutalité, à le rendre plus sympathique  (et c'est sans doute la métaphore la plus éloquente de la relation entre la comédienne et le réalisateur : il est évident que même si c'est Adèle qui commet la faute - avoir trompé Emma - , lorsqu'elle est repoussée par Emma, Kéchiche filme Léa Seydoux dans son expression la plus dure, la plus revêche, la plus injuste, visage nu et sévère, aux larmes amères, face au visage défait, aux larmes d'une infinie détresse, d'Adèle. Kéchiche prend alors visiblement le parti de montrer Adèle rudoyée par Emma, Léa Seydoux nous est montrée sans pitié, comme une méchante - la méchante qui dira du mal de Kéchiche, reproches que pressentait déjà le cinéaste et dont il se vengeait par avance avec sa mise en scène ?).

En dehors des deux filles, même si les quelques acteurs présents qui ont un peu de temps de jeu, quelques répliques, existent, on ne les retient guère. C'est sans doute injuste, mais contenu dans la façon même de filmer, abondante en gros plans, ne quittant jamais ses héroïnes, leur histoire l'emportant sur tout le reste (d'où le sentiment que les scènes comme les repas ou les cours paraissent superflues). C'est aussi ce qui fait de La vie d'Adèle un film-monstre : l'exclusivité donnée au récit de ses deux héroïnes contribue à son étrangeté, son caractère atypique.

C'est un grand, un très grand film. Pas un film parfait, pas un film rond, confortable, où tout coule, tout roule. Non, c'est aussi un film avec des accidents, des crevasses, des scènes too much, des scènes en trop. Mais ces faiblesses participent à la grandeur du film, à sa qualité. C'est parce qu'il n'est pas complètement bon qu'il est fort.

Un article, la liste de tout ce dont on peut se souvenir après l'avoir vu, une analyse aussi sincère soit-elle, ne suffisent pas à en faire le tour, à en embrasser toutes les émotions, à en épuiser tous les charmes et les coups. C'est un grand film, c'est un film fort. Un film qui comptera, c'est certain.