SERENA, de Susanne Bier (2014)

SERENA est un film réalisé par Susanna Bier.

Le scénario est écrit par Christopher Kyle, d'après le roman de Ron Rash. La photographie est signée Morten Soborg. La musique est composée par Johan Söderqvist.

Dans les rôles principaux, on trouve : Bradley Cooper (George Pemberton), Jennifer Lawrence (Serena Shaw), Rhys Efans (Galloway), Toby Jones (shérif McDowell), Sean Harris (Campbell), Ana Ularu (Rachel Harmon), David Dencik (Buchanan).

 George Pemberton
(Bradley Cooper)

1929. Caroline du Nord. Ambitieux exploitant forestier, George Pemberton épouse Serena Shaw à qui sa soeur l'a présentée et avec il forme autant un couple ordinaire qu'une paire d'associés. Rapidement, pourtant, la jeune femme, dont le père était aussi un baron du bois, s'attire l'inimitié de Buchanan, le partenaire et plus vieil ami de son mari.

Serena Shaw
(Jennifer Lawrence)

La raison de cet antagonisme se trouve dans l'accord que veut passer Buchanan avec le shérif McDowell, représentant un groupe d'acheteurs désireux de transformer la forêt en parc national protégé. Mais la somme offerte pour acquérir les terrains de Pemberton est en deçà des attentes de ce dernier, bien qu'il ait déjà dû hypothéquer des biens fonciers au Brésil pour rembourser ses banquiers.

Serena et George Pemberton

Influencé par Serena, George s'estime trahi par Buchanan et profite d'une partie de chasse pour le tuer en faisant passer son meurtre pour un accident. Campbell, un employé de Pemberton, seul témoin de la scène, couvre son patron pour ne pas perdre sa place et le shérif doit, à contrecoeur, classer l'affaire. 

George

Peu après, Serena annonce à George qu'elle est enceinte, mais il lui a cachée être déjà le père du fils d'une de ses ouvrières, Rachel Harmon, à qui il verse régulièrement et discrètement de l'argent pour qu'elle et l'enfant ne soient pas démunis.

George et Serena

Alors qu'elle rend visite à cheval aux bûcherons, Serena distrait Galloway, un pisteur embauché par George pour trouver un puma qu'il rêve d'accrocher à son tableau de chasse. Gravement blessé, il ne doit la vie qu'à l'intervention de la jeune femme qui le fait conduire à l'hôpital. 

Calloway et Serena
(Rhys Efans et Jennifer Lawrence)

Mais elle l'y rejoint à la suite d'une fausse couche la nuit suivante. Les médecins annoncent à George que sa femme ne pourra plus jamais porte d'enfant. En l'absence de son patron, Campbell met la main sur les livres de comptes de Buchanan et, découvrant des escroqueries (pots-de-vin versés à des politiciens, détournement de fonds...), les livre au shérif, quitte à être poursuivi lui aussi en justice. Lorsque George découvre ce qu'a fait Campbell, Serena demande à Galloway, rétabli et qui est redevable, d'éliminer le traître et de récupérer les documents comptables qu'il a dérobés.

George et Serena

Ceci fait, maladivement jalouse de la présence de Rachel et de son fils, elle convainc Galloway de les supprimer. George devine le danger et part à la rescousse de la mère et de l'enfant, tuant Galloway. Une fois Rachel partie en train, il rentre en s'enfonçant dans la forêt pour traquer le puma mais la bête et lui s'entretuent.

Serena et George

Refusant d'identifier le corps de George quand le shérif le lui amène, Serena se suicide en provoquant l'incendie de leur maison.

Les succès de Happiness Therapy et American Bluff (David O. Russell, 2012 et 2013) ont évidemment motivé les producteurs de Serena à capitaliser sur le couple (de fiction) formé par Jennifer Lawrence et Bradley Cooper, devenus à la fois des acteurs acclamés par la critique et "bankables", pour cette adaptation du roman de Ron Rash. Mais ce calcul opportuniste n'a pas suffi.

Avec ce mélodrame qui met en scène un séduisant entrepreneur américain, qui a fait fortune dans l'industrie du bois, et son épouse, dont la famille a péri dans un mystérieux incendie, la réalisatrice Susanne Bier disposait pourtant d'une histoire prometteuse. An brassant des thèmes comme l'amour, l'argent, la jalousie, la corruption, dans le cadre des grands espaces, cet univers éminemment romanesque invoquait les grands classiques de l'âge d'or hollywoodien avec une plus-value glamour représentée par ses deux stars.

Mais la cinéaste danoise expatriée raconte tout cela en ayant visiblement la tête ailleurs, en rêvant d'autre chose qu'un beau véhicule pour ses vedettes. Si elle tire le meilleur de ses décors et d'une ambiance hantée, avec ces forêts sombres et inquiétantes où les hommes travaillent dur, elle peine davantage à exprimer les passions qui animent ses héros et leurs ennemis. La faute à un scénario trop elliptique, qui échoue à traduire la progression de la folie grandissante de Serena (et les répercussions sur son couple), passe trop vite sur les péripéties, glisse sur des personnages caractérisés superficiellement.

Tout paraît ici réduit à des clichés, des conventions, des artifices, et le mélodrame attendu ne décolle jamais, faute de souffle et, plus encore, d'intensité. Les producteurs s'en sont aperçus vite, mais trop tard, une fois le film en boîte : Susanne Bier a été écarté du montage final qui aurait duré 18 (!) mois à cause de screen-tests désastreux. La noirceur de l'intrigue, son dénouement tragique, même rafistolés, ne laissaient de toute façon guère de chance au projet de rencontrer le public et les critiques, sans indulgence, n'ont fait que précéder l'échec commercial de Serena.

Les deux vedettes s'en sortent pourtant honorablement, même si on devine que leurs prestations ont souffert de coupes drastiques : Jennifer Lawrence prouve qu'elle peut composer un personnage trouble et troublant avec ce rôle d'épouse semblant précipiter le malheur, tandis que Bradley Cooper en impose par un jeu intériorisé, très "Eastwoodien", tout en tension et en densité physique. Les seconds rôles sont intéressants mais souvent trop esquissés (Rhys Efans en pisteur mystique, Toby Jones en shérif intègre).

Mais les qualités de l'ouvrage restent trop rares et épisodiques pour sauver l'ensemble : Serena reste davantage une curiosité qu'une oeuvre maudite, une occasion manquée qu'un grand film malade. N'y a-t-il donc que David O. Russell pour bien diriger Jennifer Lawrence et Bradley Cooper ensemble ?  

THE WORDS, de Brian Klugman et Lee Sternthal (2012)

THE WORDS est un film écrit et réalisé par Brian Klugman et Lee Sternthal.
La photographie est signée Antonio Calvache. La musique est composée par Marcelo Zarkis.

Dans les rôles principaux, on trouve : Dennis Quaid (Clay Hammond), Bradley Cooper (Rory Jansen), Jeremy Irons (le vieil homme), Zoe Saldana (Dora Jansen), Olivia Wilde (Daniella), J.K. Simmons (le père de Rory), Ben Barnes (le jeune homme), Nora Arnezeder (Célia).

 Clay Hammond

(Dennis Quaid)

Clayton Hammond donne une lecture publique d'extraits de son dernier roman, The Words. L'histoire a pour héros Rory Jansen, écrivain en herbe, vivant à New York de nos jours avec sa compagne Dora, aidé financièrement par son père en attendant d'être publié. 

Rory et Dora Jansen

(Bradley Cooper et Zoe Saldana)

Rory et Dora se marient et partent à Paris pour leur lune de miel où elle lui offre un vieux cartable trouvé chez un antiquaire. De retour à New York, il trouve dans la doublure du porte-document le manuscrit d'un roman, Window's Tears, dont la lecture le bouleverse et le hante. Il le recopie intégralement, sans en changer une virgule, sur son ordinateur. C'est ainsi que le découvre par hasard Dora qui, croyant que c'est l'oeuvre de son mari, le pousse à le proposer à l'éditeur pour qui il travaille. Le texte est accepté avec enthousiasme et devient un best-seller, propulsant Rory sur le devant de la scène littéraire.

Rory Jansen

Hammond fait une pause et rencontre ses auditeurs lorsqu'il est abordé par une charmante jeune femme, Daniella, qui désire faire sa connaissance et et découvrir ses secrets d'auteur. Il lui donne rendez-vous plus tard et va reprendre sa lecture.

Rory Jansen et le vieil homme

(Bradley Cooper et Jeremy Irons)

Rory rencontre un vieil homme qui lui révèle être l'auteur du manuscrit qu'il s'est approprié et lui raconte les circonstances dramatiques de sa rédaction. A la fin de seconde guerre mondiale, il était tombé amoureux d'une française, Célia, qui donna naissance à leur fille. 

Célia et le jeune homme

(Nora Arnezeder et Ben Barnes)

Gravement malade, celle-ci mourut précocement. La jeune mère partit se reposer chez ses parents à la campagne et, en son absence, le jeune homme produisit son texte en quinze jours.Il l'apporta à Célia puis repartit l'attendre à Paris. Quand elle le rejoignit, elle oublia le manuscrit dans son cartable dans le train. Le couple ne se remit pas de ce nouveau coup du sort. 

Clay Hammond et Daniella

(Dennis Quaid et Olivia Wilde)

Danielle suit Hammond chez lui et il lui révèle la fin de l'histoire : pris de remords, Rory avoue son imposture à son éditeur puis à Dora, et va retrouver le vieil homme pour tenter de le dédommager. Mais ce dernier refuse en expliquant avoir écrit pour apaiser ses douleurs : désormais Rory devra composer avec les siennes. Peu après le vieil homme décède et Rory jettera son manuscrit dans sa tombe. Daniella pense que Hammond a écrit The Words comme une confession (Rory serait son double de fiction), il lui demande si elle préfère la vérité ou la littérature puis, sans attendre de réponse, troublé, l'invite à partir. 
Rory présente ses excuses à Dora et lui assure qu'à présent tout ira bien.

Avec cette histoire à tiroirs, il est intéressant de noter que certains journaux allemands ont accusé les auteurs du film, Brian Klugman et Lee Sternthal, d'avoir plagier le roman Lila Lila de Martin Sutter, paru en 2004, dont l'intrigue traite d'un jeune romancier sans succès qui découvre un vieux manuscrit et devient riche et célèbre en s'en attribuant la paternité avant de rencontrer son véritable auteur puis de publier un nouvel ouvrage dévoilant son imposture.

Les deux cinéastes se sont défendus en affirmant avoir développé leur scénario dès 1999 lors d'un atelier d'écriture dans le cadre du festival de Sundance.

Quoi qu'il en soit, la critique n'a pas été tendre avec le film, lui reprochant de n'être ni aussi intelligent ni aussi captivant que ce qu'il promettait. C'est pourtant un thriller efficace à défaut d'être envoûtant, par la faute d'une mise en scène assez quelconque. Le rythme accuse un coup de mou dans la seconde partie et l'ensemble peine à susciter l'émotion.

Sur ce dernier point, la mise en scène des flash-backs, traités comme des chromos volontairement artificiels, est une mauvaise idée car cela introduit une distanciation avec la narration : avec une photographie soudain spécialement ouvragée, on sombre dans un mauvais roman à l'eau de rose virant au mélodrame maladroit - d'autant qu'on a du mal à être bouleversé par la tragédie qui frappe le couple du jeune homme et de Célia (difficile aussi d'adhérer à l'idée que le jeune homme est autant sinon plus chagriné par la perte de son manuscrit que par la mort de sa petite fille).

Le dénouement, énigmatique, peut également dérouter en refusant de tout expliquer clairement (quelle est la part de vérité dans ce que raconte Clay Hammond comme l'interroge Daniella - dont les motivations restent aussi nébuleuses). Mais cette option laisse au spectateur une liberté séduisante, assez audacieuse, pour interpréter tout ce qui a précédé (ainsi peut-on supposer que Rory est le double fictif de Hammond ou que Hammond est a écrit sur l'imposture de Rory pour venger le vieil homme dont il serait un proche).

Que Klugman et Sternthal aient du coup été accusés de plagiat joue en faveur de leur film en lui donnant la forme d'une mise en abyme savoureuse...

Mais bon, tout cela aurait mérité une meilleure réalisation et on peut rêver de ce qu'un metteur en scène chevronné, familier avec ces thèmes (comme Atom Egoyan ou David Fincher par exemple), aurait fait de cette histoire en lui conférant plus de style et de consistance.

L'interprétation réunit une troupe d'acteurs prestigieux mais aux prestations inégales, soit à cause de leur jeu, soit à cause de la définition plus ou moins prononcée de leurs rôles. A ce compte-là, Jeremy Irons cabotine affreusement en vieillard souffreteux au mobile fumeux, et le couple Nora Arnezeder-Ben Barnes est totalement transparent. En revanche, Bradley Cooper est très bon en opportuniste rongé par la culpabilité, Zoe Saldana est impeccable en épouse "trompée", Dennis Quaid parfait en conteur énigmatique, et Olivia Wilde troublante en souhait.

Un film divertissant donc mais inabouti. En un mot : frustrant.

AMERICAN SNIPER, de Clint Eastwood (2014)

AMERICAN SNIPER est un film réalisé par Clint Eastwood.

Le scénario est écrit par Jason Hall, d'après les Mémoires de Chris Kyle rédigées par Scott McEwen et Jim DeFelice. La photographie est signée Tom Stern. La musique est composée par Clint Eastwood, Ennio Morricone et Joseph S. DeBaesi.

Dans les rôles principaux, on trouve : Bradley Cooper (Chris Kyle), Sienna Miller (Taya Kyle), Luke Grimes (Marc Lee), Jake McDorman (Ryan "Biggles" Job), Jammy Sheik (Mustafa), Mido Hamada ("le Boucher").

 Chris Kyle

(Bradley Cooper)

Né au Texas, Chris Kyle est initié dès son enfance au tir au fusil par son père lors de parties de chasse au cerf. Des années plus tard, il est devenu cowboy et participe à des rodéos. En 1998 les attentats contre les ambassades américaines au Moyen-Orient le convainquent de s'engager au sein des SEALS comme sniper.

 Chris et Taya Kyle

(Bradley Cooper et Sienna Miller)

Durant sa formation, il rencontre Taya Studebaker et l'épouse peu après. Trois semaines après leurs noces, Chris est envoyé pour la première fois en Irak, suite aux attentats du 11 Septembre 2011. Ses premières cibles sont une mère et son enfant sur le point d'attaquer un char avec une grenade. Bouleversé par cette expérience, mais vite réputé pour son efficacité, il est surnommé "la Légende".

 "Le Boucher"

(Mido Hamada)

Assigné pour débusquer Abou Moussa Al-Zarqaoui, Chris Kyle traque "le Boucher", un des lieutenants de ce cadre de l'organisation terroriste Al-Qaïda. Il obtient des renseignements à son sujet en acceptant de payer un irakien mais le plan tourne mal car l'informateur est capturé et tué avec son fils par leur ennemi sans que Kyle ait pu les protéger car il essuyait au même moment les tirs d'un autre sniper.

Chris Kyle et Marc Lee

(Bradley Cooper et Luke Grimes)

Son rival est connu sous le nom de Mustafa, syrien d'origine et médaillé d'or aux Jeux Olympiques. Les insurgés irakiens ont mis la tête de Chris à prix. De retour chez lui, Kyle assiste à l'accouchement de Taya, mais hanté par la guerre, il néglige son rôle de père et d'époux alors que sa femme souhaiterait qu'il reste à ses côtés.

 Mustafa

(Jammy Sheik)

Chris repart pour une nouvelle mission en Irak avec une promotion. Lors d'une fusillade, au cours d'une opération nocturne, il réussit à abattre "le Boucher". Il rentre chez lui où sa famille s'agrandit avec la naissance de sa fille, mais l'adrénaline du combat lui manque à nouveau. Au cours de sa troisième "tournée", Chris voit successivement deux de ses meilleurs camarades tomber : "Biggles" est gravement blessé par Mustafa, puis Marc Lee, son partenaire, est abattu.

 Chris Kyle et sa fille

La culpabilité oblige Chris à entamer une quatrième mission, bien que Taya l'ait menacé entretemps de le quitter. Il reçoit l'ordre de tuer Mustafa. Placé avec une équipe sur le toit d'un immeuble et alors qu'une tempête de sable est imminente, il réussit à abattre son rival par un tir à près de 2 000 mètres de distance, mais ce faisant expose ses camarades à la riposte de nombreux insurgés. Ils réussissent à être évacuer in extremis, peu après que Chris ait téléphoné à Taya pour lui annoncer être prêt à rentrer définitivement.

Taya Kyle

La réinsertion est difficile pour Chris qui avoue à un psychiatre toujours penser aux hommes qu'il pourrait encore sauver. Pour combler ce manque, il rencontre des vétérans gravement blessés, dont certains qui ont échappé à une mort certaine grâce à lui. C'est pourtant l'un d'eux, mentalement perturbé, qui le tuera le 2 Février 2013. Chris Kyle sera enterré avec les honneurs.

C'est Bradley Cooper qui a acquis les droits de l'autobiographie de Chris Kyle mais il voulait confier le rôle principal à Chris Pratt. Pour adapter cette histoire, David O. Russell puis Steven Spielberg sont approchés, avant que Clint Eastwood n'en hérite parce qu'il a manifesté son intérêt et accepté un budget réduit. Cooper endosse finalement le rôle de Kyle à la demande du réalisateur et le tournage débute en Mars 2014, à Los Angeles, se poursuit au Maroc, et s'achève en Juin.

Pour la deuxième fois (après Jersey Boys), Eastwood filme en numérique avec Tom Stern comme chef opérateur. Le cinéaste élimine pratiquement toute musique du film, à l'exception du Thème de Taya qu'il compose lui-même, de The Funeral écrit par Ennio Morricone, et de fonds sonores édités par Joseph S. DeBeasi. La chanson Someone like you de Van Morrison est également présente sur la bande originale.

American Sniper va devenir non seulement le plus gros succès commercial de la carrière d'Eastwood, avec près de 550 millions de dollars de recettes dans le monde, mais c'est aussi le film de guerre le plus rentable de toute l'Histoire du cinéma ! De quoi consoler les producteurs de l'échec du long métrage aux Oscar où il ne recevra qu'une statuette pour le montage sonore alors que Bradley Cooper, le scénariste Jason Hall, les monteurs, les mixeurs, le photographe et Clint Eastwood étaient nommés...

L'explication la plus probable de ce désaveu tient aux quelques critiques négatives et virulentes exprimées contre le film qui a été accusé de glorifier les snipers, l'intervention de l'armée américaine en Irak, et d'enjoliver la carrière de Chris Kyle - ce dernier avait vivement protesté contre l'exploitation des soldats dans des longs métrages en-deçà de la réalité, et plusieurs faits reportés dans ses Mémoires ont été contestés (Mustafa, personnage majeur du film, y est à peine mentionné. L'enfant tué par Kyle au début n'aurait jamais existé. "Biggles" n'est mort que plusieurs années après avoir été blessé, des suites de complications post-opératoires. "Le Boucher" a été créé pour les besoins de l'histoire, mais aurait été inspiré par Abou Deraa.).

A ces reproches, Clint Eastwood a répondu que son film montrait "ce que [la guerre] fait pour tous les gens laissés derrière". Bradley Cooper a, lui, estimé que le récit traitait surtout de la négligence subie par les vétérans et que le public devraient plutôt demander des comptes à ceux qui envoient des hommes au front sans les accompagner psychologiquement ensuite.

Chacun se forgera un avis moral sur Chris Kyle et ses actions. Mais on peut difficilement être surpris de l'intérêt d'Eastwood pour lui tant il appartient à la longue galerie d'individus ambigus peuplant son oeuvre, et qu'il a souvent incarnés - on peut d'ailleurs également penser qu'il l'aurait certainement interprété s'il avait eu l'âge requis. Par ailleurs, d'un strict point de vue artistique, American Sniper est une oeuvre puissante dont les 135 minutes passent avec une fluidité remarquable.

Dans le film, Chris Kyle projette une force toute entière en tension nerveuse contenue plus que dans la démonstration virile. Eastwood expédie rapidement l'évocation de son enfance et de sa jeunesse, ce sont d'ailleurs les scènes les moins convaincantes, et jamais ensuite l'histoire ne les rappelle pour tenter d'expliquer le comportement  de son héros. Le réalisateur le filme également dans son intimité de manière rapide, très prude (lorsque Kyle porte Taya jusque dans leur chambre pour y faire l'amour, la caméra s'arrête dans le couloir, après que la porte se ferme derrière le couple). Tout cela compose une figure certes héroïque mais à la la façon d'un moine guerrier. 

Son mystère se traduit sous la forme d'une adrénaline inquiète, la partie de ses actions dépasse la ligne claire du scénario. En refusant ainsi toute psychologie (ce que Eastwood a toujours fait, aussi bien comme acteur que comme metteur en scène), le cinéaste laisse le spectateur ressentir la douleur et les doutes du personnage : son mal est intérieur et son empreinte est profonde, il avance dès le début vers la mort - celle qu'il va donner et qui l'attend.

Eastwood interroge d'ailleurs subtilement cette héroïsme, une question hérité du cinéma classique dont son style est inspiré. Depuis longtemps le cinéma européen a fait le tour des anti-héros, en tant qu'américain Eastwood continue encore d'explorer cette figure et à travers lui sa représentation. Chez lui, le classicisme va de pair avec ce questionnement qui est aussi une manière de lutter contre l'élitisme. Or Chris Kyle est au centre de ces deux mouvements : ce n'est pas un héros noble - il agit dans l'ombre, c'est un tireur embusqué - mais il fait partie de l'élite de l'armée - appartenant au corps des SEALS et missionné pour sauver la vie des soldats au sol ou empêcher les représailles d'insurgés.

Individu tiraillé entre un évident "syndrome du sauveur" (il pense, même s'il le nie, pouvoir sauver tout le monde) du haut de son poste de tir et le besoin de combattre aux côtés de soldats plus exposés, il vit mal le fait d'être surnommé "la Légende", d'être considéré comme un héros. Descendre des toits pour se mêler aux troupes au sol, c'est déjà une volonté de se réintégrer. Mais cet effort est vain : sa réputation est telle qu'il ne peut plus être estimé comme un soldat ordinaire. Et quand il rentre chez lui, qu'un troufion le reconnait et le remercie de l'avoir sauvé, il est embarrassé d'être ainsi identifié.

Le film témoigne aussi du parcours d'Eastwood comme cinéaste : il a commencé à passer derrière la caméra au début des années 1970 alors que toute une génération de réalisateurs émergeait en réfléchissant à la fin du rêve américain. Lui-même n'a cessé de filmé cette déroute du point de vue de losers, de personnages dépassés par leur destin, rattrapés par leur condition, hantés par leurs démons. Il l'a toujours fait sans ostentation, refusant toute esthétique baroque, à l'image de ses héros : il joue du stéréotype pour montrer les dégâts que peuvent provoquer les conventions et les institutions américaines, signant une oeuvre finalement très politique sans que ses longs métrages ne soient des tracts (alors que, dans le même temps, Eastwood n'a jamais caché sa sympathie pour le Parti Républicain).

Les personnages d'Eastwood, qu'il a joués hier et filmés autrefois comme aujourd'hui, sortent de l'ombre, de la solitude, mais ce côté déjà mort leur donne du courage, une inconscience, une direction. Il leur faut triompher du plan, du déterminisme, pour exister. S'ils n'y parviennent pas, ils meurent. C'est ce qu'illustre le parcours de Kyle, fabuleusement incarné par un Bradley Cooper transfiguré (lesté de plusieurs dizaines de kilos, barbu, il en impose, et compose avec une sobriété digne de son metteur en scène) : d'abord observateur, sans cesse en train de régler le viseur de son fusil, scrutant chaque centimètre autour de lui, il résiste à admettre à quel point la guerre, la mort, le changent profondément et bouleversent sa vie de famille. Pour tenter d'échapper à cette bulle mentale, il quitte son propre champ de vision et se joint aux simples soldats sur le terrain, semblant alors trouver un certain équilibre. De la même manière, quand il rentre chez lui, il est moins un époux et un père de famille qu'un spectre, inerte devant sa télé éteinte, le regard vide mais les oreilles bourdonnant de cris et de détonations.

La tragédie absurde de ce héros le verra tué non pas par un ennemi mais un vétéran. Eastwood choisit judicieusement de ne pas montrer sa mort, le générique de fin défile sur des images d'archives de l'enterrement en grandes pompes de Chris Kyle après qu'un carton ait mentionné les circonstances de son décès en une simple phrase. Une ultime mise en scène pour dire qu'un héros ne connait jamais de fin heureuse et, au-delà, renvoie à cette phrase d'Aragon : "malheureux le pays qui a besoin de héros." 

THE PLACE BEYOND THE PINES, de Derek Cianfrance (2013)

THE PLACE BEYOND THE PINES est un film réalisé par Derek Cianfrance.

Le scénario est écrit par Derek Cianfrance, Ben Coccio et Darius Marder. La photographie est signée Sean Bobbitt. La musique est composée par Mike Patton.

Dans les rôles principaux, on trouve : Ryan Gosling (Luke Glanton), Bradley Cooper (Avery Cross), Eva Mendes (Romina), Rose Byrne (Jennifer Cross), Mahershala Ali (Kofi), Ray Liotta (Pete DeLucca), Bruce Greenwood (Bill Killcullen), Dane Dehaan (Jason Glanton), Emory Cohen (AJ Cross).

Luke Glanton est un cascadeur qui réalise, avec deux partenaires, un spectaculaire numéro à moto dans un cirque itinérant. Il se produit dans un patelin aux environs de New York, Shenectady, où il s'est déjà produit un an auparavant.

Luke Glanton et Romina
(Ryan Gosling et Eva Mendes)

Il retrouve Romina, avec qui il avait eu une liaison, une jeune serveuse, Romina, dont il découvre qu'elle lui a donné un fils, Jason. Mais la jeune femme a refait sa vie en couple avec Kofi.

Pour Luke, la paternité est une remise en question fondamentale et il quitte le cirque pour être prêt de son enfant, espérant aussi reconquérir Romina. Il est engagé par un garagiste du coin, qui ne tarde pas à lui proposer de commettre ensemble des braquages. Après avoir d'abord refusé, Luke comprend que l'argent lui permettrait de subvenir aux besoins de la famille qu'il veut former.

Mais après une altercation avec Kofi, il est chassé par Romina. Se fâchant avec le garagiste, qui a détruit sa moto quand Luke lui a annoncé vouloir renoncer aux braquages, il décide d'attaquer seul une nouvelle banque. Son dernier coup, pense-t-il, avec le butin duquel il espère combler son fils et la femme qu'il aime.

Avery Cross
(Bradley Cooper)

Mais, en tentant d'échapper à la police, Luke est traqué par un agent, Avery Cross, qui le neutralise. Le flic devient, grâce à cet acte de bravoure, au cours duquel il est blessé, un héros et il tente, grâce cela, de négocier une promotion qui lui est malgré tout refusée.

Jennifer Cross
(Rose Byrne)

Avery est frustré, d'autant plus que son épouse, Jennifer, supporte mal sa popularité, dont ses collègues se servent pour abuser de leurs pouvoirs en tracassant Romina, chez qui se trouve une partie de l'argent volé par Luke.

Cross découvre que plusieurs de ses homologues, y compris son chef, sont corrompus, et décide de les faire traduire en justice, quitte à sacrifier sa carrière - mais en obtenant du procureur une place dans son bureau. L'affaire éclate, c'est un scandale, mais Avery n'est pas compromis.

AJ Cross et Jason Glanton
(Emory Cohen et Dane Dehaan)

Quinze ans passent. Avery enterre son père, magistrat intègre et réputé à qui il succède. Divorcé, il accepte la garde de son fils, AJ, que sa mère n'arrive plus à discipliner. A l'école, il devient l'ami de Jason, issu d'un milieu plus modeste, mais qui lui fournit occasionnellement de la drogue. 

Lorsqu'il l'invite à une fête chez lui, AJ ingore qu'il va permettre à Jason de découvrir que son père était Luke. Cette révélation va bouleverser tous les protagonistes...

Cette fresque de 135' est découpée en trois actes dont l'action se déroule sur une quinzaine d'années et impacte deux générations de personnages. Mais, en vérité, que l'époque à laquelle l'histoire se déroule ne vous trompe pas : Derek Cianfrance a bel et bien réalisé un (post) western avec ce drame où la fatalité poursuit deux pères et leurs fils.

Le scénario, écrit par Cianfrance, Ben Coccio et Darius Marder, est audacieux, moins par sa construction (linéaire) que par sa progression : au bout de 3/4 d'heures où on suit le personnage du motard Luke Glanton (joué avec un magnétisme impressionnant par Ryan Gosling), un coup de théâtre fait basculer le film en l'orientant de manière très risquée. On se demande alors comment les auteurs vont enchaîner et continuer à pouvoir développer aussi puissamment leur intrigue.

Pourtant ils parviennent à rebondir en dressant le portrait aussi passionnant d'un personnage de policier ambitieux qui profite d'un moment de gloire pour gravir les échelons (Bradley Cooper est également excellent dans ce rôle ingrat mais charismatique). L'acte deux se déploie alors, s'éloignant radicalement du précédent : le spectateur sait que ces deux pistes narratives vont se rejoindre mais sans savoir comment. Sinon par un nouveau tour de force scénaristique...

Une ellipse de quinze ans et c'est le troisième et dernier acte : les héros en sont les fils du motard et du policier, le film révèle alors son thème pivotal - la prédestination - de façon magistrale. Ce que les pères produisent, les fils sont-ils condamnés à le reproduire ? Cette interrogation est creusée avec une exceptionnelle intelligence, une intensité dramatique poignante, et son dénouement est bouleversant sans céder à aucune facilité. Ce mélange de sobriété et de souffle romanesque est l'oeuvre d'un cinéaste qui perpétue le grand cinéma classique américain où l'espace et le temps encadrent le sort des individus qui les traversent. Le patelin qui est le théâtre de ce récit a pour nom Shenectady, ce qui signifie en dialecte iroquois "l'endroit au-delà des pins" ("the place beyond the pines"), avec donc cette forêt où Luke, Avery et Jason reviennent sans cesse et où s'écrivent leurs destins.

Les plans majestueusement composés, avec une photographie sublime (de Sean Bobbitt), le souffle à la fois épique et intimiste, mais aussi la justesse mesurée du traitement, le casting fourni et impeccablement dirigé (tous les seconds rôles sont formidables : Eva Mendes, Rose Byrne, Mahershala Ali, Ray Liotta, Bruce Greenwood, et surtout les deux "juniors" : Dane Dehaan et Emory Cohen), tout participe à la grande cohérence esthétique et narrative, aboutit à une émotion vibrante précisément contenue.

Rarement a-t-on l'occasion de regarder un film réunissant autant d'atouts et les exploitant aussi brillamment : c'est le sentiment qui vous saisit devant l'oeuvre d'un cinéaste au sommet de son art ou face à un deuxième film comme celui-ci qui a tout d'un "instant classic". De quoi surveiller avec appétit le prochain effort de Derek Cianfrance.

AMERICAN BLUFF, de David O. Russell (2013)

AMERICAN BLUFF (American Hustle) est un film réalisé par David O. Russell.
Le scénario est écrit par David O. Russell et Eric Warren Singer. La photographie est signée Linus Sandgren. La musique est composée par Danny Elfman.

Dans les rôles principaux, on trouve : Amy Adams (Sydney Prosser), Christian Bale (Irving Rosenfeld), Bradley Cooper (Richie DiMaso), Jennifer Lawrence (Rosalyn Rosenfeld), Jeremy Renner (Carmine Polito), Louis C.K. (Stoddard Thorsen), Jack Huston (Pete Munsane), Elizabeth Rohm (Dolly Polito), Robert de Niro (Victor Tellegio), Alessandro Nivola (Anthony Amado), Michael Peña (cheikh Abdullah/Paco Hernandez).

1978, Atlantic City (New Jersey). Irving Rosenfeld, escroc et usurier,  fait la connaissance à une fête de Sydney Prosser, une ancienne strip-teaseuse ambitieuse et reconvertie dans le secrétariat d'un magazine de mode. Ils deviennent rapidement amants et partenaires en arnaquant des clients d'abord modestes puis plus riches dans des montages financiers, lui se faisant passer pour un conseiller financier et elle pour une aristocrate anglaise. Bien qu'ils forment un couple, Irving est déjà marié à Rosalyn, jeune femme instable et alcoolique, dont il a accepté d'adopter le fils, Danny.  

Sydney Prosser, Richie DiMaso et Irving Rosenfeld

(Amy Adams, Bradley Cooper et Christian Bale)

Mais la chance tourne quand ils sont piégés par l'agent du FBI Richie DiMaso. Ce dernier leur fait alors une offre : si Irving et Sydney les aident, lui et le service dont il dépend, à procéder à au moins quatre arrestations contre des fraudeurs en col blanc, ils seront relâchés et impunis. Dans la ligne de mire de Di Maso se trouve le jeune et populaire de Camden, Carmine Polito, qui veut profiter de la nouvelle légalisation du jeu dans les casinos voisins d'Atlantic City pour endiguer le chômage dans la région.  

Carmine Polito

(Jeremy Renner)

Bien que réticents à s'engager avec les autorités et sur une si grosse affaire, Irving et Sydney acceptent quand même et commence à élaborer un plan impliquant un faux cheikh arabe, Abdullah, que jouera un agent mexicain du Bureau, Paco Hernandez, prêt à investir une fortune sur le territoire américain. Il est ainsi présenté à Polito qui est d'abord méfiant mais que Irving convainc d'accepter l'argent directement en liquide. Cette façon de faire déplaît aussi au supérieur de DiMaso, Stoddard Thorsen, mais le directeur du FBI, Anthony Amado, accepte de débloquer les fonds pour cette opération si cela permet de confondre des congressistes et sénateurs corrompus ainsi que des mafieux encore liés aux casinos.

Carmine Polito, Richie DiMaso, Sydney Prosser et Irving Rosenfeld

Si Polito accorde sa confiance à Irving, il n'aime cependant pas DiMaso, qui se fait passer pour le conseiller du Cheikh, et pour raisonner l'agent du FBI, Sydney accepte de le séduire. Polito invite Irving et Rosalyn, Sydney et le cheikh à une réception donnée en compagnie de ses associés : c'est ainsi qu'ils rencontrent Victor Tellegio, bras-droit du boss de la pègre Meyer Lansky, chargé de s'assurer du sérieux du montage financier. Pour que les autorités ne suspectent rien, il faut donc que le cheikh obtienne la nationalité américaine au plus vite et verse dix millions de dollars. DiMaso est d'accord pour la somme tandis que Polito promet d'accélérer la procédure pour que Abdullah soit naturalisé, quitte à corrompre de hauts fonctionnaires. 

Victor Tellegio

(Robert de Niro)

L'enthousiasme général n'est cependant pas partagé par Irving car Sydney l'a prévenu que Rosalyn a séduit Pete Munsane, un mafieux, et ensuite parce que Richie, sous l'influence d'une consommation excessive de drogue et trop pressé de réaliser un coup de filet, menace toute l'opération. Rosenfeld et Prosser tentent de calmer DiMaso en le prévenant que, s'ils sont démasqués, Tellegio se vengera sur eux tous, mais l'agent du FBI, confus et énervé, se retire pour réfléchir. 

Rosalyn Rosenfeld et Sydney Prosser

(Jennifer Lawrence et Amy Adams)

La situation dégénère quand Rosalyn, ayant découvert la liaison d'Irving avec Sidney et leur collaboration avec ce qu'elle pense être le fisc (qu'elle confond avec le FBI), vend la mèche à Pete Musane. Ce dernier menace Irving qui réussit à le convaincre que l'investissement du cheikh est réel et sérieux. Ensuite, les époux Rosenfeld ont une discussion animée au terme de laquelle la jeune femme accepte désormais de se taire contre la promesse de son mari d'obtenir le divorce au terme de l'opération. 

Sydney Prosser, Richie DiMaso, Carmine Polito, Irving et Rosalyn Rosenfeld

Richie assiste avec Sydney, Irving et Polito aux rendez-vous avec les congressistes et sénateurs durant lesquels ils acceptent des pots-de-vin, filmés à leur insu par le FBI. Il reste à piéger Tellegio mais la direction du Bureau n'avance que deux millions de dollars à DiMaso pour boucler l'affaire. Avec Rosenfeld et Prosser, il se rend donc chez l'avocat du mafieux, Alfonse Simone. Sydney convainc Richie de conclure le deal avec le fondé de pouvoir en lui expliquant que cela suffira à confondre son boss.

Irving Rosenfeld, Sydney Prosser et Richie DiMaso

Irving se rend alors chez Polito pour lui avouer ce que les fédéraux l'ont obligé à faire mais en lui assurant qu'il a les moyens de lui éviter une lourde peine de prison.  Leur amitié est brisée, mais Rosenfeld n'a pas menti au maire car, quand, avec Sydney, il rejoint Richie dans le bureau du directeur Amado, il n'a aucun mal à accabler l'agent : en effet, les deux millions de dollars confiés par lui à l'avocat de Tellegio ont disparu et DiMaso est le seul susceptible d'avoir pu les détourner à son profit ou de des les avoir perdu parce qu'il est incompétent. Dans les deux cas, il n'a jamais transigé avec Tellegio lui-même ni même son avocat car c'était un comédien qui jouait ce rôle. 

Sydney Prosser et Irving Rosenfeld

Libérés par le FBI, Irving divorce comme promis de Rosalyn, qui refait sa vie avec Pete Musane, qui le remercie de ne pas avoir balancé Tellegio, et ouvre une galerie d'art avec Sydney. Richie est lui disgracié. Comme l'avait prévenu Rosenfeld devant un faux saisissant de ressemblance de Rembrandt : "qui est le maître ? Le peintre ou le faussaire ?" 

Il existe à Hollywood une "blacklist" de scénarios jugés par beaucoup de décideurs comme excellents mais jamais tournés : ces scripts passent ainsi de mains en mains, de studios en studios, attendant d'attirer l'attention d'un producteur, d'un cinéaste, d'acteurs en vue pour être tournés.

L'affaire "Abscam" a intéressé la capitale du cinéma dès sa révélation publique à la fin des années 70 et, peu après, Louis Malle commença à développer un long métrage intitulé Moon Over Miami à partir de cette histoire avec le tandem Dan Aykroyd-John Belushi (les interprètes des Blues Brothers de John Landis). Mais le décès de ce dernier annulera le projet en 1982. 

Il faut attendre près de 30 ans pour que le sujet resurgisse lorsque Eric Warren Singer en tire une nouvelle version baptisée American Bullshit. Ben Affleck est approché pour le réaliser mais décline l'offre. David O. Russell, auréolé du succès critique et public de Happiness Therapy, s'en empare alors et procède à une réécriture, délaissant l'aspect dossier historique pour se concentrer sur les personnages (qu'ils renomment) et ambitionnant une fresque à la fois lyrique et loufoque. 

Il se trouve que American Hustle, après avoir raflé un paquet de récompenses dans divers festivals et aux Golden Globes (la cérémonie précédant les Oscar), a affronté aux Academy Awards 2014 un autre film sur une escroquerie financière, Le Loup de Wall Street de Martin Scorsese (qui repartira également bredouille). Mais ce qui est amusant dans ce concours de circonstances (et de statuettes dorées), c'est qu'on peut y lire une métaphore du film même et de la carrière de son réalisateur.

Russell est un électron libre dans le paysage hollywoodien actuel : il est reconnu pour sa versatilité mais celle-ci lui est aussi reproché car elle empêche de lui coller une étiquette. Faute de mieux, on le considère comme un directeur d'acteur émérite (seul George Clooney n'a pas apprécié ses méthodes, même s'il a admis son talent) et un metteur en scène assez souple pour aborder tous les genres (le film de guerre avec Les rois du désert, la "romcom" avec Happiness therapy, le drame avec Fighter, le biopic avec Joy). Et son influence la plus manifeste, sinon la plus assumée et revendiquée, est justement celle de Martin Scorsese, son challenger aux Oscar 2014 donc, et American Bluff est véritablement son opus le plus "scorsesien", en quelque sorte sa version des Affranchis ou de Casino.

Ce récit était le véhicule idéal donc pour Russell : un sujet lui fournissant la possibilité d'une reconstitution des années 70 (qui virent l'éclosion de Scorsese), un scénario sur des losers que la nécessité va transcender (au point de doubler le FBI et la mafia), parfaitement calibré pour obtenir des performances d'acteurs.

Mais David O. Russell n'est pas Scorsese - et c'est tant mieux. Car là où l'ancien enfant chéri du "New Hollywood" se complaît désormais dans des (très - trop !) longs métrages opératiques, écrasés par ses motifs religieux, et incarnés par un Leonardo di Caprio en surchauffe permanente grotesque pour décrocher un Oscar (qu'il a fini par obtenir cette année, ce qui va peut-être lui inspirer un jeu plus nuancé), Russell préfère déclarer son affection pour les débrouillards et les donner à jouer à des stars trop heureuses du cadeau (car ces personnages suscitent toujours la sympathie), et privilégie le portrait intime aux envolées lyriques, compensant ses mouvements de caméra virevoltants par une écriture compatissante. A Scorsese donc l'examen fiévreux des tourments de l'âme humaine, la grandiloquence exaltée. A Russell la bienveillance envers les héros dépassés par les événements, la folie douce.  

Comme Irving Rosenfled qui interroge Richie DiMaso devant un saisissant faux de Rembrandt : "Qui est le meilleur ? Le maître ou le faussaire ?", j'avoue ma préférence devant ce joyeux faussaire qu'est David O. Russell par rapport au maestro Scorsese, dont le cinéma me fatigue, trop ivre de ses propres effets, trop répétitif avec ses remords catholiques. Russell ne se prend par non plus comme un styliste dévot (à la de Palma) ou un expérimentateur mégalo (à la Coppola) : son cinéma est sympathique, foutraque (avec parfois une pointe d'hystérie), hédoniste, mais on sort de ses films revigorés, le sourire aux lèvres.

American Bluff délivre son lot de grands numéros d'acteurs donc, et parfois même de "gros" numéros : le pic étant atteint avec une scène où Robert de Niro donne la réplique à Christian Bale sans qu'on sache exactement lequel imite l'autre, le premier cabotinant pour rendre son petit rôle mémorable ou le second pour s'afficher comme un performer digne de son partenaire jadis (Bale a pris une bonne vingtaine de kilos pour camper Rosenfeld et porte un postiche sur son crâne dégarni pour l'occasion - une vraie caricature de l'actor's studio mais qui a au moins le mérite d'être amusante alors que ce comédien se prend d'ordinaire bien trop au sérieux dans ses autres films).

On peut donc préférer la prestation de Bradley Cooper, désopilant avec ses cheveux bouclés et agité comme le loup de Tex Avery : excitation compréhensible car il a en face de lui une Amy Adams transfigurée en bombe sexuelle - elle est vraiment irrésistible tout en ne jouant jamais de manière too much (citée à l'Oscar 2014, elle a perdu, mais contre l'exceptionnelle Cate Blanchett dans Blue Jasmine de Woody Allen). Jennifer Lawrence fait le show dans un second rôle, à la limite de l'hystérie, mais éclatante de sensualité elle aussi. Et Jeremy Renner est fabuleux en brave type prêt à toutes les compromissions pour le bien commun.

American Bluff est trop long (140 minutes), inégal, mais il est aussi jubilatoire, tonique, drôle, entraînant. Ses défauts, qui pourraient le plomber, n'en faire qu'un ersatz du cinéma auquel il se réfère, lui donnent au contraire sa qualité : un panache certain et un sens épatant de l'entertainment.

JOY, de David O. Russell (2015)

JOY est un film réalisé par David O. Russell.

Le scénario est écrit par David O. Russell et Annie Mumolo, librement inspiré de la vie de Joy Mangano. La photographie est signée par Linus Sandgren. 

Dans les rôles principaux, on trouve : Jennifer Lawrence (Joy Mangano), Robert de Niro (Rudy Mangano), Edgar Ramirez (Tony Mirrane), Elisabeth Röhm (Peggy Mangano), Isabella Rossellini (Trudy), Bradley Cooper (Neil Walker), Diane Ladd (Mimi Mangano), Virginia Madsen (Terry Mangano).

Dans les années 80, Joy Mangano vit dans l'Etat du Massasuchetts : elle est divorcée de Tony Mirrane, chanteur de bal, qui co-habite au sous-sol de sa maison avec son père Rudy Mangano, tandis que sa mère, Terry, passe ses journées devant la télé à regarder des soap operas dans sa chambre au rez-de-chaussée, et que sa grand-mère, Mimi, l'aide à élever ses deux enfants. Sa demi-soeur, Peggy, aide Rudy à gérer leur garage de camions.

Joy

(Jennifer Lawrence)

Rudy séduit une riche veuve, Trudy, qui invite toute la famille Mangano à une sortie en mer sur le voilier de son défunt mari. La traversée se passe dans une ambiance tendue : en servant du vin, Tony renverse son verre sur le pont et Joy doit nettoyer en s'écorchant les mains avec les bris.

Joy, son père Rudy Mangano, et son ex-mari, Tony Mirrane

(Jennifer Lawrence, Robert de Niro et Edgar Ramirez)

Cet incident va pourtant lui inspirer une idée comme celle qu'elle avait enfant : elle dessine les plans, sommaires mais ingénieux, d'un balai-serpillière qui s'essore tout seul grâce à un mécanisme manuel. 

Trudy accepte de financer l'assemblage de l'engin qui est monté dans le garage reconverti de Rudy avec la main d'oeuvre mexicaine locale et à partir de pièces fournies par un sous-traitant en Californie.

Pour commercialiser son invention, Joy démarche les magasins du coin, sans succès, jusqu'à ce que Teddy la mette en relation avec un de ses anciens amis, lui-même en affaires avec Neil Walker, directeur d'une chaîne de télé-achat.

Rudy Mangano, Neil Walker et Joy

(Robert de Niro, Bradley Cooper et Jennifer Lawrence)

Joy convainc Neil de promouvoir son produit et il en confie la présentation à l'animateur vedette du show. Mais la démonstration en direct est lamentable et aucune commande n'est prise par les téléspectateurs. Joy ne renonce pas et insiste auprès de Neil pour présenter elle-même son balai : c'est un succès !

La famille Mangano et Trudy devant le télé-achat

(Isabella Rossellini, à la droite de Robert de Niro, 

et Diane Ladd, à la gauche de Jennifer Lawrence)

La jeune femme doit ensuite faire face à de nouveaux obstacles : sa grand-mère, la seule à à avoir toujours cru en elle, meurt. Puis sa demi-soeur paie, sans son accord, l'augmentation que réclame le fournisseur des pièces en Californie.

Peggy, Joy et Rudy Mangano

(Elisabeth Röhm, Jennifer Lawrence et Robert de Niro)

Joy sait que ce sous-traitant l'escroque et menace de couler son affaire : elle se rend dans son usine et découvre qu'il l'a spoliée en s'alliant avec un affairiste texan qui a breveté son invention. Elle tente de récupérer son bien mais la police l'arrête.

L'avocat de Trudy explique à Joy qu'elle doit déposer le bilan. Elle renonce à tout, puis se resaisit et épluche tous les documents juridiques où elle découvre les fraudes concernant la rédaction de ses contrats et de la comptabilité.

Elle donne rendez-vous à l'homme d'affaires texan et menace de révéler ses malversations s'il ne la dédommage pas et ne lui rend pas la propriété de son invention. Cette victoire sera la première d'une longue série qui va en faire une puissante patronne et inventrice, uniquement entourée de son ex-mari et sa meilleure amie, prête à donner leur chance à d'autres mais sans pardonner à ceux qui l'ont lâchée, y compris dans sa famille.

J'ai eu l'occasion récemment de vous dire tout le bien que je pensais de l'avant-dernier film de David O. Russell, Happiness Therapy, et j'attendais donc avec appétit de découvrir son nouvel opus, un biopic inspiré de la vie de Joy Mangano, sorti en France le 30 Décembre dernier. Le fait que le cinéaste y retrouve ses interprètes fétiches, en premier lieu Jennifer Lawrence, ne pouvait que me mettre en confiance.

Il arrive parfois ainsi qu'un réalisateur rencontre sa muse, l'acteur/trice, qui incarne parfaitement son cinéma. Ainsi John Ford et John Wayne, John Huston et Humphrey Bogart, Alfred Hitchcock et Grace Kelly, Billy Wilder et Audrey Hepburn, Martin Scorsese et Robert de Niro puis Leonardo di Caprio, Sydney Pollack et Robert Redford, François Truffaut et Jean-Pierre Léaud, Claude Sautet et Romy Schneider, Tim Burton et Johnny Depp... Et tant d'autres. Le comédien devient alors le véhicule emblématique de l'univers d'un artiste de la mise en scène, en qui il peut projeter ses fantasmes, qui joue ses partitions mieux que les autres.

C'est ce qui est visiblement arrivé à David O. Russell avec Jennifer Lawrence. Bien entendu, on peut penser que leur relation aurait été fort différente si Happiness Therapy n'avait pas connu un tel succès, critique et public, valant même à l'actrice son Oscar (elle était à nouveau en lice cette année pour Joy mais Brie Larson a remporté la statuette). Mais il y a comme une évidence dans leur association : Russell a gagné avec Lawrence une interprète parfaite et dévouée, Lawrence a accédé à une crédibilité d'actrice (que ne lui autorisait pas la franchise Hunger Games ou ses participations aux films X-Men) au contact de Russell.

Comme le disait Truffaut : " Le cinéma est un art de la femme, c'est-à-dire de l'actrice. Le travail du metteur en scène consiste à faire faire de jolies choses à de jolies femmes." et Joy en est l'illustration par David O. Russell avec Jennifer Lawrence; Le film entier apparaît comme une ode à cette jeune comédienne qui porte cette histoire sur les épaules avec une grâce incroyable. Il ne s'agit pas d'une de ces performances comme le cinéma américain adore en demander à ses acteurs : ici, pas de perruques, de maquillage outrancier, de prothèses, de prise ou perte de poids. Jennifer Lawrence joue juste et justement, si bien que jamais le spectateur ne se rappelle qu'elle est plus jeune que la vraie Joy Mangano, qu'elle domine une prestigieuse distribution sans être éclipsée par elle. Elle habite son rôle comme la patronne que devient son personnage, avec une détermination impressionnante qui lui vaut la sympathie immédiate du public.

Pourtant, cette fois, David O. Russell n'est pas aussi brillant : en effet, son long métrage est un peu trop long. Pas beaucoup, il ne dure après tout que 125', ce qui, par les temps qui courent, est raisonnable, et raisonnable pour un biopic, genre où, presque par définition, on a droit à des formats plus généreux. Non, là où Joy peine un peu, c'est à démarrer : le cinéaste traîne un peu trop avant d'arriver au véritable enjeu de son histoire, lorsque son héroïne invente son fameux balai. Du coup, ce début un peu laborieux impacte la fin du film où on voit un empire commerciale bien installé après une audacieuse ellipse, tout juste éclaircie par la voix-off de la narratrice (la grand-mère, Mimi, nous apprenant que Joy a déposé plus d'une centaine de brevets entretemps).

Le premier acte du récit, qui montre donc la situation familiale et professionnelle sinistrée de l'héroïne, est un bloc assez curieux où Russell s'inscrit dans le registre du conte et le ton de la comédie de moeurs, avec une galerie abondante de personnages : l'ex-mari aux ambitions grotesques mais à la loyauté exemplaire, le père de famille indigne, la demi-soeur jalouse, la grand-mère soutien indéfectible, la mère accro à la télé... Dans le lot, beaucoup plus de caricatures grossières que de bons seconds rôles, rarement finement joués (Virginia Madsen est pathétique, Diane Ladd grimaçante). Mais Edgar Ramirez (malgré un doublage français lamentable), Elisabeth Röhm (odieuse à souhait) et même Isabella Rossellini (qui prend cher, au propre comme au figuré) sont bien mieux.

Le deuxième acte relève nettement le niveau : c'est le coeur du film et sa partie la plus aboutie, quand Joy touche le fond, rebondit, rechute, contre-attaque. L'énergie qui irrigue les scènes est euphorisante et correspond à l'entrée en scène de Bradley Cooper. Même si la présence effective du partenaire de Lawrence dans Happiness Therapy (et aussi American Bluff) est plus modeste que ne le suggère l'affiche, son personnage électrise l'intrigue. Cooper a un regard étonnant, celui d'un homme qui semble constamment au bord des larmes, comme bouleversé par la résolution de Joy, et en même temps implacable en affaires - en fait, la somme de ces deux courants en fait un businessman revenu de tout, qui veut être ami avec cette jeune femme tout en prévoyant déjà qu'un jour ils seront concurrents.

Le troisième et dernier acte est plus inégal mais quand même plaisant : l'héroïne perd (littéralement) tout, mais dans la plus pure tradition des success stories à l'américaine, trouve les ressources in extremis pour repartir à l'assaut. Son coup de bluff face à l'escroc texan est un moment d'anthologie, mis en scène comme une vraie séquence de polar - presque un film dans le film, ou la promesse de ce que pourrait être un polar de Russell avec Lawrence. Malheureusement, donc, comme si le cinéaste s'était rendu compte de la durée de son long métrage, il préfère expédier la suite du destin de Joy en quelques saynètes, sous la forme de flash-forward, plutôt que d'y consacrer un peu plus de temps ou de conclure sur ce duel jubilatoire dans l'hôtel (et, mettons, un "carton" expliquant ce que la jeune femme allait vivre ensuite).

Le procédé de la voix-off, surtout quand on comprend qu'elle est celle d'un personnage à la fois secondaire et qui meurt avant la fin du film, est un pari risqué, qui ne fonctionne pas complètement. Ce côté "il était une fois", souligné grassement par des flash-back sur l'enfance de Joy, est même assez horripilant au début. Il faut tout le souffle et l'ironie de Russell, qui traite autant en vérité du dépassement de soi qu'il égratigne la famille traditionnelle américaine, pour que le spectateur ne décroche pas. Et ça en vaut quand même le coup, donc, quand cette biographie décolle : la vraie performance, en fait, est là, car, après tout, il s'agit de l'histoire de l'inventrice d'un balai !

Le réalisateur confirme l'influence de Scorsese sur son oeuvre désormais : en plus de Robert de Niro (un peu cabotin, mais tout de même excellent, car dirigé), on a droit à une vraie compilation musicale très entraînante, comprenant une majorité de chansons rock (Rolling Stones, Neil Young...) et jazz (avec l'emploi merveilleux du titre The Sidewinder de Lee Morgan), accompagner une mise en images virevoltante, avec des mouvements de caméra ostentatoires et un montage fluide.

Joy est donc un écrin superbe pour son interprète principale, effectivement magistrale. Le résultat est inégal, mais ne manque pas d'allure. Espérons que le quartet magique Jennifer Lawrence-Robert De Niro-Bradley Cooper-David O. Russell se retrouvent vite !

WELCOME BACK, de Cameron Crowe (2014)

WELCOME BACK (Aloha) est un film écrit et réalisé par Cameron Crowe.

La photographie est signée Eric Gautier. La musique est composée par Mark Mothersbaugh.

Dans les rôles principaux, on trouve : Bradley Cooper (Brian Gilcrest), Emma Stone (capitaine Alison Ng), Rachel McAdams (Tracy Woodside), John Krasinski (Johnny Woodside), Bill Murray (Carson Welch), Alec Baldwin (colonel Lacy).

Brian Gilcrest et Alison Ng

(Bradley Cooper et Emma Stone)

Ancien militaire décoré, Brian Gilcrest a quitté l'armée et s'est reconverti en négociateur pour un richissime entrepreneur spécialisé dans les télécommunications, Carson Welch. Sa nouvelle mission le ramène à Hawaï où il a connu son heure de gloire pour convaincre les indigènes que leurs montagnes sacrées ne seront pas profanées par de nouvelles installations.

L'U.S. Army désigne le capitaine Alison Ng, qui a de vagues origines locales, pour l'escorter et veiller à la réussite des démarches. Mais il est immédiatement évident que le courant ne passe pas entre l'ancien officier, qui a préféré commercer ses talents, et la jeune femme, qui tient plus que tout au respect des traditions de l'île et de l'armée.

Brian Gilcrest et Tracy Woodside

(Bradley Cooper et Rachel McAdams)

Sur place, Gilcrest retrouve aussi Tracy, son amour de jeunesse, désormais mariée à son meilleur ami, le pilote Johnny Woodside, et mère de deux adolescents. La ressemblance de sa fille aînée avec Brian trouble aussitôt ce dernier qui hésite à lui demander s'il en est le père car il n'est pas prêt à en assumer la responsabilité et qu'il a deviné que le couple Woodside traverse une crise. 

Carson Welch et Alison Ng

(Bill Murray et Emma Stone)

Mais l'attention de Gilcrest est bientôt détournée par d'autres événements : d'abord, il entame une liaison avec Alison (manifestement pour tromper sa vigilance) ; ensuite Carson Welch lui met la pression car il a investi beaucoup d'argent dans le lancement d'un satellite pour son projet ; et enfin il découvre que le matériel destiné à être mis sur orbite est peut-être de l'armement (l'armée est-elle complice ?).

Johnny Woodside et Brian Gilcrest

(John Krasinski et Bradley Cooper)

Gilcrest décide alors de tirer tout cela au clair, admettant qu'il a pris de mauvaises décisions pour sa vie personnelle et professionnelle. Il rassure Johnny sur ses relations avec Tracy qui, elle, lui confirme qu'il est bien le père biologique de sa fille Gracie.

Brian Gilcrest et le colonel Lacy

(Bradley Cooper et Alec Baldwin)

Contre les recommandations du colonel Lacy, mais par amour pour Alison, il sabote le lancement du satellite (effectivement chargé d'armement nucléaire) et oblige Welch à fuir. Sa carrière est finie mais son honneur retrouvé, l'armée étant obligée de reconnaître qu'elle a été abusée par l'homme d'affaires, et les natifs de l'île rassurés.

Alison Ng, Brian Gilcrest et Tracy Woodside

(Emma Stone, Bradley Cooper et Rachel McAdams)

Malgré ses efforts, Gilcrest réussira-t-il a reconquérir le coeur d'Alison après l'avoir manipulée ?

Welcome Back a été lancé avec des handicaps insurmontables : son échec critique et public (au point de n'avoir même pas été exploité en salles en France, malgré ses têtes d'affiche) avait donc quelque chose d'inévitable. Pourtant c'est loin d'être un de ces improbables navets commis par un cinéaste en perdition.

Avant même sa sortie, l'affaire des mails piratés du studio Sony a révélé que les producteurs ne croyaient pas au film, le jugeant même "ridicule". Le choix d'Emma Stone pour incarner une militaire d'origine hawaïenne a été ensuite vivement critiqué, suggérant que Cameron Crowe aurait dû confier le rôle à une comédienne native de l'île : une polémique stupide (qui s'est répété récemment quand la famille de Nina Simone a accablé Zoe Saldana, qui s'est noircie la peau et a porté des prothèses pour incarner la chanteuse dans un biopic), d'autant plus que l'ascendance du personnage est liée aussi à la Chine et à la Suède et tournée en dérision car elle ne cesse de mettre en avant son métissage. 

Mais il faut bien dire que Crowe n'a plus "la carte" (quand bien même son précédent opus, Nouveau départ a bien marché aux Etats-Unis, mais sans que la presse ne le loue autant que ses grands succès comme Jerry Maguire, 1996, et Presque célèbre, 2000). L'ancien journaliste du magazine "Rolling Stones" et auteur d'un passionnant livre d'entretiens, Conversations avec Billy Wilder, persiste dans un cinéma positif, humaniste, sentimental, en rupture avec la comédie américaine actuelle (dominée par les émules de Judd Appatow, à l'humour plus gras). 

Dans ces conditions, Aloha (pourquoi, là encore, a-t-il fallu qu'en France le film soit débaptisé, au profit d'un titre anglais quelconque ?), avec ses airs de fable romantique et initiatique, fait figure de curiosité. Pourtant, l'écriture du cinéaste a des qualités incontestables, inspirés des maîtres des années 30-40, avec des personnages sensibles, se débattant avec leurs sentiments et leurs métiers, sauvés par l'amour et leur capacité à tout sacrifier pour cela. 

Malgré son statut fragilisé depuis l'échec de Rencontres à Elizabethtown (2005), Crowe parvient cependant toujours à attirer des acteurs populaires, appréciant son univers et ses thématiques, refusant le cynisme. Il y a là une vraie injustice à sa mauvaise passe et au destin de ce dernier film.

Il dirige ici trois des acteurs les plus attachants et remarquables de ces dernières années : Bradley Cooper confirme ici tout le bien qu'il a su susciter en accordant sa confiance à des réalisateurs plus exigeants (Clint Eastwood, David O. Russell) et son interprétation d'un ex-soldat vendu au grand capital est pleine d'une énergie contenue (précisons que Ben Stiller fut d'abord pressenti). Face à lui, Emma Stone (remplaçant Reese Witherspoon, initialement envisagée) est comme d'habitude formidable, rayonnante de charme (même en uniforme militaire, elle conserve toute sa séduction) et irrésistible en chaperon gaffeuse mais sincèrement attachée aux valeurs de l'île et de l'armée. Rachel McAdams évolue dans un registre qui lui est plus familier en amoureuse que le doute fait vaciller et qui le suscite chez son ancien soupirant comme chez son mari.

Les seconds rôles sont plus inégaux : seul surnage vraiment John Krasinski dans un rôle quasi-muet (la scène d'explication entre Johnny et Brian est d'ailleurs une merveilleuse trouvaille, sans un mot prononcé, mais avec des sous-titres exprimant les pensées des deux hommes). Alec Baldwin s'agite dans le vide, et Bill Murray n'est pas une bonne idée pour camper ce business man sans scrupules et pathétique.

Le vrai point faible demeure cependant la curieuse construction du scénario, en particulier avec cette intrigue secondaire relative au personnage de Carson Welch et cette affaire de satellite armé. C'est inutile, mal intégré, mal résolu. Le film est bien plus divertissant par la valse-hésitation de Brian Gilcrest, qui prend conscience à la fois de ses sentiments amoureux, de sa paternité, de l'impasse de sa carrière professionnelle des sentiments. Même si tout cela est prévisible, c'est délicieux, et situé dans un cadre somptueux, avec une bande-son impeccable (comme toujours chez Crowe, seul capable de faire passer un vieux tube ringard de Tears for Fears - Everybody wants to rule the world - avec ironie). 

Considéré dans toute sa filmographie (seulement sept titres en une vingtaine d'années), Welcome Back n'est pas son opus le plus abouti, mais seulement le plus bancal (à cause de réécritures, de producteurs lâches). Mais on y reconnaît toujours la voix unique de Cameron Crowe, lequel s'est depuis lancé dans une nouvelle entreprise (espérons-le, avec plus de succès), une série télé sur le coulisses de la tournée d'un groupe de rock intitulée Roadies (diffusée depuis Juin 2016 sur la chaîne Showtime).