JOHN WICK, de Chad Stahelski et David Leitch (2014)

JOHN WICK est un film réalisé par Chad Stahelski avec David Leitch.

Le scénario est écrit par Derek Kolstad. La photographie est signée Jonathan Sela. La musique est composée par Tyler Bates et Joel L. Richards.

Dans les rôles principaux, on trouve : Keanu Reeves (John Wick), Michael Nyqvist (Viggo Tarasov), Willem Dafoe (Marcus), Alfie Allen (Iosef Tarasov), Adrianne Palicki (Ms. Perkins), John Leguizamo (Aurelio), Bridget Moynahan (Helen Wick), Bridget Regan (Addy).

 Helen et John Wick
(Bridget Moynahan et Keanu Reeves)

Légendaire tueur à gages repenti, John Wick perd sa femme, Helen, des suites d'une longue maladie. Après ses obsèques, il reçoit d'elle un cadeau posthume, un chiot baptisé Daisy, pour l'aider à surmonter son deuil. Il semble en effet lentement reprendre goût à la vie au contact de l'animal. 

Iosef Tarasov et John Wick
(Alfie Allen et Keanu Reeves)

Parti faire une promenade au volant de sa Ford Mustang 1969, John Wick est abordé dans une station-service par Iosef qui lui demande quelle somme il demande pour vendre sa voiture, mais l'intéressé refuse de la céder. La nuit venue, trois hommes cagoulés s'introduisent par effraction chez John et le passent à tabac puis tuent son chien jusqu'à ce soient retrouvées les clés de sa voiture. Iosef se démasque alors et assomme Wick après l'avoir insulté.

Ioseg et Viggo Tarasov
(Alfie Allen et Michael Nyqvist)

Après être passé au garage d'Aurelio, qui refuse de maquiller la Ford Mustang, sachant à qui elle appartient, Iosef est corrigé par son père, le caïd russe Viggo Tarasov. Il téléphone à John Wick pour tenter de le calmer mais le tueur lui raccroche au nez, signifiant ainsi qu'il a l'intention de se venger. 

Winston
(Ian McShane)

John descend à l'hôtel "Continental", qui a pour particularité de ne loger que des assassins professionnels. Reçu par son propriétaire, Winston, il apprend que Iosef se cache, avec des gardes armés lourdement, dans la discothèque "Red Circle". Le tueur s'y rend et exécute méthodiquement la majorité des sbires protégeant sa cible mais celle-ci réussit à lui échapper de justesse. 

John Wick en action

Blessé, il rentre au "Continental" pour y être soigné avant d'être attaqué par Ms. Perkins, une collègue qui, appâtée par le contrat lancé sur la tête de Wick par Viggo Tarasov, n'hésite pas à enfreindre le règlement intérieur de l'hôtel (interdisant à un tueur d'éliminer un confrère). John la maîtrise et la confie à Harry, un voisin de palier, après qu'elle lui ait donné l'adresse de l'endroit où Viggo planque son argent.

Ms. Perkins
(Adrianne Palicki)

John met le feu au magot de Tarasov pour l'obliger à lui livrer son fils, mais il tombe dans une embuscade et il est capturé. Grâce au soutien extérieur de son ami Marcus, il parvient à se débarrasser des hommes de main du caïd et à rattraper ce dernier qui, sous la menace, lui indique où se cache Iosef. 

John Wick et Marcus
(Keanu Reeves et Willem Dafoe)

Averti de la complicité de Marcus, Viggo le torture et le tue puis en informe John, qui vient d'éliminer Iosef et ses gardes. Ms. Perkins répond à une convocation de Winston qui la fait abattre pour avoir enfreint le règlement du "Continental" puis il informe Wick que Tarasov compte quitter la ville depuis un héliport privé. Le tueur affronte et supprime les sbires de son ennemi avant de se débarrasser de ce dernier dans un combat à mains nues. 

"The Boogeyman"

Blessé, il se soigne dans une clinique vétérinaire et en sort en emportant un jeune chiot.

John Wick est ce qu'on appelle un "sleeper", soit un film que personne n'attend, sur lequel personne n'a misé gros, mais qui se taille finalement un joli succès surprise au box office.

De fait, le scénario de Derek Kolstad figurait sur la "blacklist", une collection de scripts à la réputation flatteuse, sans trouver de producteur ou de réalisateur. On sera surpris d'ailleurs de découvrir que, parmi les financiers du projet, se trouve Eva Longoria (hé, oui, l'ex-desperate housewife un temps marié au basketteur franco-américain Tony Parker). 

Finalement, le projet a été confié à un duo de cascadeurs célèbres (on leur doit les chorégraphies spectaculaires de la trilogie Matrix, de la tétralogie Hunger Games, de Sherlock Holmes 2, Iron Man 2, Die Hard 4 ou V pour Vendetta) qui, en matière d'action, comme le héros de cette histoire, connaissent leur job.

L'histoire, justement, joue sur le ressort classique d'une vengeance : tueur mythique (surnommé le "boogeyman", l'équivalent du croque-mitaine), John Wick apparaît au début comme un homme lui-même abattu par le décès de sa femme, pour laquelle il avait renoncé à ses contrats rémunérateurs. Volé et battu par le fils d'un mafieux russe, qui a tué son chien et dérobé sa voiture, il déterre la hache de guerre alors que son ennemi met sa tête à prix, attirant ainsi d'autres assassins professionnels dans cette vendetta.

L'efficacité du résultat tient à la simplicité de l'intrigue et à la sécheresse du traitement : le héros y caractérisé comme le dernier des hommes à qui on a envie de chercher des ennuis, précédé d'une réputation qui lui confère un statut légendaire. Ce dernier point se vérifie rapidement par la prodigieuse puissance de John Wick dans son travail, c'est une machine à tuer qui ne gaspille pas ses munitions inutilement, vise la tête et passe à l'obstacle suivant. Il est mu par une haine désespérée, quasi-suicidaire, que le chagrin réveille. Comme lui, la mise en scène est précise, sans fioriture, et se distingue notamment par sa photographie sombre (due aussi à une majorité de scènes nocturnes ou dans des endroits aux éclairages réduits) dans lequel John Wick se déplace telle une ombre, silencieuse et mortelle. Lorsqu'il est blessé, son ressentiment, un verre d'alcool et quelques points de suture suffisent à le relancer.

Sommaire, le film l'est : il ne cherche pas à transcender le genre dans lequel il s'inscrit (la scène dans la discothèque renvoie à celle, similaire, du Collateral de Michael Mann, sans la dépasser mais en l'égalant par son intensité), il ne s'agit pas de fanfaronner - c'est par son humilité, son respect des codes, son alignement à la série B, que John Wick est le plus savoureux et réussi. 

Pour incarner ce cinéma-là, le choix de Keanu Reeves est judicieux : acteur à la carrière en dents de scie ponctuée par des rôles iconiques (le flic infiltré chez des gangsters surfeurs dans Point Break, celui au volant du bus piégé de Speed, Neo l'élu de la trilogie Matrix - tout cela au milieu d'une tripotée de nanars improbables), il est parfait ici, son jeu inexpressif convient bien à ce démon tiré de son antre, insensible face à ses nombreux adversaires mais terrassé par la perte de sa femme, de son chiot et de sa voiture. Entouré par des gueules mémorables (Ian McShane, Willem Dafoe) et des seconds rôles campés par des comédiens interchangeables (Michael Nyqvist - trop peu menaçant pour vraiment convaincre qu'il puisse freiner John Wick - ou Adrianne Palicki - quelconque dans un rôle pourtant prometteur), il en impose.

Ponctué par des touches d'humour bienvenues (l'absurdité de la vengeance, les clichés sur les mafieux russes, le sentimentalisme envers les toutous) et traversé de morceaux de bravoure (les gunfights brutaux et superbement rythmés), profitant à fond de son format compact (100 minutes) et d'idées brillantes (l'hôtel des assassins, son règlement intérieur strict et son room service bien particulier), John Wick remplit parfaitement son contrat - si bien qu'une suite est sortie l'an dernier.

THE GRAND BUDAPEST HOTEL, de Wes Anderson (2014)

THE GRAND BUDAPEST HOTEL est un film écrit et réalisé par Wes Anderson, d'après une histoire originale de Wes Anderson et Hugo Guinness.

La photographie est signée Robert Yeoman. La musique est composée par Alexandre Desplat.

Dans les rôles principaux, on trouve : Tony Revolori et F. Murray Abraham (Zero Moustafa jeune et vieux), Jude Law et Tom Wilkinson (l'Auteur jeune et vieux), Ralph Fiennes (M. Gustave H.), Tilda Swinton (Mme D. - Desgoffe und Taxis), Adrien Brody (Dmitri Desgoffe und Taxis), Willem Dafoe (JG Jopling), Edward Norton (inspecteur Albert Henckels), Jeff Goldblum (avocat Vilmos Kovacs), Mathieu Amalric (Serge X.), Léa Seydoux (Clotilde), Harvey Keitel (Ludwig), Jason Schwartzman (M. Jean), Bill Murray (M. Ivan), Owen Wilson (M. Chuck).

 La statue de l'Auteur

De nos jours. Une adolescente vient se recueillir devant la statue érigée à la mémoire de l'Auteur.

La jeune lectrice

Elle commence à lire son ouvrage le plus célèbre, The Grand Budapest Hotel.

The Grand Budapest Hotel

Le livre a été rédigé en Amérique du Sud en 1985 et évoque le séjour de l'Auteur au Grand Budapest, un hôtel situé à Nebelsbad, dans l'ex-République de Zubrowska, en 1968.

L'Auteur en 1985

(Tom Wilkinson)

  

L'Auteur y fit la connaissance, grâce au concierge M. Jean, du célèbre propriétaire des lieux, Zero Moustafa, lui-même féru de l'oeuvre de l'Auteur qu'il invita à dîner.

M. Jean et l'Auteur en 1968

(Jason Schwartzman et Jude Law)

Zero Moustafa accepta de raconter à son invité dans quelles circonstances extraordinaires il acquit cet hôtel au lendemain de la seconde guerre mondiale.

Zero Moustafa et l'Auteur en 1968

(F. Murray Abraham et Jude Law)

Tout commença en 1932, l'âge d'or du Grand Budapest Hotel...

Le Grand Budapest Hôtel en 1932

L'établissement, mondialement réputé, hébergeait une clientèle cosmopolite et richissime dans des conditions luxueuses. Parmi les habituées, depuis presque vingt ans, se trouvait Céline Villeneuve Desgoffe und Taxis.

Mme D. et M. Gustave H.

(Tilda Swinton et Ralph Fiennes)

Cette vieille bourgeoise n'était pas seulement une résidente saisonnière de l'hôtel mais également une amie intime de M. Gustave H., le concierge de l'endroit, à qui elle fit part, avant son départ, du pressentiment de sa fin prochaine et violente.

Zero Moustafa et M. Gustave

(Tony Revolori et Ralph Fiennes)

Malgré ses maigres références, le jeune Zero Moustafa, alors lobby boy, s'attira la sympathie de M. Gustave grâce à sa discrétion et son zèle. Au point que, lorsque le décès de Madame D. dans presse fut publié, le concierge emmena le garçon assister à la lecture du testament dans son château de Lutz. 

Zero et Clotilde

(Tony Revolori et Léa Seydoux)

Sur place, le majordome des Desgoffe un Taxis, Serge X., tenta - en vain - de prévenir M. Gustave d'un imprévu tandis que Clotilde, la jeune servante du château, escortait Zero.  

J.G. Jopling et Dmitri Desgoffe und Taxis

(Willem Dafoe et Adrien Brody)

L'héritage colossal de Madame D. attira les membres les plus lointains de sa famille, mais au premier rang se tenait son fils, Dmitri, et son homme de main, Jopling, tous deux ennemis déclarés de M. Gustave, dont ils savaient la relation intime avec la défunte. 

Vilmos Kovacs

(Jeff Goldblum)

La tension était à son comble quand l'avocat Vilmos Kovacs se présenta avec l'impressionnante masse notes rédigées par Madame D. pour son legs, auquel elle venait, avant sa mort, d'ajouter un chapitre. Celui-ci stipulait qu'elle offrait à M. Gustave un tableau d'une valeur inestimable, Le Garçon à la pomme, peint par Johannes Van Hoytl Le Jeune. A cette annonce, Dmitri entra dans une colère folle, inspirant à Zero et M. Gustave l'idée de repartir presto avec ledit tableau.

Zero et Agatha

(Tony Revolori et Saoirse Ronan)

De retour à l'hôtel, Zero, épris depuis son arrivée de la belle pâtissière Agatha, lui déclare ses sentiments en lui offrant un recueil de poèmes recommandé par M. Gustave. Ce présent la touche tant qu'elle répond favorablement à l'amour du lobby boy. Mais pendant ce temps, l'inspecteur Albert Henckels débarque à l'hôtel pour procéder à l'arrestation de M. Gustave, accusé du meurtre de Madame D. par le majordome de celle-ci, Serge X. 

Ludwig, M. Gustave et Zero

(Harvey Keitel, Ralph Fiennes et Tony Revolori)

Jeté en prison au Check-Point 19, M. Gustave est entouré de criminels endurcis dont il gagne le respect en se battant avec l'un d'eux, qui avait remis en cause sa virilité. Zero rend visite au concierge incarcéré qui lui affirme avoir un alibi pour la nuit du meurtre mais se refuse à s'en servir car il compromettrait une cliente avec qui il couchait. Le groom avec le concours d'Agatha fait alors discrètement passer des outils à M. Gustave pour qu'il s'évade en compagnie de ses co-détenus, mené par leur chef, Ludwig, qui sait parfaitement comment sortir de la prison. 

Dmitri, M. Gustave, l'inspecteur Albert Henckels, Zero et Agatha

(Adrien Brody, Ralph Fiennes, Edward Norton, Tony Revolori et Saoirse Ronan)

Aussitôt dehors, M. Gustave retrouve Zero et prend la fuite avec lui, poursuivis rapidement par la police dirigé par l'inspecteur Henckels mais aussi par Jopling à qui Dmitri a ordonné de pister le concierge qui veut retrouver le majordome Serge X. pour l'innocenter. Grâce à la Société des Clés Croisées, formée de concierges de divers palaces, M. Gustave et Zero gagnent le monastère au sommet du pic de Galmeister où s'est caché Serge X. Celui-ci a juste le temps, avant d'être tué par Jopling, de révéler que Madame X. avait rédigé un second testament qu'il avait recopié avant de le cacher au dos du tableau de Van Hoytl. 

Le mariage de Zero et Agatha par M. Gustave

en présence de concierges de la Société des Clés Croisées

M. Gustave et Zero tout comme Jopling cherchent alors à regagner le Grand Budapest Hôtel pour récupérer le tableau avant que Dmitri ne le prenne à Agatha, à qui l'avait confié Zero. Mais entretemps la guerre est déclarée et l'armée réquisitionne l'établissement pour le transformer en caserne. Heureusement, grâce à Agatha, en possession de la toile, et à l'inspecteur Henckels, arrêtant une fusillade dans l'hôtel entre Dmitri et M. Gustave, la preuve de l'innocence du concierge peut être sauvée et lue. Disculpé, M. Gustave peut célébrer le mariage de Zero et Agatha avant d'hériter de toute la fortune de Madame D..  

Zero, Agatha et M. Gustave

Comme M. Gustave le lui avait promis durant leur cavale, après sa mort (exécuté par des militaires lors d'un contrôle d'identité qui a dégénéré en train parce qu'il a défendu son groom apatride au titre de séjour provisoire), Zero hérita à son tour de tout l'argent de Madame D. Mais deux ans après leur union, il perdit Agatha, fauchée par la grippe prussienne.

Retour en 1968 : Zero avoue à l'Auteur que s'il a racheté, en y laissant toute sa fortune, le Grand Budapest Hotel, c'est parce que c'est ici qu'il rencontra Agatha et vécut ses jours les plus heureux. Le tableau de Van Hoytl a été, lui, accroché derrière le comptoir du concierge.

De nos jours, au pied de la statue de l'Auteur, l'adolescente poursuit la lecture de son roman.

Avec près de 175 millions de $ de recettes au box office américain, The Grand Budapest est le plus gros succès commercial de Wes Anderson. Il a été également récompensé par les Oscar de la meilleure musique (composée par Alexandre Desplat, c'est effectivement une bande-son formidable), des meilleurs décors, costumes et maquillages.

Cette réussite est justifiée quand on regarde et revoit le résultat. Même le fan habitué et idolâtre de la filmographie de Anderson ne peut qu'admettre qu'il s'agit de son chef d'oeuvre, et il rend impatient de découvrir son prochain opus (un nouveau film d'animation, comme Fantastic Mr. Fox, prévu pour 2017, inspiré de L'Or de Naples de Vittorio de Sica, avec un chien pour héros, qui aura la voix de l'irremplaçable Bill Murray).

Wes Anderson a assumé seul l'écriture de son 8ème opus, même si l'histoire a été conçue avec Hugo Guinness. Le cinéaste a reconnu aussi avoir puisé dans l'oeuvre du romancier autrichien Stefan Zweig (en particulier 24 Heures dans la vie d'une femme, 1927 ; Méfiez-vous de la pitié, 1939 ; et son autobiographie, Le Monde d'hier, 1934-1942) et le film The Shop around the corner d'Ernst Lubistsch.

Toutes ces références sont brillamment digérées dans le scénario qui constitue une petite révolution chez Anderson qui se frotte pour la première fois à une période historique précise (l'entre deux guerres des années 30) après une série de films fantaisistes et mélancoliques à la fois mais souvent hors des grands événements. La narration est sophistiquée et fluide à la fois puisqu'elle jongle avec quatre époques - de nos jours, 1985, 1968, et 1932. Cette construction évoque bien entendu celle d'un récit façon poupées russes, qui, elle, ne déroutera pas les familiers du cinéaste, n'aimant rien tant que les histoires et les personnages dont le caractère sont définis par l'accumulation de strates.

Ce qui impressionne aussi, c'est l'emballement frénétique avec lequel se déploie l'intrigue : en 100 minutes, au rythme infernal, Anderson orchestre sa partition à la manière d'un cartoon, glissant ici un hommage purement burlesque (la folle descente à ski et en traîneau, depuis le pic de Galmeister, de Jopling poursuivi par Zero et M. Gustave), là un clin d'oeil au cinéma muet (avec la séquence en noir et blanc où le contrôle d'identité de Zero dégénère à cause de M. Gustave).

Si le film est très drôle, émaillé de répliques hilarantes (des insanités proférées flegmatiquement par M. Gustave aux remarques candides de Zero en passant par les jurons de Dmitri), la tragédie n'est jamais loin puisque l'époque est troublée. Ce contraste conduit à des moments lunaires (comme lorsque Zero apporte, alarmé, le journal à M. Gustave, au lit avec une de ses vieilles clientes - mais, comme il l'avouera à Dmitri, "je couche avec tous mes clients." - et dont la "une" interroge : "Bientôt la guerre ?" avant que plus bas ne soit publiée l'annonce du décès de Madame D., bien plus triste pour le concierge).

Cette densification extrême engendrée par l'abondance de rebondissements, de mouvements, aboutit invariablement à l'espièglerie des réactions des personnages (traqué par le tueur de Dmitri et toute la police locale, M. Gustave, avec son détachement imparable, fait le point en ces termes : "the plot thickens" - "Le mystère s'épaissit"). Cela témoigne de la volonté du cinéaste de toujours réorganiser le monde à sa manière en disposant les faits de manière inattendue (gravement léger, légèrement grave) et donc comique.

Toutefois, bien que le formalisme toujours très appuyé de son cinéma frise la maniaquerie, Anderson ne sombre jamais dans l'hystérie : en en soulignant le dispositif artificiel, il nous montre ce que le théâtre de l'action a d'absurde, d'insouciant, et que, lorsque les choses se calment (apparemment) enfin, le pire approche. Au monde soigneusement étiqueté (des hommes aux objets en passant par les lieux) va succéder un autre dévasté par la guerre et le temps qui passe : hier, l'harmonie de l'hôtel passait par l'agitation bien régie qui y régnait ; aujourd'hui l'endroit ressemble à un mausolée dont Zero ne veut pas se séparer, quitte à se ruiner, parce que ses murs lui rappellent moins une époque révolue que le lieu où il rencontra son unique et éphémère amour. Cette tradition qui veut qu'un espace serve à se recueillir est aussi signifié dans l'intriguant prologue où l'adolescente lit l'ouvrage mémoriel de l'Auteur au pied de la statue érigée en sa mémoire.

La morale de tout cela, c'est que les histoires nous sont inspirées par les gens mais que l'existence de ces gens hante les lieux où ils ont vécu : y rester ou s'y rendre, c'est espérer les y rencontrer, physiquement ou spirituellement, comme on effectue un pèlerinage. Mine de rien, donc, le film invoque le devoir de mémoire à travers la conservation des endroits ayant hébergés des personnes et des événements importants.

Pour incarner ces aventures, Anderson a disposé de son plus incroyable casting, distribuant même le plus petit rôle à un comédien de premier plan (Bill Murray, Owen Wilson, Jason Schwartzman, Tilda Swinton sont donc là, mais aussi Léa Seydoux ou Mathieu Amalric). Il a attribué, selon les époques, à deux interprètes le même personnage (Jude Law et Tom Wilkinson pour l'Auteur, Tony Revolori et F. Murray Abraham pour Zero). Et Ralph Fiennes (grandiose dans son meilleur rôle), Edward Norton, Adrien Brody, Willem Dafoe ou Saoirse Ronan sont tous fabuleux, totalement investis dans cet univers si élaboré. C'est un régal absolu de voir une telle réunion de talents, si bien dirigée et photographiée (par le fidèle et génial chef op' Robert Yeoman - tout le design du film est effectivement extraordinaire, dans le moindre détail, à tel point qu'on se croirait dans une super-production au budget bien supérieur à ses modestes 23 M $).

The Grand Budapest Hotel est un film-somme : il prolonge et intensifie tout ce qui était déjà là dans les précédents opus de Wes Anderson tout en prouvant que le réalisateur n'a pas peur de se surpasser. C'est un sentiment extatique à la fin de la projection et une promesse galvanisante pour la suite.  

   

LA VIE AQUATIQUE, de Wes Anderson (2004)

LA VIE AQUATIQUE (The Life Aquatic with Steve Zissou) est un film réalisé par Wes Anderson.

Le scénario est écrit par Wes Anderson et Noah Baumbach. La photographie est signée Robert Yeoman. Les séquences d'animation ont été conçues par Henry Selick. La musique est composée par Mark Mothersbaugh, avec les chansons originales de David Bowie ou adaptées par Seu George.

Dans les rôles principaux, on trouve : Bill Murray (Steve Zissou), Owen Wilson (Ned Plimpton / Kingsley Zissou), Cate Blanchett (Jane Winslett-Richardson), Anjelica Huston (Eleanor Zissou), Jeff Goldblum (Alistair Hennessey), Willem Dafoe (Klaus Daimler), Michael Gambon (Oseary Drakoulias), Seymour Cassel (Esteban Du Plantier), Noah Taylor (Vladimir Wolodarsky), Bud Cort (Bill Ubell), Seu George (Pelé Dos Santos), Robyn Cohen (Anne-Marie Sakowitz).

Steve Zissou

(Bill Murray)

A l'occasion de la présentation de son nouveau film documentaire au festival de Loquasto, l'océanographe Steve Zissou révèle que son meilleur ami, Esteban Du Plantier, a été dévoré lors de leur dernière plongée par un requin-jaguar. Il est désormais résolu à en prouver l'existence mais surtout à le tuer pour venger son mentor - projet qui lui vaut les moqueries de l'assistance et la désapprobation de sa femme, Eleanor, financière des expéditions.

Steve et Eleanor Zissou

(Bill Murray et Anjelica Huston)

Qu'importe : Zissou entraîne l'équipage de son navire, le "Belafonte", dans cette aventure à laquelle se joignent Ned Plimpton, un pilote de ligne, qui se présente à l'océanographe en prétendant être son fils, et un groupe de sept étudiants de l'Université de l'Alaska du Nord.

Steve Zissou et Ned Plimpton

(Bill Murray et Owen Wilson)

Ned, qui vient d'hériter d'une forte somme, gagne sa place à bord en acceptant de payer la traversée. Le reste de l'argent est apporté par des partenaires de l'associé de Zissou, Oseary Drakoulias, contre la présence à bord d'un homme de confiance, Bill Ubell, et d'une journaliste enceinte, Jane Winslett-Richardson, qui écrira un article sur le voyage. 

Ned Plimpton et Klaus Daimler

(Owen Wilson et Willem Dafoe)

Mais rapidement, l'ambiance est tendue : la reporter n'est pas là pour flatter son hôte ; Ned la séduit alors que son père la courtise ; Klaus Daimler, le second de Zissou, est jaloux de Ned ; et le rival de l'océanographe, dont la carrière décline à la suite des échecs commerciaux de ses derniers films, Alistair Hennessey, a entrepris de reconquérir Eleanor. 

Alistair Hennessey et Steve Zissou

(Jeff Goldblum et Bill Murray)

Les péripéties les plus insensés rythment l'expédition : Zissou pille une des bases de Hennessey, sillonne des mers non protégées, affrontent des pirates... Le requin-jaguar est enfin localisé et Ned encourage son père à le filmer plutôt qu'à le tuer. L'animal est effectivement un spécimen magnifique qui éblouira tout le monde mais qui, pour être immortalisé sur la pellicule, aura coûté de douloureux sacrifices à Steve Zissou.

Steve Zissou et Jane Winslett-Richardson

(Bill Murray et Cate Blanchett)

Le commandant Jacques-Yves Cousteau (à la mémoire duquel le film est dédié tout en précisant que "la Fondation Cousteau n'a aucunement été impliquée dans la réalisation de ce film") est comme un fantôme qui hante l'oeuvre de Wes Anderson : il était cité dans Rushmore, son deuxième opus, et sera à nouveau convoqué dans Moonrise Kingdom (2012). Fasciné par le personnage depuis l'adolescence, il était naturel et inévitable que le cinéaste lui consacre un hommage, décalé ça va de soi, et il a pu le faire, en disposant d'un confortable budget (50 M $), avec La Vie aquatique en 2004.

Steve Zissou est le héros inoubliable de ce récit d'aventures farfelu, co-écrit avec Noah Baumbach, et ce nom est aussi inspiré par le photographe Jacques-Henri Lartigue dont Zissou était le surnom. Le personnage doit aussi beaucoup à un autre explorateur, Thor Eyerdahl. Pour en arriver à ce résultat, il faudra pourtant quatre ans d'échanges entre le réalisateur et son co-scénariste, chacun inventant les scènes au fur et à mesure de son côté puis les confrontant, les sélectionnant, les structurant.

Mis en scène après La Famille Tenenbaum (2001), The Life aquatic with Steve Zissou en prolonge les motifs et les thèmes, ceux d'une grande famille (ici incarnée par l'équipage du "Belafonte", dont le nom lui doit tout au chanteur Harry Belafonte) dysfonctionnelle mais qui apprend à se connaître et se transcender dans les épreuves. En y ajoutant la rencontre d'un fils avec le père qu'il n'a connu que de réputation, la mort d'un mentor, le souvenir d'un illustre modèle (Lord Mandrake, dont la photo est un portrait de Jacques-Henri Lartigue justement), la grossesse d'une journaliste embarquée dans l'aventure vengeresse contre le légendaire requin-jaguar (avec donc pour finalité la naissance d'un enfant, lui aussi conçu dans la clandestinité - le père étant le rédacteur en chef déjà marié de la reporter -  mais aussi la mort de l'animal mythique), tout ici souligne les obsessions fondatrices du cinéma de Anderson.

Cette notion de succession, d'héritage se prolonge dans le casting même puisque Bill Murray (encore une fois impérial) prend la place de Gene Hackman dans le rôle du chef de clan indigne, Owen Wilson (parfait comme d'habitude dans cet univers) joue un jeune homme désireux d'être reconnu par un père idéalisé, Anjelica Huston reprend sa place de mère détachée mais vraie clé de voûte de toute cette bande ("the spirit of team Zissou"). Cela aurait pu aller encore plus loin si Gwyneth Paltrow n'avait pas décliné le rôle tenu finalement par Cate Blanchett (un peu gauche dans ce délire).

L'incontrôlable et immature Zissou révèle ses failles tout au long de ce qu'il finit par accepter comme son dernier voyage : sa quête folle contre le requin-jaguar évoque celle du capitaine Achab dans Moby Dick de Herman Melville, sa volonté de tuer cet animal à la dynamite et son ignorance souvent remarquée de vrais noms des poissons ou sa manie de tout faire filmer (souvent en manipulant ostensiblement les faits) trahit un caractère plus attiré par la notoriété et l'appel du large que par une réelle volonté d'instruire les foules, et ses amours sont toutes de cuisants échecs.  

Pourtant, malgré ce portrait pathétique, le film échappe à a morosité grâce à l'accumulation de trouvailles amusantes, parfois franchement hilarantes (pour qui aime, en tout cas, l'humour pince-sans-rire), et de détails fétichistes (comme le lycée Rushmore ou le manoir Tenenbaum, le navire "Belafonte" est une maison de poupées qui échappe au réalisme - il est d'ailleurs détaillé à deux reprises par des plans en coupe, d'abord lors d'une présentation par Zissou, ensuite lors d'un extraordinaire plan-séquence durant une dispute entre Steve et Ned depuis la cabine de Jane jusqu'au pont en passant par divers pièces intermédiaires).

L'autre décor marquant est l'île Pescecado, qui sert de base à la team Zissou, où, de façon troublante, les occupants s'y marchent plus sur les pieds que dans les traverses du bateau, où les tensions y sont plus vives : comment en serait-il autrement puisqu'en étant là, on n'est pas en mer, en action, en mouvement, tout entier consacré à l'expédition ? Se poser, se faire face, dialoguer contrevient à des explorateurs qui fuient en réalité davantage le quotidien et les responsabilités qu'ils ne négocient avec l'intimité, l'introspection, l'avenir. Une île est en fait trop petite pour un ego surdimensionné comme celui de Zissou, être sur la terre ferme (même à l'écart d'un continent), c'est devoir composer avec les devoirs (l'argent, le couple, la famille...), alors que partir en mer c'est y échapper, même ruiné et ridiculisé. L'arrogance de ce leader contredit son incompétence manifeste et celle de ses hommes et la décrépitude de son équipement, mais le contraste entre le panache dérisoire des personnages et les illusions dont ils se bercent fournissent justement les gags de l'histoire, gags qui gagnent en démesure au fur et à mesure que les avanies se multiplient.

Anderson s'est aussi amusé à pasticher génialement l'aspect suranné des documentaires de Cousteau . Pour ces séquences-là, le cinéaste a sollicité l'aide de Henry Selick, qui avait réalisé L'Etrange Noël de Mr Jack (1993, écrit et produit par Tim Burton), utilisant la technique stop-motion (de l'animation de maquettes et modelages miniatures image par image) : le résultat est superbe et contribue à insuffler une poésie touchante dans cette fantaisie délirante (à l'instar de ce passage mémorable où Zissou chasse, à lui seul, une horde de pirates de son navire, leur réglant définitivement leur compte plus tard sur une des îles Ping à coup de dynamite !).

Les seconds rôles sont savoureux et rendent la distribution éblouissante (Anderson, comme Woody Allen, a le privilège de séduire les plus grands acteurs désireux de s'offrir une escapade loin des productions plus formatées) : ainsi retiendra-t-on le numéro très marrant de Willem Dafoe en second jaloux ("Tu es dans l'équipe B, mais tu es le leader de l'équipe B. Ignores-tu que moi et Esteban t'avons toujours considéré comme notre petit frère ?" le réconforte Zissou), la prestation jubilatoire de Jeff Goldblum en rival "à moitié homosexuel" ("comme nous tous", dixit Zissou), ou la présence du chanteur brésilien Seu George qui a adapté plusieurs chansons de David Bowie en mode bossa-nova (étonnant mais très beau).

Certes, c'est assez inhabituel pour être noté, La Vie aquatique pâtit de quelques chutes de rythme (c'est aussi le film le plus long de Anderson : presque 120'), mais c'est une merveille d'extravagance et de non-sens, avec une émotion inattendue, contenue et poignante au final : cela suffit pour le distinguer et en faire un des opus les plus attachants de son auteur. 

LES RUES DE FEU, de Walter Hill (1984)

LES RUES DE FEU (Streets of Fire) est un film réalisé par Walter Hill.

Le scénario est écrit par Walter Hill et Larry Gross. La photographie est signée Andrew Laszlo. La musique est composée par Ry Cooder.

Dans les rôles principaux, on trouve : Diane Lane (Ellen Aim), Michael Paré (Tom Cody), Willem Dafoe (Raven Shaddock), Amy Madigan (McCoy), Rick Moranis (Billy Fish), Richard Lawson (officier Ed Price).

Ellen Aim et The Attackers
(Diane Lane)

Dans "un autre temps, un autre lieu" indéterminés, la chanteuse Ellen Aim et son groupe de rock, The Attackers, donne un concert devant un public déchaîné. Soudain, le gang des Bombers mené par leur chef Raven Shaddock surgit et enlève la jeune femme.

Raven Shaddock

(Willem Dafoe)

Témoin de la scène, Reva Cody, barmaid du "Blackhawk", demande à son frère, Tom, un soldat récemment démobilisé et ancien amant d'Ellen, de sauver Ellen. Mais il rechigne à agir puisqu'elle l'a quitté pour vivre avec son manager, Billy Fish. Le jeune homme est alors interpellé par McCoy, une ancienne militaire comme lui, prête à l'aider dans cette mission. Ils partent à la rencontre de Billy Fish et l'embarquent pour gagner le repaire des Bombers. 

Tom Cody, Billy Fish et McCoy

(Michael Paré, Rick Moranis et Amy Madigan)

En route, le trio se procure des armes. Attendant que la nuit tombe pour agir, McCoy pénètre dans le club "Torchie" pour localiser où Raven retient Ellen tandis que Tom grimpe sur le toit de l'immeuble voisin pour avoir une vue d'ensemble sur la zone. Il aperçoit alors Ellen, les poignets attachés aux barreaux d'un lit, et elle le remarque aussi à travers la fenêtre de sa chambre. Pendant ce temps, Billy attend dans sa voiture au coin de la rue, prêt à démarrer dès que l'équipe reparaîtra.

McCoy

(Amy Madigan)

Pour faire diversion, Tom tire sur des réservoirs de gaz et sur les motos du gang. A l'intérieur du club, ces explosions sèment la panique et McCoy profite du chaos pour couvrir Tom qui est allé libérer Ellen. Raven promet aux intrus qu'il les retrouvera et qu'il se vengera. Rejoignant Billy, Tom, Ellen et McCoy prennent la fuite.

Ellen Aim (au centre) et Billy Fish (à sa gauche)

(Diane Lane et Rick Moranis)

Ils abandonnent la voiture pour prendre le métro : durant le trajet, Ellen apprend que Tom a accepté de la secourir pour de l'argent et non par amour. Une fois à son hôtel, Billy paie Tom mais celui-ci ne prend que la part promise à McCoy et jette le reste des billets à la figure du manager avec mépris. Ellen le rattrape dans la rue et l'embrasse sous la pluie battante.

Ellen Aim et Tom Cody

(Diane Lane et Michael Paré)

Cependant, Raven informe le chef du département de police, Ed Price, qu'il souhaite rencontrer Tom pour l'affronter en duel -  s'il gagne, il récupérera Ellen, sinon le chef de gang s'engage à quitter le quartier. Price recommande à Tom, en lui transmettant le message, de quitter la ville. Le jeune homme monte dans un train avec Ellen avant de l'assommer et de la confier à McCoy. Il rejoint la rue où Raven l'attend et l'affronte devant ses hommes et les habitants du quartier venus en renfort de l'officier Price. Mais Cody réussit à vaincre son adversaire, qui, comme convenu, se retire avec son gang.

Tom Cody

(Michael Paré)

Plus tard, Ellen se prépare à remonter sur scène. Tom lui fait ses adieux tout en lui promettant de toujours être là si elle a besoin de lui. Elle rejoint son groupe et commence son concert tandis que Cody s'éloigne, accompagné par McCoy.

Ellen Aim et les Sorels

L'idée originale de Streets of Fire vient à Walter Hill pendant le tournage de 48 heures (1982) : c'est la chanson du même titre (issu du LP Darkness on the edge on town) de Bruce Springsteen (à qui il voudra ensuite la composition de la bande-son, mais le "boss" sera alors accaparé par le succès de son album Born in the USA) qui l'a inspiré. Pour le cinéaste, il s'agit de réaliser le film de ses rêves, un hommage aux séries noirs et aux comics de sa jeunesse.

Hill rédige avec son co-scénariste Larry Gross un traitement de dix pages qu'il soumet aux producteurs Lawrence Gordon et Joel Silver qui convainquent Universal de financer cette "fable rock'n'roll". Pour pouvoir tourner les nombreuses scènes nocturnes de cette histoire même en pleine journée, il est convenu de tout filmer en studio et d'immenses plateaux sont mis à dispositions de Hill et son équipe technique.

Le casting débute : le script est proposé à Paul McCartney pour le rôle du chanteur kidnappé par le gang des Bombers, mais l'ex-Beatles décline l'offre pour d'autres projets. Joel Silver a repéré la toute jeune (18 ans) Diane Lane dans Rusty James (Francis Ford Coppola, 1983) et persuade Hill de lui faire passer un essai. Elle s'y rend vêtue comme une rockeuse, pantalons en cuir, top en résilles, bottes de motarde, et impressionne le réalisateur qui accepte de réécrire le personnage pour le féminiser. Même si elle sera doublée vocalement (par un mixage des voix de Laurie Sargent et Holly Sherwood) pour les scènes de concert, elle est effectivement épatante, évidemment très belle mais aussi pleine d'énergie.

Amy Madigan obtient aussi que Hill revoie sa copie pour jouer le rôle de McCoy prévu initialement pour un homme - le résultat donne une composition mémorable mais très crédible où la comédienne est impeccable en "tomboy" dur-à-cuire et fort en gueule.

Malgré les efforts de ses producteurs et son insistance, Hill n'arrivera cependant pas à recruter Tom Cruise (lui aussi révélé un an auparavant, dans Outsiders, de Coppola) pour camper Tom Cody, mais il impose un autre débutant avec Michael Paré, vu dans Philadelphia Experiment. Il est un parfait mélange de séduction et de rudesse. Cody aurait dû d'ailleurs être le héros d'une trilogie mais l'échec commercial des Rues de feu condamnera cette ambition.

Car cet opus ne fonctionnera pas auprès du public ni de la critique, déroutés par cet ensemble de polar et de bande dessinée. Le tournage sera d'ailleurs houleux : comme son personnage du manager Billy Fish, Rick Moranis, dans un contre-emploi pour lui qui vient de la comédie, se montre odieux avec Hill et Paré. Ce dernier n'est pas non plus ménagé par son metteur en scène qui multiplie les prises pour le pousser à nuancer son jeu (de fait, il est assez inexpressif, ce qui l'empêchera sûrement ensuite d'accéder à des rôles plus importants et au statut de star). Ces tensions démoralisent le reste du casting et de l'équipe technique, mais servent finalement le film.

Malgré des codes esthétiques empruntés au polar et à la BD (jusque dans les transitions à la manière de balayages donnant l'impression de pages qu'on tourne - l'illusion est poussée jusque dans le son !), la construction du film se réfère en vérité franchement au western : pour s'en convaincre, il suffit d'imaginer des indiens ou des bandits à la place du gang des Bombers (mené par Willem Dafoe, recommandé par Kathryn Bigelow, et qui donne à son personnage un charisme démoniaque fabuleux), de remplacer les voitures et motos par des chevaux, et on se croirait au far-west. Tom Cody est lui-même un ancien soldat, revenu d'une guerre jamais nommé (on peut aussi bien penser au Vietnam qu'à la guerre de sécession qui se poursuivrait dans les rues de la ville), et manie une carabine Winchester, tandis qu'Ellen Aim évoque une chanteuse de saloon capturée puis délivrée par le héros avec son sidekick.

Plus ambigu est le rôle de McCoy dans la mesure où il est incarné par une femme, ce qui trouble sa relation avec Cody : l'aide-t-elle par amitié ? Par amour ? Par attirance pour Ellen ? Ou par goût de la guerre ? Mais cela contribue aussi à l'originalité du projet.

Les Rues de feu renvoie d'ailleurs aussi à la guérilla urbaine, vue et racontée avec des emprunts aux années 30 (le look de hobo de Cody), 50 (les bikers de Raven Shaddock et les habitants de quartier de Richmond) et 80 (avec les néons fluo). Mais ce cocktail, loin d'être indigeste, est ce qui confère toute sa singularité et sa modernité au film, emballé sur un rythme soutenu, des acteurs énergiques, une histoire divertissante, sentimentale et efficace.