THE GRAND BUDAPEST HOTEL, de Wes Anderson (2014)

THE GRAND BUDAPEST HOTEL est un film écrit et réalisé par Wes Anderson, d'après une histoire originale de Wes Anderson et Hugo Guinness.

La photographie est signée Robert Yeoman. La musique est composée par Alexandre Desplat.

Dans les rôles principaux, on trouve : Tony Revolori et F. Murray Abraham (Zero Moustafa jeune et vieux), Jude Law et Tom Wilkinson (l'Auteur jeune et vieux), Ralph Fiennes (M. Gustave H.), Tilda Swinton (Mme D. - Desgoffe und Taxis), Adrien Brody (Dmitri Desgoffe und Taxis), Willem Dafoe (JG Jopling), Edward Norton (inspecteur Albert Henckels), Jeff Goldblum (avocat Vilmos Kovacs), Mathieu Amalric (Serge X.), Léa Seydoux (Clotilde), Harvey Keitel (Ludwig), Jason Schwartzman (M. Jean), Bill Murray (M. Ivan), Owen Wilson (M. Chuck).

 La statue de l'Auteur

De nos jours. Une adolescente vient se recueillir devant la statue érigée à la mémoire de l'Auteur.

La jeune lectrice

Elle commence à lire son ouvrage le plus célèbre, The Grand Budapest Hotel.

The Grand Budapest Hotel

Le livre a été rédigé en Amérique du Sud en 1985 et évoque le séjour de l'Auteur au Grand Budapest, un hôtel situé à Nebelsbad, dans l'ex-République de Zubrowska, en 1968.

L'Auteur en 1985

(Tom Wilkinson)

  

L'Auteur y fit la connaissance, grâce au concierge M. Jean, du célèbre propriétaire des lieux, Zero Moustafa, lui-même féru de l'oeuvre de l'Auteur qu'il invita à dîner.

M. Jean et l'Auteur en 1968

(Jason Schwartzman et Jude Law)

Zero Moustafa accepta de raconter à son invité dans quelles circonstances extraordinaires il acquit cet hôtel au lendemain de la seconde guerre mondiale.

Zero Moustafa et l'Auteur en 1968

(F. Murray Abraham et Jude Law)

Tout commença en 1932, l'âge d'or du Grand Budapest Hotel...

Le Grand Budapest Hôtel en 1932

L'établissement, mondialement réputé, hébergeait une clientèle cosmopolite et richissime dans des conditions luxueuses. Parmi les habituées, depuis presque vingt ans, se trouvait Céline Villeneuve Desgoffe und Taxis.

Mme D. et M. Gustave H.

(Tilda Swinton et Ralph Fiennes)

Cette vieille bourgeoise n'était pas seulement une résidente saisonnière de l'hôtel mais également une amie intime de M. Gustave H., le concierge de l'endroit, à qui elle fit part, avant son départ, du pressentiment de sa fin prochaine et violente.

Zero Moustafa et M. Gustave

(Tony Revolori et Ralph Fiennes)

Malgré ses maigres références, le jeune Zero Moustafa, alors lobby boy, s'attira la sympathie de M. Gustave grâce à sa discrétion et son zèle. Au point que, lorsque le décès de Madame D. dans presse fut publié, le concierge emmena le garçon assister à la lecture du testament dans son château de Lutz. 

Zero et Clotilde

(Tony Revolori et Léa Seydoux)

Sur place, le majordome des Desgoffe un Taxis, Serge X., tenta - en vain - de prévenir M. Gustave d'un imprévu tandis que Clotilde, la jeune servante du château, escortait Zero.  

J.G. Jopling et Dmitri Desgoffe und Taxis

(Willem Dafoe et Adrien Brody)

L'héritage colossal de Madame D. attira les membres les plus lointains de sa famille, mais au premier rang se tenait son fils, Dmitri, et son homme de main, Jopling, tous deux ennemis déclarés de M. Gustave, dont ils savaient la relation intime avec la défunte. 

Vilmos Kovacs

(Jeff Goldblum)

La tension était à son comble quand l'avocat Vilmos Kovacs se présenta avec l'impressionnante masse notes rédigées par Madame D. pour son legs, auquel elle venait, avant sa mort, d'ajouter un chapitre. Celui-ci stipulait qu'elle offrait à M. Gustave un tableau d'une valeur inestimable, Le Garçon à la pomme, peint par Johannes Van Hoytl Le Jeune. A cette annonce, Dmitri entra dans une colère folle, inspirant à Zero et M. Gustave l'idée de repartir presto avec ledit tableau.

Zero et Agatha

(Tony Revolori et Saoirse Ronan)

De retour à l'hôtel, Zero, épris depuis son arrivée de la belle pâtissière Agatha, lui déclare ses sentiments en lui offrant un recueil de poèmes recommandé par M. Gustave. Ce présent la touche tant qu'elle répond favorablement à l'amour du lobby boy. Mais pendant ce temps, l'inspecteur Albert Henckels débarque à l'hôtel pour procéder à l'arrestation de M. Gustave, accusé du meurtre de Madame D. par le majordome de celle-ci, Serge X. 

Ludwig, M. Gustave et Zero

(Harvey Keitel, Ralph Fiennes et Tony Revolori)

Jeté en prison au Check-Point 19, M. Gustave est entouré de criminels endurcis dont il gagne le respect en se battant avec l'un d'eux, qui avait remis en cause sa virilité. Zero rend visite au concierge incarcéré qui lui affirme avoir un alibi pour la nuit du meurtre mais se refuse à s'en servir car il compromettrait une cliente avec qui il couchait. Le groom avec le concours d'Agatha fait alors discrètement passer des outils à M. Gustave pour qu'il s'évade en compagnie de ses co-détenus, mené par leur chef, Ludwig, qui sait parfaitement comment sortir de la prison. 

Dmitri, M. Gustave, l'inspecteur Albert Henckels, Zero et Agatha

(Adrien Brody, Ralph Fiennes, Edward Norton, Tony Revolori et Saoirse Ronan)

Aussitôt dehors, M. Gustave retrouve Zero et prend la fuite avec lui, poursuivis rapidement par la police dirigé par l'inspecteur Henckels mais aussi par Jopling à qui Dmitri a ordonné de pister le concierge qui veut retrouver le majordome Serge X. pour l'innocenter. Grâce à la Société des Clés Croisées, formée de concierges de divers palaces, M. Gustave et Zero gagnent le monastère au sommet du pic de Galmeister où s'est caché Serge X. Celui-ci a juste le temps, avant d'être tué par Jopling, de révéler que Madame X. avait rédigé un second testament qu'il avait recopié avant de le cacher au dos du tableau de Van Hoytl. 

Le mariage de Zero et Agatha par M. Gustave

en présence de concierges de la Société des Clés Croisées

M. Gustave et Zero tout comme Jopling cherchent alors à regagner le Grand Budapest Hôtel pour récupérer le tableau avant que Dmitri ne le prenne à Agatha, à qui l'avait confié Zero. Mais entretemps la guerre est déclarée et l'armée réquisitionne l'établissement pour le transformer en caserne. Heureusement, grâce à Agatha, en possession de la toile, et à l'inspecteur Henckels, arrêtant une fusillade dans l'hôtel entre Dmitri et M. Gustave, la preuve de l'innocence du concierge peut être sauvée et lue. Disculpé, M. Gustave peut célébrer le mariage de Zero et Agatha avant d'hériter de toute la fortune de Madame D..  

Zero, Agatha et M. Gustave

Comme M. Gustave le lui avait promis durant leur cavale, après sa mort (exécuté par des militaires lors d'un contrôle d'identité qui a dégénéré en train parce qu'il a défendu son groom apatride au titre de séjour provisoire), Zero hérita à son tour de tout l'argent de Madame D. Mais deux ans après leur union, il perdit Agatha, fauchée par la grippe prussienne.

Retour en 1968 : Zero avoue à l'Auteur que s'il a racheté, en y laissant toute sa fortune, le Grand Budapest Hotel, c'est parce que c'est ici qu'il rencontra Agatha et vécut ses jours les plus heureux. Le tableau de Van Hoytl a été, lui, accroché derrière le comptoir du concierge.

De nos jours, au pied de la statue de l'Auteur, l'adolescente poursuit la lecture de son roman.

Avec près de 175 millions de $ de recettes au box office américain, The Grand Budapest est le plus gros succès commercial de Wes Anderson. Il a été également récompensé par les Oscar de la meilleure musique (composée par Alexandre Desplat, c'est effectivement une bande-son formidable), des meilleurs décors, costumes et maquillages.

Cette réussite est justifiée quand on regarde et revoit le résultat. Même le fan habitué et idolâtre de la filmographie de Anderson ne peut qu'admettre qu'il s'agit de son chef d'oeuvre, et il rend impatient de découvrir son prochain opus (un nouveau film d'animation, comme Fantastic Mr. Fox, prévu pour 2017, inspiré de L'Or de Naples de Vittorio de Sica, avec un chien pour héros, qui aura la voix de l'irremplaçable Bill Murray).

Wes Anderson a assumé seul l'écriture de son 8ème opus, même si l'histoire a été conçue avec Hugo Guinness. Le cinéaste a reconnu aussi avoir puisé dans l'oeuvre du romancier autrichien Stefan Zweig (en particulier 24 Heures dans la vie d'une femme, 1927 ; Méfiez-vous de la pitié, 1939 ; et son autobiographie, Le Monde d'hier, 1934-1942) et le film The Shop around the corner d'Ernst Lubistsch.

Toutes ces références sont brillamment digérées dans le scénario qui constitue une petite révolution chez Anderson qui se frotte pour la première fois à une période historique précise (l'entre deux guerres des années 30) après une série de films fantaisistes et mélancoliques à la fois mais souvent hors des grands événements. La narration est sophistiquée et fluide à la fois puisqu'elle jongle avec quatre époques - de nos jours, 1985, 1968, et 1932. Cette construction évoque bien entendu celle d'un récit façon poupées russes, qui, elle, ne déroutera pas les familiers du cinéaste, n'aimant rien tant que les histoires et les personnages dont le caractère sont définis par l'accumulation de strates.

Ce qui impressionne aussi, c'est l'emballement frénétique avec lequel se déploie l'intrigue : en 100 minutes, au rythme infernal, Anderson orchestre sa partition à la manière d'un cartoon, glissant ici un hommage purement burlesque (la folle descente à ski et en traîneau, depuis le pic de Galmeister, de Jopling poursuivi par Zero et M. Gustave), là un clin d'oeil au cinéma muet (avec la séquence en noir et blanc où le contrôle d'identité de Zero dégénère à cause de M. Gustave).

Si le film est très drôle, émaillé de répliques hilarantes (des insanités proférées flegmatiquement par M. Gustave aux remarques candides de Zero en passant par les jurons de Dmitri), la tragédie n'est jamais loin puisque l'époque est troublée. Ce contraste conduit à des moments lunaires (comme lorsque Zero apporte, alarmé, le journal à M. Gustave, au lit avec une de ses vieilles clientes - mais, comme il l'avouera à Dmitri, "je couche avec tous mes clients." - et dont la "une" interroge : "Bientôt la guerre ?" avant que plus bas ne soit publiée l'annonce du décès de Madame D., bien plus triste pour le concierge).

Cette densification extrême engendrée par l'abondance de rebondissements, de mouvements, aboutit invariablement à l'espièglerie des réactions des personnages (traqué par le tueur de Dmitri et toute la police locale, M. Gustave, avec son détachement imparable, fait le point en ces termes : "the plot thickens" - "Le mystère s'épaissit"). Cela témoigne de la volonté du cinéaste de toujours réorganiser le monde à sa manière en disposant les faits de manière inattendue (gravement léger, légèrement grave) et donc comique.

Toutefois, bien que le formalisme toujours très appuyé de son cinéma frise la maniaquerie, Anderson ne sombre jamais dans l'hystérie : en en soulignant le dispositif artificiel, il nous montre ce que le théâtre de l'action a d'absurde, d'insouciant, et que, lorsque les choses se calment (apparemment) enfin, le pire approche. Au monde soigneusement étiqueté (des hommes aux objets en passant par les lieux) va succéder un autre dévasté par la guerre et le temps qui passe : hier, l'harmonie de l'hôtel passait par l'agitation bien régie qui y régnait ; aujourd'hui l'endroit ressemble à un mausolée dont Zero ne veut pas se séparer, quitte à se ruiner, parce que ses murs lui rappellent moins une époque révolue que le lieu où il rencontra son unique et éphémère amour. Cette tradition qui veut qu'un espace serve à se recueillir est aussi signifié dans l'intriguant prologue où l'adolescente lit l'ouvrage mémoriel de l'Auteur au pied de la statue érigée en sa mémoire.

La morale de tout cela, c'est que les histoires nous sont inspirées par les gens mais que l'existence de ces gens hante les lieux où ils ont vécu : y rester ou s'y rendre, c'est espérer les y rencontrer, physiquement ou spirituellement, comme on effectue un pèlerinage. Mine de rien, donc, le film invoque le devoir de mémoire à travers la conservation des endroits ayant hébergés des personnes et des événements importants.

Pour incarner ces aventures, Anderson a disposé de son plus incroyable casting, distribuant même le plus petit rôle à un comédien de premier plan (Bill Murray, Owen Wilson, Jason Schwartzman, Tilda Swinton sont donc là, mais aussi Léa Seydoux ou Mathieu Amalric). Il a attribué, selon les époques, à deux interprètes le même personnage (Jude Law et Tom Wilkinson pour l'Auteur, Tony Revolori et F. Murray Abraham pour Zero). Et Ralph Fiennes (grandiose dans son meilleur rôle), Edward Norton, Adrien Brody, Willem Dafoe ou Saoirse Ronan sont tous fabuleux, totalement investis dans cet univers si élaboré. C'est un régal absolu de voir une telle réunion de talents, si bien dirigée et photographiée (par le fidèle et génial chef op' Robert Yeoman - tout le design du film est effectivement extraordinaire, dans le moindre détail, à tel point qu'on se croirait dans une super-production au budget bien supérieur à ses modestes 23 M $).

The Grand Budapest Hotel est un film-somme : il prolonge et intensifie tout ce qui était déjà là dans les précédents opus de Wes Anderson tout en prouvant que le réalisateur n'a pas peur de se surpasser. C'est un sentiment extatique à la fin de la projection et une promesse galvanisante pour la suite.  

   

MOONRISE KINGDOM, de Wes Anderson (2012)

MOONRISE KINGDOM est un film réalisé par Wes Anderson.

Le scénario est écrit par Wes Anderson et Roman Coppola. La photographie est signée Robert Yeoman. La musique est composée par Alexandre Desplat.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jared Gilman (Sam Shakusky), Kara Hayward (Suzy Bishop), Edward Norton (Randy Ward), Bruce Willis (capitaine Sharp), Frances McDormand (Mrs. Laura Bishop), Bill Murray (Mr. Walter Bishop), Tilda Swinton (l'Action Sociale), Jason Schwartzman (cousin Ben), Harvey Keitel (commandant Pierce), Bob Balaban (le narrateur).

 Suzy Bishop et Sam Shakusky

(Kara Hayward et Jared Gilman)

Du 3 au 5 Septembre 1965. Île de New Penzance, Nouvelle-Angleterre. Sam Shakusky, orphelin de 12 ans, fait partie du camp de scout Ivanhoé dirigé par le chef Randy Ward. Suzy Bishop, 12 ans aussi, vit sur l'île avec ses parents, deux avocats, et ses trois frères. Les deux gamins sont amoureux depuis un an, lorsqu'ils se sont rencontrés à une représentation théâtrale dans l'église locale.

Le chef Randy Ward et sa troupe de scouts

(Edward Norton)

Ils ont entretenu leur romance en correspondant et, par ce courrier, ils ont organisés leur fugue. Sam apporte le matériel pour camper et cuisiner, Suzy emmène sa paire de jumelles, ses six romans favoris, son chaton et le tourne-disque à batterie de son frère. 

Suzy et Sam

Leur périple les conduit dans les bois où ils affrontent des scouts d'un camp rival et sèment ceux lancés à leur recherche par le chef Ward. Rien ne saurait les faire dévier de leur objectif : gagner une crique isolée de l'île où ils espèrent être tranquilles et qu'ils décident de rebaptiser "Moonrise Kingdom" ("le Royaume du lever du soleil"). Ils y installent leur tente, écoutent de la musique (Le Temps de l'amour de Françoise Hardy), dansent en sous-vêtements (après avoir plongé dans l'eau tout habillés) et s'embrassent pour la première fois. 

Mr. et Mrs Bishop, Randy et le capitaine Sharp

(Bill Murray, Frances McDormand, Edward Norton et Bruce Willis)

Les parents de Suzy, le chef Ward et le capitaine de police Sharp (qui est aussi l'amant de Mrs. Bishop) trouvent les deux enfants dans la crique. Suzy rentre avec ses parents mais la famille adoptive de Sam refuse de le reprendre. Le garçon reste avec Sharp en attendant l'arrivée de la représentante de l'Action Sociale - qui a fait savoir qu'elle entendait le placer dans un refuge pour mineurs difficiles où il subira un traitement à base d'électrochocs.

L'Action Sociale

(Tilda Swinton)

Les camarades scouts de Sam, qui ne l'appréciaient guère jusque-là, décident de l'aider à échapper à ce terrible sort et, avec Suzy, volent une barque à bord de laquelle ils rejoignent le camp de Fort Lebanon où se trouve le cousin Ben. Celui-ci accepte de les marier et organisent la suite de leur fuite, tandis que le commandant du camp, Pierce, apprend par radio que Ward a désormais perdu toute sa troupe.

Le cousin Ben, Sam et Suzy

(Jason Schwartzman, Jared Gilman et Kara Hayward)

Le temps se gâte : la tempête annoncée depuis le 3 Septembre s'abat maintenant sur l'île et contrarie la cavale de Sam et Suzy. Ils se réfugient avec leurs complices dans l'église puis, quand ils y sont localisés par Sharp, Ward, les Bishop et l'Action Sociale, grimpent dans le clocher.  

Sam et le capitaine Sharp

Sharp les convainc d'en descendre avant d'être foudroyés, ayant obtenu, avec le soutien des Bishop, de devenir le tuteur de Sam. Ainsi pourra-t-il rester en contact avec Suzy...

Le septième opus de Wes Anderson est sorti deux ans après son premier film d'animation, le jubilatoire Fantastic Mr. Fox. Il s'agissait pour le cinéaste de confirmer son retour en grâce : mission accomplie dès les premières scènes, dans lesquelles on retrouve sa mise en scène inimitable, avec ses travellings latéraux, son esthétique précieuse, son casting de stars, ses ambiances décalées.

Comme beaucoup de cinéastes, Anderson éprouve une fascination pour les îles au large de la Nouvelle-Angleterre (où Roman Polanski a planté ses caméras pour son magistral The Ghostwriter et Martin Scorsese pour son adaptation hystérique du Shutter Island de Dennis Lehane). Mais en vérité, toute l'oeuvre du réalisateur a toujours eu un aspect insulaire, ses héros vivant souvent leurs aventures dans des espaces détachés du monde réel où qu'ils transforment en terrains de jeux à leur image (le campus dans Rushmore, la demeure de La Famille Tenenbaum, le sous-marin "Belafonte" de La Vie aquatique, le train d'A Bord du Darjeeling Limited).

Avec Moonrise Kingdom, Anderson pousse cette figure de style encore plus loin en situant l'action dans des camps scouts et une crique perdue, cette dernière figurant un sanctuaire abritant le premier amour de ses deux jeunes fugueurs.

Sam et Suzy sont deux héros "andersoniens" par excellence : introvertis mais géniaux, incompris mais pleins de ressources. La différence, c'est que cette fois le cinéaste ne se contente pas d'animer des adultes restés des mômes inconsolables, il met en scène deux gamins de douze ans. Elle est une lolita boudeuse et rebelle, lui un garçon malin et bonhomme, et leurs looks racontent beaucoup d'eux-mêmes - elle, élégante dans sa robe rose et ses petites valises, lui dans son uniforme kaki garni de badges (dont on devine qu'ils signifient tous quelque chose de précis - comme la broche qui a appartenu à sa mère biologique). Cette présentation visuelle permet à Anderson d'éviter toute explication psychologique, le spectateur sait quasi-immédiatement à qui il a affaire. L'interprétation formidable de Jared Gilman et Kara Hayward fait le reste : ils sont tout simplement épatants.

Leur prestation est d'autant plus remarquable qu'ils sont entourés par des comédiens de haute volée : on y trouve des habitués (Jason Schwartzman, Bill Murray - et je ne saurai que trop vous conseiller les bonus du DVD parmi lesquels il donne une interview hilarante en nous faisant visiter les sites du tournage et en nous révélant pourquoi Wes Anderson a tenu à faire porter à tous ses acteurs des pantalons trop courts...), et de prestigieux nouveaux venus (Edward Norton, Tilda Swinton - qui reviendront dans le film suivant, The Grand Budapest Hotel - , Frances McDormand, Harvey Keitel, Bob Balaban, et un fabuleux Bruce Willis, qui tourne en dérision son emploi de flic). 

Mélangeant à la perfection idéalisme et dérision, le film est une bulle défiant la réalité, une mécanique fragile mais précise, qui résume la démarche d'Anderson : une oeuvre marginale, à part, qui fonctionne en autarcie comme les scouts sur l'île de New Penzance ignorent le continent, invoquent le paradis perdu d'une Amérique encore innocente et prospère dans les années 60.

Cette vision miniaturisée du monde (camps scouts isolés, cabanes dans les arbres, maisons au milieu de nulle part, église) abonde en symboles pop, agit comme une galerie vintage au charme puissant parce qu'assemblés avec maniaquerie. Pour synthétiser cela, il suffit d'observer les bagages de Suzy et le paquetage de Sam, un invraisemblable bric-à-brac mais qui révèle un esprit logique autant que sentimental et structure l'esthétique de l'ensemble.

Les deux enfants ne fuient pas tant les autres que la tristesse et l'ennui qu'ils ont remarqué chez les adultes, leur quête vise un tête-à-tête intime, et l'assurance de leurs sentiments contraste avec le branle-bas de combat qui agite ensuite leurs poursuivants. Tous ceux qui leur courent après le font par culpabilité (le chef Ward, qui apprend que Sam est orphelin), par compassion (le capitaine Sharp qui refuse qu'on maltraite Sam et qui veut protéger Suzy car l'amour qu'il a pour sa mère est sans espoir), ou pour appliquer sans discernement la procédure (l'Action Sociale, prête à tout pour mater ces garnements).

Au déchaînement des éléments répond un affolement du rythme : dans sa dernière partie, Moonrise Kingdom emprunte aussi bien aux cartoons loufoques qu'au film catastrophe et au (micro) drame. Mais Wes Anderson conclut sur une note poignante quand il dévoile le tableau que peint Sam pour (et chez) Suzy et qui représente la crique désormais rayée de la carte de leur escapade romantique : cette image témoigne d'un sentiment évoqué avec une pudeur exemplaire - la nostalgie.  

A BORD DU DARJEELING LIMITED, de Wes Anderson (2008)

A BORD DU DARJEELING LIMITED (Darjeeling Limited) est un film réalisé par Wes Anderson.

Le scénario est écrit par Wes Anderson, Roman Coppola et Jason Schwartzman. La photographie est signée Robert Yeoman. La musique est composée d'extraits des bandes originales des films de Satyajit Ray et James Ivory, et de plusieurs chansons.

Dans les rôles principaux, on trouve : Adrien Brody (Peter Whitman), Jason Schwartzman (Jack Whitman), Owen Wilson (Francis Whitman), Anjelica Huston (Patricia Whitman), Amara Karan (Rita), Waris Ahluwalia (le chef steward du "Darjeeling Limited"), Barbet Schroeder (le mécanicien), Bill Murray (le businessman), Natalie Portman (l'ex-fiancée de Jack). 

HÔTEL CHEVALIER est un court métrage écrit et réalisé par Wes Anderson, qui est le prologue de A Bord du Darjeeling Limited. La photographie est signée Robert Yeoman.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jason Schwartzman (Jack Whitman) et Natalie Portman (son ex-fiancée).

Jack Whitman et son ex-fiancée

(Jason Schwartzman et Natalie Portman)

Jack Whitman s'est installé dans la suite d'un palace parisien depuis la mort de son père. Il reçoit un appel téléphonique de son ex-fiancée qui a appris où il se trouvait et veut le voir. Lorsqu'elle arrive, ils s'étreignent, plus pour se réconcilier que pour vraiment renouer.

La réalisation de ce court métrage est curieuse : Wes Anderson en a l'idée en 2005 et il l'écrit rapidement pour un de ses acteurs fétiches, Jason Schwartzman. L'objectif est de tourner vite, à la manière d'un film de fin d'études. Il recrute une équipe réduite, dont son chef opérateur habituel, Robert Yeoman, deux caméras, un preneur de son, et passe un accord avec le bagagiste Louis Vuitton pour disposer d'accessoires qu'il re-designe avec leur équipe.

Ayant remarqué Natalie Portman dans le film de Mike Nichols, Closer (entre adultes consentants), la même année, il la rencontre grâce au producteur Scott Rudin et la convainc de rejoindre l'aventure. Elle rejoindra Paris avec les cheveux courts, tels qu'elle les porte depuis le tournage de V pour vendetta de James McTeigue (2006).

L'affaire est bouclée en deux jours, mais Anderson ne sait pas ensuite comment exploiter ce court métrage. Le personnage de Jack lui a donné envie de l'intégrer au scénario qu'il développe pour son nouveau film, co-écrit avec Roman Coppola, A bord du Darjeeling Limited, mais il ne souhaite pas pourtant l'intégrer au projet car il sait que ces treize minutes forment un bloc trop différent par rapport à l'intrigue.

Finalement, le résultat est projeté en ouverture du film lors du festival de Venise puis mis en ligne le lendemain sur Internet. Il bénéficie immédiatement d'un nombre considérables de vues et de commentaires élogieux. Anderson choisit alors de garder cette formule de présentation : Hôtel Chevalier est diffusé juste avant A bord du Darjeeling Limited en salles et figure parmi les bonus du DVD.

Un débat agite les fans du court métrage et ceux du long : les uns adorent le premier mais trouvent le second décevant en comparaison, et vice-versa. Une autre polémique surgit lorsque Natalie Portman se plaint au sujet des critiques qui insistent surtout sur le fait qu'elle apparaît nue, même si on loue aussi sa prestation subtile et comique. Elle figure, très fugacement, dans A bord du Darjeeling limited, où son personnage est régulièrement évoqué.

Quoi qu'il en soit, c'est une authentique merveille, à la fois romantique et mystérieuse, qui peut s'apprécier de façon autonome, mais aussi complète singulièrement le long métrage. Pour ma part, la question ne se pose pas de les comparer : j'aime autant l'un que l'autre, avec leurs qualités propres. La réalisation de Wes Anderson y est toujours aussi raffinée, précise, avec une crudité inédite (la nudité de Portman effectivement, mais aussi l'étreinte qui a précédé entre elle et Schwartzman). La fin est absurde (Jack montre la vue qu'il a de Paris depuis le balcon de sa suite : en fait, elle est bouchée par la façade de l'hôtel voisin) et dégage un mélange de mélancolie et de sérénité étonnant.

Après ça, changement complet d'ambiance et de décor : direction l'Inde ! 

Le Businessman

(Bill Murray)

Un businessman grimpe dans un taxi et il est conduit à toute allure jusqu'à la gare. Il se précipite pour rattraper son train avant d'être dépassé par un jeune homme qu'il réussit à y monter alors que le véhicule a déjà démarré. L'homme d'affaires reste, désoeuvré, sur le quai.

A bord du "Darjeeling Limited", le jeune homme embarqué in extremis, Peter Whitman, retrouve ses deux frères, Jack, surnommé "le loup solitaire", qui a quitté Paris où il s'est réconcilié avec son ex-fiancée, et Francis, qui a planifié tout ce périple alors qu'il a survécu par miracle à un terrible accident à moto.

 Jack, Francis et Peter Whitman

(Jason Schwartzman, Owen Wilson et Adrien Brody)

Francis a caché à Jack et Peter la finalité du voyage mais réglé toutes ses étapes avec son assistant, Brendan, qui occupe une cabine dans un autre compartiment. Les trois frères traversent l'Inde et sont bouleversés par ses couleurs, ses odeurs, sa population, mais la tension est palpable entre eux.

Francis reproche à Peter de s'être approprié des objets de leur défunt père (ses lunettes de vue qu'il porte malgré les migraines qu'elles lui infligent, son rasoir), Peter est excédé par la maniaquerie de Francis (ils en viendront aux mains, malgré les blessures de ce dernier), et Jack essaie de compenser l'interdiction de fumer que leur a signifié le chef steward du train en séduisant et couchant avec la belle Rita, hôtesse du compartiment (et compagne dudit steward).

Rita

(Amara Karan)

Les disputes et l'indiscipline des trois frères leur valent d'abord d'être consignés dans leur cabine puis expulsés du train. Résolus malgré tout à continuer à pied pour gagner le monastère himalayien où s'est retirée leur mère, Patricia, comme le leur révèle finalement Francis, ils se rappellent alors les circonstances désastreuses dans lesquelles leur père a été enterré - obsèques auxquelles leur mère avait refusées de se rendre justement : ils veulent s'en expliquer avec elle. 

Peter, Francis et Jack

Francis avoue aussi que l'accident dont il porte les séquelles était en fait une tentative de suicide, Peter explique que sa femme, Alice, est enceinte de sept mois et demi, et Jack raconte qu'il revu à Paris son ex.

(Au centre) Patricia Whitman

(Anjelica Huston)

Après un détour par un village où ils ont ramené un garçon qui s'est noyé sous leurs yeux et dont le père a voulu qu'ils soient présent pour ses funérailles, Francis, Peter et Jack atteignent enfin la retraite de leur mère. Elle entend leurs reproches sans chercher leur pardon, mais obtenant qu'ils se réconcilient tous les quatre.

Le lendemain, elle est repartie. Les trois frères peuvent rentrer à leur tour, ressoudés, apaisés.

Si on considère donc le tournage du court métrage Hôtel Chevalier comme une parenthèse, ou un échauffement, en 2005, il s'est donc écoulé quatre ans entre le précédent film de Wes Anderson, La Vie aquatique, et la sortie de A Bord du Darjeeling Limited. Une longue interruption conséquente à l'échec commercial de son quatrième opus et sans doute à la remise en question qu'il a suscité.

Pourtant, le temps n'a pas tant changé ni l'artiste ni son cinéma : son film porte indéniablement sa marque, renoue avec la patine de ses devanciers. On y renoue avec des motifs familiers sur les plans thématique, narratif et esthétique : une histoire de famille, initiatique et en quasi-huis clos. Ici, donc trois frères qui ont perdu leur père et veulent retrouver leur mère, engagés dans un voyage dans un pays étranger brouillant tous leurs repères, se déroulant en grande partie dans le cadre d'un train.

Pourtant, ce long métrage sera fraîchement accueilli par la critique : on lui reprochera d'être moins réussi que le court métrage qui en est le prologue (mais d'autres préféreront le long métrage), de ne pas montrer de manière réaliste l'Inde (ce qui est assez ridicule puisque le cinéma de Anderson n'a vraiment jamais été réaliste), de se complaire dans des tics formels (ce fameux look "maison de poupées-boîte à bijoux" et cet humour pince-sans-rire). En vérité, c'était une forme de procès absurde pointant ce qui constitue le style même de l'auteur, donc ce qui confirme pourquoi on l'apprécie ou pas (un peu comme ceux qui prétendent en s'en plaignant que Woody Allen fait toujours le même film - ce qui est non seulement faux mais n'est pas un argument menant bien loin).

Moi, j'adore ce goût affirmé et assumé pour une élégance un peu désuète, ces compositions maniaques (avec ces plans symétriques), l'exotisme décalé. Wes Anderson a du génie pour transformer les contraintes (qu'il s'impose lui-même quand le budget, somme toute modeste, de ses productions ne les lui dicte pas) en atouts : en somme, il n'est jamais plus à l'aise et inspiré que dans des cadres minutieusement définis, c'est l'identité même de son oeuvre.

Au-delà de l'analyse, j'ai une affection spéciale pour ce Darjeeling Limited parce que je me souviens qu'en sortant de la salle où je l'ai vue, j'avais été séduit par sa musicalité, son rythme. La bande-son du film est remarquable ici et on notera que Anderson ne collabore plus avec Mark Mothersbaugh (Alexandre Desplat composera les partitions de ses futurs films) : il a emprunté des morceaux aux longs métrages de Satyajit Ray et de James Ivory, et y ajouté des chansons pop comme il les aime et si bien les sélectionner. C'est ainsi que je repérai trois titres des Kinks, un de mes groupes favoris, tous issus d'un de leurs meilleurs albums (Lola vs Powerman and the Money-go-round) : This time tomorrow, Strangers et Powerman. 

(Vous connaissez peut-être ce bon mot des amateurs de pop-music : "Vous êtes plutôt Stones ou Beatles ? - Je préfère les Kinks." Hé bien, quand vous entendez ces trois chansons-là, effectivement, le groupe de Ray Davies devient la véritable alternative aux bandes de Jagger-Richards et Lennon-McCartney.)

La petite musique du film, c'est aussi celle qui renvoie à la dernière fois que Jack (Jason Schwartzman, parfait en néo-Droopy farouche) a vu son ex (il se repasse en boucle une chanson sur son i-phone) ; ce sont les fausses notes des dialogues hypocritement courtois entre Francis (Owen Wilson, impressionnant dans un rôle aux ressemblances troublantes avec sa vraie vie d'alors - quittée par Rachel McAdams, il avait voulu mettre fin à ses jours - et qui ment sur l'origine de ses spectaculaires blessures camouflées par des bandages) et Peter (Adrien Brody, évident nouveau venu dans la galaxie Anderson, qui s'inflige des migraines affreuses en portant les lunettes de son père comme s'il espérait partager sa vision du monde) ; c'est le roulis du train ; la passion fulgurante et clandestine entre Jack et Rita ; le sifflement du serpent que s'achète Peter... Les nouvelles portées écrites par Wes Anderson transcrivent des mélodies douloureuses, maladroites, laborieuses, en espérant aboutir à une harmonie.

La charge symbolique a sans doute dérouté, déplu à certains car le cinéaste la manie plus directement : les épreuves qu'ont subi les trois frères et les douleurs qu'ils trimbalent se lisent clairement sur eux, figurées par des bandages (cachant et soutenant une tête fracassée), des binocles (dissimulant des larmes), des bagages encombrantes (remplis de leur passé). 

Pourtant, c'est quand ils sont jetés du train, livrés à eux-mêmes, forcés d'improviser, confrontés à de nouvelles difficultés, que Peter, Francis et Jack dépassent enfin ce qui les accablent, les opposent. Chacun essaie alors de sauver l'autre - et les autres, même s'ils ne réussiront pas toujours (le passage poignant de la mort de l'enfant). Au bout de l'aventure, ils renonceront, difficilement, mais raisonnablement, aux mots pour se réconcilier entre eux et avec leur mère.

A la manière d'un dérisoire mais salvateur rituel où Jack enterre sous plusieurs petites pierres tout ce qui les affligeait, le film s'achève sur un nouveau départ : courant encore une fois après un train, mais prêts à sacrifier leurs valises pour y monter, comme on abandonne les rancoeurs, les regrets derrière soi, comme on se débarrasse de pansements pour oser enfin exposer ses plaies, comme on est disposé à aimer à nouveau la fille qu'on a quitté, les héros s'engagent au son des Champs-Elysées chanté par Joe Dassin dans le nouvel acte de leur existence.  

Peut-être pas parfait, mais quelle grâce quand même dans ce film : Wes Anderson était lui aussi reparti pour un tour, pleins de merveilles.

LA VIE AQUATIQUE, de Wes Anderson (2004)

LA VIE AQUATIQUE (The Life Aquatic with Steve Zissou) est un film réalisé par Wes Anderson.

Le scénario est écrit par Wes Anderson et Noah Baumbach. La photographie est signée Robert Yeoman. Les séquences d'animation ont été conçues par Henry Selick. La musique est composée par Mark Mothersbaugh, avec les chansons originales de David Bowie ou adaptées par Seu George.

Dans les rôles principaux, on trouve : Bill Murray (Steve Zissou), Owen Wilson (Ned Plimpton / Kingsley Zissou), Cate Blanchett (Jane Winslett-Richardson), Anjelica Huston (Eleanor Zissou), Jeff Goldblum (Alistair Hennessey), Willem Dafoe (Klaus Daimler), Michael Gambon (Oseary Drakoulias), Seymour Cassel (Esteban Du Plantier), Noah Taylor (Vladimir Wolodarsky), Bud Cort (Bill Ubell), Seu George (Pelé Dos Santos), Robyn Cohen (Anne-Marie Sakowitz).

Steve Zissou

(Bill Murray)

A l'occasion de la présentation de son nouveau film documentaire au festival de Loquasto, l'océanographe Steve Zissou révèle que son meilleur ami, Esteban Du Plantier, a été dévoré lors de leur dernière plongée par un requin-jaguar. Il est désormais résolu à en prouver l'existence mais surtout à le tuer pour venger son mentor - projet qui lui vaut les moqueries de l'assistance et la désapprobation de sa femme, Eleanor, financière des expéditions.

Steve et Eleanor Zissou

(Bill Murray et Anjelica Huston)

Qu'importe : Zissou entraîne l'équipage de son navire, le "Belafonte", dans cette aventure à laquelle se joignent Ned Plimpton, un pilote de ligne, qui se présente à l'océanographe en prétendant être son fils, et un groupe de sept étudiants de l'Université de l'Alaska du Nord.

Steve Zissou et Ned Plimpton

(Bill Murray et Owen Wilson)

Ned, qui vient d'hériter d'une forte somme, gagne sa place à bord en acceptant de payer la traversée. Le reste de l'argent est apporté par des partenaires de l'associé de Zissou, Oseary Drakoulias, contre la présence à bord d'un homme de confiance, Bill Ubell, et d'une journaliste enceinte, Jane Winslett-Richardson, qui écrira un article sur le voyage. 

Ned Plimpton et Klaus Daimler

(Owen Wilson et Willem Dafoe)

Mais rapidement, l'ambiance est tendue : la reporter n'est pas là pour flatter son hôte ; Ned la séduit alors que son père la courtise ; Klaus Daimler, le second de Zissou, est jaloux de Ned ; et le rival de l'océanographe, dont la carrière décline à la suite des échecs commerciaux de ses derniers films, Alistair Hennessey, a entrepris de reconquérir Eleanor. 

Alistair Hennessey et Steve Zissou

(Jeff Goldblum et Bill Murray)

Les péripéties les plus insensés rythment l'expédition : Zissou pille une des bases de Hennessey, sillonne des mers non protégées, affrontent des pirates... Le requin-jaguar est enfin localisé et Ned encourage son père à le filmer plutôt qu'à le tuer. L'animal est effectivement un spécimen magnifique qui éblouira tout le monde mais qui, pour être immortalisé sur la pellicule, aura coûté de douloureux sacrifices à Steve Zissou.

Steve Zissou et Jane Winslett-Richardson

(Bill Murray et Cate Blanchett)

Le commandant Jacques-Yves Cousteau (à la mémoire duquel le film est dédié tout en précisant que "la Fondation Cousteau n'a aucunement été impliquée dans la réalisation de ce film") est comme un fantôme qui hante l'oeuvre de Wes Anderson : il était cité dans Rushmore, son deuxième opus, et sera à nouveau convoqué dans Moonrise Kingdom (2012). Fasciné par le personnage depuis l'adolescence, il était naturel et inévitable que le cinéaste lui consacre un hommage, décalé ça va de soi, et il a pu le faire, en disposant d'un confortable budget (50 M $), avec La Vie aquatique en 2004.

Steve Zissou est le héros inoubliable de ce récit d'aventures farfelu, co-écrit avec Noah Baumbach, et ce nom est aussi inspiré par le photographe Jacques-Henri Lartigue dont Zissou était le surnom. Le personnage doit aussi beaucoup à un autre explorateur, Thor Eyerdahl. Pour en arriver à ce résultat, il faudra pourtant quatre ans d'échanges entre le réalisateur et son co-scénariste, chacun inventant les scènes au fur et à mesure de son côté puis les confrontant, les sélectionnant, les structurant.

Mis en scène après La Famille Tenenbaum (2001), The Life aquatic with Steve Zissou en prolonge les motifs et les thèmes, ceux d'une grande famille (ici incarnée par l'équipage du "Belafonte", dont le nom lui doit tout au chanteur Harry Belafonte) dysfonctionnelle mais qui apprend à se connaître et se transcender dans les épreuves. En y ajoutant la rencontre d'un fils avec le père qu'il n'a connu que de réputation, la mort d'un mentor, le souvenir d'un illustre modèle (Lord Mandrake, dont la photo est un portrait de Jacques-Henri Lartigue justement), la grossesse d'une journaliste embarquée dans l'aventure vengeresse contre le légendaire requin-jaguar (avec donc pour finalité la naissance d'un enfant, lui aussi conçu dans la clandestinité - le père étant le rédacteur en chef déjà marié de la reporter -  mais aussi la mort de l'animal mythique), tout ici souligne les obsessions fondatrices du cinéma de Anderson.

Cette notion de succession, d'héritage se prolonge dans le casting même puisque Bill Murray (encore une fois impérial) prend la place de Gene Hackman dans le rôle du chef de clan indigne, Owen Wilson (parfait comme d'habitude dans cet univers) joue un jeune homme désireux d'être reconnu par un père idéalisé, Anjelica Huston reprend sa place de mère détachée mais vraie clé de voûte de toute cette bande ("the spirit of team Zissou"). Cela aurait pu aller encore plus loin si Gwyneth Paltrow n'avait pas décliné le rôle tenu finalement par Cate Blanchett (un peu gauche dans ce délire).

L'incontrôlable et immature Zissou révèle ses failles tout au long de ce qu'il finit par accepter comme son dernier voyage : sa quête folle contre le requin-jaguar évoque celle du capitaine Achab dans Moby Dick de Herman Melville, sa volonté de tuer cet animal à la dynamite et son ignorance souvent remarquée de vrais noms des poissons ou sa manie de tout faire filmer (souvent en manipulant ostensiblement les faits) trahit un caractère plus attiré par la notoriété et l'appel du large que par une réelle volonté d'instruire les foules, et ses amours sont toutes de cuisants échecs.  

Pourtant, malgré ce portrait pathétique, le film échappe à a morosité grâce à l'accumulation de trouvailles amusantes, parfois franchement hilarantes (pour qui aime, en tout cas, l'humour pince-sans-rire), et de détails fétichistes (comme le lycée Rushmore ou le manoir Tenenbaum, le navire "Belafonte" est une maison de poupées qui échappe au réalisme - il est d'ailleurs détaillé à deux reprises par des plans en coupe, d'abord lors d'une présentation par Zissou, ensuite lors d'un extraordinaire plan-séquence durant une dispute entre Steve et Ned depuis la cabine de Jane jusqu'au pont en passant par divers pièces intermédiaires).

L'autre décor marquant est l'île Pescecado, qui sert de base à la team Zissou, où, de façon troublante, les occupants s'y marchent plus sur les pieds que dans les traverses du bateau, où les tensions y sont plus vives : comment en serait-il autrement puisqu'en étant là, on n'est pas en mer, en action, en mouvement, tout entier consacré à l'expédition ? Se poser, se faire face, dialoguer contrevient à des explorateurs qui fuient en réalité davantage le quotidien et les responsabilités qu'ils ne négocient avec l'intimité, l'introspection, l'avenir. Une île est en fait trop petite pour un ego surdimensionné comme celui de Zissou, être sur la terre ferme (même à l'écart d'un continent), c'est devoir composer avec les devoirs (l'argent, le couple, la famille...), alors que partir en mer c'est y échapper, même ruiné et ridiculisé. L'arrogance de ce leader contredit son incompétence manifeste et celle de ses hommes et la décrépitude de son équipement, mais le contraste entre le panache dérisoire des personnages et les illusions dont ils se bercent fournissent justement les gags de l'histoire, gags qui gagnent en démesure au fur et à mesure que les avanies se multiplient.

Anderson s'est aussi amusé à pasticher génialement l'aspect suranné des documentaires de Cousteau . Pour ces séquences-là, le cinéaste a sollicité l'aide de Henry Selick, qui avait réalisé L'Etrange Noël de Mr Jack (1993, écrit et produit par Tim Burton), utilisant la technique stop-motion (de l'animation de maquettes et modelages miniatures image par image) : le résultat est superbe et contribue à insuffler une poésie touchante dans cette fantaisie délirante (à l'instar de ce passage mémorable où Zissou chasse, à lui seul, une horde de pirates de son navire, leur réglant définitivement leur compte plus tard sur une des îles Ping à coup de dynamite !).

Les seconds rôles sont savoureux et rendent la distribution éblouissante (Anderson, comme Woody Allen, a le privilège de séduire les plus grands acteurs désireux de s'offrir une escapade loin des productions plus formatées) : ainsi retiendra-t-on le numéro très marrant de Willem Dafoe en second jaloux ("Tu es dans l'équipe B, mais tu es le leader de l'équipe B. Ignores-tu que moi et Esteban t'avons toujours considéré comme notre petit frère ?" le réconforte Zissou), la prestation jubilatoire de Jeff Goldblum en rival "à moitié homosexuel" ("comme nous tous", dixit Zissou), ou la présence du chanteur brésilien Seu George qui a adapté plusieurs chansons de David Bowie en mode bossa-nova (étonnant mais très beau).

Certes, c'est assez inhabituel pour être noté, La Vie aquatique pâtit de quelques chutes de rythme (c'est aussi le film le plus long de Anderson : presque 120'), mais c'est une merveille d'extravagance et de non-sens, avec une émotion inattendue, contenue et poignante au final : cela suffit pour le distinguer et en faire un des opus les plus attachants de son auteur. 

LA FAMILLE TENENBAUM, de Wes Anderson (2002)

LA FAMILLE TENENBAUM (The Royal Tenenbaums) est un film réalisé par Wes Anderson.

Le scénario est écrit par Wes Anderson et Owen Wilson. La photographie est signée Robert Yeoman. La musique est composée par Mark Mothersbaugh.

Dans les rôles principaux, on trouve :

Royal et Etheline Tenenbaum

(Gene Hackman et Anjelica Huston)

Royal et Etheline Tenenbaum ont élevé trois enfants, génies précoces : Chas était un as de la finance, Richie un champion de tennis, et Margot - adoptée - une dramaturge. 

Chas, Margot et Richie Tenenbaum enfants

(Aram Aslanian-Persico, Irene Gorovaia et Amedeo Turturro)

Mais la jeunesse de cette progéniture exceptionnelle a été brisée par le départ du foyer de leur père. Margot s'est mise à fuguer très tôt, multipliant les aventures sentimentales et sexuelles (et perdant un doigt dans des circonstances mystérieuses) au cours de nombreux voyages, délaissant l'écriture pour sombrer dans la morosité. Elle est désormais en couple avec son psychanalyste, Raleigh St. Clair, impuissant à la soulager de ses névroses.

Raleigh St. Clair

(Bill Murray)

Richie, en découvrant l'union de Margot, dont il était secrètement amoureux, avec Raleigh, a sabordé sa carrière de tennisman et parcouru le monde sans surmonter cette épreuve. Enfin, Chas, qui en a toujours le plus voulu à son père de les avoir abandonnés, élève seul ses deux fils, Ari et Uzi, depuis la mort de sa femme dans un crash aérien, et il est devenu phobique à l'excès, craignant en permanence une nouvelle catastrophe, tout en gérant ses placements financiers et en conseillant des clients au téléphone.

Ritchie, Chas et Margot adultes

(Luke Wilson, Ben Stiller et Gwyneth Paltrow)

Etheline, après avoir repoussé plusieurs soupirants et après dix-huit ans d'abstinence sexuelle, répond favorablement à la demande en mariage de son comptable, le timide Henry Sherman, tout en effectuant des fouilles archéologiques dans New York.

Henry Sherman

(Danny Glover)

Témoin de la vie tourmentée des Tenenbaum (et amant occasionnel de Margot), leur jeune voisin, le romancier à succès, Eli Cash, qui a toujours rêvé appartenir à cette étrange tribu, dissimule le désarroi consécutif au flop de son dernier opus en abusant de mescaline.

Eli Cash

(Owen Wilson)

C'est dans cette période troublée que resurgit Royal : mis à la porte de l'hôtel Lindbergh où il avait posé ses valises et fauché, il prétend être à l'article de la mort pour être hébergé par Etheline, ruiner son mariage avec Henry et se réconcilier avec ses enfants...

Il est, tout compte fait, simple de constater la progression d'un artiste, quel que soit son domaine d'expression : s'il place la barre toujours plus haut à chacune de ses oeuvres et non seulement réussit à atteindre ce but mais à dépasser les attentes que le public plaçait en lui, alors son évolution est effectivement ascendante. Si le soufflet retombe, cela ne le condamne pas à une sorte de deuxième division artistique mais rend plus prudent à son sujet.

La Famille Tenenbaum prouva, après le coup de maître que fut Rushmore, qu'il faudrait désormais compter avec Wes Anderson.

Pourtant, et c'est une piqûre de rappel instructive, quand on se replonge dans les critiques françaises de l'époque, l'accueil ne fut pas tendre pour le troisième effort du cinéaste, attaqué par une partie de la presse même qu'on lui penserait acquise ("Les Inrocks", "Télérama"). J'avoue avoir été quelque peu sidéré par la tiédeur ou la sévérité des journalistes, prompts à dézinguer un réalisateur prometteur mais dont le cinéma était alors taxé d'artificialité.

Mais justement, l'artificialité est au coeur du dispositif de Anderson qui est moins un narrateur qu'un conteur : dès le prologue (magnifiquement accompagné musicalement par une reprise de Hey Jude - l'original devait être utilisé mais n'a pu être obtenu par la production car les négociations avec les Beatles furent avortées suite au décès de George Harrison), l'histoire est présentée comme celle d'un livre, raconté par la voix d'Alec Baldwin, et découpée ensuite en chapitres (la succession des épisodes est même encore plus remarquable lors de l'affichage de ces "cartons" où, en haut à droite de l'image, on peut repérer le numéro des pages). Enfin, les personnages de Margot Tenenbaum et Eli Cash sont tous deux des auteurs de fiction (et, adultes, victimes d'une panne d'inspiration), Royal le père est aussi un bonimenteur de première. Tout est donc fait pour confirmer que ne nous sera livrée qu'une version partielle, partiale et romancée des événements.

Les personnages de Anderson, a fortiori quand il les écrits avec Owen Wilson (à la fois son co-auteur et acteur fétiche), sont tous des enfants dans des corps d'adultes (pour trouver des adultes dans des corps d'enfants, il faudra attendre Moonrise Kingdom, 2012) : les rejetons Tenenbaum sont, de ce point de vue, les créatures les plus emblématiques de son oeuvre, avec une immaturité à la fois fantaisiste et tragique.

Avec son ample distribution, où on retrouve Bill Murray (toujours incomparable en mode Droopy), et où s'intègrent la trop rare Anjelica Huston (qui retrouvera Anderson dans ses deux films suivants, La Vie aquatique et A Bord du Darjeeling limited - où est-elle passée depuis ?), mais aussi Danny Glover (épatant en soupirant timide), on pouvait aussi craindre que le cinéaste ne parvienne pas à donner corps à tous ses personnages ou ne soit tétanisé par la direction d'acteurs prestigieux. Il n'en est rien : il a même accompli le tour de force de n'en négliger aucun et d'obtenir de certains parmi leurs meilleures interprétations.

Ben Stiller est ainsi impressionnant dans un registre plus dramatique, composant un fiston rancunier et parano, dont le survêtement rouge semble illustrer sa colère (colère qu'il veut transmettre à ses deux fils) et les liens du sang (trahis par l'abandon du père). Gwyneth Paltrow est également sublime dans la peau de Margot, confirmant en fait qu'elle n'est jamais meilleure que dans des rôles de fille perdue (au sens propre et figuré - voir le flash-back retraçant ses errances géographiques et amoureuses, moment à la fois drôle et pathétique montée comme une succession de vignettes plus éloquentes que chez n'importe quel autre réalisateur). Sa romance, à la limite de l'inceste, avec Eli Cash (Owen Wilson, dont les propres démons nourrissent le personnage et allaient même inspirer celui qu'il incarne dans A Bord du Darjeeling limited) et plus encore avec Richie (Luke Wilson, un autre habitué de chez Anderson, comédien méconnu et sous-estimé, fabuleux ici en simili-Björn Borg suicidaire - la scène même où tente de mettre fin à ses jours est incroyable), donne d'ailleurs le vrai la du film.

Car, sous ses allures de comédie sur la famille, et ses obsessions visuelles déployées avec la même virtuosité, The Royal Tenenbaums est une saga intimiste tragique, souvent poignante, imprégnée d'une profonde mélancolie. Il faut toute l'élégance et la pudeur d'un script au rythme impeccable et aux ambiances inspirées (la photo presque sépia de Robert Yeoman est extraordinaire, la bande-son fait défiler des chansons au lyrisme fragile par une flopée de très grands songwriters) pour ne pas sombrer dans un morbide facile et complaisant.

La présence d'un autre comédien de génie (et lui aussi, depuis, tristement absent des écrans), Gene Hackman, emporte ce conte atypique dans une direction jubilatoire lorsque le patriarche de ce clan décomposé, malade, réapparaît en inventant une filouterie à la fois grotesque et misérable - se prétendre mourant pour avoir un toit, et, accessoirement se rabibocher avec ses enfants, tout en s'employant à faire échouer le re-mariage de sa femme. Tout en séduction matoise, Hackman est simplement prodigieux dans ce rôle d'enfoiré qu'on n'arrive pourtant pas à détester. Il accomplit non seulement un numéro d'acteur jouissif mais met aussi en valeur tous ces partenaires : du grand art.    

L'esthétique de Anderson, c'était déjà évident dans Rushmore, n'est pas qu'une maniaquerie illustrative, comme le lui reprochent ses détracteurs, c'est une écriture supplémentaire à celle du script, une façon de raconter visuellement les personnages, leur enfermement psychologique, leurs manies. Il dirige ainsi ces interprètes comme il habille des poupées mais sans non plus en faire des marionnettes : leur talent est de donner vie à ce qui, sans cela, ne serait qu'un théâtre effectivement superficiel. Ainsi, Gwyneth Paltrow avec son manteau de fourrure et ses yeux charbonneux ; Luke Wilson et son masque fait d'une barbe épaisse, de lunettes noires et d'un bandeau de tennis ; Ben Stiller et son survêt' écarlate ; Owen Wilson avec son accoutrement de cowboy sont toujours comme les enfants prodiges exhibés jadis, tandis que l'apparence des adultes ne cachent plus rien de leur véritable nature (Royal sera vite démasqué, l'aspect apprêté de Henry trahit son côté vieux jeu, Etheline ne prêt plus guère d'attention à son allure puisqu'elle ne veut plus séduire) .

Le film est ainsi traversé de moments gracieux, à la fois comiques (Royal entraînant ses petits-fils dans les 400 coups), romantiques (Margot s'approchant de Richie émerveillé), touchants (Chas admettant in fine l'amour de son père). C'est ce subtil équilibre entre optimisme et mélancolie qui prouve toute la maîtrise de Wes Anderson.