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mardi 25 avril 2017

SOUPCONS, d'Alfred Hitchcock (1941)


SOUPCONS (Suspicions) est un film réalisé par Alfred Hitchcock.
Le scénario est écrit par Samson Raphaelson, Joan Harrison, Alma Reville et Nathanael West, d'après le roman Before The Fact de Francis Iles. La photographie est signée Harry Stradling. La musique est composée par Franz Waxman. 


Dans les rôles principaux, on trouve : Joan Fontaine (Lina McLaidlan), Cary Grant (Johnnie Aysgarth), Sir Cedric Hardwicke (général McLaidlan), Dame May Whitty (Mrs. McLaidlan), Nigel Bruce (Beaky Thwaite).
 Lina McLaidlan et Johnnie Aysgarth
(Joan Fontaine et Cary Grant)

Lina McLaidlan fait la rencontre du séduisant Johnnie Aysgarth dans un train et tombe aussitôt sous son charme. Elle revoit ensuite lors d'une partie de chasse mais apprend par des relations communes qu'il a mauvaise réputation. Bien que ses parents désapprouvent leur union, elle accepte de l'épouser après avoir quitté le giron familial. Ils partent passer leur lune de miel entre Monte-Carlo, Venise, Rome et Paris.
Lina peut-elle faire confiance à ce bel inconnu ?

De retour en Angleterre, Johnnie loue une superbe maison mais avoue à Lina qu'il est endetté et sans travail. Il accepte l'aide de son cousin, le capitaine Melbeck, pour calmer l'inquiétude du père de Lina, le général McLaidlan. Mais, en vérité, il continue de mener grand train, dépensant sans compter en s'adonnant au jeu et se faisant renvoyer de la société de son cousin après y avoir détourné de l'argent.
Johnnie et Lina

Lina découvre le vice de Johnnie et songe alors à le quitter mais la mort subite de son père la fait renoncer à ce projet. Johnnie, lui, espère bien qu'elle va hériter de la fortune du général mais il n'en est rien. Il cherche alors à monter avec son ami Beaky Thwaite une opération immobilière spéculative tandis que Lina pense qu'il va tuer son partenaire pour s'accaparer sa fortune... Avant d'apprendre, au contraire, qu'il lui a sauvé la vie autrefois. 
Un verre de lait avant de s'endormir...


Pourtant, peu après, Beaky meurt dans des circonstances troubles lors d'un déplacement professionnel à Paris. Lina suspecte aussitôt Johnnie. Celui-ci, un soir, en lui apportant un verre de lait, tenterait-il en fait de l'empoisonner ?
 ... Ou pas !

La jeune femme décide d'aller retrouver sa mère mais, durant le trajet, elle croit alors que Johnnie cherche à la tuer en voiture. C'est encore une fois l'inverse qui se produit quand il lui évite une chute dans le vide !
Un ballade en voiture...

Johnnie explique alors à Lina n'être jamais allé à Paris avec Beaky Thwaite et donc n'être pour rien dans son décès. Les soupçons de son épouse étaient donc sans fondement : elle lui demande pardon et choisit de rester à ses côtés.

(Une autre fin était initialement prévue : Persuadée qu'il va l'empoisonner avec le verre de lait, Lina éveille les soupçons de Johnnie. Il la quitte juste avant que la guerre éclate. Lina recherche Johnnie jusqu'à ce qu'elle le reconnaisse sur une photo en uniforme de la R.A.F. dans un journal. Elle se rend à sa base et découvre qu'il est considéré comme un vrai héros. Il part en mission à Berlin à bord d'un avion, le "Monkey Face" - comme le surnom qu'elle lui avait donné.)

Alfred Hitchcock avait raconté dans un livre d'entretiens à Peter Bogdanovich qu'il souhaitait conclure différemment le film en montrant Lina écrire une lettre à sa mère, lui disant qu'elle aimait Johnnie mais qu'elle avait la conviction qu'il était un meurtrier. Elle ne souhaitait plus vivre mais désirait qu'il soit puni. Johnnie arrivait alors avec le verre de lait, vraiment empoisonné, et Lina le buvait. Puis il sortait poster la lettre sans savoir qu'elle allait causer sa perte.

Si le cinéaste renonça à ce dénouement, qui donnait un tout sens à l'intrigue, c'est parce que, comme il le comprit, on ne pouvait pas faire jouer un criminel à une vedette du calibre de Cary Grant. Pourtant, on peut estimer que cette modification améliora le film en transformant ce qui aurait été l'histoire d'un séduisant criminel dont l'épouse découvre le comportement en récit plus trouble sur les fantasmes morbides d'une femme au sujet de son mari dont le seul tort était d'être endetté.

Au début, Lina est montrée comme sexuellement frustrée et son apparence physique traduit cela : elle a le cheveux impeccablement coiffés, des lunettes, bref une allure guindée, et des parents déplorant son célibat. En rencontrant Johnnie, elle se libère, s'émancipe, et se met à rêver, mais de manière tordue, à qui pourrait être son mari. A la fin, telle une catharsis, débarrassée de ses soupçons, elle a trouvé un équilibre en acceptant d'aimer un homme qui ne lui a en vérité jamais voulu de mal, mais souffrait de sa condition sociale plus modeste et de son addiction au jeu.

En un sens, Suspicion préfigure Fenêtre sur Cour (1954) où Jeffries espère un drame pour ne plus s'ennuyer jusqu'à ce que le pire arrive. Ici, Lina se persuade de la culpabilité de Johnnie en interprétant mal son attitude ambiguë alors qu'il est innocent. Les indices qu'elle croit collecter sont fragiles mais le spectateur, orienté par le point de vue de l'héroïne, croit, lui aussi, que le mari est malfaisant. Une géniale manipulation, une leçon de narration.

Hitchcock passe, lui, de la comédie romantique au thriller avec une redoutable fluidité : on se rend compte que Lina n'aime pas assez Johnnie pour lui faire confiance, ce qui explique ses doutes incessants. Elle s'est mariée d'abord pour échapper à sa famille et plus particulièrement à l'autorité écrasante du père. Une fois devenue femme au foyer, avec un époux charmeur et cachottier, elle commence à délirer - elle se fait un film.

Pour la première fois, Cary Grant est dirigé par Hitchcock et il interprète à merveille cette partition trouble, s'éloignant du registre comique qui l'a rendu célèbre. Joan Fontaine est aussi remarquable que dans Rebecca (1940) où elle incarnait déjà une jeune femme angoissée (mais avec des raisons de l'être vraiment) avec sensibilité et expressivité.

Abondant en idées visuelles magistrales (une ampoule éclairait le verre de lait qui se détachait dans un décor sombre ; Cary Grant s'adresse brièvement au spectateur quand on livre deux fauteuils dans la maison qu'il a louée), Soupçons est un chef d'oeuvre - et vaudra d'ailleurs un Oscar (mérité) de la meilleure actrice à Joan Fontaine.

lundi 24 avril 2017

UNE FEMME DISPARAÎT, d'Alfred Hitchcock (1938)

300ème critique !

UNE FEMME DISPARAÎT (The Lady Vanishes) est un film réalisé par Alfred Hitchcock.
Le scénario est écrit par Sidney Gillat et Frank Launder, d'après le roman White The Wheel Spins Continuity d'Ethel Lina. La photographie est signée Jack Cox. La musique est composée par Cecil Milner.


Dans les rôles principaux, on trouve : Margaret Lockwood (Iris Henderson), Michael Redgrave (Gilbert Redman), Dame May Whitty (Miss Froy), Paul Lukas (Dr. Egor Hartz), Cecil Parker (Eric Todhunter), Linden Travers (Margaret Todhunter), Naunton Wayne (Caldicott), Basil Radford (Charters).
 Un train traverse la Baldinka...

Baldinka, un pays d'Europe Centrale. Un train est bloqué suite à une avalanche. Deux anglais, Caldicott et Charters, sont impatients de connaître le résultat d'un match de cricket dans leur pays. Mr. Todhunter, qui espère être nommé juge, attend là avec sa femme. Il y a aussi Miss Froy, vieille gouvernante qui rentre au Royaume Uni. De son côté, Iris Henderson vient de quitter ses deux amies, Blanche et Julie, pour rentrer à Londres où elle doit épouser Lord Charles Fotheringail. 
Miss Froy et Iris Henderson
(Dame May Whitty et Margaret Lockwood)

La nuit venue, logés dans un hôtel,  Iris, exaspérée par le bruit provenant de la cabine de Gilbert Redman, qui fait des études sur la musique folklorique, réussit à le faire expulser mais, du coup, elle est obligée de partager sa chambre avec lui. Caldicott et Charters, faute de place aussi, doivent dormir dans la chambre de la servante, Anna. Miss Froy écoute un chanteur - qui disparaît dans la nuit, étranglé !
Miss Froy, Iris Henderson et Gilbert Redman
(Dame May Whitty, Margaret Lockwood et Michael Redgrave)

Le lendemain matin, les clients reprennent leur train. Légèrement blessée par la chute d'un objet, Iris est soignée par Miss Froy dans son compartiment. La gouvernante va ensuite prendre son thé au wagon-restaurant, mais n'en revient pas. Les passagers affirment même ne l'avoir jamais vue, et Caldicott et Charters refusent un nouveau retard du train pour lancer des recherches.
Miss Froy, Iris et Gilbert

Seul Gilbert accepte de croire et d'aider Iris, accompagnée par le Dr. Hartz - bien que ce dernier croit la jeune femme folle... L'apparition de Mrs. Kurder vêtues des habits de Miss Froy persuade tous les passagers de la confusion mentale d'Iris, sauf Gilbert qui pense à une machination collective. 
Gilbert et Iris

Iris et Gilbert parviennent à retrouver Miss Froy que le Dr. Hartz faisait passer pour une malade recouverte de bandages. Mais le wagon des passagers est alors détourné sur une voie secondaire et attaqué par des militaires complices du docteur. Todhunter est abattu. Miss Froy demande alors à Gilbert de mémoriser un air pour qu'il puisse le répéter au Foreign Office puis elle réussit à s'enfuir. Gilbert prend les commandes du train à qui il fait passer la frontière de la Baldinka. 
Gilbert, Miss Froy et Iris

A la gare de Londres, Iris échappe à son fiancé et gagne le Foreign Office avec Gilbert. Mais celui-ci a oublié l'air qu'il devait répéter. Heureusement, Miss Froy est déjà là !

Le tournage de ce grand classique de la période anglaise d'Alfred Hitchcock débuta mal : son assistant réalisateur, Fred Gunn, se blesse lors des repérages en Yougoslavie et tout doit être re-planifié  pour que les prises de vue aient lieu en Grande-Bretagne.

Mais si le cinéaste se passionne pour cette intrigue, c'est aussi parce qu'elle lui rappelle une histoire authentique : une jeune anglaise à l'Exposition Universelle de 1880 s'était absentée de l'hôtel où elle séjournait seule avec sa mère. Ne la retrouvant plus à son retour, elle découvrit que la direction l'avait fait disparaître pour étouffer une rumeur comme quoi l'établissement était le foyer d'une contamination par la peste bubonique !

S'il n'a pas participé à la rédaction du scénario, Hitchcock y imprime donc sa marque et en en modifiant la fin. Le résultat est une comédie d'espionnage brillante aux péripéties menées sur un train d'enfer. Le réalisateur brosse le portrait ironique d'une galerie de personnages retenus contre leur gré dans un hôtel isolé puis dans un train, deux décors dont il exploite tout le potentiel dramatique.

L'héroïne apparaît d'abord frivole, superficielle, puis le spectateur sympathise avec elle quand, seule contre tous, elle s'emploie à retrouver Miss Froy. Cette enquête permet à Hitchcock de développer des personnages secondaires en raillant la vie conjugale (le couple Todhunter) et ses compromissions permanentes (le juge ayant une maîtresse, quand celle-ci évoque le divorce, il lui rappelle que sa position exige une situation irréprochable !). Avec le duo Caldicott-Charters, il se moque malicieusement de ses compatriotes britanniques (plus préoccupés par un match de cricket que par la disparition d'une vieille dame) avant de les montrer faire le coup de feu, très efficacement, lors de l'attaque du train.

Mine de rien, on remarquera que ce divertissement a priori léger véhicule un message politique engagé, Hitchcock dénonçant le pacifisme - assimilé ici à de la lâcheté - de Todhunter (ce qu'il paiera de sa vie), d'ailleurs méprisé par Caldicott.

A l'opposé, le courage de la (fausse) religieuse, la pugnacité d'Iris sont valorisés contre la fourberie de Hartz. Et l'ingéniosité de Miss Froy évoque celle de la Miss Marple d'Agatha Christie par sa capacité à se jouer de ses ennemis (en chantonnant les clauses les plus importantes d'un pacte secret entre plusieurs pays européens).

L'interprétation est jubilatoire grâce au dynamisme de Margaret Lockwood et à la classe impertinente de Michael Redgrave. En suivant leur couple dans cette aventure tortueuse et énergique, on ne s'ennuie pas une seconde : comme souvent avec Hitchcock, on est ébloui par la modernité intacte, la fraîcheur revigorante de son cinéma, modèle d'entertainment intelligent. 

mardi 18 avril 2017

LA MAISON DU DOCTEUR EDWARDES, d'Alfred Hitchcock (1945)


LA MAISON DU DOCTEUR EDWARDES (Spellbound) est un film réalisé par Alfred Hitchcock.
Le scénario est écrit par Ben Hecht, d'après le roman de Francis Beeding. La photographie est signée George Barnes. La musique est composée par Miklos Rozsa.


Dans les rôles principaux, on trouve : Ingrid Bergman (Constance Peterson), Gregory Peck (John Ballantine), Michael Chekhov (Dr. Alex Brulov), Leo G. Carroll (Dr. Murchison), Rhonda Fleming (Mary Carmichael), John Emery (Dr. Fleurot).
 "La faute... N'était pas dans nos étoiles, mais en nous-mêmes..."

Constance Peterson est médecin à la clinique de Green Manors, dirigée par le Dr. Murchison. Il y accueille son successeur, le Dr. Anthony Edwardes, dont le trouble s'empare quand il voit des lignes parallèles. Peu après son arrivée, un des patients commet une tentative de suicide et doit être opéré d'urgence, mais Edwardes est pris d'un malaise dans le bloc chirurgical. Constance veille sur lui et devine en comparant deux manuscrits que l'homme dont elle s'est éprise n'est pas le Dr. Edwardes mais un amnésique dont on elle ne connaît que les initiales : J.B..
Le Dr. Alex Brulov, Constance Peterson et John Ballantine
(Michael Chekhov, Ingrid Bergman et Gregory Peck)

J.B. part pour New York alors que la police le croit responsable de la disparition d'Edwardes. Constance le rejoint et l'emmène à Rochester pour qu'il consulte son mentor, le Dr. Alex Brulov. Celui-ci l'endort avec du lait additionné à du bromure. J.B. raconte ensuite le rêve récurrent qu'il fait et que tentent d'interpréter Constance et Brulov. 
La séquence du rêve, conçue par Salvador Dali

Le couple se rend à Gabriel Valley où un souvenir revient à J.B. : il pense être responsable de la mort de son frère, empalé sur une grille alors qu'il jouait avec lui dans leur enfance. J.B. se rappelle désormais de son nom complet : John Ballantine. Constance en déduit qu'Edwardes est mort en faisant une chute mortelle à ski dont John aurait été le témoin ou le coupable. 
 Constance et John

Des recherches aboutissent à la récupération du cadavre d'Edwardes dans une crevasse, mais il a été en vérité tué d'une balle. John est arrêté pour son meurtre et incarcéré en attendant son procès. Effondrée, Constance rentre à Green Manors.
Constance et le Dr. Murchison
(Ingrid Bergman et Leo G. Carroll)

Mais, à la clinique, elle comprend que Murchison lui a menti depuis le début quand elle lui demande d'analyser à son tour le rêve de John. Le directeur de l'établissement avoue alors avoir éliminé Edwardes dont il n'admettait pas qu'il lui succède. Mais alors qu'il est prêt à abattre Constance, il retourne finalement son revolver contre lui et se suicide plutôt que d'être arrêté par la police. 
Constance et John

John est libéré et innocenté et peut retrouver Constance qu'il aime et à qui il est reconnaissant pour l'aide qu'elle lui a apporté.

Alfred Hitchcock assurait vouloir tourner le premier thriller psychanalytique quand il entreprit de filmer Spellbound, mais en vérité, le film joue sur plusieurs registres, du mélodrame (la romance entre Constance et John) au drame criminel (qui a tué Edwardes ?) en passant par l'étude psychologique (l'interprétation des rêves).

Il faut aussi resituer l'histoire dans le contexte de l'époque : nous sommes en 1945, juste à la fin de le seconde guerre mondiale, et le conflit a traumatisé nombre d'hommes, revenant alors des champs de bataille. Ce n'est donc pas un hasard si ce long métrage sort la même année que des oeuvres explorant les mêmes thèmes, comme La Femme au portrait (Fritz Lang) ou The Strange Affair of Uncle Harry (Robert Siodmak).

David O. Selznick, le producteur, était lui-même un patient du Dr. May Romm, engagé comme conseiller technique sur le tournage. Cependant, cet aspect n'allait pas être celui qui passionnerait le plus Hitchcock, préférant judicieusement s'attarder sur la romance complexe entre Constance et John. 

Il dirige pour la pour la première fois Ingrid Bergman et l'attirance qu'il éprouve pour la superbe suédoise (dont la légende raconte qu'elle n'avait pas besoin de maquillage car son visage attirait naturellement la lumière à la perfection) est aussi manifeste que le respect qu'il porte à sa sensibilité de comédienne. Il n'empêche, comme toutes les grandes muses du cinéastes, chaque plan d'elle comporte son lot de symboles : ici, on notera tout particulièrement que le premier baiser qu'elle échange avec son amant s'accompagne de l'ouverture successive de plusieurs portes, symbolisant la libération de son désir et son émancipation comme femme. L'intrigue se charge de prouver ensuite avec quelle abnégation elle se bat pour délivrer celui qu'elle aime de ses démons et de la prison.

La séquence, célèbre entre toutes, du rêve a été conçue par le peintre espagnol Salvador Dali, mais, prévue pour durer initialement une vingtaine de minutes, elle fut conséquemment raccourcie au montage pour ne garder que des éléments relatifs à la mort d'Edwardes.

Hitchcock en profite aussi pour montrer avec ironie le personnel de la clinique Green Manors (un nom qui inspirera plus tard le scénariste Fabien Vehlmann pour sa superbe bande dessinée Green Manor, illustrée par Denis Bodart), les médecins y travaillant étant manifestement aussi perturbés que leurs patients, comme en attestent les dialogues ("Les femmes font les meilleures psychanalystes jusqu'à ce qu'elles tombent amoureuses. Elles font alors les meilleures patientes !"). Quant à Murchison, soucieux de rester le maître de cet établissement, il sera trahi par son orgueil en interprétant trop bien le rêve de John Ballantine, s'accusant ainsi du meurtre d'Edwardes. Sa suffisance le conduira à préférer se suicider plutôt que de tuer Constance, pour laquelle il avait visiblement une affection plus que professionnelle...

Ce dénouement illustre malicieusement la citation de William Shakespeare placée en exergue du film : "La Faute... N'est pas dans nos étoiles, mais en nous-même." Tout ce qui suit l'explique dans un suspense haletant et tortueux que la réalisation rend tout à fait lisible et que des acteurs investis subliment, au diapason de Gregory Peck, formidable d'ambiguïté. Pour l'anecdote, on retiendra aussi que Hitchcock pensa d'abord à Joseph Cotten pour incarner John Ballantine, à Greta Garbo puis Dorothy McGuire pour celui de Constance Peterson, et Fredric March et Ralph Bellamy pour celui de Murchison.

Ce chef d'oeuvre, récompensé aux Oscar pour sa musique, demeure un des opus majeurs de son réalisateur, de ces films dont on la richesse narrative paraît inépuisable et dont la mise en scène nous enchante littéralement par sa maestria.

lundi 17 avril 2017

LES ENCHAÎNES, d'Alfred Hitchock (1946)


LES ENCHAÎNES (Notorious) est un film réalisé par Alfred Hitchcock.
Le scénario est écrit par Ben Hecht (avec Alfred Hitchcock, David O. Selznick et Clifford Odets), d'après l'histoire The Song of the Dragon de John Tainter Foote. La photographie est signée Ted Tetzlaff. La musique est composé par Roy Webb.


Dans les rôles principaux, on trouve : Ingrid Bergman (Alicia Huberman), Cary Grant (T.R. Devlin), Claude Rains (Alexander Sebastian), Louis Calhern (capitaine Paul Prescott), Leopoldine Konstantin (Mrs. Anna Sebastian).
 Alicia Huberman et T.R. Devlin
(Ingrid Bergman et Cary Grant)

24 Avril 1946. John Huberman est condamné pour espionnage. Sa fille Alicia rencontre lors d'une réception T.R. Devlin et découvre qu'il est un agent des services de renseignements américains. Le lendemain, il lui explique la mission que le gouvernement veut lui confier : infiltrer un réseau d'extrémistes, amis de son père, qui se sont réfugiés, après la guerre, au Brésil pour échapper à des poursuites judiciaires. Bien qu'elle jure ne jamais avoir partagé les sympathies de son père, Alicia accepte et part pour Rio de Janeiro avec Devlin qui lui apprend, lors du trajet, le suicide de John Huberman en détention.  
Devlin et Alicia

Alicia s'éprend de Devlin, bien qu'il la considère avec mépris, la jugeant aussi coupable que l'était son père. Lorsque le supérieur de l'agent, le capitaine Paul Prescott, les rejoint, il fixe comme objectif à la jeune femme de renouer avec Alexander Sebastian, autrefois amoureux d'elle. Devlin organise leurs retrouvailles et Alicia fait la connaissance d'un groupe d'allemands dont l'un d'eux, Emil Hupka, s'agite bizarrement à cause d'une bouteille de vin.  
Alexander Sebastian, Devlin et Alicia
(Claude Rains, Cary Grant et Ingrid Bergman)

Sebastian, malgré les réticences de sa mère, demande bientôt la main d'Alicia, et les noces sont rapidement célébrées. Devlin, invité par la jeune femme, y assiste et elle l'entraîne discrètement dans la cave où ils découvrent une bouteille de vin contenant un étrange minerai. Sebastian découvre qu'il a été trahi et en avise sa mère.  
Devlin et Alicia

Prescott révèle à Alicia que le minerai dont Devlin lui a ramené un échantillon est en vérité de l'uranium. L'agent a, lui, demandé à être muté en Espagne, mais elle obtient de le revoir avant son départ. Il la trouve distante et l'air malade, mais elle prend ces remarques comme une nouvelle preuve du dédain de Devlin. A son retour chez Sebastian, Alicia comprend cependant que lui et sa mère sont en train de l'empoisonner à petit feu. 
Mrs. Anna Sebastian, Alicia et Alexander Sebastian
(Leopoldine Konstantin, Ingrid Bergman et Claude Rains)

Inquiet, ne pouvant plus ignorer ses sentiments, Devlin rend visite aux Sebastian pour découvrir Alicia alitée et très affaiblie. Il menace alors Alexander de tout révéler au sujet de ses amis allemands présents dans la maison s'il ne le laisse pas évacuer la jeune femme. Tandis qu'il part avec Alicia dans ses bras, Alexander doit s'expliquer sur la situation avec ses complices contrariés et menaçants.  
Devlin et Alicia

Quand Alfred Hitchcock manifeste son intérêt pour ce scénario, il doit affronter son producteur David O. Selznick qui, lui, ne croit pas à son potentiel commercial. Il vend le projet au studio RKO contre 50% des bénéfices : un pari gagnant puisque, tourné pour un peu plus de deux millions de dollars, le film en rapportera quatre fois plus !

Cette histoire exploite le célèbre "MacGuffin" cher à Hitchcock, un élément prétexte sur lequel est bâti l'intrigue : l'idée du minerai d'uranium 235 vint au cinéaste et à son scénariste Ben Hecht en 1944, un an avant le bombardement d'Hiroshima, après une entrevue avec le Dr. Millikan au Cal Tech, centre du "Projet Manhattan" où fut conçu la bombe atomique. Après quoi le F.B.I. se mit à surveiller Hitchcock, craignant qu'il ne divulgue des secrets d'Etat dans son film !

Un autre point de divergence apparut entre le réalisateur et Selznick quand ce dernier souhaita imposer Clifton Webb dans le rôle finalement tenu par Claude Rains (Hitchcock, lui, convoitait George Sanders ou Ezio Pinza, mais recruta Rains dont la filmographie était jalonnée de personnages antipathiques, comme dans Les Aventures de Robin des Bois ou Casablanca, tous deux de Michael Curtiz). Selznick aurait également voulu engager Ethel Barrymore pour le rôle de la mère de Sebastian, mais la comédienne refusa de tenir un rôle aussi déplaisant : elle fut remarquablement remplacée par Leopoldine Konstantin.

Comme souvent chez Hitchcock, le méchant est complexe : il apparaît comme une victime de sa confiance en la femme dont il est épris et il est dominé par la figure autoritaire et machiavélique de sa mère, ce qui en fait un trafiquant finalement peu dangereux (quand bien cache-t-il de l'uranium dans sa cave). Rains le joue avec subtilité et, grâce à lui, Notorious dépasse le simple cadre du récit d'espionnage pour glisser dans une romance trouble à trois avec Alicia et Devlin.

Le vrai thème du film est la trahison : celle de John Huberman contre son pays, qui entraîne celle de Devlin contre Alicia (il la séduit d'abord pour mieux la manipuler ensuite), et enfin celle d'Alicia contre Sebastian. Les services secrets sont présentés comme un organisme cynique, avec des officiers ambigus comme Prescott et Devlin, prêts à tout pour accomplir leur mission.

Hitchcock retrouvait, après Soupçons (1941), Cary Grant et, après La Maison du Dr. Edwardes (1945), Ingrid Bergman, tous deux livrant de formidables prestations. Le cinéaste filme son actrice avec une évidente tendresse, alors même qu'elle traversait une crise conjugale hors plateau : resplendissante, elle forme un couple inoubliable avec son partenaire, toujours aussi excellent dans ce registre équivoque, et réussit à nous émouvoir en n'hésitant pas à tout sacrifier pour se racheter de la conduite déshonorante de son père. Grant bénéficie d'un personnage évoluant au fur et à mesure, passant de l'agent froid et détaché, qui fait passer son devoir avant ses sentiments, à celui de sauveur, rattrapé par son amour pour Alicia.

Superbement photographié (François Truffaut le considérait comme le plus film en noir et blanc d'Hitchcock), Les Enchaînés voit les apparences de ses protagonistes et des situations s'effacer progressivement, culminant avec la scène où Alicia comprend qu'elle est empoisonnée par l'homme qu'elle a épousé en le trahissant volontairement. Le courage et l'abnégation de cette héroïne contraste avec l'attitude de Devlin et font de leur romance une grande histoire de sacrifice, de don de soi.

dimanche 16 avril 2017

LE CRIME ETAIT PRESQUE PARFAIT, d'Alfred Hitchcock (1954).


LE CRIME ETAIT PRESQUE PARFAIT (Dial M For Murder) est un film réalisé par Alfred Hitchcock.
Le scénario est écrit par Frederick Knott, d'après sa pièce de théâtre. La photographie est signée Robert Burks. La musique est composée par Dimitri Tiomkin.


Dans les rôles principaux, on trouve : Grace Kelly (Margot Wendice), Ray Milland (Tony Wendice), Robert Cummings (Mark Halliday), John Williams (inspecteur Hubbard), Anthony Danson (capitaine Lesgate alias "Swann").
 Tony Wendice
(Ray Milland)

Ancien champion de tennis, Tony Wendice découvre que sa femme, Margot, a une liaison avec Mark Halliday, un romancier. Sachant qu'il héritera d'elle si elle disparaît, il élabore son assassinat en soudoyant pour l'exécuter le capitaine Lesgate qu'il a connu à l'université de Cambridge sous le nom de Swann. Malgré l'argent que Wendice lui offre, il est réticent mais il cède quand Tony menace de révéler un épisode compromettant de son passé.
Mark Halliday et Margot Wendice
(Robert Cummings et Grace Kelly)

Le lendemain soir, Tony se rend à son club où il explique à Margot qu'il lui téléphonera. Cette astuce lui fournit à la fois un alibi - être vu dans un autre endroit que son domicile - et un subterfuge pour distraire son épouse au moment où Lesgate/Swann devra la tuer.
Margot Wendice

Pour permettre au tueur de s'introduire dans l'appartement, Lesgate dispose d'une clé que lui a remis Wendice. Lorsque la sonnerie du téléphone retentit, Margot décroche et Swann, placé dans son dos, se jette sur elle pour l'étrangler.
Lesgate/Swann et Margot

Mais la jeune femme se débat avec l'énergie du désespoir et réussit à saisir une paire de ciseaux sur la table où son agresseur l'a plaquée. Elle la lui plante dans le dos et le tue sur le coup. Tony rentre du club ensuite et constate l'échec de son plan, en dissimulant sa surprise. Il glisse dans une poche du manteau de Lesgate/Swann une lettre écrite par Mark à Margot avant de prévenir la police.   
Tony et Margot Wendice

L'inspecteur Hubbard est chargé de l'enquête : Margot est rapidement inculpée. Son procès est expéditif et le verdict accablant : elle est reconnue coupable de meurtre avec préméditation et condamnée à mort par pendaison. 
L'inspecteur Hubbard, Margot et Tony Wendice
(John Williams, Grace Kelly et Ray Milland)

Convaincu que Tony a piégé sa femme, Mark persuade Hubbard de procéder à une ultime reconstitution de la nuit du meurtre de Lesgate en présence de Margot et son mari. Un détail va confondre ce dernier quand l'inspecteur trouve la clé remise à "Swann" cachée sous le tapis recouvrant l'escalier - cachette que seul Tony connaissait. 
Margot est innocentée et peut désormais vivre avec Mark tandis que Tony est incarcéré.

Après l'échec commercial de La Loi du Silence (1953), Alfred Hitchcock doit se relancer rapidement et choisit d'investir dans une adaptation sans grand risque d'une pièce de théâtre à succès, dont l'auteur, Frederick Knott, rédige lui-même le script.

Le studio Warner, à cette époque, croit beaucoup à un procédé technique permettant de suggérer des effets en relief en combinant une caméra spécialement améliorée, une pellicule traitée et des décors modifiés pour accentuer la profondeur de champ (comme, par exemple, l'installation d'un fosse dans le plancher pour filmer des contre-plongées encore plus accentuées). Cette innovation doit motiver les spectateurs à continuer de voir les films en salles à un moment où la télévision est en plein essor et oppose une concurrence féroce au grand écran.

Loin de l'embarrasser, ce défi excite Hitchcock qui y voit une manière de créer ce sentiment de malaise encore plus intense qui s'emparera du public quand il devinera que quelque chose d'anormal se prépare. Par ailleurs, cette optimisation visuelle autorise le cinéaste à transcender les contraintes d'une intrigue se déroulant en intérieur, comme il l'avait fait avec La Corde (1948) et son fameux (faux) plan-séquence unique.

Narrativement, le film commence génialement en montrant le couple Wendice parfaitement heureux mais en laissant le spectateur comprendre qu'il ne s'agit que d'un bonheur de façade. Hitchcock présente la liaison de Margot avec Mark comme encore en cours (alors qu'elle était déjà terminé dans le texte de la pièce originale), ce qui a pour conséquence directe de motiver le désir de meurtre de Tony pour se venger de l'amant de sa femme autant que pour percevoir l'héritage de cette dernière. Par ailleurs, si le personnage de Mark est sympathique, il est aussi moins séduisant que le mari, qui pourtant est un monstre puisqu'il prépare un crime parfait : cet aspect ajoute à l'ambiguïté délicieusement perverse du récit.

Hitchcock refuse aussi de montrer tout ce qui pourrait distraire le spectateur du coeur de l'affaire : ainsi n'hésite pas, lors du procès de Margot, à la filmer elle et elle seule, sans montrer le tribunal, le jury, le juge (dont on n'entend que la voix), l'avocat, le procureur et le public. Cette mise en scène dépouillée souligne alors l'isolement de la jeune femme et l'injustice de sa condamnation. De même, lorsque Hubbard interroge auparavant Margot sur sa liaison avec Mark, il se place entre eux deux, signifiant subtilement qu'il brise ainsi leur union et leur complicité. Ce soin dans la représentation élève d'un cran une histoire qui, sans cela, serait finalement assez banale.

La célèbre scène du meurtre a nécessité plusieurs jours de prises de vue, le réalisateur étant comme à l'accoutumée vigilant à chaque détail, il insista par exemple pour que les ciseaux soient les plus brillants possibles afin qu'on ne puisse en détacher le regard. Là encore, la portée symbolique du coup porté par Margot à "Swann" a inspiré bien des interprétations : la jeune femme est attaquée par derrière, puis parvient à se retourner en se débattant, la position de l'agresseur et sa victime évoque celle d'un viol mais en plantant les lames des ciseaux dans le dos de son meurtrier, c'est comme si Margot le pénétrait sexuellement.

Grace Kelly, dirigée pour la première fois par Hitchcock, est remarquable : notez bien qu'au début du film, on la voit vêtue de couleurs vives et gaies dans des coupes la mettant en valeur, puis plus le drame se resserre sur elle, plus sa garde-robe devient sombre et sa silhouette est moins sexy. Remarquée dans Mogambo (John Ford, 1953), elle est déjà en osmose avec son réalisateur fètiche dont elle acceptera toutes les indications, y compris les plus tendancieuses (comme celle de porter un négligé de nuit très sensuel, et non une robe lors de sa tentative de meurtre). Il est parfaitement évident que le désir du cinéaste pour la jeune femme imprime la pellicule : pourtant la censure ne trouvera rien à reprocher à cette façon très allusive de cadrer l'actrice. Dans un rôle qui aurait pu être interprété par Cary Cooper ou James Stewart, Ray Milland est également excellent. On trouve aussi dans le costume de l'inspecteur Hubbard le flegmatique John Williams (qui campera l'agent d'assurances dans La Main au collet l'année suivante, toujours aux côtés de Grace Kelly).

Diaboliquement développé et fabuleusement mis en scène  et joué, cette oeuvre de commande, un peu trop bavarde, devient un exercice de style jubilatoire grâce à l'inventivité d'un cinéaste aussi motivé par les contraintes techniques que par la volonté de se refaire une santé commerciale.

dimanche 19 mars 2017

LA MAIN AU COLLET, d'Alfred Hitchcock (1955)


LA MAIN AU COLLET (To Catch a Thief) est un film réalisé par Alfred Hitchcock.
Le scénario est écrit par John Michael Hayes, d'après le roman de David Dodge. La photographie est signée Robert Burks. La musique est composée par Lyn Murray.


Dans les rôles principaux, on trouve : Cary Grant (John Robie), Grace Kelly (Frances Stevens), Jessie Royce Landis (Mrs. Jessie Stevens), John Williams (H.H. Hughson), Brigitte Auber (Danielle Foussard), Charles Vanel (Bertani).
 John Robie
(Cary Grant)

Plusieurs vols de bijoux commis dans des palaces de la Côte d'Azur conduisent la police à suspecter John Robie dit "le Chat", ancien héros de la Résistance et cambrioleur, reconverti comme exploitant d'un vignoble et rosiériste.
Bertani
(Charles Vanel)

Robie fausse compagnie aux policiers et voit son ami Bertani, restaurateur à Monte-Carlo, dont tout le personnel est constitué d'anciens résistants. Ils soupçonnent également leur camarade d'avoir repris ses coupables activités car les vols sont commis avec la même technique qu'il employait.
Danielle Foussard et John Robie
(Brigitte Auber et Cary Grant)

John est conduit par Danielle Foussard, fille d'un de ses anciens compagnons d'armes, à Cannes. Il y rencontre, grâce à Bertani, H.H. Hughson, inspecteur pour la compagnie d'assurance Lloyds. John est résolu à démasquer l'auteur des cambriolages pour être disculpé et, pour cela, il convainc Hughson de lui remettre une liste de ses plus riches clients, susceptibles d'être de futures victimes. 
John Robie et H. H. Hughson
(Cary Grant et John Williams)

C'est ainsi qu'il est présenté à Mrs. Jessie Stevens et de sa ravissante fille, Frances. Celle-ci n'est pas insensible au charme de Robie qu'elle soupçonne, non sans excitation, d'être encore un voleur actif. Pour le confondre, elle l'invite à assister au feu d'artifices dans sa chambre en arborant une superbe parure, mais il affiche finalement plus d'attirance pour la jeune femme que pour son bijou.
 Frances Stevens et John Robie
(Grace Kelly et Cary Grant)

Pourtant, le lendemain matin, les bijoux de Mrs. Stevens ont été dérobés. John se défend de les avoir pris mais doit fuir quand elle appelle la police. La nuit suivante, il inspecte discrètement une villa figurant sur la liste que lui a remis Hughson lorsqu'il est agressé par un inconnu. Robie se défend et réussit à faire basculer son adversaire dans la mer.
Frances Stevens

Le lendemain, l'identité de l'ennemi de John est révélée à la presse par la police qui confirme qu'il s'agit du "Chat" : Foussard ! Robie sait que c'est une erreur car le mort était affligé d'une jambe de bois, rendant impossible ses déambulations nocturnes sur les toits des palaces où il aurait dépouillés ses victimes. Il convient donc, avec la complicité des Stevens et de Hughson, d'un piège.
Frances et John

Lors d'un bal costumé chez les Stanford, vêtu en rat d'hôtel, John surprend le voleur et le démasque lors d'une manoeuvre périlleuse mais en présence de la police : il s'agit de Danielle qui avoue avoir agi pour le compte de Bertani ! 
Innocenté, John est désormais libre d'aimer Frances qui lui annonce vouloir s'installer dans sa maison... Avec sa mère !

Pour leur troisième et ultime collaboration (bien que le "maître du suspense" lui proposera par la suite le premier rôle de Pas de Printemps pour Marnie, qu'elle refusera à regret, à cause d'obligations protocolaires relatifs à son rang de princesse), Alfred Hitchcock et Grace Kelly se retrouvèrent donc pour cette comédie policière, qui n'a pas bonne presse auprès de nombre de leurs admirateurs car ils la jugent trop légère et superficielle. C'est pourtant un divertissement jubilatoire, merveilleusement réalisé et interprété.

Le cinéaste, pressentant peut-être qu'il ne dirigerait peut-être plus sa muse, la filme avec une admiration évidente : jamais Grace Kelly n'aura été plus sexy, désirable, élégante et (surnaturellement) belle. Elle donne en outre à son personnage une force de séduction incomparable, à la fois insolente et irrésistible, magnifiée par les costumes, superbes, d'Edith Head et la photographie, solaire, de Robert Burks.

"Hitch" s'amuse aussi à suggérer que cette jeune femme a priori un peu guindée est sexuellement excitée par le frisson de l'aventure que lui procure sa proximité avec un voleur reconnu et traqué. Ainsi Frances Stevens embrasse-t-elle à pleine bouche John Robie quand il la raccompagne jusqu'à la porte de sa chambre le soir de leur première rencontre, puis elle le congédie aussitôt. Le lendemain elle l'interroge avec malice sur l'effet que lui a fait ce baiser fougueux et il tâche de dissimuler son trouble par une attitude amusée et un brin paternaliste, qui n'abuse personne (ni lui-même, ni la jeune femme, ni le spectateur). Deux scènes extraordinaires.  
"Le feu sous la glace."

A ce moment précis, Grace Kelly conduit, très vite, dans les virages sinueux surplombant la ville, là-même où la future princesse de Monaco trouvera la mort 27 ans plus tard. Puis s'ensuit un dialogue riches de sous-entendus, de doubles-sens (en se partageant les morceaux de poulet lors d'un pique-nique) : c'est un autre prélude au sommet érotique du film, qui a lieu lors d'une scène nocturne où Frances aguiche encore davantage John en assistant avec lui, depuis sa chambre, à un feu d'artifices, dont les explosions symbolisent (certes, peu subtilement) l'orgasme.
En 2008, la magazine "Vanity Fair" publia un portfolio-
hommage à Hitchcock dans lequel des acteurs contemporains 
rejouaient des scènes mythiques de ses films :
Gwyneth Paltrow et Robert Downey Jr. remplaçaient Grace Kelly et Cary Grant
dans ce remake photo de La Main au Collet.

Toute cette tension sensuelle est plus intéressante que l'intrigue proprement dite, même si l'argument du "whodunnit" (qui a commis les vols en imitant les méthodes du "Chat" ?) est efficace, grâce à la réalisation d'une fluidité admirable et son rythme impeccable.

Cary Grant bénéficie d'un rôle dense et équivoque (on doute longtemps de son innocence et sa désinvolture alimente nos soupçons), même si son personnage d'ex-résistant et gentleman cambrioleur repenti est peu réaliste. Le comédien s'amuse visiblement, avec sa classe et son auto-dérision coutumière. Les seconds rôles sont un peu sommairement développés mais qu'importe, l'essentiel est ailleurs.

Après son chef d'oeuvre, Fenêtre sur cour (1954), Hitchock avait sans doute envie de changer d'air et de registre, de s'éloigner des ambiances inquiétantes, et de surprendre avec To Catch a Thief : il ne faut pas bouder son plaisir et reconnaître la qualité de cette production, véritable ode à Grace Kelly au sujet de laquelle Cary Grant disait qu'"elle joue comme Johnny Weismuller nage ou Fred Astaire danse : avec elle, tout paraît facile.".  

dimanche 29 janvier 2017

MAIS QUI A TUE HARRY ?, d'Alfred Hitchcock (1955)


MAIS QUI A TUE HARRY ? (The Trouble with Harry) est un film réalisé par Alfred Hitchcock.
Le scénario est écrit par John Michael Hayes, d'après le roman de John Trevor Story. La photographie est signé Robert Burks. La musique est composée par Bernard Hermann.


Dans les rôles principaux, on trouve : Shirley MacLaine (Jennifer Rogers), Jerry Mathers (Arnie Rogers), John Forsythe (Sam Marlowe), Mildred Natwick (Ms. Ivy Gravely), Edmund Gwenn (le capitaine Albert Wiles), Dwight Marfield (Dr. Greenbow), Royal Dano (Calvin Wiggs).
 Arnie Rogers et Harry
(Jerry Mathers)

Par un beau matin d'automne, dans les collines du Vermont, , un petit garçon, Arnie Rogers, entend trois détonations et découvre peu après le cadavre d'un homme. Il part avertir sa mère, Jennifer.
Ms. Ivy Gravely et le capitaine Albert Wiles
(Mildred Natwick et Edmund Gwenn)

Peu après, le capitaine Albert Wiles, qui chasse le lapin et qui vient justement de tirer trois coups de feu, découvre le corps à son tour et croit être l'assassin. Ms. Ivy Gravely, une vieille fille du village voisin, arrive sur les lieux et aide le capitaine à cacher le cadavre puis l'invite à prendre le thé chez elle. Jennifer se présente à son tour, entraînée par son fils, et identifie, sans déplaisir, le mort comme étant son second mari, Harry Worp, qu'elle avait frappé avec une bouteille de lait alors qu'il l'avait molestée. 
Sam Marlowe et Jennifer Rogers
(John Forsythe et Shirley MacLaine)

Le Dr. Greenbow, distrait, trébuche sur le corps sans y prêter attention. Puis un vagabond lui vole ses chaussures. C'est Sam Marlowe qui va ensuite dessiner le cadavre. Wiles le surprend et lui affirme être le meurtrier. Les deux hommes enterrent Harry puis le déterrent pour l'examiner : il s'avère qu'il n'est pas mort par balles - ce qui innocente le capitaine. 
Jennifer, Sam, le capitaine Wiles et Ms. Gravely

A l'heure du thé, Ms. Gravely confesse à Wiles que c'est elle qui a tué Harry en le frappant à la tête parce qu'il s'était montré trop entreprenant avec elle. Cependant elle n'en éprouve aucune honte mais préfère déterrer le corps (remis en terre par Sam et le capitaine). Mais Marlowe craint que cela ne nuise à Jennifer (dont il est amoureux). 
Sam, Jennifer, Ms. Gravely et le capitaine Wiles

Harry est donc une nouvelle fois déterré ! Sam apprend, de retour au village, qu'un millionnaire est prêt à acheter toutes ses toiles au prix fort. Il peut donc demander sa main à Jennifer et gâter ses amis. Mais avant d'épouser la jeune femme, il faut que Harry soit découvert pour qu'elle ne soit pas accusée de bigamie. 
Sam et Calvin Wiggs
(John Forsythe et Royal Dano)

L'arrestation du vagabond conduit la police, représenté par Calvin Wiggs, à rechercher le corps. Le Dr. Greenbow l'examine et conclut à une mort naturelle d'une attaque cardiaque. Il suffit alors qu'Arnie redécouvre Harry afin que Wiggs puisse clore le dossier.

Doté d'un mauvais esprit réjouissant, le film présente d'abord une galerie de personnages qui, tout comme Alfred Hitchcock, n'éprouve aucune commisération pour le fameux Harry (dont il importe moins de savoir qui l'a tué, comme le demande le titre français, que de considérer le problème - "the trouble" - qu'il pose pour ceux qui le découvrent). En effet, le malheureux est enterré et déterré comme s'il n'était plus qu'un accessoire encombrant et pas un seul des protagonistes n'a l'idée de se confier à la police car chacun se croit (in)directement coupable de sa mort.

Ainsi cette minuscule communauté est complice d'actes macabres mais irrésistibles. En adaptant le roman de John Trevor Story, Hitchcock voulait prouver aux spectateurs américains qu'ils pouvaient apprécier l'humour britannique : il déplaça l'action dans le Vermont mais cela ne suffit pas à attirer le public dans les salles.

Le cinéaste collaborait pour la quatrième fois avec son scénariste John Michael Hayes mais surtout inaugurait un fructueux partenariat avec le compositeur Bernard Hermann, avec lequel il entretint une relation passionnante sur plusieurs de ses chefs d'oeuvre (Vertigo et Psychose pour ne citer que les deux plus spectaculaires).

Au début, Hitchcock souhaitait tourner sur les lieux même de l'action, intégralement en extérieurs, mais une tempête l'obligea à se retrancher en studio à Hollywood : ce fut un mal pour un bien car le chef opérateur Robert Burks put y composer de magnifiques plans dans une ambiance automnale dont la mélancolie artificiellement soulignée contraste avec la loufoquerie du propos.

L'histoire joue, elle, sur les ambiguïtés du langage (les dialogues pleins de sous-entendus entre le capitaine Wiles et Ms. Gravely), des situations (la relation amoureuse qui se noue entre Marlowe et Jennifer, le premier étant soucieux que celle qu'il convoite ne soit d'abord pas suspectée de bigamie), des comportements (le jeune Arnie découvrant deux fois le corps de Harry, sans paraître traumatisé, et plongeant surtout la police locale dans la plus grande confusion). C'est affreux, mais c'est aussi surtout très drôle.

Alors que souvent ses acteurs se sont plaints du peu d'indications qu'il leur donnait pour jouer, Hitchcock choisissant d'abord ses interprètes pour leur capacité à s'assumer, Shirley MacLaine, dont c'était le tout premier rôle et qui est absolument (déjà) divine, expliqua que le réalisateur la dirigea effectivement de manière allusive en lui disant : "Be real and act !" (soit : "Sois vraie et joue !"), ce qu'elle comprit d'abord comme : "Be relax !" (soit : "Sois détendue !"). De fait toute la troupe ici s'amuse visiblement beaucoup malgré la noirceur du sujet et l'immoralité de leurs personnages.

Tourné entre Fenêtre sur cour et La Main au collet, The Trouble with Harry apparaît comme une parenthèse dans la filmographie de "Hitch", une pause mal perçue par la critique et le public et qui l'incitera donc à retourner vers des histoires plus conventionnelles (mais transcendées par son génie esthétique). Pourtant, comme l'affirmait Bernard Hermann, "c'est à plusieurs titres l'oeuvre la plus personnelle et la plus drôle d'Hitchcock. C'est gai, tendre, macabre, et on y trouve en abondance son humour sardonique."