Affichage des articles dont le libellé est Kristen Stewart. Afficher tous les articles
Affichage des articles dont le libellé est Kristen Stewart. Afficher tous les articles

vendredi 21 avril 2017

PERSONAL SHOPPER, d'Olivier Assayas (2017)


PERSONAL SHOPPER est un film écrit et réalisé par Olivier Assayas.
La photographie est signée Yorick Le Saux.


Dans les rôles principaux, on trouve : Kristen Stewart (Maureen), Lars Eidinger (Hugo), Sigrid Bouaziz (Lara), Nora Von Waldstäten (Kyra), Ty Olwin (Gary), Anders Danielsen Lie (Erwin).
 Maureen
(Kristen Stewart)

Maureen, 27 ans, vient de perdre son frère jumeau, Lewis, victime d'un infarctus causé par une malformation cardiaque dont elle est aussi atteinte. Respectant le serment qu'ils s'étaient faits, elle cherche depuis à entrer en contact avec l'esprit du défunt dans la maison où il habitait et avait son atelier d'ébéniste, et que souhaite acquérir un couple d'amis, pourtant craintifs à l'idée que la demeure soit hantée.
Hugo
(Lars Eidinger)

Pour gagner sa vie, Maureen exerce la profession de "personal shopper", qu'elle n'apprécie guère, qui consiste à acheter des vêtements et des bijoux que portera Kyra, une mannequin, lors de ses apparitions publiques. Elle fait ainsi la connaissance de Hugo, le prétendant délaissé de cette dernière, qui est également intéressé par ces questions de vie après la mort. 
Qui envoie ces mystérieux SMS ?

Peu après, à l'occasion d'un déplacement professionnel à Londres, Maureen commence à recevoir de mystérieux SMS d'un correspondant anonyme qui semble la suivre et anticiper ses mouvements. Un dialogue s'engage entre eux où il parvient à découvrir les secrets intimes de la jeune femme, notamment quand elle brave l'interdit de Kyra en essayant ses vêtements avant elle. Troublée, Maureen croit un moment qu'elle discute avec Lewis et accepte même un rendez-vous dans un palace parisien - mais personne ne l'y rejoint.
Dans la peau d'une autre...


Alors qu'elle s'est confiée à sa belle-soeur, Lara, Maureen découvre, horrifiée, Kyra, sauvagement assassinée. Bien qu'elle pense d'abord que ce meurtre soit d'origine surnaturelle, elle ne le dit pas à la police qui l'interroge.  Peu après, Hugo est arrêté et reconnu coupable à la fois du crime mais aussi du harcèlement téléphonique contre Maureen. 
 Lara
(Sigrid Bouaziz)

Bouleversée, Maureen décide de partir au Maroc retrouver son fiancée, Gary, dans un endroit retiré, pour s'y ressourcer. Là-bas, elle entre enfin en contact avec l'esprit de Lewis, qui lui confirme être désormais en paix. Mais sans qu'elle sache s'il va la laisser tranquille à présent...
"Es-tu en paix ?"

Personal Shopper démarre en quelque sorte là où Sils Maria (2014), le précédent film d'Olivier Assayas, s'achevait, comme s'il en était la continuation. L'héroïne est à nouveau l'assistante d'une star (une mannequin à la place d'une comédienne) qui prépare ses apparitions publiques. Et d'apparitions, il en est souvent question dans cette histoire qui interroge la manière dont on survit à la perte d'un être cher (un frère jumeau en l'occurrence) et, si son esprit se manifeste, est-ce avec bienveillance ou pour nous tourmenter.

Maureen est hantée par ces questions au point qu'elle y abandonne une partie importante de son existence. Là encore, il faut considérer ce dévouement sur plusieurs niveaux car la jeune femme ne fait pas qu'attendre, fébrilement, désespérément un signe de son frère, elle s'emploie activement à satisfaire les caprices d'une it-girl, qui ne lui témoigne aucune reconnaissance. Pour l'héroïne, atteinte de la même malformation cardiaque qui a été fatale à son frère, le danger pour sa santé (il lui faut éviter les efforts physiques comme les émotions fortes) s'oppose à son désir éperdu de communiquer avec un improbable fantôme et à l'accomplissement de son job, même si elle le déteste.

Ce malaise est encore plus souligné lorsque l'intrigue bascule dans un étrange thriller via le dialogue trouble et troublant entre l'expéditeur anonyme de SMS et Maureen, au point qu'elle croit d'abord que c'est frère qui les lui envoie. Assayas alimente savamment le doute et suscite une tension dramatique efficace sans jamais quitter son personnage principal, de telle manière qu'on partage facilement ses doutes, ses attentes, sa confusion, tout en étant témoin de son intimité. Cette jeune femme qui veut tant établir le contact avec un disparu s'oublie en se glissant littéralement, mais en secret, dans la peau de son employeuse, en enfilant ses vêtements. Bravant un interdit, elle y puise un plaisir sensuel comme en témoigne cette scène où elle se masturbe dans les habits de la créature qu'elle semble alors autant envier que mépriser : moment suspendu, sans racolage.

Une fois l'aspect policier résolu (une partie du récit qui peut dérouter mais qui est très efficace), le calme le dispute au bouleversement : Kyra tuée, Hugo arrêté, l'esprit de son frère absent, Maureen a-t-elle gagné la paix ? Le dénouement ne donne pas de réponse franche, et cette irrésolution, ainsi que la manière économe de représenter les fantômes, est certainement ce qui a irrité le public du festival de Cannes - mais, en revanche, séduit son jury, qui a décerné le prix de la mise en scène à Assayas.

Un prix d'interprétation pour la prestation vibrante, fiévreuse, magnétique, de Kristen Stewart n'aurait pas été volé non plus : l'actrice poursuit son parcours exigeant avec brio et son réalisateur la filme avec une fascination évidente.

C'est que Personal Shopper se lit aussi comme un portrait passionné de celle qui est le coeur de cette oeuvre étrange et belle, atypique, à la croisée de plusieurs genres. Il faut souhaiter que le cinéaste et sa muse poursuivent leur fructueuse collaboration.

jeudi 22 décembre 2016

SILS MARIA, d'Olivier Assayas (2014)


SILS MARIA (Clouds of Sils Maria) est un film écrit et réalisé par Olivier Assayas.
La photographie est signée Yorick Le Saux.

Dans les rôles principaux, on trouve : Juliette Binoche (Maria Enders), Kristen Stewart (Valentine), Chloé Grace Moretz (Jo-Ann Ellis), Lars Eidinger (Klaus Diesterweg), John Flynn (Christopher Giles), Hans Zischler (Henryk Wald).
 Valentine et Maria Enders
(Kristen Stewart et Juliette Binoche)

Actrice de renommée internationale, Maria Enders se rend à Zurich avec son assistante Valentine pour y recevoir un prix honorant Wilhelm Melchior, le metteur en scène qui l'a révélée vingt ans plus tôt dans sa pièce Le Serpent de Maloja. Elle y interprétait la jeune Sigrid et la relation amoureuse et professionnelle toxique qu'elle entretenait avec sa patronne Helena. Mais la comédienne apprend durant le trajet que Melchior s'est suicidé car, comme le lui explique sa veuve, il était incurablement malade.
Valentine
(Kristen Stewart)

A Zurich, après un discours à la mémoire de son mentor et une réception donnée en son honneur, Maria accepte, sur les conseils de Valentine, de rencontrer Lars Eidinger, qui veut remonter la pièce de Melchior en lui confiant, cette fois, le rôle de Helena. Sigrid sera incarnée par une jeune starlette hollywoodienne dont la vie privée agitée fait la "une" de la presse "people", Jo-Ann Ellis. 
Valentine et Maria

D'abord réticente, Maria s'engage et se retire dans la maison de Melchior que sa veuve met à sa disposition pour préparer son rôle avec Valentine comme répétitrice. Leurs échanges traduisent les doutes de la comédienne à propos du personnage, qu'elle n'aime pas, et au sujet de Jo-Ann Ellis, que Valentine admire mais dont Maria méprise la filmographie et l'attitude publique.  
Maria

Plus les jours passent, plus la situation se tend, les séances de répétition opérant comme un miroir cruel pour Maria qui se questionne sur le temps qui passe, son vieillissement, la manière d'appréhender l'époque, sa culture, les rapports aux médias. Une ligne de plus en plus floue se dessine entre Maria/Helena et Valentine/Sigrid, cette dernière supportant de plus en plus mal d'être déjugée par son employeuse. 
Christopher Giles et Jo-Ann Ellis
(John Flynn et Chloé Grace Moretz)

La première rencontre entre Maria et Jo-Ann ne fait que confirmer le malaise : la jeune femme a une liaison avec un écrivain en vogue, Christopher Giles, déjà marié, et donc les paparazzi rôdent pour surprendre les amants.
Valentine

Après plusieurs randonnées dans les Alpes, dont elles profitent pour travailler le texte de la pièce, Valentine entraîne un matin, très tôt, dans une sortie pour assister au véritable phénomène météo du "serpent de Maloja", une traînée nuageuse longue et dense qui parcourt la chaîne montagneuse et ses vallées. Valentine disparaît inexplicablement à ce moment-là... 
Jo-Ann
(Chloé Grace Moretz)

Quelques semaines plus tard, à Londres, les répétitions commencent au théâtre, mais la tentative de suicide de la femme de Giles déchaînent les médias contre Jo-Ann. Elle résiste pourtant à la pression, maîtrisant parfaitement son rôle sur scène. Maria a engagé une nouvelle assistante et reçoit une offre de cinéma mais tente de convaincre le réalisateur de plutôt choisir Jo-Ann car elle s'estime désormais dépassée.

Même si Olivier Assayas a plutôt revendiqué Les Larmes amères de Petra Von Kant de Rainer Werner Fassbender (1972) comme référence, Clouds of Sils Maria évoque surtout un chef d'oeuvre autrement plus écrasant : (All About) Eve de Joseph L. Mankiewicz (1950). Inévitablement, la comparaison tourne en défaveur du français dont le projet ne possède ni la même puissance ni la même subtilité.

Mais Sils Maria n'est pourtant pas raté : sa narration fluide (pour un long métrage de deux heures) et son ambition sont séduisantes, même si le film ne se départit jamais d'une certaine froideur qui empêche le spectateur de ressentir de l'empathie pour ses protagonistes et que sa réalisation (ab)use fondus au noir qui ne permettent pas assez à plusieurs scènes d'être assez développées.

Le point fort tient évidemment et surtout à la composition de ses deux actrices principales qui donnent toute sa profondeur à l'intrigue. Entre les deux femmes, quasiment seules à l'image pendant les 2/3 (voire les 3/4) du film, se joue un drame complexe sur une note mélancolique, quelquefois cruelle, souvent envoûtante.

Juliette Binoche, pour qui Assayas a bâti son récit, y livre une prestation vibrante, pas toujours très sobre (surtout au début où elle surjoue la star névrosée), et dont le personnage voit sa réalité éprouvée par la fiction, le retour à un rôle décisif de sa carrière, et le passé. Mais c'est pourtant Kristen Stewart qui l'éclipse par la force et la sensibilité qu'elle insuffle à sa partition : elle a été justement récompensé d'un César en 2015 (même s'il reste incompréhensible qu'elle n'ait été citée que comme second rôle alors qu'elle est aussi présente à l'écran que sa partenaire). Elle est en tout cas d'un naturel saisissant et confirme son épanouissement dans le cinéma d'auteur.

Assayas parvient, avec plus ou moins d'adresse et de finesse, à souligner la valeur méta-textuel du sujet (la nouvelle génération d'actrices - Stewart donc, mais aussi Chloé Grace Moretz parfait en idole en quête de respectabilité mais impitoyable en affaires - supplantant celle de Binoche, via la pièce de théâtre qui reproduit ce schéma). En réunissant toutes ces femmes, jeunes ou plus mûres, le cinéaste convoque aussi Ingmar Bergman, sans être toutefois, heureusement, aussi austère même si le résultat est finalement très épuré (l'action se déroulant principalement dans une maison isolée dans les Alpes).

C'est lorsque l'histoire insiste sur la prise de conscience douloureuse par la star de son déclin et qu'il flirte avec le thriller fantastique (la disparition inexpliquée de Valentine - peut-être tuée par Maria après une remarque désobligeante de trop ou parce que l'actrice perd fugacement mais franchement les pédales) qu'on est le plus captivé par le contraste offert entre les tourments d'une femme, l'omniprésence des écrans (de smartphones, de tablettes numériques - seuls instruments reliant la montagne au reste du monde) et la quiétude apparente des paysages environnants.

Prix Louis Delluc 2014, Sils Maria n'est donc pas complètement abouti mais ne manque pas de troubler, et doit beaucoup à son duo de comédiennes, particulièrement Kristen Stewart qu'Olivier Assayas a redirigé en 2016 dans Personal Shopper. 

mardi 13 décembre 2016

BLANCHE NEIGE ET LE CHASSEUR, de Rupert Sanders (2012)


BLANCHE NEIGE ET LE CHASSEUR (Snow White and the Hunstman) est un film réalisé par Rupert Sanders.
Le scénario est écrit par Hossein Amini, Evan Dougherty, Evan Spiliotopoulos, d'après les contes de Jacob et Wilhelm Grimm. La photographie est signée Greig Fraser. La musique est composée par James Newton Howard.

Dans les rôles principaux, on trouve : Kristen Stewart (Blanche Neige), Chris Hemsworth (Eric, le Chasseur), Charlize Theron (Ravenna, la Reine), Sam Clafin (William, l'ami d'enfance de Blanche Neige).
La Reine Ravenna
(Charlize Theron)

Ravenna, qui partage le lit du Roi depuis la mort de sa femme, s'empare de son trône avec la complicité de son frère, Finn, et de leur armée. Elle tue le Roi et jette dans un cachot la fille de celui-ci, Blanche-Neige, encore enfant.  Le meilleur ami de la fillette, William, réussit à fuir avec le Duc Hammond et quelques soldats et paysans. 
Blanche Neige
(Kristen Stewart)

Les années passent, et les ténèbres se sont abattus sur le royaume à cause des pouvoirs maléfiques de la Reine qui, pour conserver sa jeunesse, aspire par la magie la force vitale des plus jeunes femmes du pays. Pour s'assurer l'immortalité, elle doit désormais sacrifier Blanche Neige, devenue adulte et d'un charme sans égal. Finn va la chercher dans sa cellule mais elle réussit à s'en échapper et à fuir le château.  
Eric, le chasseur
(Chris Hemsworth)

Blanche-Neige s'enfonce dans le forêt sombre, le seul endroit où la magie de la Ravenna est sans effet mais dont les bois sont remplis de pièges et pollués par une atmosphère vicié. La Reine recrute Eric, un chasseur, pour aller récupérer la fugitive, en lui promettant de rendre à la vie sa défunte épouse.
Le chasseur et les sept nains

Quand il comprend, une fois Blanche Neige retrouvée, que Ravenna ne tiendra pas parole car elle est incapable de ressusciter les morts, le chasseur aide la jeune femme à s'éloigner de Finn et ses sbires. Ils vont trouver sur leur route les septs nains (qu'a escroqué Eric), dont l'un d'eux reconnaît en Blanche Neige la future régente qui rendra au royaume sa prospérité et son éclat.
Le Prince William
(Sam Claflin)

William, qui avait infiltré la bande de Finn, raccompagne Blanche Neige, le chasseur et les nains jusqu'au Duc Hammond pour convaincre ses sujets de mener une dernière bataille contre le château de Ravenna. 
Blanche Neige

Blanche Neige et le Chasseur selon Rupert Sanders d'après le conte des frères Grimm est d'abord l'histoire d'une jeune femme dont l'émancipation est précipitée par ses aventures.

Dans le film de Sanders, Blanche Neige est incarnée par Kristen Stewart : la jeune actrice, une des plus intéressantes du cinéma américain actuel, livre une interprétation, à la fois vibrante et marquée par son charme insolent, modernisant son personnage dans des costumes sombres, taillés dans du cuir, jusqu'à la montrer en armure à la fin, telle Jeanne d'Arc. On ne peut être plus loin du cliché de la pauvre princesse tourmentée par la méchante reine et recueillie par les sept nains ainsi que l'immortalisa le dessin animé de Walt Disney en 1937.

Cette esthétique, dont on peut presque sourire tant elle fait ressembler les personnages à des punks à chien, avec les cheveux mouillés, la barbe de trois jours (mais bien taillée !) des garçons, le contraste entre la princesse guerrière et la reine hystérique - celle-ci jouée par une Charlize Theron déchaînée, s'amusant même le temps d'une scène à parodier la pub Dior ("J'adore") dont elle est l'égérie - , aboutit pourtant à un résultat efficace, malgré quelques longueurs (130 minutes quand même) et des éléments dispensables (le prince William, interprété par Sam Claflin, qui semble tour à tour être le grand frère de Blanche Neige et son amoureux). 

Le personnage du chasseur, auquel Chris Hemsworth donne une présence très physique (même si son look fait trop penser à Thor, qu'il personnifie dans les films Marvel), ou les sept nains, dans une version jubilatoire (avec des acteurs prestigieux comme Ian McShane, Bob Hoskins, Toby Jones, Ray Winstone, miniaturisés grâce à des effets spéciaux bluffants), sont plus convaincants.

Ce qui distingue Blanche Neige et le Chasseur tient donc plus à la forme qu'au fond : il est question d'une jeune femme embarquée dans un récit initiatique et traversant son lot d'épreuves (physiques et mentales) pour se dépasser et accéder à une nouvelle étape dans leur existence - assumer son destin de reine pour Blanche Neige. Leur périple s'accomplit grâce à un homme - Eric le chasseur - et au détriment d'une autre femme - Ravenna - et d'un autre homme - Finn. Le tout dans des tons gothiques  avec la présence d'un château emblématique d'un malheur lié au passé.

Toutes ces caractéristiques stylistiques contribuent à rendre romanesque cette histoire d'une grande héroïne mais subtilement modifiée par la perception que notre époque en a désormais : non plus telle une victimes mais comme une combattante que rien ni personne ne sauraient priver de son dû.

vendredi 9 décembre 2016

WELCOME TO THE RILEYS, de Jake Scott (2010)


WELCOME TO THE RILEYS est un film réalisé par Jake Scott.
Le scénario est écrit par Ken Hixon. La photographie est signée Christopher Soos. La musique est composée par Mark Steitenfeld.

Dans les rôles principaux, on trouve : James Gandolfini (Doug Riley), Kristen Stewart (Allison/ "Mallory"), Melissa Leo (Lois Riley), Tiffany Coty (Tara).
 Lois et Doug Riley
(Melissa Leo et James Gandolfini)

Depuis la mort de leur fille unique, Emily, dans un accident de voiture, l'existence de Doug et Lois Riley s'est interrompue. Elle s'est retranchée dans le chagrin et les anti-dépresseurs, restant cloîtrée dans leur maison. Lui survit comme il peut depuis huit ans en dirigeant sa petite entreprise de matériel de plomberie.
Doug Riley et "Mallory"
(James Gandolfini et Kristen Stewart)

Doug a une liaison avec une jolie serveuse noire qui lui permet de préserver un semblant de bonheur et qui lui sert de confidente discrète. Mais son décès brutal le replonge dans une terrible détresse, d'autant plus qu'il ne peut se confier à personne. 
Doug Riley

Un déplacement professionnel à la Nouvelle-Orléans lui fournit une occasion d'échapper à ses tourments. Il sème, lors d'une soirée, ses collègues pour errer en ville et échoue dans un club de strip-tease. Là, il est abordé par "Mallory", une jeune danseuse qui lui propose une faveur sexuelle tarifée, mais il décline. 
Allison alias "Mallory"

Troublée par cette jeune fille dont il devine la douceur derrière un langage d'une crudité désarmante, il la raccompagne jusque chez elle et découvre qu'elle habite dans une maison insalubre. Il lui soumet alors une offre : il la paiera 100 $ par jour pour dormir ici mais sans coucher avec elle. Elle accepte, d'abord par appât du gain. 
Lois

Pendant ce temps, convaincue que son mari prend du bon temps en Louisiane sous le prétexte de faire le point comme il le lui a dit au téléphone, Lois décide de gagner la Nouvelle-Orléans depuis Indianapolis en voiture.  Doug en profite, lui, pour effectuer des réparations chez Allison (le vrai prénom de "Mallory") et obtient qu'elle surveille son vocabulaire puis réfléchisse à son avenir, craignant pour sa vie. 
Doug et Allison

Lorsque Lois débarque en ville et retrouve son époux, il lui présente Allison. D'abord perplexe, elle accepte de l'aider à aider la jeune fille. Mais celle-ci ne leur facilite pas la tâche quand elle apprend leur drame passé et devine le rôle de substitution qu'elle joue sans doute pour Doug. Pourtant, cette relation houleuse permettra au trio de se reconstruire...

Réalisateur de clips depuis une quinzaine d'années, Jake Scott, fils de Ridley, s'était fait remarqué au début des années 2000 en signant un premier film oubliable (Guns 1748). Il revient avec ce long métrage produit par son père et son oncle, feu Tony, hors des grands studios, et une histoire beaucoup plus intimiste au style épuré.

Dans le décor d'une Nouvelle-Orléans portant encore les stigmates de l'ouragan Katrina, lieu hanté par excellence mais tentant de renaître, le cinéaste dresse un parallèle évident avec l'état moral du couple Riley dévasté par la mort de leur fille unique.

Au-delà de ce cadre (intérieur et extérieur) ravagé, le film séduit surtout par son trio de comédiens exceptionnels : Jake Scott a compris qu'il tenait là des interprètes en mesure de compenser sa réalisation un peu fade. Au départ, pourtant, sa sobriété formelle sert parfaitement le propos en captant le fossé qui s'est creusé entre Doug et Lois dans leur pavillon de banlieue sans âme. Lui se cache pour griller une cigarette et pleurer dans son garage, elle se gave de calmants et s'en tient à une routine anesthésiante.

Une fois que l'action se déplace en Louisiane, la mise en scène s'aligne sur la présence massive, les déplacements lents, la souffrance intériorisée subtilement exprimée par James Gandolfini, dont c'était un des premiers premier rôle au cinéma après sa consécration dans la série télé Les Sopranos (1999-2007). Il y dévoile une sensibilité poignante avec une économie de jeu fascinante. Face à lui, Kristen Stewart livre une composition électrique, qui lui permet de prouver sa valeur hors de la saga Twilight dans laquelle elle était alors engagée : pour ce rôle casse-gueule où elle est à la fois vulgaire et paumée, elle paraît encore plus frêle  face à son immense partenaire. Leur duo est formidable.

Dans un rôle plus en retrait pendant la première heure du film (jusqu'à ce qu'elle rejoigne Gandolfini et Stewart à la Nouvelle-Orléans), Melissa Leo est également excellente, faisant délicatement évoluer son personnage de mère brisée et d'épouse névrosée vers la lumière tout en incarnant la voie de la raison. Elle accompagne avec dignité et lucidité un mari dans une mission qui la sauve autant que lui et sa protégée.

Si Jake Scott n'évite pas toujours quelques artifices narratifs faciles (Lois et Allison partageant une discussion sur leurs deuils respectifs), le film témoigne d'un mélange convaincant de tendresse et de pudeur et traite de l'impossibilité de faire son deuil. Il ne tombe pas non plus dans le piège d'une happy end grossière, même si le dénouement est positif. C'est ainsi, quand il reste modeste et mesuré, que Welcome to the Rileys est le plus sincère et émouvant.

dimanche 13 novembre 2016

SUR LA ROUTE, de Walter Salles (2012)


SUR LA ROUTE (On The Road) est un film réalisé par Walter Salles.
Le scénario est écrit par Jose Rivera, d'après le livre de Jack Kerouac. La photographie est signée Eric Gautier. La musique est composée par Gustavo Santaolalla.

Dans les rôles principaux, on trouve : Sam Riley (Sal Paradise), Garrett Hedlund (Dean Moriarty), Kristen Stewart (Marylou), Kirsten Dunst (Camille Moriarty), Viggo Mortensen (Old Bull Lee - William S. Burroughs), Amy Adams (Jane - Joan Vollmer), Alicia Braga (Terry), Danny Morgan (Ed Dunkel), Elisabeth Moss (Galatea Dunkel), Tom Sturridge (Carlo Marx - Allen Ginsberg).
Sal Paradise et Dean Moriarty
(Sam Riley et Garrett Hedlund)

New York. 1947. Après l'enterrement de son père, le jeune écrivain Sal Paradise sort en compagnie de son ami Carlo Marx, également auteur en herbe. Ils sont invités par une relation commune chez Dean Moriarty, originaire de Denver, qui vit avec Marylou, une très jolie fille plus jeune que lui. Après avoir fumé un joint, ils se rendent ensemble dans un club de jazz pour écouter le saxophoniste Walter à qui ils expriment leur admiration pour son jeu si libre. Avant de repartir pour le Colorado, Dean demande à Sal de lui apprendre à écrire et lui fait promettre de venir le voir.
Sal Paradise, Marylou et Dean Moriarty
(Sam Riley, Kristen Stewart et Garrett Hedlund)

Bien qu'hésitant à laisser sa mère seule, Sal choisit de rejoindre par ses propres moyens Denver. Son voyage se déroule à pied ou en stop, l'occasion de faire de multiples rencontres et de voir du pays, parfois dans des conditions éprouvantes. Mais une fois à Denver, c'est la joie des retrouvailles avec Dean qui lui présente Camille, avec qui il s'est marié - tout en continuant de fréquenter et coucher avec Marylou. Sur place se trouvent déjà Carlo qui avoue à Sal son attirance pour les hommes (et Dean en particulier, même s'il a conscience que ce n'est pas réciproque) et ses mauvaises relations avec Camille. Cette dernière apprécie en revanche Sal à qui elle confie son envie de construire un couple solide avec Dean, espérant qu'il rompe avec son nomadisme.
Camille Moriarty
(Kirsten Dunst)

Sal doit rentrer chez sa mère et reprend la route. En cours de chemin, pour gagner un peu d'argent, il intègre une troupe de travailleurs saisonniers dans une plantation de coton. Il rencontre la belle Terry, mère célibataire, dont il devient l'amant et qu'il invite, sans trop y croire, à le rejoindre à New York quand la saison sera terminée.
Terry
(Alicia Braga)

1948. Dean, Marylou et leur ami Ed Dunkel débarquent à l'improviste en Caroline du Nord, dans la maison de la soeur de Sal où toute sa famille célèbrent Noël. Après avoir reconduit la mère de Sal à New York, Les gars et Marylou célèbrent le Nouvel An chez Carlo. Plus tard, Dean convainc Sal de coucher avec lui et Marylou, mais Sal, d'abord excité, car il est depuis le début attiré par la jeune femme, demande à Dean de se retirer. Lorsque Carlo débarque, il trouve Sal dans la cuisine tandis que Dean et Marylou sont au lit ensemble. 
Carlo Marx et Ed Dunkel
(Tom Sturridge et Danny Morgan)

1949. Sal, Dean, Marylou et Ed partent à Algiers en Louisiane chez Old Bull Lee chez qui est restée la femme de Ed, Galatea. Ils restent quelques jours sur place : Lee met Sal en garde contre Dean, Marylou et Jane (la femme de Lee) enseignent à Galatea comment combler sexuellement son époux pour qu'il ne soit plus tenté de reprendre la route.
Old Bull Lee, Sal Paradise, Jane Lee, Galatea et Ed Dunkel, Dean Moriarty et Marylou
(Viggo Mortensen, Sam Riley, Amy Adams, Elisabeth Moss et Danny Morgan,
Garrett Hedlund et Kristen Stewart) 

Sal, Dean et Marylou repartent, direction : San Francisco. Dean lâche sans scrupules Marylou pour retrouver Camille, qui attend leur deuxième enfant. Cette prochaine maternité avive des tensions dans le couple car la jeune femme exige que son compagnon s'occupe de sa famille. Elle finit par le renvoyer après qu'il ait passé une nuit dehors en compagnie de Sal.
Marylou

Sal raccompagne Dean à Denver où il souhaite enfin retrouver son père. Mais ses recherches sont vaines. Ils décident de regagner New York : un représentant de commerce les y conduit, en échange, à mi-parcours, d'une nuit avec Dean contre rétribution. Sal est mal à l'aise mais tente de le cacher. 
Sal Paradise

1950. Huit mois ont passé. Sal tente, sans succès, de mettre en forme les nombreuses notes qu'il a prises au cours de ses déplacements depuis trois ans. Il persuade Dean de le suivre pour une ultime étape au Mexique. Ils y consomment de la drogue, s'enivrent, couchent avec des prostituées. Sal tombe malade et Dean lui vole le peu d'argent qu'il a pour rentrer à San Francisco où il doit conclure son divorce avec Camille. 
1951. Sal dactylographie sur un rouleau de papier ce qui devient le manuscrit original de son livre, "Sur la route". Sa publication est un succès. Quelques mois plus tard, alors qu'il part assister à un concert de Duke Ellington avec des amis, Sal est abordé dans la rue par Dean, visiblement diminué moralement et physiquement. Mais, malgré ses excuses à propos des événements au Mexique, Moriarty a perdu l'amitié de Paradise qui le laisse à la nuit et s'éloigne de son côté.

Tout d'abord, je dois dire que je n'ai jamais lu (complètement) Sur la route, ce texte mythique et emblématique de la Beat Generation, écrit par Jack Kerouac : le livre m'est toujours des mains, comme tous les écrits produits par cette bande d'auteurs. J'ai donc découvert cette adaptation sans avoir à me demander si elle serait à la hauteur de l'oeuvre originale ou réussirait à la transcender. Par contre, j'étais curieux de la qualité cinématographique du résultat puisque le long métrage Walter Salles, présenté au Festival de Cannes 2012 sans enthousiasme, a affronté une critique majoritairement hostile et un échec commercial.

Porter On the road à l'écran ne date pas d'hier : dès 1957, Kerouac lui-même écrivit à Marlon Brando pour lui proposer le rôle de Dean Moriarty tandis que l'auteur incarnerait (logiquement) son double de papier, Sal Paradise - l'acteur ne donna pas suite. Jean-Luc Godard s'y intéressa plus tard, avant que Francis Ford Coppola et son fils Roman en acquirent les droits - initialement, c'est le réalisateur d'Apocalypse Now qui voulait le filmer avec Billy Crudup et Colin Farrell dans les rôles de Paradise et Moriarty. 

Finalement, les Coppola produiront le long métrage confié à Walter Salles dont la filmographie témoigne de son goût des voyages (voir Carnets de voyage, Terre lointaine) et des défis (même si, à nouveau, je reconnais n'avoir jamais goûté son cinéma). On peut penser aussi qu'il a été attiré par le challenge consistant à porter un regard d'exilé comme le sien sur un récit exaltant l'errance dans les Etats-Unis de la fin des années 1940. Ce regard détaché devait lui permettre d'apprécier, sans être trop impressionné, le mouvement beatnik.

Le résultat a sans doute déçu ceux qui attendaient une transposition fiévreuse, aussi expérimentale que ce que Kerouac tenta à l'écrit. Narrativement, le scénario de Jose Rivera est effectivement sage, procédant par étapes, aussi bien temporelles (l'histoire s'écoule de 1947 à 1951) que géographiques (les héros, entre plusieurs retours à New York et Denver, Colorado, visitent Selma, San Francisco et Campbell en Californie ; South Hill en Virginie ; Trenton dans le New Jersey ; Plomaton en Alabama ; Algiers en Louisiane ; Wilcox en Arizona ; La Estrella au Mexique). Cette impression est renforcée par le caractère passif de Sal Paradise, davantage témoin qu'acteur : le véritable moteur de l'action est Dean Moriarty, qui ne tient pas en place, de plus en plus hanté par la figure de son père dont il est sans nouvelles depuis des années, et qui accumule les expériences limites autant par goût du danger que pour fuir ses responsabilités, entraînant tous ceux qui le suivent dans ses excès mais aussi dans ses gouffres.

Pour incarner ces protagonistes mythiques, Salles a fait appel majoritairement à de jeunes comédiens plutôt qu'à des stars, et ce choix est payant car on n'a pas le sentiment que le casting prévaut sur l'histoire. Sam Riley, révélé dans Control (le biopic d'Anton Corbijn sur Ian Curtis, le leader de Joy Division), est épatant dans la peau de Paradise, cet observateur à la fois perplexe et admiratif, enregistrant les faits pour mieux préparer son oeuvre. Face à lui, dans un registre moins ingrat mais pas moins périlleux, Garrett Hedlund est excellent en Moriarty dont il parvient à exprimer la puissance libertaire mais aussi les lâchetés et la détresse de fils sans père.

Pourtant, la grande surprise provient de Kristen Stewart qui est ici magnifique : elle irradie le film dans le rôle de l'ensorcelante Marylou. Les femmes traversent d'ailleurs cette aventure comme des figures mémorables : Amy Adams incroyable en sudiste déglinguée (aux côtés du toujours impressionnant Viggo Mortensen - leurs personnages sont inspirés de Joan Vollmer et William S. Burroughs), Elisabeth Moss parfaite en candide énervée par son suiveur de mari (Danny Morgan), ou Alicia Braga sublime et touchante Terry, sans oublier Kirsten Dunst lumineuse et déchirée (une composition troublante puisque, à l'époque, elle vivait en couple avec Hedlund).

A moins d'adresser à Salles et son scénariste le curieux reproche d'être plus fidèles aux personnages qu'au style débridée de Kerouac, le film séduit aussi par sa cohérence et son rythme : on ne s'ennuie jamais malgré une durée conséquente (135 minutes), la photo est somptueuse (Eric Gautier a filmé avec une petite équipe, dans des conditions souvent sauvages - sans autorisation de tournage, avec une météo hostile, peu de temps faute d'un gros budget). Enfin, le cinéaste évite l'écueil de représenter l'écrivain au travail, suant sur sa machine à écrire (une seule scène, à la fin, montre Paradise dactylographier et mettre en forme ses notes).

La singularité de sa démarche (et l'explication du rejet dont a souffert le film) tient peut-être au fait que cette adaptation, plus contemplative qu'ardente, cite plus directement A la recherche du temps perdu de Marcel Proust (dont un exemplaire passe de main en main durant une bonne partie du voyage de Sal Paradise), mais dont la morale offre une belle synthèse de la flamboyance désespérée de Dean Moriarty : "Qu'est-ce que la vie ? Le seul cadeau que Dieu ne fait pas deux fois."

mercredi 7 septembre 2016

CAFE SOCIETY, de Woody Allen (2016)


CAFE SOCIETY est le 46ème film écrit et réalisé par Woody Allen.
La photographie est signée Vittorio Storaro.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jesse Eisenberg (Bobby Dorfman), Kristen Stewart (Veronica "Vonnie" Sybel), Steve Carell (Phil Stern), Blake Lively (Veronica Hayes), Corey Stoll (Ben Dorfman).
Bobby Dorfman
(Jesse Eisenberg)

Années 30. Bobby Dorfman est un jeune homme qui décide de quitter New York et sa famille pour tenter sa chance à Los Angeles dans les studios de Hollywood. Là-bas est en effet déjà établi son oncle, Phil Stern, un des plus fameux agents artistiques de la capitale du cinéma, auprès de qui il obtenir un emploi.
Vonnie et Bobby
(Kristen Stewart et Jesse Eisenberg)

Mais l'oncle Phil ne sait pas quoi faire de son neveu et il ne lui confie, dans un premier temps, que des tâches subalternes, comme livrer du courrier. Pour qu'il découvre la cité des anges, Bobby Dorfman est guidé par une des secrétaires de l'agence, la séduisante Vonnie, dont il tombe immédiatement amoureux, mais qui lui explique être déjà engagée avec un journaliste prénommé Doug. 
Phil Stern
(Steve Carell)

En Vonnie est la maîtresse de Phil qui lui a promise de divorcer pour l'épouser. Quand il lui annonce n'en avoir pas le courage, la jeune femme trouve du réconfort auprès de Bobby et finit par céder à ses avances. Le garçon, qui ne s'épanouit pas à Los Angeles, veut alors regagner New York avec elle et s'y marier.
Mais, avant cela, Bobby reçoit les confidences de son oncle, ne pouvant pas oublier sa maîtresse depuis leur rupture et désormais résolu à divorcer. Le jeune homme découvre alors accidentellement que l'amante de Phil n'était autre que Vonnie.
Lorsqu'il va demander à celle-ci avec qui elle compte s'engager maintenant, elle choisit de rester à Los Angeles et donc avec Phil.
(A gauche :) Ben Dorfman
(Corey Stoll)

Bobby est de retour à New York et seconde son frère aîné Ben, un voyou, à la direction d'un club, le "Café Society", fréquenté par toute la haute société de la ville. Le jeune homme s'investit dans les affaires pour oublier sa déception amoureuse jusqu'à ce qu'il soit présenté à la très belle Veronica Hayes. Ils se plaisent et bientôt deviennent parents.
Cependant, Ben est rattrapé par ses méfaits et arrêté par la police. 
Bobby Dorfman et Veronica Hayes
(Jesse Eisenberg et Blake Lively)

De passage à New York, Phil est accompagné par Vonnie, désormais son épouse. Il paie un avocat réputé pour défendre Ben, sans que cela suffise à lui éviter la peine capitale.
Vonnie et Bobby

Alors qu'il est comblé comme mari, père et hommes d'affaires, Bobby est tout de même bouleversé en revoyant Vonnie. Ils se rapprochent à nouveau, tout en sachant que leur tour est passé. Lors du nouvel an, chacun de leur côté, Bobby comme Vonnie n'ont pas le coeur à la fête et pensent avec mélancolie à leur bonheur enfui. 
Veronica et Bobby (de dos)

Après l'excellent L'Homme irrationnel, le nouveau film de Woody Allen est, comme Magic in the moonlight en 2014, est une nouvelle comédie dans les années 30, mais où la mélancolie a pris le pas sur la fantaisie.

Cette fois donc, aux grincheux qui radotent en affirmant que "Woody Allen, c'était mieux avant", on répondra que "cette fois, c’est comme avant !" : l'époque, le héros juif  new-yorkais, la belle californienne, le souvenir d'un passé idéalisé, le vaudeville, tout est là. Les fans (comme moi) seront comblés par le résultat, d'une élégance douce-amère impeccable, accompagné par la voix-off du cinéaste lui-même.

Mais Woody Allen ne se repose toujours pas sur ses lauriers, et à 80 ans, réussit une nouvelle merveille : ce n'est pas une oeuvre crépusculaire d'un réalisateur à bout de souffle, mais un film d'une étonnante tenue, à la sensualité lumineuse.

Bobby  Dorfman et Vonnie, les deux personnages principaux de cette histoire, apparaissent comme les aïeux de Alvy Singer et Annie Hall dans le film de 1977, un des classiques du maître : leur couple est animé par la même maladresse, ce qui lui donne son caractère attachant, et la même fatalité, qui voue leur relation à un cruel échec. Pour donner corps à son héros, Woody Allen a rappelé Jesse Eisenberg, qu'il avait déjà dirigé dans son plus mauvais opus de la dernière décennie (To  Rome with love, 2012), mais qui s'impose comme son double le plus parfait : le jeune comédien reproduit la façon de parler si particulière de son metteur en scène, sa gaucherie, son air lunaire, sans en faire trop. 

Face à lui, Kristen Stewart est la nouvelle muse de l'auteur qu'il a su, comme Scarlett Johansson, Evan Rachel Wood ou Emma Stone (d'autres jeunes recrues récentes), formidablement mettre en valeur : elle est effectivement radieuse et d'une rare justesse dans un rôle qui est finalement très ingrat.

Les seconds rôles sont tous soignés, du frère aîné gangster (Corey Stoll), au couple de mondains rencontré à L.A et retrouvé à New York (Parker Posey et Paul Schneider), en passant par les intellectuels de gauche (Stephen Kunken et Sari Lennick). Mais Allen les emploie uniquement à des fins comiques, comme des respirations dans un récit qui est plus émouvant et sentimental que drôle.

En revanche, l'oncle Phil est formidablement campé par Steve Carell (qui a hérité du rôle prévu initialement pour Bruce Willis - selon les versions, ce dernier aurait préféré se consacrer à un autre projet, mais il semble qu'il ne se soit tout simplement pas entendu avec Allen), et la splendide Blake Lively incarne Veronica, avec qui Bobby refait sa vie (dur métier de passer des bras de Kristen Stewart à ceux de Blake Lively...).

Avec une ironie savoureuse, le cinéaste balade son héros entre deux belles jeunes femmes qui partagent donc le même prénom, mais sans insister lourdement sur le quiproquo que cela suggère (puisque le diminutif de Veronica est Vonnie). Par contre, il glisse, de manière plus grave, le nom de Hitler au détour d'une conversation, comme pour indiquer que l'âge d'or du "Café Society", son faste, coïncide avec le début de la tragédie en Europe. De l'art de mixer le dérisoire et le drame.

Visuellement, le film est une splendeur, et je pèse mes mots. On le note rarement, mais Woody Allen a souvent copieusement emballé ses productions, malgré des budgets serrés, en veillant à s'adjoindre de grands chefs opérateurs. Darius Khondji indisponible (il avait réglé l'image de ses deux derniers opus), c'est l'immense Vittorio Storaro qui a régi les lumières de Café Society. La Californie est idéalisé dans des tons chauds, ensoleillés, et New York est plus fantasmée (comme l'avoue le réalisateur) que jamais, cité glamour mais aussi encore articulée autour de quartiers pavillonnaires comme ceux dans lesquels grandit Allen entre deux et six ans, à l'époque de cette histoire.

Certes, le cinéaste orchestre tout cela avec parfois une étonnante désinvolture, le drame amoureux qui se joue entre Bobby et Vonnie faisant écho aux tensions sociales de la famille Dorfman, bien moins fortement exploitées en comparaison. On peut interpréter cela comme le fait que société du titre est celle choisie d'une certaine catégorie d'individus, tout comme le scénario privilégie le quatuor Bobby-Vonnie-Phil-Veronica à tous les autres personnages, ces satellites plus convenus.

Rarement Woody Allen aura signé une comédie aussi triste mais aussi poignante sur le regret amoureux, la fin d'une époque, les renoncements, et l'imminence d'une catastrophe plus vaste. Mais c'est aussi déchirant que superbe : sourire puisque c'est grave, n'est-ce pas ça, la suprême élégance ? Bien qu'il ne s'en estime pas digne, le réalisateur se hisse au niveau de ses maîtres avec son 46ème film, sur lequel plane la référence de Lubitsch et qui est spirituellement résumé en une réplique : "la vie est une comédie écrite par un auteur sadique."