VICKY CRISTINA BARCELONA, de Woody Allen (2008)

VICKY CRISTINA BARCELONA est un film (le 37ème) film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Javier Aguirresarobe.

Dans les rôles principaux, on trouve : Rebecca Hall (Vicky), Scarlett Johansson (Cristina), Javier Bardem (Juan Antonio Gonzalo), Penélope Cruz (Maria Helena), Chris Messina (Doug), Patricia Clarkson (Judy Nash), Kevin Dudd (Mark Nash).

Vicky et Cristina

(Rebecca Hall et Scarlett Johansson)

Deux jeunes femmes américaines, Vicky et Cristina, se rendent à Barcelone pendant l'été où elles sont hébergées par des amies de la famille de la première, Judy et Mark Nash. Très liées, elles sont pourtant dissemblables dans leur manière de vivre : Vicky, la brune, est raisonnable et traditionnelle vis-à-vis des relations amoureuses (elle est d'ailleurs sur le point de se marier) tandis que Cristina, la blonde, se revendique comme anti-conformiste mais aussi plus irrésolue.

Juan Antonio Gonzalo

(Javier Bardem)

Accompagnant Vicky à une exposition, Cristina remarque parmi les invités le peintre Juan Antonio Gonzalo au sujet duquel Judy Nash lui explique qu'il sort d'une relation passionnelle avec sa muse, Maria Helena. Plus tard, alors qu'elles dînent dans un restaurant, il les aborde pour les inviter à le suivre jusqu'à Oviedo pour y visiter la ville, boire, manger et faire l'amour. Cristina est conquise, Vicky est plus réticente mais part quand même avec eux.

Juan Antonio et Vicky

A la fin de leur première journée sur place, Cristina rejoint Juan Antonio dans sa chambre mais, souffrant d'une indigestion, elle doit garder le lit plusieurs jours. En attendant, le peintre passe du temps avec Vicky qui s'attendrit à son égard en l'écoutant parler de sa romance avec Maria Helena. Juan Antonio la présente même à son père, un vieux poète, et elle finit par succomber à ses avances. 

Maria Helena

(Penélope Cruz)

De retour à Barcelone, une fois Cristina rétablie, sans que Vicky lui ait avouée son aventure avec Juan Antonio, cette dernière se replonge dans la rédaction de sa thèse. Cristina entame une liaison avec le peintre tandis que Doug rejoint Vicky. Une nuit, le peintre reçoit un appel téléphonique : Maria Helena a tenté de se suicider. Il va la chercher à l'hôpital et la ramène chez lui. 

Maria Helena, Juan Antonio et Cristina

D'abord tendue, l'ambiance s'apaise vite dans ce ménage à trois au point que Cristina devient aussi l'amante de Maria Helena. De son côté, Vicky prépare son mariage avec Doug qui aimerait l'épouser à Barcelone, les Nash organisant la cérémonie, mais la jeune femme surprend Judy avec son amant et comprend qu'elle-même n'est pas épanouie avec son futur conjoint. Elle pense encore à Juan Antonio comme elle le confie à Judy.

Maria Helena et Cristina

Cristina, pourtant comblée, est rattrapée par son insatisfaction chronique et annonce à Juan Antonio et Maria Helena qu'elle les quitte, ce qui provoque une crise dans leur trio. Alors que son amie est partie réfléchir à son avenir quelques jours en France, Vicky revoit alors le peintre grâce à Judy, qui a appris que Maria Helena l'a à nouveau abandonné. Mais elle resurgit en les menaçant avec un revolver. Juan Antonio la désarme mais Vicky, effrayée, préfère en rester là. 

Vicky

Quelques jours après, Vicky, mariée civilement à Doug, et Cristina rentrent en Amérique : la première s'est résignée à une vie conjugale rangée, la seconde ne sait toujours pas ce qui la rendra heureuse.

Après sa "trilogie anglaise" (Match Point, 2005 ; Scoop, 2006 ; Le Rêve de Cassandre, 2007), Woody Allen poursuit sa balade européenne en posant sa caméra en Espagne. Le soleil de la Catalogne lui inspire une nouvelle pépite, comédie aigre-douce sur deux jeunes femmes  amies mais dissemblables dont les sentiments vont être mis à l'épreuve.

Tout est rayonnant dans Vicky Cristina Barcelona : la ville y est filmée comme pour une brochure touristique (de la même manière que Paris dès les premières images de Minuit à Paris), les maisons, les jardins, les intérieurs, sont superbes, et les comédiens sont saisis de manière à les rendre aussi attirants que les décors dans lesquels ils évoluent.

Il émane de l'ensemble une sensualité solaire tout de même assez inattendue de la part de Allen qui, s'il a souvent écrit sur les affres du coeur, ne s'est jamais attardé sur la dimension charnelle de l'amour. Or, là, il convoque un casting particulièrement séduisant en retrouvant pour la troisième fois consécutive (et dernière à ce jour) Scarlett Johansson, et Rebecca Hall (qui était comme cette dernière à l'affiche du Prestige de Christopher Nolan en 2006), Javier Bardem et Penélope Cruz.

Mais le cinéaste s'en amuse évidemment : l'idyllique exotisme ne sert qu'à souligner les clichés érotiques et les emballements romantiques de ses protagonistes. Les deux filles sont des bourgeoises américaines, figures familières du cinéma d'Allen, en quête de frissons (même si l'une l'admet alors que l'autre s'en défend), jusqu'à l'irruption d'une troisième femme, directement empruntée à Pedro Almodovar, d'autant plus qu'elle est incarnée par Penélope Cruz, et qui fait basculer ce marivaudage dans une fantaisie quasi-burlesque (la comédienne joue là comme Sophia Loren, déchaînée, volcanique - sa prestation, épatante, lui vaudra justement l'Oscar du meilleur second rôle).

Woody Allen utilise les codes du conte initiatique avec une savoureuse ironie. Vicky (interprétée par Rebecca Hall comme si elle imitait la diction bégayante et la gestuelle fébrile de son metteur en scène) comme Cristina (campée par Scarlett Johansson, torride mais surtout "intranquille" - le baiser langoureux qu'elle échange avec Penélope Cruz dans une chambre noire, dont la lumière rouge souligne l'embrasement des corps, restera le grand moment sexy du film) sont tout droit sorties d'un roman de gare, désirables et tourmentés, dépassés par le tourbillon amoureux ibérique. 

Le désir, personnifié par Javier Bardem (viril et déchiré comme la caricature d'artiste qu'aime moquer Allen), est omniprésent (via les dialogues, les lumières, les corps) et oblige à des choix tranchés dans des situations paroxystiques (le sommet étant atteint avec la scène où Maria Helena surgit, revolver au poing, alors que Juan Antonio enlace Vicky, menaçant de les/se tuer - un moment irrésistible et absurde). La raison l'emporte logiquement chez Vicky, les sentiments rongent encore Cristina : aucune ne maîtrise son coeur ou son esprit, comme l'indique la voix off omnisciente, à la fois malicieuse et détachée. Il n'est pas davantage certain que l'expérience aura plus profité à Juan Antonio et Maria Helena, même s'ils ne s'aiment vraiment que dans le conflit.

Le film se termine sur une note troublante même qui résume bien le ton général : la parenthèse refermée, la réalité reprend ses droits, le charme est rompu. Il ne restera aux protagonistes que les fantasmes de ce séjour catalan. Mais cet épilogue doux-amer a plu : avec plus de 95 M $ de recettes (pour un budget de 15), Vicky Cristina Barcelona est un des plus gros succès commercial de son génial auteur.  

WHATEVER WORKS, de Woody Allen (2009)

WHATEVER WORKS est un film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Harris Savides.

Dans les rôles principaux, on trouve : Larry David (Boris Yelnikoff), Evan Rachel Wood (Melody Saint-Ann Celestine), Patricia Clarkson (Marietta Celestine), Henry Cavill (Randy Lee James), Conleth Hill (Leo Brockman), Ed Begley Jr. (John Celestine), Olek Krupa (Morgensten), Jessica Hecht (Helena).

 Boris Yelnikoff

(Larry David)

Ancien professeur de physique, Boris Yelnikoff enseigne aujourd'hui les échecs à des enfants dont le niveau l'afflige. Ce misanthrope, atteint de t.o.c. et paranoïaque, n'est pas un maître très accommodant, il ne l'a jamais été et ce n'est pas son divorce qui a arrangé les choses.

Melody Saint-Ann Celestine

(Evan Rachel Wood)

Un soir qu'il rentre chez lui, il trouve sur le pas de sa porte une jeune femme endormie, Melody St-Ann Celestine, 21 ans, qui a quitté sa famille, des républicains fondamentalistes, dans le Mississipi. Réticent, Boris accepte quand même qu'elle passe la nuit chez lui. 

Melody et Boris

S'il la considère comme une provinciale simple d'esprit, Boris éprouve quand même de la sympathie pour Melody. Elle devient promeneuse de chiens et développe un béguin pour son hôte, qui a pourtant l'âge d'être son grand-père. Lequel avoue à ses rares amis la trouver jolie et amusante...

 Leo Brockman et Marietta Celestine

(Conleth Hill et Patricia Clarkson)

Un an passe. Boris et Melody se sont mariés lorsque Marietta, la mère de cette dernière, débarque à New York en annonçant qu'elle a quitté son mari infidèle avant de découvrir, effarée, la situation conjugale de sa fille. Peu après, elle fait la connaissance de Leo Brockman, un ami de Boris, qui la séduit et l'encourage à exposer ses photos.

Randy Lee James et Melody

(Henry Cavill et Evan Rachel Wood)

En déjeunant avec son amant, son gendre et sa fille, Marietta est abordée par Randy Lee James, séduisant jeune comédien, qui a remarqué Melody. Sa mère va alors tout faire pour les réunir et donc briser le couple de sa fille et Boris. Marietta entame une relation à trois avec Leo et Morgensten tandis que Melody finit par céder aux avances de Randy Lee. 

John Celestine

(Ed Begley Jr.)

John Celestine, le mari de Marietta et père de Melody, surgit à son tour mais en découvrant ce qu'elles sont devenues, il va se soûler dans un bar où il se confie à un client. De fil en aiguille, il reconnaît ses responsabilités et avoue avoir toujours été attiré par les hommes, ce qui ravit son interlocuteur qui vient d'être largué par son amant.

"Mais, à qui parles-tu, Boris ? - Au public, voyons ! Il nous regarde depuis le début !"

Melody avoue à Boris son amour pour Randy Lee et il la laisse en profiter en lui accordant le divorce. Il tente quand même ensuite de se suicider par défenestration mais tombe sur une passante, Helena. En lui rendant visite à l'hôpital, il apprend qu'elle est médium et pour s'excuser l'invite à dîner.

Au Nouvel An, tout le monde se retrouve chez Boris, chacun savourant son bonheur : comme le dit leur hôte au public, face caméra, "qu'importe, si ça marche !".

Dans un entretien qu'il avait donné avec les réalisateurs d'Intouchables, Eric Toledano et Olivier Nakache, Woody Allen expliquait la régularité de son écriture par le fait qu'il conservait une somme de notes diverses - parfois une simple réplique, parfois une ébauche d'histoire. Quand il commençait la rédaction d'un nouveau script, il procédait souvent à la synthèse de plusieurs de ces idées, dont certaines dataient de plusieurs années, voire décennies.

C'est ainsi que la première version de ce qui allait devenir Whatever Works, son 39ème film, remonte aux années 1970 : il en destinait le rôle principal à son ami Zero Mostel, mais abandonna le projet à la mort du comédien en 77. Il le reprit et le remania en 2007 pour le confier à Larry David, vedette de la série télé Curb Your Enthusiasm (diffusée sur HBO de 2000 à 2011) ; celui-ci hésita à accepter car il estimait que seul Allen pouvait jouer un personnage pareil.

Heureusement, l'insistance du cinéaste eut raison des réticences de l'acteur sans qui cette romance improbable entre un génie autoproclamé mais irascible et une jeune fille (pas si) idiote n'aurait pas été aussi irrésistible. 

C'est d'abord un festival de bons mots hilarants qui ponctue ce récit : "Si ma grand-mère avait des roues, ce serait un tramway !" (Boris), "On déteste les noirs parce qu'ils ont un gros pénis. Les juifs, on les déteste même s'ils en ont un petit !" (Boris again), "Où je peux emmener ma mère pour qu'elle s'amuse ? - Au musée de l'Holocauste peut-être." (Melody à Boris), "L'entropie, c'est comme quand on ne peut pas remettre le dentifrice dans le tube." (Melody), "J'emporte toujours du viagra avec moi. - Pas la peine, je mange beaucoup de viande rouge." (Melody à Randy Lee), "Toutes le femmes nous font du mal. Qu'elles soient mâles ou femelles." (Boris).

Après sa "trilogie londonienne" dominée par le drame (même si Scoop était une comédie) et son escale ibérique sous le signe de Marivaux (Vicky Cristina Barcelona, 2008), Allen revient à New York comme s'il ne l'avait jamais quitté, ragaillardi, et dissertant avec verve sur le sens de la vie (à supposer qu'elle en ait un...) et de l'amour (tout aussi incertain...). Pour cela, Larry David est son parfait alter ego, partageant avec lui le même goût de l'auto-flagellation et des formules bien senties, monologuant face caméra avec un cynisme réjouissant.

L'argument du film permet aussi au cinéaste d'animer des personnages ahurissants, opposés, qui dans la mégalopole voient tous leurs repères sociaux, moraux, sexuels bouleversés. Il y a, mine de rien, dans ce projet un esprit, certes rigolard, mais surtout libertaire totalement assumé, et Allen se lâche comme jamais sur ses bêtes noires - les républicains, les bigots, le communautarisme (juif et noir en particulier - il ne se faisait aucune illusion sur la "révolution" Obama en 2009), les femmes.

Mais il n'est pas aigri et prône même une grande réconciliation sensuelle : hétéros, homos, jeunes, vieux, à deux, à trois, "qu'importe, si ça marche !" -  "Whatever works !", comme l'affirme le titre. A 74 ans, Allen était encore inspiré par l'érotisme débridé qui animait Vicky Cristina Barcelona, mais en s'affranchissant d'un final aussi amer, et il troquait son pessimisme pour un positivisme décomplexé et drôlissime.

L'interprétation est exceptionnelle, en particulier Evan Rachel Wood (qu'on aurait revoir chez Allen) mais aussi une phénoménale Patricia Clarkson en sudiste perverti par la Grosse Pomme et Henry Cavill (avant Man of Steel) très à l'aise dans ce registre.

85 minutes de bonheur pour un des opus récents les plus réjouissants du plus grand cinéaste américain vivant !

SCOOP, de Woody Allen (2006)

SCOOP est un film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Remi Adefisaran.

Dans les rôles principaux, on trouve : Scarlett Johansson (Sondra Pransky), Woody Allen (Sidney Waterman alias "Splendini"), Hugh Jackman (Peter Lyman), Ian McShane (Joe Strombel), Romola Garaï (Vivian Thompson).

 Joe Strombel et Sondra Pransky

(Ian McShane et Scarlett Johansson)

Londres. Sondra Pransky est une jeune étudiante américaine en journalisme qui doit interviewer un cinéaste. Pour cela, il obtient qu'elle couche avec lui, comme elle le confiera ensuite à sa meilleure amie, Vivian Thompson, qui l'héberge. 

Sidney Waterman/"Splendini" et Sondra Pransky

(Woody Allen et Scarlett Johansson)

Les deux filles assistent le soir venu au spectacle donné par le magicien "Splendini" qui, pour les besoins de son dernier numéro, sollicite un spectateur dans la salle. Sondra est choisie pour cette expérience de dématérialisation. A l'intérieur d'une boîte chinoise, elle entre en contact avec le fantôme de Joe Strombel, récemment assassiné alors qu'il avait identifié Peter Lyman, le fils d'un Lord, comme étant le tueur à la carte de Tarot. 

Sondra Pransky et Peter Lyman

(Scarlett Johansson et Hugh Jackman)

Bouleversée mais résolue aussi à décrocher ce scoop qui lancera sa carrière, Sondra convainc Sidney Waterman alias "Splendini" de la seconder dans son enquête. Ils découvrent que Lyman a ses habitudes au "Governor's Club" où il nage dans la piscine intérieure. La jeune femme fait sa connaissance en prétendant s'appeler Jade Spence et présente Sid comme son père, un riche hommes d'affaires américain. Charmée par cette séduisante étrangère, il l'invite à une réception chez ses parents. 

Peter et Sondra

Lyman séduit Sondra/Jade qui s'efforce de garder la tête froide et découvre la salle de musique où il garde des instruments rares. Mais elle cède quand même à ses avances et couche avec lui. Pendant ce temps, Sid continue de faire des recherches sur les victimes du serial killer - toutes des brunes aux cheveux courts, comme Lady Eleanor, la mère de Peter - , dont la dernière est la secrétaire du noble, empoisonnée après s'être confié à Strombel. 

Peter, Sondra et Sid

Sondra découvre dans la salle de musique, sous un cor français, un jeu de Tarot, mais quand un journaliste expérimenté, ancien collègue de Strombel, à qui elle et Sid parlent de leurs soupçons, leur explique qu'ils n'ont aucune preuve solide contre Lyman, elle renonce. Peter lui ment à propos d'un déplacement professionnel - au cours duquel une nouvelle fille est assassinée. 

Sid

Lorsque Sondra et Peter se revoient, elle lui avoue sa véritable identité et ses investigations : il s'en amuse et la demande en mariage. Pendant qu'ils partent en week-end à la campagne, Sid apprend que la dernière victime, Betty Gibson, était une prostituée que fréquentait Lyman et qui menaçait de le faire chanter - un mobile parfait pour la supprimer. Quand il en avise Sondra, Peter écoute leur conversation au téléphone et tente ensuite de noyer la jeune femme. Elle survit et confond son amant devant la police qu'il a lui-même appelée tandis que Sid trouve la mort en ayant voulu rejoindre Sondra au volant d'une voiture dont il a perdu le contrôle.

Tourné juste après le triomphe critique et public de Match Point, toujours à Londres et toujours avec Scarlett Johansson, Scoop est une comédie policière légère et fantasque que Woody Allen a manifestement écrite pour le plaisir de donner la réplique à sa nouvelle muse et en réaction à son précédent opus, au ton nettement plus tragique.

C'est donc avec un nouveau souffle que le cinéaste dirige la belle comédienne, effectivement excellente dans ce registre, ravissante et drôle, même s'il s'est réservé les répliques les plus savoureuses ("Vous êtes l'honneur de votre race" répété à tout-bout-de-champ par "Splendini" ou cette irrésistible confession : "Je suis de conviction juive, mais en vieillissant je me suis converti au narcissisme."). Leur duo fait des étincelles en détectives amateurs ("Si on met nos deux têtes ensemble, on va entendre un bruit creux." reconnaît Sondra) face à un suspect aussi avenant que plus retors. Hugh Jackman compose avec un exquise suavité ce fils de Lord, inspiré par le personnage de Cary Grant dans Soupçons (Alfred Hitchcock, 1941), qui lui permettait de varier les plaisirs à une époque où sa reconnaissance devait tout à Wolverine dans la franchise X-Men.

Le scénario est certes mineur et traîne un peu sur la fin, avec une révélation convenue. Mais la mort de "Splendini" illustre de manière troublante le dernier rôle tenu devant sa propre caméra par Allen. et le résultat est quand même plein de malice, très pétillant.

Entre deux titres graves (Match Point puis Le Rêve de Cassandre, en 2007, qui bouclera la "trilogie anglaise" du réalisateur), Scoop est une aimable parenthèse où l'intrigue est un prétexte, la réalisation classique, avec une photographie sans éclat. Rien d'inoubliable donc, mais à croquer, rien que pour Scarlett, divine aussi bien en enquêtrice à lunettes rondes que sexy en diable en maillot de bain rouge.

MANHATTAN, de Woody Allen (1979)

MANHATTAN est le neuvième film réalisé par Woody Allen.

Le scénario est écrit par Woody Allen et Marshall Brickman. La photographie est signée Gordon Willis. La musique est composée par George Gershwin.

Dans les rôles principaux, on trouve : Woody Allen (Isaac Davis), Mariel Hemingway (Tracy), Deane Keaton (Mary Wilkie), Michael Murphy (Yale), Meryl Streep (Jill).

 Isaac Davis et Tracy
(Woody Allen et Mariel Hemigway)

Isaac Davis, la quarantaine, vit une romance avec la jeune Tracy, 17 ans, étudiante brillante. Conscient que cette relation est sans avenir, parce qu'il est aussi vieux que le père de la jeune fille, il cherche avec rompre avec elle sans la blesser.

Mais ce n'est là qu'un de ses nombreux soucis...

Isaac et Jill
(Woody Allen et Meryl Streep)

Séparée de sa deuxième épouse, Jill, qui vit désormais avec une femme, Isaac apprend, sidéré, qu'elle a écrit un livre sur leur mariage dans lequel elle expose tous leurs différends, y compris les plus intimes. Pire : elle en a vendu les droits pour une adaptation cinématographique !  

"Chapitre Un. Il était dur et romantique comme cette ville qu'il aimait."

Professionnellement aussi, Isaac ne sait plus trop où il en est - ou plutôt il sait qu'il ne supporte plus sa situation : lassé et frustré d'écrire des gags pour la télévision, il ambitionne d'écrire le grand roman sur Manhattan, cette ville dont il aimerait saisir l'atmosphère, pour laquelle il voudrait écrire une déclaration d'amour. Mais il ne réussit pas à dépasser la rédaction du chapitre Un, jamais satisfait de son texte. 

Yale, Mary Wilkie, Isaac Davis et Tracy
(Michael Murphy, Diane Keaton, Woody Allen et Mariel Hemingway)

Sur un coup de tête, Isaac plaque tout - même si, sans travail, il sait qu'il devra abandonner rapidement son bel appartement et donner moins d'argent à ses parents. Au même moment, son ami Yale, un enseignant, lui révèle tromper sa femme avec une intellectuelle, Mary Wilkie, à laquelle il veut la présenter pour savoir ce qu'il en pense. 

Mary et Isaac

Au début, Isaac ne cache pas le mépris que lui inspire Mary qu'il considère comme une femme snob et insouciante. Mais ensuite, il comprend progressivement qu'il est attiré par son charme et que ses sentiments sont partagés : elle quitte Yale pour s'installer avec Isaac. 

"Qu'est ce qui fait que la vie mérite d'être vécue ?
C'est une très bonne question."

Ayant, entretemps, rompu avec Tracy, Isaac apprend que Yale a demandé le divorce et qu'il a demandé à Mary de partager sa vie. Elle accepte. A nouveau seul, Isaac réfléchit à ce qui compte pour lui : Tracy s'impose dans ses pensées et il décide de la rejoindre alors qu'elle s'apprête à prendre l'avion pour poursuivre ses études à Londres. Saura-t-il la convaincre de rester à New York ?

Quand il entreprend la réalisation de Manhattan, cela fait treize ans que Woody Allen cherche à s'imposer comme cinéaste : il s'est surtout fait remarquer pour ses comédies burlesques (Lily la tigresse, 1966 ; Prends l'oseille et tire-toi !, 1969 ; Bananas, 1971 ; Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sexe sans jamais oser le demander, 1972), puis des longs métrages plus décalées mais inégaux (Woody et les robots, 1973 ; Guerre et amour, 1975).

Un tournant s'opère en 1977 avec Annie Hall, dont la confection sera chaotique mais le succès décisif : le film récolte quatre Oscar (meilleurs film, réalisateur, scénario, actrice) et et rencontre un accueil public enthousiaste. Plus rien ne sera comme avant : Woody Allen est devenu un auteur à part entière, reconnu par ses pairs et les spectateurs.

En 78, pourtant, il surprend tout ce monde avec un drame intimiste sous influence "Bergmanienne", Intérieurs. Mais cet opus, qui sera longtemps incompris, et sanctionné par un bide commercial alors, va pourtant lui servir à préparer la synthèse de ses registres comique et plus grave avec Manhattan, l'année suivante.

Cette symphonie, saisie dans un somptueux noir et blanc par Gordon Willis, sur la musique de George Gershwin, est d'abord la lettre d'amour de Woody Allen à la ville qui l'a vu naître, celle qu'il arrivera, contrairement à son héros Isaac Davis, à formuler. La beauté esthétique du film suffit à corriger tous ceux qui (pendant longtemps) ont pu reprocher au réalisateur de filmer sans manière, privilégiant le fond sur la forme, et encore aujourd'hui, on ne peut qu'être ébloui par la grâce de certains plans, cette image au grain magnifique, d'une poésie rare.

Tout au long de l'histoire, les personnages, tous des new yorkais névrosés mais sympathiques (qu'on qualifierait aisément de "bobos" aujourd'hui, ce mot-valise et méprisant), sont décrits comme profondément humains car faillibles, vulnérables, réalistes. Ils ne cessent de se tourner autour au gré des sentiments qui les animent et les tourmentent, les exprimant ouvertement, dans un mélange d'impudeur et d'autodérision. Ils se trouvent, s'entendent (sans forcément s'écouter vraiment), se séparent, et leurs discussions vives sur tout et n'importe quoi - surtout sur eux-mêmes, avec un nombrilisme assumé - , leurs dialogues abondants en bons mots, débités souvent rapidement, trahissent leur fébrilité.

"Pour qui te prends-tu ? Pour Dieu ?

- Il faut bien que je prenne quelqu'un pour modèle !"

Cette ronde amoureuse est parsemée de saillies ironiques, cyniques, spirituelles, où Allen avec son comparse d'alors, Marshall Brickman, épinglent le monde de l'art contemporain, le cinéma, la critique, la middle-class américaine, mais sans aucune aigreur, toujours avec malice. Ici, la mélancolie tutoie la drôlerie avec une adresse imparable.

C'est aussi une espèce d'autoportrait que livre Allen : ce Isaac Davis lui ressemble comme un jumeau, frustré d'être uniquement célébré comme un gagman, ambitionnant de devenir un auteur sérieux, mais aussi amant effréné, philosophe dépressif, commentateur autant de sa propre existence qu'observateur de la ville sur laquelle il tente d'aligner son inspiration. Manhattan en dit autant sur ce que Allen fut (il eût une liaison avec une jeune actrice de 17 ans, comme Isaac avec Tracy, sur le tournage de Annie Hall) que sur ce qu'il deviendra (après un long mariage avec Mia Farrow, qui se terminera dans des allégations sordides de cette dernière, il a refait sa vie avec une de ses filles adoptives).

La peinture de la vie citadine à la fin des années 70 sert de cadre, majestueux, aux atermoiements sentimentaux d'Isaac, pris entre les libertés conquises dans les années 60 et l'insouciance qui en a découlé, et ses ambitions d'homme mûr, à la recherche d'un second souffle amoureux, artistique. Entouré par des comédiens formidables (sa muse Diane Keaton, excellente en amante frivole ; Meryl Streep, parfaite en ex-épouse glaciale ; Mariel Hemingway, craquante dans le rôle de sa vie), Woody Allen se joue (de) lui-même avec une vraie audace, précédant la mode romanesque de l'autofiction. Quand, à la fin, il énumère les raisons qui font que la vie, selon lui, mérite d'être vécue, un ange passe quand il comprend enfin ce qui compte le plus :

"Qu'est-ce qui fait que la vie vaut d'être vécue ? C'est une très bonne question. Um...

Bien, il y a certaines choses valables... Uh... Comme quoi ?... OK... Um..

Pour moi, heu... Ooh... Groucho Marx pour commencer... Uh... Um...

Et Willie Mays... Et, um... Le second mouvement de la Symphonie Jupiter...

Et, um... Louis Armstrong jouant 'Potato Head Blues'... Um... Les films suédois,

naturellement... 'L'Education Sentimentale' de Flaubert... Uh.. Marlon Brando,

Frank Sinatra... Um... Ces incroyables 'Pommes et Poires' par Cézanne...

Uh... Les crabes de chez Sam Wo... Le visage de Tracy..."

C'est, là, une scène, simple, mais déterminante, de celles qui signent un chef d'oeuvre. 

CAFE SOCIETY, de Woody Allen (2016)

CAFE SOCIETY est le 46ème film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Vittorio Storaro.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jesse Eisenberg (Bobby Dorfman), Kristen Stewart (Veronica "Vonnie" Sybel), Steve Carell (Phil Stern), Blake Lively (Veronica Hayes), Corey Stoll (Ben Dorfman).

Bobby Dorfman

(Jesse Eisenberg)

Années 30. Bobby Dorfman est un jeune homme qui décide de quitter New York et sa famille pour tenter sa chance à Los Angeles dans les studios de Hollywood. Là-bas est en effet déjà établi son oncle, Phil Stern, un des plus fameux agents artistiques de la capitale du cinéma, auprès de qui il obtenir un emploi.

Vonnie et Bobby

(Kristen Stewart et Jesse Eisenberg)

Mais l'oncle Phil ne sait pas quoi faire de son neveu et il ne lui confie, dans un premier temps, que des tâches subalternes, comme livrer du courrier. Pour qu'il découvre la cité des anges, Bobby Dorfman est guidé par une des secrétaires de l'agence, la séduisante Vonnie, dont il tombe immédiatement amoureux, mais qui lui explique être déjà engagée avec un journaliste prénommé Doug. 

Phil Stern

(Steve Carell)

En Vonnie est la maîtresse de Phil qui lui a promise de divorcer pour l'épouser. Quand il lui annonce n'en avoir pas le courage, la jeune femme trouve du réconfort auprès de Bobby et finit par céder à ses avances. Le garçon, qui ne s'épanouit pas à Los Angeles, veut alors regagner New York avec elle et s'y marier.

Mais, avant cela, Bobby reçoit les confidences de son oncle, ne pouvant pas oublier sa maîtresse depuis leur rupture et désormais résolu à divorcer. Le jeune homme découvre alors accidentellement que l'amante de Phil n'était autre que Vonnie.

Lorsqu'il va demander à celle-ci avec qui elle compte s'engager maintenant, elle choisit de rester à Los Angeles et donc avec Phil.

(A gauche :) Ben Dorfman

(Corey Stoll)

Bobby est de retour à New York et seconde son frère aîné Ben, un voyou, à la direction d'un club, le "Café Society", fréquenté par toute la haute société de la ville. Le jeune homme s'investit dans les affaires pour oublier sa déception amoureuse jusqu'à ce qu'il soit présenté à la très belle Veronica Hayes. Ils se plaisent et bientôt deviennent parents.

Cependant, Ben est rattrapé par ses méfaits et arrêté par la police. 

Bobby Dorfman et Veronica Hayes

(Jesse Eisenberg et Blake Lively)

De passage à New York, Phil est accompagné par Vonnie, désormais son épouse. Il paie un avocat réputé pour défendre Ben, sans que cela suffise à lui éviter la peine capitale.

Vonnie et Bobby

Alors qu'il est comblé comme mari, père et hommes d'affaires, Bobby est tout de même bouleversé en revoyant Vonnie. Ils se rapprochent à nouveau, tout en sachant que leur tour est passé. Lors du nouvel an, chacun de leur côté, Bobby comme Vonnie n'ont pas le coeur à la fête et pensent avec mélancolie à leur bonheur enfui. 

Veronica et Bobby (de dos)

Après l'excellent L'Homme irrationnel, le nouveau film de Woody Allen est, comme Magic in the moonlight en 2014, est une nouvelle comédie dans les années 30, mais où la mélancolie a pris le pas sur la fantaisie.

Cette fois donc, aux grincheux qui radotent en affirmant que "Woody Allen, c'était mieux avant", on répondra que "cette fois, c’est comme avant !" : l'époque, le héros juif  new-yorkais, la belle californienne, le souvenir d'un passé idéalisé, le vaudeville, tout est là. Les fans (comme moi) seront comblés par le résultat, d'une élégance douce-amère impeccable, accompagné par la voix-off du cinéaste lui-même.

Mais Woody Allen ne se repose toujours pas sur ses lauriers, et à 80 ans, réussit une nouvelle merveille : ce n'est pas une oeuvre crépusculaire d'un réalisateur à bout de souffle, mais un film d'une étonnante tenue, à la sensualité lumineuse.

Bobby  Dorfman et Vonnie, les deux personnages principaux de cette histoire, apparaissent comme les aïeux de Alvy Singer et Annie Hall dans le film de 1977, un des classiques du maître : leur couple est animé par la même maladresse, ce qui lui donne son caractère attachant, et la même fatalité, qui voue leur relation à un cruel échec. Pour donner corps à son héros, Woody Allen a rappelé Jesse Eisenberg, qu'il avait déjà dirigé dans son plus mauvais opus de la dernière décennie (To  Rome with love, 2012), mais qui s'impose comme son double le plus parfait : le jeune comédien reproduit la façon de parler si particulière de son metteur en scène, sa gaucherie, son air lunaire, sans en faire trop. 

Face à lui, Kristen Stewart est la nouvelle muse de l'auteur qu'il a su, comme Scarlett Johansson, Evan Rachel Wood ou Emma Stone (d'autres jeunes recrues récentes), formidablement mettre en valeur : elle est effectivement radieuse et d'une rare justesse dans un rôle qui est finalement très ingrat.

Les seconds rôles sont tous soignés, du frère aîné gangster (Corey Stoll), au couple de mondains rencontré à L.A et retrouvé à New York (Parker Posey et Paul Schneider), en passant par les intellectuels de gauche (Stephen Kunken et Sari Lennick). Mais Allen les emploie uniquement à des fins comiques, comme des respirations dans un récit qui est plus émouvant et sentimental que drôle.

En revanche, l'oncle Phil est formidablement campé par Steve Carell (qui a hérité du rôle prévu initialement pour Bruce Willis - selon les versions, ce dernier aurait préféré se consacrer à un autre projet, mais il semble qu'il ne se soit tout simplement pas entendu avec Allen), et la splendide Blake Lively incarne Veronica, avec qui Bobby refait sa vie (dur métier de passer des bras de Kristen Stewart à ceux de Blake Lively...).

Avec une ironie savoureuse, le cinéaste balade son héros entre deux belles jeunes femmes qui partagent donc le même prénom, mais sans insister lourdement sur le quiproquo que cela suggère (puisque le diminutif de Veronica est Vonnie). Par contre, il glisse, de manière plus grave, le nom de Hitler au détour d'une conversation, comme pour indiquer que l'âge d'or du "Café Society", son faste, coïncide avec le début de la tragédie en Europe. De l'art de mixer le dérisoire et le drame.

Visuellement, le film est une splendeur, et je pèse mes mots. On le note rarement, mais Woody Allen a souvent copieusement emballé ses productions, malgré des budgets serrés, en veillant à s'adjoindre de grands chefs opérateurs. Darius Khondji indisponible (il avait réglé l'image de ses deux derniers opus), c'est l'immense Vittorio Storaro qui a régi les lumières de Café Society. La Californie est idéalisé dans des tons chauds, ensoleillés, et New York est plus fantasmée (comme l'avoue le réalisateur) que jamais, cité glamour mais aussi encore articulée autour de quartiers pavillonnaires comme ceux dans lesquels grandit Allen entre deux et six ans, à l'époque de cette histoire.

Certes, le cinéaste orchestre tout cela avec parfois une étonnante désinvolture, le drame amoureux qui se joue entre Bobby et Vonnie faisant écho aux tensions sociales de la famille Dorfman, bien moins fortement exploitées en comparaison. On peut interpréter cela comme le fait que société du titre est celle choisie d'une certaine catégorie d'individus, tout comme le scénario privilégie le quatuor Bobby-Vonnie-Phil-Veronica à tous les autres personnages, ces satellites plus convenus.

Rarement Woody Allen aura signé une comédie aussi triste mais aussi poignante sur le regret amoureux, la fin d'une époque, les renoncements, et l'imminence d'une catastrophe plus vaste. Mais c'est aussi déchirant que superbe : sourire puisque c'est grave, n'est-ce pas ça, la suprême élégance ? Bien qu'il ne s'en estime pas digne, le réalisateur se hisse au niveau de ses maîtres avec son 46ème film, sur lequel plane la référence de Lubitsch et qui est spirituellement résumé en une réplique : "la vie est une comédie écrite par un auteur sadique." 

MINUIT A PARIS, de Woody Allen (2011)

MINUIT A PARIS (Midnight in Paris) est le 42ème film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Darius Khondji. 

Dans les rôles principaux, on trouve : Owen Wilson (Gil Pender), Rachel McAdams (Inez), Marion Cotillard (Adriana), Léa Seydoux (Gabrielle), Kathy Bates (Gertrude Stein), Corey Stoll (Ernest Hemigway), Adrien Brody (Salvador Dali), Marcial Di Fonzo Bo (Pablo Picasso), Tom Hiddleston (Scott Fitzgerald), Alison Pill (Zelda Fitzgerald)...

Gil Pender et Inez arrivent à Paris pour y préparer leur mariage, en compagnie des parents de la jeune femme (qui ne s'entendent pas avec leur futur gendre). Gil, qui veut se consacrer à l'écriture d'un roman, aimerait s'installer dans la capitale française mais ce projet ne séduit pas sa future épouse. 

Gil et Inez

(Owen Wilson et Rachel McAdams)

Il doit aussi supporter un autre couple américain dont le mari est un ancien prétendant d'Inez, un type imbuvable, suffisant et prétendant tout savoir sur Paris, sa culture, son passé.

Paul, son amie, Inez et Gil

(Michael Sheen, Rachel McAdams et Owen Wilson)

Un soir, alors qu'Inez va danser avec ses amis, Gil va se promener et s'égare. A minuit, une voiture s'arrête près de l'endroit où il cherche à se repérer et ses occupants l'invitent à une soirée. En route, Gil comprend que ses hôtes sont Scott et Zelda Fitzgerald et qu'il a remonté le temps jusque dans les années 1920. Il rencontre ensuite Ernest Hemingway, Gertrude Stein, Pablo Picasso et la nouvelle muse de ce dernier, la belle Adriana, dont il tombe amoureux au premier regard.

Adriana

(Marion Cotillard)

Pour s'assurer qu'il n'a pas rêvé cette nuit, Gil se rend au même endroit le lendemain, toujours à minuit. A nouveau, il est transporté dans le passé et croise de nouveaux artistes de l'époque : Salvador Dali, Cole Porter, Juan Belmonte, T. S. Eliot, Luis Buñuel, Man Ray...

Zelda et Scott Fitzgerald

(Alison Pill et Tom Hiddleston)

 Gil, Ernest Hemignway et Gertrude Stein

(Owen Wilson, Corey Stoll et Kathy Bates)

Pablo Picasso

(Marcial Di Fonzo Bo)

Salvador Dali

(Adrien Brody)

Man Ray et Luis Buñuel

(Tom Cordier et Adrien De Van)

Son beau-père le fait suivre les nuits suivantes mais le détective engagé est semé. L'amour que Gil éprouve pour Adriana fait voler son couple avec Inez en éclats mais aboutit à une impasse car la muse des peintres ne pense trouver le bonheur que dans des années encore antérieures.

Gil et Adriana

(Owen Wilson et Marion Cotillard)

Gil rebondit malgré tout en se posant à Paris, où il peut se consacrer à son roman, et en se liant avec Gabrielle, une jeune et jolie antiquaire, partageant ses goûts...

Gabrielle

(Léa Seydoux)

C'est, parmi les films récents de Woody Allen, un des plus joyeux, les plus drôles, tout en restant mélancolique - il faudra attendre Magic in the Moonlight (en 2014) pour qu'il renoue avec ces tonalités.

A l'époque de Midnight in Paris, Allen a repris son tour d'Europe, entamé avec Match Point (2005), Scoop (2006), Le Rêve de Cassandre (2007), Vicky Cristina Barcelona (2008), et plus tard par To Rome with Love (2012). Ces voyages hors de Manhattan en particulier et de l'Amérique en général découlent de la recherche de financements mais aussi d'une volonté manifeste d'explorer d'autres horizons, de situer ses histoires dans d'autres cadres, même si c'est la première fois en près de quarante ans de carrière qu'il aligne des longs métrages à l'étranger aussi fréquemment.

Profitant d'un crédit d'impôts pour les tournages en France (et certainement en échange d'un petit rôle pour Carla Bruni, la femme du président de la république d'alors, Nicolas Sarkozy), Woody Allen pose donc sa caméra à Paris pour une comédie sentimentale délicieuse. Les premières images sont une succession de cartes postales de la capitale comme si le cinéaste avait voulu se débarrasser de l'hommage envers ses hôtes. Mais on peut aussi estimer qu'il s'agit de la manière dont n'importe quel touriste découvre la capitale et c'est alors une figure logique puisque le héros de l'histoire est un touriste idéalisant Paris.

Derrière quelques bonnes répliques et ce sentimentalisme assumé, Allen ne trompe personne très longtemps en brossant le portrait d'un couple qui, bien que sur le point de se marier, est composé de deux individualités contraires : le romantique démocrate Gil n'a rien à voir/à faire avec cette Inez bourgeoise républicaine, encore moins avec ses beaux-parents qui le méprisent ouvertement. Rarement le cinéaste aura d'ailleurs manifesté autant de critique avec ses concitoyens américains, comme le confirme ensuite le rôle joué par Paul et son amie : non seulement ceux-ci sont d'épouvantables snobs mais en plus ils prétendent mieux connaître la France et sa capitale que ses propres habitants et guides !

Puis le film bascule, à la fois dans la comédie romantique et le fantastique féerique, quand Gil remonte le temps lorsqu'un soir il s'égare en ville et que le douze coups de minuit sonnent. Allen met en scène alors les rencontres de son héros avec la fine fleur culturelle des années 20, une fabuleuse concentration d'expatriés s'illustrant dans la littérature, la peinture, le cinéma.

Le casting est particulièrement soigné et donne un relief à la fois drôle et troublant à cette idée puisque chaque acteur est à la fois très bon dans son rôle mais aussi très ressemblant avec la célébrité qu'il incarne : Tom Hiddleston et Alison Pill pour Scott et Zelda Fitzgerald, Corey Stoll pour Ernest Hemingway, Adrien Brody pour Salvador Dali (deux scènes hilarantes, ponctuées par une réplique culte : "I see... A Rhinoceros !"), Kathy Bates pour Gertrude Stein, Marcial Di Fonzo Bo pour Pablo Picasso... C'est par ce dernier qu'est introduit un personnage fictif mais crédible de muse qui va entraîner Gil et le film dans sa thématique profonde : Adriana ou l'insatisfaction.

Avec cette héroïne dont le protagoniste (comme le spectateur) tombe amoureux au premier regard, Woody Allen interroge l'interprétation de l'art (via un tableau la représentant peint par Picasso) : pour le pédant Paul, la toile raconte une histoire dont Gil connaît la vérité, ce qui est donc communément admis n'est pas toujours vrai.

A mesure que les connaissances qu'acquiert Gil contredisent ce que dit Paul et apprécie Inez, l'évidence que le couple de Gil et Inez ne tiendra pas (n'a jamais tenu) se fait plus évidente. Le film avance ainsi en même temps que l'histoire de Gil et Inez recule, régresse, se dissout. Cette mécanique est actionnée avec une fluidité remarquable.

Ce fossé est souligné aussi par les divergences sociales : Inez et ses parents sont plus soucieux des apparences que d'authenticité (ainsi, alors qu'ils sont chez un antiquaire et se voient proposer une chaise pour 18 000 $, Gil trouve le prix exorbitant mais sa belle-mère trouve ça "cheap" - un mot qui reviendra pour désigner en vérité autant les goûts que la personnalité de Gil). Ce sont des bourgeois mesquins et racistes, prêts à accuser sans preuves une femme de ménage (quand Inez perd une paire de boucles d'oreilles, que Gil lui a prise pour les offrir à Adriana) et à railler les français ou les opinions jugées communistes de Gil.

Néanmoins, ledit Gil a un rôle ambigu : il mène une double vie, courtisant sans scrupules Adriana, qu'il lâchera, plus sidéré que dépité, quand il constatera qu'elle aussi n'a pas les mêmes aspirations que lui, et tombant vite, à la fin, sous le charme de la jolie antiquaire, Gabrielle.

Gil n'est pas non plus un individu si détaché de la réalité qu'il trouve si pénible : son affection pour le passé a besoin de passer par des éléments concrets, physiques, ce n'est pas un doux rêveur nostalgique mais plutôt un fétichiste pour lequel divers objets font office de véhicules : des disques vinyles de Cole Porter, des livres dénichés chez des bouquinistes, les monuments historiques de la capitale - autant de passerelles bien matérielles entre le présent subi et le passé idéalisé. Il n'hésite pas non plus à user des avantages que lui procurent ses allers-retours entre aujourd'hui et hier, comme lorsque après avoir croisé Picasso avec Adriana, il fait à son tour la leçon à Paul, ou quand, s'étant fait traduire le journal intime d'Adriana, il sait pouvoir la séduire en lui offrant des boucles d'oreilles (qu'il enlève à la collection d'Inez).

Mais Woody Allen anime Gil de telle manière qu'il nous est toujours plus sympathique que lâche ou manipulateur. Et nous comprenons à la fois sa fascination pour les "Roaring twenties", qui voit défiler une galerie somptueuse d'artistes : comment ne pas l'envier quand il reçoit les conseils d'Hemingway ou Gertrude Stein, dialogue avec Dali, fait la fête avec les Fitzgerald ? La reconstitution est très soignée, et le budget relativement modeste est sur l'écran, dont les éléments sont magnifiés par la photo splendide de Darius Khondji. Allen fait aussi preuve d'une malice jubilatoire quand, au détour d'une scène, Gil glisse à un Buñuel perplexe l'idée du film L'ange exterminateur (qu'il ne réalisera qu'en 1962 !).

La romance avec Adriana introduit aussi une réflexion aigre-douce sur le rapport au temps : Gil fantasme les années 20 quand elle rêve, elle, de la Belle Époque, où elle finira par se rendre et rencontrer de charmeurs Paul Gauguin et Edgar Degas sous les yeux d'Henri de Toulouse Lautrec, qui, eux, auraient souhaité vivre lors de la Révolution française. Tous ont donc en commun de ne pas s'estimer heureux dans leur temps et d'idéaliser des périodes historiques antérieures.

Ces considérations nuanceront la nostalgie de Gil qui comprendra qu'il s'agit moins d'un problème avec le temps que de trouver la femme avec laquelle il se sentira bien au présent. Mais, là encore, Allen résout cela avec ironie puisque son héros trouvera la paix et l'amour avec une charmante antiquaire, donc avec quelqu'un qui, justement, fait commerce du passé. Cela lui permet de dépasser la conviction que c'était mieux avant et que se complaire dans le passé (ou la vénération du passé) revient à fuir le présent au lieu d'en savourer les plaisirs.

Dans un nouveau mouvement de balancier, Gil passe du statut d'homme coincé dans le passé à celui d'homme prêt à aller de l'avant, lorsqu'il abandonne Adriana et retrouve, providentiellement, Gabrielle, après avoir rompu avec Inez entretemps.

Le charme irrésistible du film passe grandement par ses interprètes : Owen Wilson imite un peu trop le phrasé et la gestuelle du cinéaste mais incarne très bien ce Gil tiraillé entre plusieurs femmes, plusieurs époques.

Marion Cotillard campe avec une séduction rare et une fragilité émouvante Adriana, ajoutant Woody Allen à son prestigieux tableau de chasse (avec ses rôles chez Christopher Nolan, James Gray, Ridley Scott, Michael Mann, Steven Soderbergh).

Rachel McAdams incarne à la perfection l'odieuse Inez, tandis que Léa Seydoux n'a besoin que de quelques scènes pour illuminer le film comme Gil.

Minuit à Paris est un film délicieux, d'une grande élégance visuelle (jusque dans son affiche dont le fond est celui de La nuit étoilée peinte par Vincent Van Gogh), drôlement poétique. Cette fantaisie romantique offre aussi son lot de réflexions (sur le temps, sur l'art, sur l'inspiration) avec cette touch si spirituelle qui fait tout le prix du cinéma de Woody Allen.

MATCH POINT, de Woody Allen (2005)

MATCH POINT est le 36ème film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Remi Adefarasin.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jonathan Rhys-Meyer (Chris Wilton), Scarlett Johansson (Nola Rice), Emily Mortimer (Chloe Hewett), Matthew Goode (Tom Hewett), Brian Cox (Alec Hewett), Penelope Wilton (Eleanor Hewett).

Chris Wilton et Tom Hewett

(Jonathan Rhys Meyer et Matthew Goode)

Après une brève carrière sur les courts, Chris Wilton s'est reconverti comme professeur de tennis dans un club huppé de Londres. De condition modeste, il a pour élève le riche Tom Hewett. Leur passion commune pour l'opéra scelle leur amitié et Chris fait la connaissance de la famille Hewett, séduisant la soeur de Tom, Chloe.

Chris Wilton et Nola Rice

(Jonathan Rhys Meyer et Scarlett Johansson)

Il rencontre aussi à cette occasion Nola Rice, la fiancée de Tom, originaire des Etats-Unis, et cherchant à percer, sans succès jusqu'à présent, comme ne manque jamais de le lui rappeler sa belle-mère, comme actrice.

Chris Wilton et Chloe Hewett

(Jonathan Rhys Meyer et Emily Mortimer)

Pistonné par Chloe, Chris est embauché dans la société de Alec, le père de la jeune femme, qui lui promet une belle carrière. Mais le jeune homme est attiré par Nola et ils deviennent amants après une nouvelle dispute entre elle et sa belle-mère.

Tom Hewett et Nola Rice

Chris épouse Chloe qui est pressée d'avoir un enfant. Puis il croise un de ses anciens amis tennisman à qui il se confie : bien que vivant une liaison passionnée avec Nola, il ne souhaite pas perdre Chloe et surtout le confort matériel qu'il a conquis grâce à elle. Peu après, Tom annonce à Chris qu'il a rompu avec Nola pour épouser Heather, enceinte de ses oeuvres.

Chris retrouve, en rejoignant Chloe dans un musée, Nola, de retour des Etats-Unis où elle a fait le point sur sa situation personnelle et professionnelle. Elle consent à lui donner son numéro de téléphone et, quelques jours après, ils reprennent leur relation clandestine.

Nola et Chris

Alors que Chris esquive Chloe, impatiente d'être enceinte, Nola lui apprend qu'elle est enceinte et menace de tout dire aux Hewett s'il ne divorce pas pour vivre avec elle et assumer sa paternité car elle refuse d'avorter ou qu'il se contente de l'aider financièrement pour élever leur enfant.

Alec Hewett et Chris Wilton

(Brian Cox et Jonathan Rhys Meyer)

Acculé, Chris dérobe un fusil de chasse à son beau-père lors d'un week-end dans leur maison de campagne, s'introduit par la ruse dans l'appartement de la voisine de Nola et l'abat, le met à sac pour faire croire à un cambriolage en s'emparant de bijoux et de médicaments, attend Nola et la tue. Il quitte l'immeuble sans avoir été vu : un crime parfait. Puis il se débarrasse de ce qu'il a volé en le jetant dans la Tamise - seule une bague ne tombe pas à l'eau sans qu'il s'en rende compte.

De retour à la maison de campagne des Hewett, après avoir remis le fusil à sa place, Chris est aux côtés de Chloe quand elle annonce à ses parents et son frère qu'elle est enfin enceinte.  

La mort de Nola et de sa voisine est publiée dans le journal, puis la police convoque discrètement Chris pour l'interroger sur sa liaison avec la jeune femme qui tenait, sans qu'il le sache, un journal intime. Il avoue cette relation mais nie être impliqué dans le meurtre, assurant que Nola fantasmait quand elle écrivait qu'il se préparait à divorcer pour l'épouser.

Un des inspecteurs est convaincu que Chris est coupable mais la découverte sur le cadavre d'un toxicomane de la bague de la voisine de Nola convainc la police qu'elle a trouvé l'assassin. Même s'il n'est plus inquiété par la justice, et promis à un bel avenir parmi les Hewett, Chris restera tourmenté par sa conscience sous la forme de l'apparition des fantômes de ses victimes et la conviction qu'il a eu de la chance de s'en tirer ainsi.  

Au mi-temps de sa cinquième décennie comme cinéaste, Woody Allen est dans une situation délicate car il ne trouve plus de financement pour ses nouveaux projets : si ses films continuent de connaître de beaux succès à l'étranger, et en France en particulier, ils ne font plus recette depuis longtemps en Amérique, même si le cinéaste attire toujours des acteurs prestigieux. Même la critique doute de ses capacités après une succession d'opus sans relief (ses derniers efforts louables ont été Tout le monde dit I love you en 1996 et Accords et désaccords en 1999). Seuls les fans les plus fidèles (comme moi) suivent encore ses productions qui sortent avec une régularité métronomique chaque Automne, mais plus par habitude que par réelle conviction...

Lorsqu'un grand cinéaste s'exile pour trouver ailleurs de quoi payer ses films, c'est rarement bon signe : Hollywood est plein d'auteurs de renom qui ont terminé leur carrière dans des films produits par des mécènes exotiques mais avec des résultats improbables. Aussi l'annonce du tournage de son 36ème long métrage à Londres étonna-t-il tout le monde en 2005 - soumis à condition, faut-il le préciser, et parsemé d'obstacles encore (ainsi Kate Winslet se retira du projet une semaine avant la première prise de vue).

Mais à l'image de sa scène d'ouverture, qui voit une balle de tennis rebondir sur l'arête d'un filet et se figer, la chance a souri à Woody Allen comme à son pathétique héros : ce fut non pas le début de la fin mais une renaissance que ce "Point du Match" représenta.  

En s'éloignant de New York, sa seule et véritable muse, plus que n'importe quelle actrice (Diane Keaton, Mia Farrow), c'est comme si le cinéaste avait trouvé une nouveau souffle, déjà pressenti en 1996 quand il se déplaça à Venise et Paris pour Everybody says I love you. Ce déplacement géographique se prolonge d'un changement d'inspiration puisque Match Point n'est pas une comédie, ni un drame inspiré par Bergman (comme jadis Intérieurs, 1978 ; September, 1987 ; ou Une autre femme, 1988) : c'est carrément une tragédie aux airs de film noir !

Avec l'application dont il a su faire preuve pour ses meilleurs scénarios, l'auteur a conçu une intrigue très dense, implacable, aux personnages intemporels et pourtant actuels, abondant en références littéraires (Crimes et châtiments de Dostoïevski), mise en scène avec une précision clinique (il filme Londres et sa campagne environnante avec la même adresse que New York). 

Mais ce qui frappe plus encore, c'est le choix du héros : un arriviste fini qui va tout faire pour s'élever socialement et protéger ses acquis dans la haute société londonienne en faisant preuve d'un cynisme, d'une hypocrisie et d'une perversité sans limites. Ecartant toute ironie, toute drôlerie, Woody Allen s'est mué en un observateur minutieux et impitoyable dans un récit plus long qu'à l'accoutumée (120') mais parfaitement maîtrisé. Un tour de force. 

Match Point peut compter sur une distribution exceptionnelle qui a incontestablement vivifié le cinéma de son auteur et lui a inspiré des audaces inattendues. Jonathan Rhys Meyer prête son physique avantageux et son regard fiévreux, qui font tant penser à ceux de Terence Stamp, à ce Chris Wilton sans scrupules, issu d'un milieu modeste et saisissant avec avidité mais subtilité la chance qui s'offre à lui. Ces opportunités sont d'abord professionnelle - ex-joueur médiocre, il abandonne un poste de prof de tennis pour devenir employé puis cadre dans la société de son beau-père (incarné par le grand Brian Cox - , sociale - il noue un mariage avantageux avec une jeune femme aussi conventionnelle que terne (campée par Emily Mortimer, excellente en pauvre gourde) - , et sexuelle - il entame une liaison avec l'ex-girlfriend de son désormais beau-frère (Matthew Goode, excellent en fils à papa tête à claques). 

Cette maîtresse est jouée par Scarlett Johansson. Si j'ai souvent douté de ses prestations précédentes et suivantes, il faut dire qu'elle n'a jamais été aussi bien filmée et dirigée que par Woody Allen, dont on connaît le faible pour les jolies jeunes femmes, mais qui semble avoir été réellement subjugué par la révélation de Lost in translation. Dès sa première scène, le spectateur partage le trouble du cinéaste : la voix grave, aguicheuse, la manière dont elle allume sa cigarette, sa robe blanche (une référence évidente à Lana Turner dans Le facteur sonne toujours deux fois, de Tay Garnett, 1946), c'est spectaculaire. Son rôle est à la fois secondaire et central, elle est celle par qui tout bascule, et même quand elle n'est plus dans le cadre (du récit, de l'image), elle hante encore le film. La force de ce personnage tient à sa progression tout en finesse de la femme fatale, d'objet du désir, à celui de victime - une révolution supplémentaire chez Allen, qui a toujours veillé à donner à ses actrices des rôles de femmes égales et même souvent supérieures aux hommes. Mais Nola est un obstacle pour Chris et elle sera sacrifiée par son amant comme elle a été écartée auparavant par son fiancé mufle, sa belle-famille méprisante. Le destin de cette jeune femme fait écho avec une noirceur glaçante à l'arrivisme du héros mais aussi au refus d'une élite sociale d'intégrer un corps étranger, jugé indigne de son rang.

L'acuité, l'intensité, de ce film impressionne de la part d'un cinéaste qui, à 70 ans, passait pour fini, en panne d'inspiration, à bout de souffle. Il n'a pas seulement médusé les sceptiques, il a prouvé qu'il abordait une nouvelle période, sa plus passionnante depuis les années 80, sa plus riche depuis les 70's, comme s'il rajeunissait au contact de nouveaux interprètes plus "frais" (Scarlett Johansson à deux autres reprises, Ewan McGregor, Colin Farrell, Haley Atwell, Owen Wilson, Marion Cotillard, Evan Rachel Wood, Emma Stone, Jesse Eisenberg, Kristen Stewart).

Jeu, set et match pour Woody !