CRAZY, STUPID, LOVE, de Glenn Ficarra et John Requa (2011)

CRAZY, STUPID, LOVE est un film réalisé par Glenn Ficarra et John Requa.

Le scénario est écrit par Dan Fogelman. La photographie est signée Andrew Dunn. La musique est composée par Christophe Beck.

Dans les rôles principaux, on trouve : Steve Carell (Cal Weaver), Ryan Gosling (Jacob Palmer), Julianne Moore (Emily Weaver), Emma Stone (Hannah Weaver), Kevin Bacon (David Lindhagen), Marisa Tomei (Kate), Jonah Bobo (Robbie Weaver), Analeigh Tipton (Jessica Riley), John Carroll Lynch (Bernie Riley).

 Cal et Emily Weaver
(Steve Carell et Julianne Moore)

Lors d'un dîner en tête à tête au restaurant, Emily Weaver déclare à son mari, Cal, qu'elle veut divorcer car elle l'a trompé avec son collègue, David Lindhagen. D'abord incrédule, Cal quitte le domicile conjugal et s'installe dans un studio où il reçoit ses deux plus jeunes enfants pour mieux les confier à leur baby-sitter, Jessica Riley.

Jacob Palmer et Cal Weaver
(Ryan Gosling et Steve Carell)

Dépité, il noie son amertume dans un bar chic où, monologuant à voix haute sur ses déboires, il attire l'attention de Jacob Palmer, un jeune séducteur. Celui-ci propose à Cal de "reconquérir sa masculinité" en lui apprenant comment charmer à nouveau des femmes.

Kate
(Marisa Tomei)

Après avoir été relooké et instruit par Jacob, Cal devient, contre toute attente, un élève doué et c'est ainsi qu'il convainc Kate, ravissante célibataire, de coucher avec lui. Il collectionne alors les aventures sans lendemain, mais néglige son rôle de père, ne se rendant pas compte que son fils, Robbie est amoureux de sa baby-sitter, Jessica... Laquelle est éprise en secret de Cal !

David Lindhagen et Emily Weaver
(Kevin Bacon et Julianne Moore)

Cependant, Hannah, brillante et jolie étudiante en Droit, subit également une cuisante déconvenue sentimentale quand elle découvre que son petit ami, Richard, lui propose non pas de l'épouser mais une place d'associée dans son cabinet juridique. 

Jacob Palmer et Hannah Weaver
(Ryan Gosling et Emma Stone)

Après avoir bu plus que de raison, elle se jette au cou de Jacob qui lui avait fait la cour, sans succès, quelque temps auparavant. Toutefois, le jeune homme n'entend pas profiter de la situation et il passe la nuit avec Hannah à se confier. Ils s'attachent l'un à l'autre dans les jours qui suivent tandis que Cal, qui a découvert que Kate était un des professeurs de son fils, cherche à le contacter.

Robbie Weaver et Jessica Riley
(Jonah Bobo et Analeigh Tipton)

Encouragé par Robbie, qui n'apprécie pas David Lindhagen, Cal entreprend de reconquérir Emily et lui prépare une fête-surprise à laquelle il convie leur fille aînée. Celle-ci n'est autre que Hannah qui présente à cette occasion Jacob comme son nouveau compagnon - relation que désapprouve Cal. La situation dérape totalement quand Bernie Riley, qui a découvert les sentiments de sa fille, Jessica, pour Cal, surgit pour lui casser la figure, et que David s'invite à la réception. Une bagarre éclate au terme de laquelle tous les hommes, confus, se dispersent et Hannah prend ses distances avec son père.

David Lindhagen, Bernie Riley, Jacob Palmer et Cal Weaver
(Kevin Bacon, John Carroll Lynch, Ryan Gosling et Steve Carell)

Jacob essaie de raisonner Cal plus tard en lui annonçant qu'il va assister avec Hannah, qu'il aime sincèrement, à la remise du diplôme de Robbie. Lors de la cérémonie, l'adolescent commence à prononcer un discours désenchanté sur la folie et la stupidité de croire en l'amour avant que son père ne l'interrompe et explique que c'est au contraire pour ces raisons qu'il faut y croire. Il se réconcilie ainsi avec Emily, éloignant du même coup David, se rabiboche avec Jacob et Hannah, tandis que Robbie reçoit de Jessica une enveloppe contenant des photos d'elle nue pour l'aider à tenir en attendant qu'il trouve une fille de son âge à aimer.

I Love you Philip Morris, le premier long métrage du tandem Glenn Ficarra-John Requa, était une belle promesse avec sa rocambolesque romance homosexuelle, inspiré d'une histoire vraie et brillamment interprétée par Jim Carrey et Ewan McGregor. Il était donc inévitable que les deux cinéastes tentent de reproduire cette recette gagnante en la développant sous la forme d'un film choral.

Hélas ! le procédé, au lieu d'améliorer la formule, ne fait qu'en révéler la mécanique et celle-ci tourne à vide. Puisqu'il se revendique comme une comédie sentimentale, il faut bien admettre que Crazy, Stupid, Love n'est ni drôle ni attachant. Pire encore : c'est un film cruellement dénué de ressort, qui s'étire péniblement, une énième variation sur les jeux de l'amour et du hasard dont le twist à mi-chemin ne suffit pas à masquer l'échec.

Comme c'est le cas dans leurs trois productions à ce jour (en comptant leur dernier effort, le thriller Diversion, 2015), la mise en scène est soignée, la photo clinquante, mais ne fait qu'enrober une narration aux péripéties pataudes, à la morale convenue et même frelatée. La promesse d'un récit sur le transfert d'un type largué par sa femme qui devient un tombeur et de son coach en séduction qui se range avec la seule fille qui a su lui résister et l'écouter est vite expédiée, diluée dans des sous-intrigues sans intérêt (le fils amoureux de la baby-sitter qui, elle, en pince pour le père de famille ; l'épouse infidèle qui n'ose pas assumer son attirance pour un collègue). Les personnages sont plus pathétiques que sympathiques et on a de la peine à éprouver la moindre compassion pour eux.

Si la piètre prestation de Julianne Moore n'a rien d'étonnant vu son peu de disposition naturelle pour le registre comique, Steve Carell est étonnamment terne dans son rôle. Kevin Bacon comme Marisa Tomei héritent de partitions impossibles à défendre tant elles sont sommaires. Il faut regarder ailleurs pour percevoir une étincelle et, en l'occurrence, Crazy, Stupid, Love vaut essentiellement comme l'acte de naissance d'un couple de cinéma devenu depuis évident : Ryan Gosling y montre une auto-dérision remarquable tandis qu'Emma Stone n'a besoin que de quelques scènes pour imposer son charme mutin et son expressivité irrésistible (avec à la clé la meilleure réplique lorsqu'elle découvre, stupéfaite, les abdos sculptés de son partenaire : "On dirait que tu es photoshopé !").

Mais c'est surtout un sentiment de gâchis qui subsiste après ces presque 120 minutes laborieuses au possible. 

LA LA LAND, de Damien Chazelle (2016)

LA LA LAND est un film écrit et réalisé par Damien Chazelle.

La photographie est signée Linus Sandgren. La musique est composée par Justin Hurwitz.

Dans les rôles principaux, on trouve : Emma Stone (Mia Dolan), Ryan Gosling (Sebastian Wilder), John Legend (Keith), Rosemarie DeWitt (Laura Wilder), JK Simmons (Bill), Tom Everett Scott (David).

 Sebastian Wilder
(Ryan Gosling)

Los Angeles. Coincée dans un embouteillage, Mia Dolan, serveuse dans un café attenant aux studios de Hollywood et aspirante actrice, insulte Sebastian Wilder, pianiste de jazz, qui vient de la klaxonner. Peu après, elle arrive à une audition où elle essuie un nouvel échec.

Mia Dolan
(Emma Stone)

Le soir, pour se détendre, elle suit ses trois co-locataires à une fête donnée sur les hauteurs de la ville mais elle s'en va avant la fin. Mia a alors la désagréable surprise de constater que sa voiture a été embarquée par la fourrière et doit rentrer chez elle à pied. En passant devant un restaurant, elle est attirée à l'intérieur par la musique qui en provient et découvre au piano Sebastian se livrant à une superbe improvisation jazz - qui provoque immédiatement après son renvoi par Bill, le patron de l'établissement. Furieux, il quitte l'endroit en bousculant Mia venue à sa rencontre pour le féliciter. 

Mia et Sebastian sur Ferndell Trail

Les semaines suivantes, Mia et Sebastian ont à nouveau l'occasion de se croiser comme cette fois où elle le remarque jouant du clavier avec un groupe ringard dans une réception et se moque de lui. Il ironise quant à lui sur le fait que sa carrière de comédienne n'est pas plus brillante. Quittant la fête ensemble, ils échangent quelques mots, troublés par la ressemblance de leur situation et leur attirance évidente.  

Sebastian et Mia dans les studios de Hollywood

Sebastian retrouve Mia et ils sympathisent en se faisant découvrir leurs passions respectives : elle le guide dans une visite des studios de cinéma en évoquant son plaisir de jouer la comédie ; il l'entraîne dans un club de jazz (musique qu'elle avoue ne pas aimer) pour lui faire comprendre à quel point lui est ému par ceux qui l'interprètent en rêvant d'ouvrir sa propre boîte. 

Mia et Sebastian au "Lighthouse Cafe"

Ils conviennent d'aller au cinéma ensemble, voir La Fureur de vivre, et Mia plaque son fiancé pour rejoindre Sebastian. La projection est abrégée suite à un pépin technique mais ils finissent la soirée à l'Observatoire Griffith (un des décors emblématiques du long métrage) où ils s'embrassent pour la première fois.

Keith
(John Legend)

Encouragée par Sebastian, Mia entreprend d'écrire un one-woman show tandis qu'il décroche une place de pianiste au "Lighthouse Cafe". C'est là qu'il croise une vieille connaissance en la personne de Keith, chanteur et musicien à succès, avec qui il accepte, pour l'argent, de partir en tournée. Les absences prolongées de Sebastian minent Mia jusqu'à ce qu'une dispute éclate entre eux lors d'un dîner où il lui reproche de l'avoir aimé quand il galérait parce que cela la rassurait. Leur rupture est consommée quelques jours plus tard où, retenu pour une séance photo avec le groupe de Keith, Sebastian arrive après la fin de la première sur scène de Mia, qui s'est produite devant une salle quasiment vide.  

Et si ça s'était passé autrement...

La jeune femme, écoeurée, rentre chez elle, auprès de ses parents, à Boulder City, mais Sebastian part l'y rechercher après avoir reçu un appel d'une directrice de casting. Elle se laisse convaincre de saisir cette audition de la dernière chance où elle donne tout ce qu'elle a... 

Chacun de son côté...

Cinq ans passent : Mia est devenue une actrice célèbre, mariée et mère de famille ; Sebastian a ouvert son club. Un soir qu'elle sort avec son époux, David, Mia entre avec lui dans le restaurant tenu par Sebastian : en la remarquant dans la salle, alors qu'il s'installe au piano, il imagine quelle aurait été leur vie commune. Puis elle repart après avoir échangé un dernier regard et un ultime sourire avec son ancien amant.

Je ne vais pas faire durer le suspense : La La Land est bien, pour moi aussi, le chef d'oeuvre encensé par la majorité de la presse et un large public déjà conquis des deux côtés de l'Atlantique.

A présent, pourquoi est-ce si bon ?

Damien Chazelle l'a expliqué dans une interview récemment (publiée dans "Paris Match") : "on ne peut pas faire un film sur Los Angeles sans avoir en tête que c'est la cité des rêves, mais où beaucoup ne se réalisent pas. L'air y est empli de tous ces livres jamais écrits, de ces chansons qui n'ont pas vu le jour, de films jamais tournés." Et donc : "mes héros ne pouvaient pas tout gagner !"

Mais le jeune cinéaste (rappelons quand même que ce prodige n'a que 32 ans !) a par contre remarquablement réussi son film en forme de défi - face au refus des studios, face au "déclinisme" ambiant - et ce, quel que soit le nombre d'Oscar qu'il remportera le 26 Février (il est en lice dans 14 catégories).

Cette réflexion, aussi belle et amère que l'amour peut l'être, sur le succès est explorée dans plusieurs scènes de La La Land à travers des moments aussi humiliants pour Mia et Sebastian que ceux traversés par le héros de son précédent opus, le batteur de Whiplash : des castings cruels pour elle, des prestations minables dans des restos ou des réceptions pour lui. Ce sont donc d'abord leurs échecs qui provoquent la rencontre et la passion amoureuse entre ces deux jeunes rêveurs, qui vont ensuite s'encourager mutuellement - lui pour qu'elle s'écrive un rôle au lieu d'en attendre un à sa hauteur, elle pour qu'il croit en son projet d'ouvrir un club de jazz où il jouera cette musique qu'il adore.

Mais la solidarité qu'ils partagent pour leurs désirs professionnels va aussi révéler et précipiter ce qu'ils exigent de sacrifices sur le plan sentimental. Lorsque Sebastian accepte de jouer dans un groupe de soul-pop (mené par John Legend, évidemment parfait dans son propre personnage) pour l'argent (même s'il doit lui servir justement à financer son futur club), Mia déplorera qu'il brade ainsi son talent et son exigence. Sebastian lui rétorquera cruellement qu'elle l'aimait davantage quand il galérait comme elle, oubliant ensuite d'assister à la première du spectacle de la jeune femme, qui s'est produite devant une salle presque vide. Aussi blessée que vaincue, elle quittera L.A. pour rentrer chez elle, son vrai "chez moi", dans son patelin de Boulder City, auprès de ses parents, loin des désillusions de Hollywood et de son couple. 

En allant la rechercher, Sebastian cherche évidemment autant à se racheter qu'à l'empêcher de passer à côté d'une miraculeuse opportunité professionnelle avec une audition déterminante. Mais, déjà, le sort en est jeté : il restera absent, sur les routes pour une tournée ; elle partira en France pour plusieurs mois répéter et jouer dans un film.

Lorsqu'ils se recroiseront cinq ans plus tard, Mia comme Sebastian ont accompli leurs rêves professionnels, mais au prix de leur amour. Cela en valait-il la peine ? A son piano pour lui, dans la salle du club pour elle, ils imaginent leur vie commune si les choses avaient tourné différemment et cette existence parallèle, fantasmée, inspire au spectateur comme aux héros le même regret tout en permettant de ne pas les quitter, en sortant de la salle (de cette bulle renvoyant à l'expression "to live in La La Land"), sur une note trop triste.

Et on en revient au rêve car fantasmer suffit finalement à les (et à nous) rendre heureux : c'est ainsi qu'ils ont été les plus gais, amoureux, au temps où tout était possible, et c'est en se souvenant de ces moments passés qu'ils le resteront, malgré les regrets.

Chazelle réussit à émouvoir ainsi parce qu'il ancre son récit, ponctué de superbes numéros musicaux dansés et chantés sans jamais verser dans la performance mais en privilégiant le naturel, dans des décors réels (à l'exception, logique, de la séquence onirique finale). Tout en nous entraînant dans la fantaisie colorée et les artifices du pur musical, nous restons comme Mia et Sebastian dans un monde où lieux et sentiments existent, avec vérité.

Entre les références assumées par le cinéaste lui-même (Jacques Demy au premier rang) et celles citées par les critiques et les spectateurs les plus cinéphiles (Vincente Minnelli, Stanley Donen et Gene Kelly), La La Land évoque, je trouve, surtout, par la fluidité virtuose de ses mouvements de caméra et ses plans -séquences magnifiques (où on peut suivre les héros quitter une fête, dialoguer, chanter, danser et se quitter, sans coupure, comme dans cette scène fantastique sur Ferndell Trail, tournée durant "l'heure magique", dans un crépuscule au ciel rosé), à Max Ophüls. Avec ce maître, Chazelle partage une philosophie - "le bonheur n'est pas gai", dixit Maupassant dans Le Plaisir - et un sens du mouvement qui traduit les élans et les tourments de ses personnages. 

Cette alternance entre glamour (les couleurs éclatantes saisies par la photo de Linus Sandgren, le format Scope) et émotion (captée en se concentrant sur le couple), entre beauté et sensibilité, est formidablement exprimée par les deux comédiens principaux, dont la complémentarité et la complicité fait des étincelles (comme si Crazy, Stupid Love et Gangster Squad n'avaient été qu'un échauffement) : Emma Stone rayonne et prouve qu'elle possède une expressivité renversante en plus d'avoir un charme à la fois mutin et bouleversant, tandis que Ryan Gosling révèle derrière une apparente impassibilité et une classe incomparable des nuances incroyables. La sincérité de leur prestation permet sans peine de croire à leur amour digne des grands couples romantiques.

La La Land dépasse l'hommage rétro car Damien Chazelle remixe la romance et le musical en réécrivant les règles de ces deux genres, capable aussi bien d'enchaîner des morceaux de bravoure que de s'en priver pendant toute la dernière partie avant de dégainer une "Audition" magique puis une rêverie enchanteresse et poignante.

C'est avec ce plaisir rare et donc précieux d'avoir assisté à un spectacle aussi euphorisant que mélancolique, également ressentis, qu'on salue les artistes : cette réussite, c'est la signature des chefs d'oeuvre. 

GANGSTER SQUAD, de Ruben Fleischer (2013)

GANGSTER SQUAD est un film réalisé par Ruben Fleischer.

Le scénario est écrit par Will Beall, d'après le livre de Paul Lieberman. La photographie est signée Dion Beebe. La musique est composée par Steve Jablonsky.

Dans les rôles principaux, on trouve : Josh Brolin (John O'Mara), Ryan Gosling (Jerry Wooters), Emma Stone (Grace Faraday), Sean Penn (Mickey Cohen), Nick Nolte (Bill Parker), Mireille Enos (Connie O'Mara), Anthony Mackie (Coleman Harris), Giovanni Ribisi (Conwell Keeler), Robert Patrick (Max Kennard), Michael Peña (Navidad Ramirez).

Sergent John O'Mara
(Josh Brolin)

Los Angeles (Californie), 1949. Le mafieux Mickey Cohen tient la ville en corrompant la police et en orchestrant divers trafics, défiant la pègre basée à Chicago dont il juge les méthodes et le fonctionnement dépassés.

Le chef de la police Bill Parker
(Nick Nolte)

Pourtant un flic, ancien soldat durant la guerre du Pacifique, John O'Mara, n'accepte pas cette situation et rue dans les brancards. La sanction est immédiate : sa hiérarchie le rappelle à l'ordre. Mais le chef de la police, Bill Parker, lui confie alors une mission : harceler Mickey Cohen en bousillant son business pour le pousser à la faute et l'arrêter dans les règles.

John et Connie O'Mara
(Josh Brolin et Mireille Enos)

O'Mara recrute, avec les conseils de son épouse Connie, plusieurs officiers de police qui n'ont rien à perdre et partagent ses convictions, prêts à travailler sans couverture. 

La "Gangster Squad" au complet (de gauche à droite) :
John O'Mara, Max Kennard, Coleman Harris, Navidad Ramirez,
Jerry Wooters et Conwell Keeler
(Josh Brolin, Robert Patrick, Anthony Mackie, Michael Peña,
Ryan Gosling et Giovanni Ribisi)

Son meilleur ami, un flic désabusé, Jerry Wooters, qui a une liaison avec la petite amie de Cohen, Grace Faraday, hésite à prendre parti, convaincu que la ville est perdue.

Grace Faraday et Jerry Wooters
(Emma Stone et Ryan Gosling)

Il se joindra finalement à la cause après la mort d'un de ses proches dans la guerre ouverte entre cette brigade spéciale et les hommes de main du malfrat.  

Malgré les doutes passagers de certains membres de l'équipe pour qui agir de la sorte n'est pas évident même pour neutraliser un gangster, John O'Mara tient bon face à Mickey Cohen jusqu'à leur affrontement final. Qui en sortira vainqueur ?

Mickey Cohen et John O'Mara
(Sean Penn et Josh Brolin)

Le film s'inspire de faits réels transcrits dans le livre du même nom de Paul Liebermann dont l'adaptation a été signée par Will Beall. A partir de cela, la production a sollicité successivement Ben Affleck puis Darren Arronovsky avec l'ambition de rendre un hommage aux séries noires des années 50.

Ce fut donc une surprise de voir le projet confié à Ruben Fleischer, spécialisé dans la comédie (Bienvenue à Zombieland), mais il pouvait s'appuyer sur un chef opérateur solide comme Dion Beebe (Collateral de Michael Mann, Chicago de Rob Marshall). A eux deux, ils ont su donner à Gangster Squad un style musclé, à l'ambiance rétro et majoritairement nocturne, même si le cinéaste a parfois inutilement abusé de quelques effets (les ralentis pour les fusillades).

Pourtant, il se dégage du résultat une impression de cinéma direct renforcée par une narration simple, linéaire. C'est une limite car jamais le film ne décolle vraiment, et n'égale pas ses références (Les Incorruptibles de Brian De Palma), mais c'est aussi son principal atout, une certaine humilité envers le genre. 

Les personnages sont ainsi basiquement caractérisés, correspondant aux clichés qu'on attend : le flic pugnace et rugueux (Josh Brolin, excellent dans une composition minimaliste qui rappelle Charles Bronson), son meilleur ami désinvolte et charmeur (Ryan Gosling, parfait dans ce registre cool), les membres de l'escouade bien typés (le vieux cowboy Robert Patrick, le rookie latino Michael Peña, le black teigneux Anthony Mackie, le technicien ingénieux Giovanni Ribisi : tous impeccables), la femme fatale (Emma Stone, renversante de glamour avec sa jupe fendue rouge et sa frange rousse, fumant sensuellement ses cigarettes), le méchant absolu (Sean Penn qui en fait des caisses, doté d'une invraisemblable prothèse nasale : le seul bémol du casting car son jeu est trop caricatural)...

L'intrigue repose sur un harcèlement et culmine logiquement dans une fusillade d'anthologie, rien de surprenant donc, mais c'est divertissant, mené sur un rythme soutenu, on ne s'ennuie pas. J'aurai aimé que le scénario prenne un peu de temps pour creuser les dilemmes de certains personnages tiraillés entre l'envie de stopper leur ennemi et les méthodes employés pour ça. Cela se résume ici aux brefs échanges entre O'Mara et Wooters, et un peu avec Keeler : pour l'un, la fin justifie les moyens, le boulot de flic est une extension de son devoir de soldat ; pour l'autre, il s'agit de protéger la femme qu'il aime et aussi de "protéger et servir" comme l'indique la devise de la police.

Esquivant ces interrogations, le polar bascule in fine dans le western le plus classique, mais Gangster Squad a le bon sens de ne pas vouloir être plus qu'il n'est : une série B efficace. A condition de l'estimer à sa juste mesure, on l'appréciera lucidement.  

WELCOME BACK, de Cameron Crowe (2014)

WELCOME BACK (Aloha) est un film écrit et réalisé par Cameron Crowe.

La photographie est signée Eric Gautier. La musique est composée par Mark Mothersbaugh.

Dans les rôles principaux, on trouve : Bradley Cooper (Brian Gilcrest), Emma Stone (capitaine Alison Ng), Rachel McAdams (Tracy Woodside), John Krasinski (Johnny Woodside), Bill Murray (Carson Welch), Alec Baldwin (colonel Lacy).

Brian Gilcrest et Alison Ng

(Bradley Cooper et Emma Stone)

Ancien militaire décoré, Brian Gilcrest a quitté l'armée et s'est reconverti en négociateur pour un richissime entrepreneur spécialisé dans les télécommunications, Carson Welch. Sa nouvelle mission le ramène à Hawaï où il a connu son heure de gloire pour convaincre les indigènes que leurs montagnes sacrées ne seront pas profanées par de nouvelles installations.

L'U.S. Army désigne le capitaine Alison Ng, qui a de vagues origines locales, pour l'escorter et veiller à la réussite des démarches. Mais il est immédiatement évident que le courant ne passe pas entre l'ancien officier, qui a préféré commercer ses talents, et la jeune femme, qui tient plus que tout au respect des traditions de l'île et de l'armée.

Brian Gilcrest et Tracy Woodside

(Bradley Cooper et Rachel McAdams)

Sur place, Gilcrest retrouve aussi Tracy, son amour de jeunesse, désormais mariée à son meilleur ami, le pilote Johnny Woodside, et mère de deux adolescents. La ressemblance de sa fille aînée avec Brian trouble aussitôt ce dernier qui hésite à lui demander s'il en est le père car il n'est pas prêt à en assumer la responsabilité et qu'il a deviné que le couple Woodside traverse une crise. 

Carson Welch et Alison Ng

(Bill Murray et Emma Stone)

Mais l'attention de Gilcrest est bientôt détournée par d'autres événements : d'abord, il entame une liaison avec Alison (manifestement pour tromper sa vigilance) ; ensuite Carson Welch lui met la pression car il a investi beaucoup d'argent dans le lancement d'un satellite pour son projet ; et enfin il découvre que le matériel destiné à être mis sur orbite est peut-être de l'armement (l'armée est-elle complice ?).

Johnny Woodside et Brian Gilcrest

(John Krasinski et Bradley Cooper)

Gilcrest décide alors de tirer tout cela au clair, admettant qu'il a pris de mauvaises décisions pour sa vie personnelle et professionnelle. Il rassure Johnny sur ses relations avec Tracy qui, elle, lui confirme qu'il est bien le père biologique de sa fille Gracie.

Brian Gilcrest et le colonel Lacy

(Bradley Cooper et Alec Baldwin)

Contre les recommandations du colonel Lacy, mais par amour pour Alison, il sabote le lancement du satellite (effectivement chargé d'armement nucléaire) et oblige Welch à fuir. Sa carrière est finie mais son honneur retrouvé, l'armée étant obligée de reconnaître qu'elle a été abusée par l'homme d'affaires, et les natifs de l'île rassurés.

Alison Ng, Brian Gilcrest et Tracy Woodside

(Emma Stone, Bradley Cooper et Rachel McAdams)

Malgré ses efforts, Gilcrest réussira-t-il a reconquérir le coeur d'Alison après l'avoir manipulée ?

Welcome Back a été lancé avec des handicaps insurmontables : son échec critique et public (au point de n'avoir même pas été exploité en salles en France, malgré ses têtes d'affiche) avait donc quelque chose d'inévitable. Pourtant c'est loin d'être un de ces improbables navets commis par un cinéaste en perdition.

Avant même sa sortie, l'affaire des mails piratés du studio Sony a révélé que les producteurs ne croyaient pas au film, le jugeant même "ridicule". Le choix d'Emma Stone pour incarner une militaire d'origine hawaïenne a été ensuite vivement critiqué, suggérant que Cameron Crowe aurait dû confier le rôle à une comédienne native de l'île : une polémique stupide (qui s'est répété récemment quand la famille de Nina Simone a accablé Zoe Saldana, qui s'est noircie la peau et a porté des prothèses pour incarner la chanteuse dans un biopic), d'autant plus que l'ascendance du personnage est liée aussi à la Chine et à la Suède et tournée en dérision car elle ne cesse de mettre en avant son métissage. 

Mais il faut bien dire que Crowe n'a plus "la carte" (quand bien même son précédent opus, Nouveau départ a bien marché aux Etats-Unis, mais sans que la presse ne le loue autant que ses grands succès comme Jerry Maguire, 1996, et Presque célèbre, 2000). L'ancien journaliste du magazine "Rolling Stones" et auteur d'un passionnant livre d'entretiens, Conversations avec Billy Wilder, persiste dans un cinéma positif, humaniste, sentimental, en rupture avec la comédie américaine actuelle (dominée par les émules de Judd Appatow, à l'humour plus gras). 

Dans ces conditions, Aloha (pourquoi, là encore, a-t-il fallu qu'en France le film soit débaptisé, au profit d'un titre anglais quelconque ?), avec ses airs de fable romantique et initiatique, fait figure de curiosité. Pourtant, l'écriture du cinéaste a des qualités incontestables, inspirés des maîtres des années 30-40, avec des personnages sensibles, se débattant avec leurs sentiments et leurs métiers, sauvés par l'amour et leur capacité à tout sacrifier pour cela. 

Malgré son statut fragilisé depuis l'échec de Rencontres à Elizabethtown (2005), Crowe parvient cependant toujours à attirer des acteurs populaires, appréciant son univers et ses thématiques, refusant le cynisme. Il y a là une vraie injustice à sa mauvaise passe et au destin de ce dernier film.

Il dirige ici trois des acteurs les plus attachants et remarquables de ces dernières années : Bradley Cooper confirme ici tout le bien qu'il a su susciter en accordant sa confiance à des réalisateurs plus exigeants (Clint Eastwood, David O. Russell) et son interprétation d'un ex-soldat vendu au grand capital est pleine d'une énergie contenue (précisons que Ben Stiller fut d'abord pressenti). Face à lui, Emma Stone (remplaçant Reese Witherspoon, initialement envisagée) est comme d'habitude formidable, rayonnante de charme (même en uniforme militaire, elle conserve toute sa séduction) et irrésistible en chaperon gaffeuse mais sincèrement attachée aux valeurs de l'île et de l'armée. Rachel McAdams évolue dans un registre qui lui est plus familier en amoureuse que le doute fait vaciller et qui le suscite chez son ancien soupirant comme chez son mari.

Les seconds rôles sont plus inégaux : seul surnage vraiment John Krasinski dans un rôle quasi-muet (la scène d'explication entre Johnny et Brian est d'ailleurs une merveilleuse trouvaille, sans un mot prononcé, mais avec des sous-titres exprimant les pensées des deux hommes). Alec Baldwin s'agite dans le vide, et Bill Murray n'est pas une bonne idée pour camper ce business man sans scrupules et pathétique.

Le vrai point faible demeure cependant la curieuse construction du scénario, en particulier avec cette intrigue secondaire relative au personnage de Carson Welch et cette affaire de satellite armé. C'est inutile, mal intégré, mal résolu. Le film est bien plus divertissant par la valse-hésitation de Brian Gilcrest, qui prend conscience à la fois de ses sentiments amoureux, de sa paternité, de l'impasse de sa carrière professionnelle des sentiments. Même si tout cela est prévisible, c'est délicieux, et situé dans un cadre somptueux, avec une bande-son impeccable (comme toujours chez Crowe, seul capable de faire passer un vieux tube ringard de Tears for Fears - Everybody wants to rule the world - avec ironie). 

Considéré dans toute sa filmographie (seulement sept titres en une vingtaine d'années), Welcome Back n'est pas son opus le plus abouti, mais seulement le plus bancal (à cause de réécritures, de producteurs lâches). Mais on y reconnaît toujours la voix unique de Cameron Crowe, lequel s'est depuis lancé dans une nouvelle entreprise (espérons-le, avec plus de succès), une série télé sur le coulisses de la tournée d'un groupe de rock intitulée Roadies (diffusée depuis Juin 2016 sur la chaîne Showtime).

L'HOMME IRRATIONNEL, de Woody Allen (2015)

L'HOMME IRRATIONNEL (Irrational Man) est le 46ème film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Darius Khondji.

Dans les rôles principaux, on trouve : Joaquin Phoenix (Abe Lucas), Emma Stone (Jill Pollard), Parker Posey (Rita Richards), Jamie Blackley (Roy).

Abe Lucas

(Joaquin Phoenix)

Abe Lucas est un professeur de philosophie d'une quarantaine d'années. En pleine crise existentielle, il se complaît dans une déprime alcoolisée mais accepte l'invitation du campus de Braylin de donner des cours durant la session estivale.

Jill Pollard

(Emma Stone)

La réputation de Lucas, dont la rumeur lui prête des liaisons avec des étudiantes et des méthodes d'enseignement aussi originales que discutées, le précède. Mais deux femmes en particulier ne s'en effraient pas : l'une d'elles est Jill Pollard, brillante élève de son cours.

Abe Lucas et Rita Richards

(Joaquin Phoenix et Parker Posey)

L'autre est Rita Richards, professeur de biologie, dont le couple bat de l'aile, et dont les infidélités sont notoirement connues.

Toutes deux ne tardent pas se rapprocher de Abe, qui finit par céder aux avances de sa collègue. Mais il se révèle impuissant, incapable de satisfaire une femme depuis un an parce qu'il est traumatisé par la mort d'un de ses amis en Irak et qu'il n'arrive plus à écrire son nouveau livre (sur Heiddeger et le fascisme).

Abe Lucas et Jill Pollard

(Joaquin Phoenix et Emma Stone) 

Le hasard va pourtant bouleverser l'existence de Abe qui, alors qu'il déjeune avec Jill, surprend avec elle une discussion à la table voisine de la leur. Une mère de famille y confie à ses amis qu'elle est sur le point de perdre la garde de ses enfants au profit de son mari, dont l'avocat est visiblement de mèche avec le juge chargé de prononcer leur divorce.

Cette histoire poignante et injuste va inspirer à Abe un plan délirant bâti sur l'idée d'un "meurtre altruiste".

Jill Pollard et Roy

(Emma Stone et Jamie Blackley)

Les jours suivants, Abe revit littéralement, arrêtant de boire et de déprimer. Il recouche avec Rita et s'abandonne dans les bras de Jill. Le fiancé de cette dernière, Roy, devine vite la situation et finit par rompre. 

Rita Richards et Jill Pollard

(Parker Posey et Emma Stone)

Mais quand le juge Spangler, celui-là même qu'incriminait la mère de famille dont Abe et Jill avaient entendu les confessions au restaurant, est retrouvé mort, l'affaire agite les médias et la communauté de Braylin. Rita puis Jill se mettent à suspecter Abe de ce meurtre et leurs relations avec leur amant va en être progressivement et profondément affectées, surtout quand l'étudiante décide de connaître la vérité...

Pour son 46ème film, Woody Allen revient en très grande forme, après le déjà excellent Magic in the Moonlight. La régularité avec laquelle le cinéaste new yorkais enchaîne les productions ne cesse d'impressionner.

Si on devait rapprocher L'Homme irrationnel de ses précédents et récents opus, il faudrait citer Le Rêve de Cassandre (2007) et Match Point (2005). En remontant plus loin en arrière, la référence la plus évidente serait Crimes et délits (1989). Ce qui relie tous ces titres concerne une réflexion acide sur la moralité et l'impunité du crime.

Il n'y a pas de hasard à voir Woody Allen citer abondamment des philosophes (en particulier les existentialistes, comme Jean-Paul Sartre, avec sa célèbre sentence : "L'enfer, c'est les autres") mais aussi Friedrich Nietzsche (et son ouvrage, Vérité et mensonge au sens extramoral) dans un opus dont le héros est justement professeur de philosophie. Mais la littérature est également convoquée via Crime et châtiment de Fiodor Dostoïevski. Toutefois, ces grands textes sont avant tout un moyen de contextualiser l'histoire et identifier les personnages, et non des instruments visant à transformer le film en un véhicule trop sérieusement référencé.

Le cinéaste interroge le thème du surhomme qui, en projetant de commettre un acte ignoble (en l'occurrence un meurtre), prétend faire le bien : c'est le point de bascule du scénario de Allen où Abe Lucas, décrit jusque là comme un individu pathétique, bedonnant, alcoolisé et désabusé, trouve une nouvelle raison de vivre en s'imaginant rétablir la justice dans un geste qu'il estime altruiste. Le propos est ambitieux mais le film l'exploite avec une épatante fluidité et un humour noir jubilatoire.

Le plaisir qu'on prend à suivre ce récit provient en grande partie au fait que Woody Allen en traite tous les aspects avec un dosage parfait entre une grande densité (tous les aspects du problème sont développés dans un film par ailleurs concis - il dure 95') et une malice jouissive (le rôle d'une a priori inoffensive lampe de poche gagnée lors d'une fête foraine décidera du sort du héros). Cette balance entre la comédie de moeurs et le questionnement plus grave produit des étincelles dans une oeuvre équilibrée et pleine.

La réalisation, chez Allen, ne passe pas par des effets voyants : peu ou pas de mouvements de caméra, mais plutôt une recherche du cadre juste, de la distance idéale avec les personnages, la composition des images (où les gros plans sont rares). Dans plusieurs de ses oeuvres récentes, on retrouve, comme ici, néanmoins un rapport aux corps plus palpable, avec le recours à des interprètes choisis pour leur capacité à composer non plus des doubles du cinéaste ou de ses muses emblématiques que des individus tourmentés entre leurs désirs sensuels et leurs interactions intellectuelles. Cette évolution est devenue sensible depuis que Allen a réalisé trois films avec Scarlett Johansson, qui a érotisé/sexualisé notablement son cinéma.

Si l'on pousse l'analyse plus loin, en évoquant la propre vie privée du réalisateur, il devient aussi troublant que ses films en sont devenus une sorte de reflet : encore une fois, il met en scène un homme face à une femme moins âgée que lui (ici Abe et Jill), auquel s'ajoute des seconds rôles intermédiaires (Rita et Roy). Cet homme mûr est déstabilisé par la jeunesse de celle qu'il finit par aimer, et qui causera, d'une manière plus ou moins radicale, sa chute (parfois au sens littéral, parfois plus symboliquement). Si cela confirme le féminisme du cinéaste, qui a toujours soigné ses héroïnes, on peut se demander dans quelle mesure cela parle de son propre couple actuel (avec une compagne beaucoup plus jeune) et de sa conception de la vie conjugale.

Comme dans son précédent film, la photographie est somptueuse et Darius Khondji fait une fois de plus des merveilles, donnant à l'image une lumière solaire qui apparaît comme un contrepoint élégant au cynisme du propos. Situé en plein coeur de l'été dans le cadre d'un campus chic, le récit possède ainsi une séduction que rend d'autant plus trouble une intrigue empoisonnée.

Quant à l'interprétation, elle est à nouveau de premier ordre, portée par des acteurs au sommet de leur art.

Joaquin Phoenix joue pour la première fois dans un film du réalisateur new yorkais et s'y coule comme un familier de son oeuvre : lesté de quelques bons kilos, il impose une présence impressionnante, cabotinant d'abord en professeur aussi pédant que pesant avant de nuancer sa composition de telle manière que le spectateur le trouve successivement irritant, affligeant, sympathique et ignoble. Avec sa gueule cassée et mélancolique, il est inoubliable.

Emma Stone retrouve pour la deuxième fois d'affilée Allen dans un emploi différent de celui qu'elle tenait dans Magic in the moonlight (une manipulatrice irrésistible) mais pour une figure radieuse. La séduction de la comédienne sublime tout le récit qu'elle traverse avec une grâce incomparable : conquis, le cinéaste a prédit qu'elle deviendra la plus grande vedette du cinéma américain dans le futur, et la finesse de son jeu ajoutée à son charme naturel semble effectivement lui ouvrir une voie royale.

Leur ronde amoureuse est un spectacle surprenant et nul autre que Woody Allen ne peut filmer la cristallisation des sentiments avec autant de drôlerie avant de précipiter les amants dans un engrenage aussi dramatique.

Parker Posey, qui fut dans les années 90 l'égérie du cinéma indépendant Outre-Atlantique, effectue un come-back inattendu dans un rôle qui paraît avoir été écrit sur mesure pour elle, dans sa nouvelle maturité d'actrice et de femme. Elle est extraordinaire en enseignante dont les désirs, à l'instar de tous les personnages de l'histoire, dominent la raison.  

Enfin, Jamie Blackley incarne avec sobriété le rôle ingrat de Roy, le petit ami délaissé et jaloux, se plaignant de voir sa fiancée obnubilé par son rival alors même qu'il est le premier à  lui en parler (un paradoxe typiquement "Allenien" et toujours aussi marrant).

Accompagné par une bande-son où Jean-Sébastien Bach côtoie l'entêtant The in-crowd du Ramsey Lewis trio (un morceau de jazz plus moderne que d'habitude chez le cinéaste), Irrational Man est une nouvelle pépite dans la collection de gemmes de la filmographie de Woody Allen - c'est même assurément un de ses chefs d'oeuvre, égalant en maîtrise et en perversité humoristique et morale ses meilleurs opus. 

MAGIC IN THE MOONLIGHT, de Woody Allen (2014)

MAGIC IN THE MOONLIGHT est le 44ème film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Darius Khondji.

Dans les rôles principaux, on trouve : Colin Firth (Stanley Crawford), Emma Stone (Sophie Baker).

Stanley Crawford (Colin Firth) 

et Sophie Baker (Emma Stone)

1928. Stanley Crawford, un célèbre illusionniste britannique, se produit à Berlin sous l'accoutrement de Wei Ling Soo. Un de ses vieux amis et collègues, Howard Burkan, vient faire appel à lui pour démasquer une jeune femme, Sophie Baker, qui se prétend spirite et entreprendrait, avec sa mère, qui lui sert d'impresario, de dépouiller une riche famille établie sur la Côte d'Azur (le fils unique est d'ailleurs prêt à l'épouser).

Crawford, prétentieux, rigide et misanthrope, qui emploie son temps hors de la scène à chasser tous les médiums, qu'il considère comme des charlatans, relève le défi, en sacrifiant un voyage avec sa fiancée aux îles Galapagos. 

Une fois sur place, il ne tarde pas à s'attirer l'inimitié de tous ses hôtes et de celle qu'il affronte. Mais Sophie est une adversaire coriace et désarmante, qui le perce vite à jour. Quand Crawford lui présente sa vieille tante Vanessa, qui l'a élevé, et vit près de chez les Catledge, la jeune femme révèle des détails que personne ne connait et qui bouleverse l'illusionniste, alors convaincu qu'elle a réellement un don surnaturel.

Reconnaissant sa défaite auprès de Burkan, il la présente à la presse. Troublé aussi par le charme de Sophie, il refuse toutefois de déclarer ses sentiments quand elle, le fait de manière suggestive lors d'une réception fastueuse donnée par l'héritier des Catledge pour annoncer leurs fiançailles.

La situation prend toutefois un tour nouveau lorsque la tante Vanessa a un accident de la route et se trouve entre la vie et la mort. Crawford va jusqu'à prier pour qu'elle s'en remette avant de comprendre comment on s'est joué de lui et pourquoi. Malgré cela, admettra-t-il son amour pour Sophie en lui pardonnant ? 

La régularité métronomique avec laquelle Woody Allen filme est impressionnante et la qualité de son oeuvre tout autant : il peut parfois mieux réussir son coup mais jamais il ne produit quelque chose de mauvais ; il y a toujours, même dans dans un de ses opus ratés, quelque chose qui vous reste en mémoire et qui, à défaut de sauver le long métrage, vous y fait repenser avec le sourire ou peut nourrir une conversation avec un autre amateur.

La décennie passée a aussi prouvée que Woody Allen avait su trouver un nouveau souffle en osant quitter son giron new-yorkais : certes, ses voyages ont été aussi motivés par l'obtention de financements étrangers, mais il a puisé dans ses déplacements une vigueur qui a profité à son écriture. La découverte de nouveaux décors, le recrutement de nouveaux (et souvent plus jeunes) acteurs, a redonné à son cinéma des couleurs, une audace. 

Quand on se rappelle de Match point, Scoop, Vicky Cristina Barcelona (fameux triptyque avec sa muse Scarlett Johansson), Le Rêve de Cassandre, Midnight in Paris, ou de Blue Jasmine, on mesure tout cela (et on relativise les titres plus mineurs comme To Rome with love et Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu - des films choraux auxquels ils manquaient justement un argument assez fort et aux castings surpeuplés).

Et quand il a reposé sa caméra à Manhattan, c'est pour y raconter une fable jubilatoire (l'excellent Whatever works).

Magic in the moonlight fait partie des très bons crus "Alleniens" de ces dernières années (on attendra encore un peu pour les comparer à d'autres, plus anciens et passés à la postérité). 

Il se trouve que  le sujet m'attirait spécialement car je m'intéresse à l'histoire des prestidigitateurs du début du XXème siècle (j'avais même eu le projet d'écrire un scénario à ce propos, mais sans parvenir à trouver une intrigue et un angle qui me satisfassent). 

Ainsi, j'ai pu apprécier, en premier lieu, la qualité de la documentation du cinéaste sur la guerre entre illusionnistes (il est impropre de parler de magiciens car les illusionnistes détestaient ce terme) et les spirites, magnétiseurs et autres filous : le célèbre Harry Houdini, "roi de l'évasion", fut un contempteur acharné de ces escrocs (quand bien même il souscrit au "pacte de mort des magiciens", un rituel d'invocation des disparus par leurs proches survivants).

Le personnage de Wei Ling Soo s'inspire aussi de figures de l'époque à laquelle se déroule l'histoire du film :il n'était en effet pas rare que des occidentaux se griment en orientaux pour rendre leurs spectacles plus exotiques et leurs numéros plus impressionnants aux yeux d'un public fasciné par tout ce qui venait du bout du monde..

  

Mais Woody Allen et la magie, c'est une vieille histoire : déjà dans Stardust memories, puis plus tard dans Le Sortilège du scorpion de Jade et Alice, on y trouvait des personnages et des éléments du folklore. Encore plus récemment, dans Scoop, il incarnait un prestidigitateur raté. 

Quoi de plus naturel en somme pour un auteur dont le discours, tour à tour mélancolique et léger, dramatique et comique, sur les sentiments et leurs révélations alimente l'oeuvre que d'invoquer la magie, ses artifices, pour souligner le dérisoire ou l'essentiel dans les relations entre hommes et femmes.

Magic in the moonlight procède de la même manière et, comme toute fable, elle délivre une morale simple mais  typique de la philosophie de la vie selon Woody Allen : il n'y a pas d'amour sans qu'un tour soit joué.

En insistant sur la possibilité d'un merveilleux irrationnel opérant dans la rencontre entre un illusionniste désabusé et grincheux et une séduisante pseudo-spirite faussement ingénue, l'auteur, pourtant au sommet de son pessimisme sur la condition humaine, comme en témoignent des dialogues de plus en plus féroces (à la fois drolatiques et sinistres - drolatiques car sinistres même), semble pourtant confier à ses spectateurs qu'il est finalement peut-être préférable d'être heureux malgré une supercherie que d'être malheureux dans le vrai - ou, à tout le moins, en acceptant quelques compromis avec la vérité.

Après l'exploration cruelle et vertigineuse de la déchéance sociale, sentimentale et mentale d'une grande bourgeoise trompée dans Blue Jasmine, Magic in the moonlight s'apprécie aussi pour sa délicatesse et son absence de drame. Comme d'autres cinéastes très productifs, le cinéma de Woody Allen possède cette vertu, qui exercer une séduction durable sur ses fans, de se décliner de façon réactive : après un opus grave, le suivant sera plus léger, cette alternance permet ainsi d'apprécier chacun car leurs attraits sont distincts.

Pourtant, malgré ce soin à démarquer chaque oeuvre de la précédente, on peut s'amuser à noter que Allen aime à mixer de plus en plus régulièrement une certaine mélancolie, toujours élégante (une sorte de "désespoir gai") et d'exotisme, comme c'était déjà le cas avec Vicky Cristina Barcelona ou Midnight in Paris : ici, encore, on retrouve un cadre inattendu pour le cinéaste (la "french riviera"), capté à une époque emblématique (la fin des "années folles"), avec donc tout l'aspect esthétique qui leur est liés (costumes, décors, véhicules, musique, ambiance), et une histoire d'amour contrariée, improbable, pleine d'embûches,  mélange de joutes oratoires piquantes et de moments suspendus où les protagonistes sont face à eux-mêmes sans savoir comment réagir, désarçonnés par ce qu'ils éprouvent, et l'exprimant ensuite maladroitement (de manière à la fois touchante et humoristique).

Libéré de New York, ville dont il connaît tout comme il l'a abondamment filmée, Woody Allen retrouve ailleurs le charme de l'illusion dans ses cartes postales où il situe désormais ses histoires, empruntant à divers genres, sans restriction, comme le polar, la comédie, la romance, le fantastique. 

Qu'importe alors, en définitive, s'il s'agit d'un grand ou même d'un de ses meilleurs films, récents ou plus globalement, Magic in the moonlight s'apprécie plutôt dans ce que son auteur nous glisse : le discours d'un artiste qui ne croit plus en rien mais qui raconte pourtant encore des histoires de gens qui font "comme si".

La mise en scène est au diapason : discrète mais juste. Allen n'est pas un réalisateur adepte de mouvements d'appareils ostentatoires, sa caméra est au service de son récit et de ses acteurs. Tant pis pour le spectacle ?

Pas si vite, car le cinéaste s'entoure de techniciens d'un calibre fabuleux, comme cette fois-ci avec le chef opérateur Darius Khondji, qui a produit une photographie somptueuse pour le film (guère étonnant de la part du responsable des images de Seven de David Fincher comme de Alien, la résurrection de Jean-Pierre Jeunet). 

Et tout le "production design" est à l'avenant, avec des costumes, des décors vraiment superbes - étonnamment "riche" pour un long métrage qui ne doit pourtant pas disposer d'un budget important. 

Et les acteurs ? 

Il semble que Woody se soit trouvé une nouvelle muse avec la ravissante et excellente Emma Stone puisqu'on sait déjà qu'elle est la vedette de son prochain film (The Irrational Man, aux côtés de Joaquin Phoenix). Elle incarne à la perfection et avec un charme désarmant Sophie Baker, parée de toilettes qui lui vont à merveille, imposant sa candeur irrésistiblement : on est conquis dès le premier regard par cette spirite à laquelle on pardonnera tout et qu'on aime aussi pour son sens de la répartie assénée avec un sourire fondant.

Face à elle, Colin Firth : je connaissais très mal cet acteur, l'ayant remarqué dans les deux Bridget Jones (où il jouait Marc Darcy, le rôle le plus ingrat). Récompensé d'un Oscar (mérité selon l'avis général) pour Le Discours d'un roi (pas vu), il mène une carrière sans grand éclat et j'étais curieux de voir ce qu'il donnerait chez Woody Allen (quand bien même celui-ci nie toujours farouchement diriger spécialement ses acteurs, se contentant comme il le dit d'essayer de bien les choisir). Et Firth est formidable, évitant ce que beaucoup d'autres avant lui ont fait, imiter le phrasé et les postures de son metteur en scène quand il joue, composant sobrement mais efficacement un personnage désenchanté mais piégé.

Un très bon couple (assurément là un des meilleurs chez Allen depuis celui formé par Larry David et Evan Rachel Wood dans Whatever works, dans un registre d'âge et de rapports similaires).

Magic in the moonlight ? Magique !