DANS LA COUR, de Pierre Salvadori (2014)

DANS LA COUR est un film réalisé par Pierre Salvadori.

Le scénario est écrit par Pierre Salvadori et David Colombo-Léotard. La photographie est signée Gilles Henry. La musique est composée par Grégoire Hetzel.

Dans les rôles principaux, on trouve : Gustave Kervern (Antoine), Catherine Deneuve (Mathilde), Féodor Atkine (Serge), Pio Marmaï (Stéphane), Nicolas Bouchaud (M. Maillard), Michelle Moretti (Colette), Oleg Kupchik (Lev), Garance Clavel (l'ex d'Antoine).

 Serge, Mathilde et Antoine
(Féodor Atkine, Catherine Deneuve et Gustave Kervern)

Insomniaque et dépressif, Antoine est engagé comme gardien d'immeuble. Il doit rapidement composer avec les locataires comme M. Maillard qui se plaint sans cesse des vélos entreposés dans la cour par Stéphane, ou des importuns comme Lev, agent de sécurité qui démarche aussi pour distribuer des brochures religieuses accompagné de son doberman. Pour tenir le coup, Antoine se bourre de Lexomil (fourni par sa conseillère Pôle Emploi) qu'il avale avec de la bière (résultat : il souffre de démangeaisons aux bras et de crampes intestinales).

Mathilde, Antoine et Colette
(Catherine Deneuve, Gustave Kervern et Michelle Moretti)

La situation va prendre un tour étrange lorsque Mathilde, la propriétaire de l'immeuble, est obsédée par une fissure sur un des murs de son salon, dont elle craint qu'elle n'annonce carrément l'effondrement prochaine de tout l'édifice. Serge tente de la rassurer comme Antoine, qui lui conseille de demander l'avis d'un ingénieur en bâtiment. Mais ses explications rassurantes de ce dernier rendent Mathilde soupçonneuse au point qu'elle tente de sensibiliser le quartier au danger, soutenue par la libraire Colette.  

Antoine et Mathilde

M. Maillard harcèle aussi Antoine au sujet de la présence supposée d'un squatteur avec un chien dans le débarras de la cour. Le concierge découvre qu'il s'agit de Lev mais ne le dénonce pas à condition qu'il reste discret (ce qui ne sera pas le cas bien sûr). Stéphane semble être le seul à apprécier Antoine pour ne pas l'embêter tout en lui confiant son passé de footballeur en Italie, dont la carrière a été interrompue à la suite d'une blessure (à moins que ce ne soit qu'un mensonge) : depuis il est devenu toxicomane et vole des vélos pour les revendre. 

Mathilde et Antoine

Mathilde convoque une assemblée générale des propriétaires d'immeubles du quartier afin de les rallier à sa cause, mais sa démonstration tourne au fiasco et provoque la colère de Serge, qui la croit devenue folle. Effrayée à l'idée qu'il la fasse interner, elle obtient qu'Antoine l'héberge dans sa loge en échange de quoi, pour lui changer les idées, il l'emmène se promener. 

Le chemin de l'enfance...

Mais cette initiative sera un échec : en revenant dans la maison où elle vécut enfant, Mathilde s'emporte contre les nouveaux propriétaires et les aménagements qu'ils ont fait. Antoine congédie Lev, excédé, et explique à Mathilde qu'ils n'iront pas mieux en restant ensemble. Puis il croise par hasard son ex-fiancée à qui il tente, maladroitement, d'expliquer pourquoi il a disparu, incapable d'apprécier son bonheur et ne voulant pas l'entraîner dans sa chute. 

"Vous savez que vous parlez à un spécialiste de l'accablement ?"

Mathilde découvrira le corps inanimé d'Antoine, mais les secours alertés échoueront à le réanimer. La mort du concierge convainc sa propriétaire de se ressaisir, en revenant vers les autres. En guise d'hommage, elle prend désormais soin du rosier qu'il avait planté dans la cour de l'immeuble.

Emule des maîtres de la comédie américaine comme Lubitsch et Wilder plus qu'héritier d'Oury et Veber, Pierre Salvadori a construit une filmographie remarquable, sur des scénarios réglés comme des mécaniques de précision et dotés d'une élégante sensibilité (Cible émouvante, Les Apprentis, Hors de prix entre autres). Avec Dans La Cour pourtant, il semble avoir voulu se laisser glisser en terre inconnue pour se renouveler mais aussi pour mieux coller à la dérive de ses personnages principaux. Ce faisant, il est sans doute moins franchement drôle mais plus émouvant.

La rencontre entre ce concierge improvisé, insomniaque et déprimé, et sa propriétaire névrosée, souffrant surtout d'être seule même en étant marié (à un homme qui doute qu'elle ait toute sa tête) donne lieu à des variations gaguesques absurdes qui font penser au cinéma de Woody Allen, le cynisme en moins, l'empathie et la tendresse en plus. Il y a là une humeur proche de Blue Jasmine, conte cruel sur le sentiment de perdition.

Ce duo hors normes et improbable est soudé par une amitié curieuse, où il n'est jamais question d'attirance sexuelle (la libido du pauvre Antoine est au point mort, Mathilde cherche davantage un compagnon d'infortune qu'un amant), mais davantage d'entraide. Du moins l'espèrent-ils... Car Antoine se rendra compte qu'ils se font plus de mal que de bien en partageant leur blues. Pourtant, malgré la morosité ambiante, le film n'est jamais plombant : on assiste à une collection de saynètes bizarres, à des relations solidaires (avec un squatteur, un voisin maniaque, un ancien footballeur - ou mythomane toxico ?). Ces doux dingues, un peu usés, les rend attachants et révèle que l'immeuble dans lequel ils habitent tous est un refuge de gens seuls, se croisant à peine, se parlant peu, mais dont le concierge devient le pivot.

Et s'il fallait en sortir pour enfin respirer ? L'initiative conduira Mathilde dans la maison où elle grandit pour qu'elle y constate que les souvenirs heureux qu'elle abritait ont tous disparus. C'est un drame beaucoup plus bouleversant qui secouera suffisamment cette femme pour lui faire prendre conscience qu'il ne faut pas s'enfermer dans le passé comme dans un appartement et savourer le présent, même s'il y est fissuré comme le mur d'une pièce à vivre.

Pour les incarner, Salvadori a eu une riche idée de casting en associant Gustave Kervern, encore une fois remarquable en type paumé et attendrissant, avec Catherine Deneuve, qui prouve une fois encore qu'elle n'a peur de rien. 

Leur couple interroge la possibilité de sauver l'autre de lui-même avant de se clore, au son de la voix de la comédienne, dont le timbre si mélodieux rend cette histoire terriblement romanesque et belle.   

LA CHAMADE, d'Alain Cavalier (1968)

LA CHAMADE est un film réalisé par Alain Cavalier.

Le scénario est écrit par Alain Cavalier et Françoise Sagan, d'après son roman. La photographie est signée Pierre Lhomme. La musique est composée par Maurice Le Roux.

Dans les rôles principaux, on trouve : Catherine Deneuve (Lucile), Michel Piccoli (Charles), Roger Van Hool (Antoine), Jacques Sereys (Johnny), Amidou (Etienne), Irène Trunc (Diane).

Charles et Lucile

(Michel Piccoli et Catherine Deneuve)

Lucile remarque Antoine, jeune et séduisant journaliste, lors d'une réception donnée chez Diane, la maîtresse de ce dernier. Charles, le mari de Lucile, plus âgé qu'elle, s'en aperçoit mais ne s'oppose pas à ce qu'elle le revoit car il souhaite d'abord qu'elle soit heureuse, quitte à la perdre. Toutefois il la prévient qu'il n'hésitera pas à briser Antoine s'il la fait souffrir.

Lucile et Antoine

(Catherine Deneuve et Roger Van Hool)

Lucile retrouve Antoine dans la chambre de bonne où il habite et ils deviennent amants. Mais il est jaloux et exige, si elle veut vivre avec lui, qu'elle quitte définitivement Charles. Ce dernier s'absente justement quelques jours pour ses affaires et, à son retour, alors qu'elle l'attend à l'aéroport, elle est résolue à rompre. Mais, apeurée par un retard de son avion, elle se ravise.

Lucile

Lors de la fête d'anniversaire de Johnny, une relation, dans une boîte de nuit, Antoine feint d'abord d'ignorer Lucile puis se met dans l'embarras en voulant danser avec elle, qui ne le veut pas. A la suite de ce petit scandale, Diane, qui a compris la situation, apprend par Antoine qu'il la quitte car il ne l'a jamais aimée comme il aime Lucile.

Lucile et Antoine

Charles et Lucile partent en vacances dans le Midi de la France. A Paris, Antoine apprend par Johnny que la jeune femme est seule dans le Sud après que son mari ait dû rentrer précipitamment à la capitale pour ses affaires. Il lui téléphone et la rejoint. Leur liaison reprend mais le jeune homme réclame toujours de sa maîtresse qu'elle divorce. 

Lucile

Lucile quitte donc, sans heurts, Charles en laissant toutes ses affaires à leur domicile et s'installe avec Antoine. Elle décroche une place d'archiviste dans un journal mais l'abandonne rapidement sans prévenir son amant. Pour l'argent, elle vend ses bijoux. Mais son secret est découvert par Antoine qui est passé à l'improviste au journal et a appris qu'elle avait démissionné depuis trois semaines. Ils se disputent, lui pensant qu'elle revoit Charles. 

Charles et Lucile

Lucile est enceinte d'Antoine qui cherche alors un appartement plus grand pour s'y installer avec elle et leur enfant. Mais elle ne veut pas être mère et contacte Charles pour qu'il lui donne de l'argent afin qu'elle avorte en Suisse. Malgré ses protestations, Antoine l'accompagne dans cette épreuve. 

Lucile

A son retour en France, Lucile apprend par Johnny que Charles serait souffrant. Il déjeune avec elle et la rassure puis l'invite à assister à un concert. Elle y assiste alors qu'Antoine n'a pu l'accompagner au cinéma. Cette sortie rappelle à Lucile le confort douillet de son passé avec Charles et la motive à rompre avec Antoine en lui téléphonant après être rentré au matin chez lui sans avoir eu le courage de le réveiller. 

Adaptation du roman à succès de Françoise Sagan, La Chamade est un drame bourgeois typique de l'oeuvre de l'écrivain mais aussi de l'époque à laquelle il a été filmé. De fait, le film est daté et peut agacer ou faire sourire par sa représentation d'un milieu privilégié agité par des drames dérisoires.

Pourtant Alain Cavalier en tire un long métrage délicat qui esquive avec pudeur les aspects les plus scabreux de l'histoire : la romance adultère de cette bourgeoise oisive, déchirée entre un mari plus âgé qu'elle mais qui l'aime au point de la laisser le tromper (à moins qu'il ne soit convaincu que ce ne soit qu'une passade) et un jeune journaliste moins riche mais qui la veut pour lui exclusivement, se distingue par son élégance.

Le cinéaste traite tous les clichés de l'univers de Sagan (avec son aval puisqu'elle a co-écrit le scénario avec lui) sans condescendance. Il reste en permanence léger, discret, en montrant ces soirées mondaines dégustant du champagne lors de concerts de musique de chambre tout comme quand il met en scène des personnages proches de la caricature (Diane, la maîtresse trompée ; Johnny, l'homosexuel précieux). Toute l'attention de Cavalier est concentrée sur son héroïne et les sentiments qui l'agitent, son incapacité à choisir entre deux bonheurs.

Avec ses couleurs chaudes, via la photographie si raffinée de Pierre Lhomme, le récit avance en usant d'ellipses, de façon pointilliste, avec des scènes brèves. On ne s'ennuie jamais. Mais plus que tout, La Chamade apparaît comme un portrait fasciné de Catherine Deneuve, qui irradie de beauté, de jeunesse et de classe.

C'est pour Catherine Deneuve que notre coeur bat la chamade.

La comédienne, qui a l'âge de Lucile (24 ans), exprime une multitude d'émotions avec vivacité, passant de la joie à la tristesse, de l'humour à la futilité, de l'espoir à l'ennui, avec un naturel extraordinaire. On comprend que Michel Piccoli (sobre, parfait) et Roger Van Hool (un peu fade) soient éperdument amoureux d'elle : Cavalier lui-même est à l'évidence envoûté par Catherine Deneuve filmé comme la femme française par excellence.

De dix ans plus jeune que Sagan alors, Lucile témoigne de son temps (le film a été tourné en plein Mai 68) : libre d'aimer qui elle veut et quand elle veut, de décider de son existence, tout en en assumant les conséquences les plus dramatiques (comme lorsqu'elle avorte de l'enfant de son amant avec l'argent de son mari). Pour l'anecdote, on se souviendra que Deneuve fera partie des signataires du "Manifeste des 343 salopes" ayant affirmé avoir pratiqué l'avortement afin d'en obtenir la légalisation - et elle choisira La Chamade pour ouvrir l'intégrale que lui consacrera la Cinémathèque : tout est dit.

Enfin, pour les bonus du DVD, Alain Cavalier réalisera, en effectuant un montage de toutes les scènes où on ne voit qu'elle dans le film, un court métrage intitulé Elle Seule : quel plus bel hommage lui adresser ?

LA VIE DE CHÂTEAU, de Jean-Paul Rappeneau (1966)

LA VIE DE CHÂTEAU est un film réalisé par Jean-Paul Rappeneau.

Le scénario est écrit par Jean-Paul Rappeneau, Alain Cavalier, Claude Sautet et Daniel Boulanger (auteur des dialogues). La photographie est signée Pierre Lhomme. La musique est composée par Michel Legrand.

Dans les rôles principaux, on trouve : Catherine Deneuve (Marie), Philippe Noiret (Jérôme), Pierre Brasseur (Dimanche), Henri Garcin (Julien), Mary Marquet (Charlotte), Carlos Thompson (Klopstock).

 Marie

(Catherine Deneuve)

1944. En Normandie, durant l'Occupation allemande. Mariée à Jérôme, Marie vit avec sa mère, Charlotte, séparée de son époux, Dimanche, dans un château qui se dégrade de jour en jour mais dont aucun des parents ne veut financer les travaux de restauration.

Marie et Jérôme

(Catherine Deneuve et Philippe Noiret)

La jeune femme s'ennuie à la campagne et aimerait résider à Paris mais Jérôme n'y tient pas pour deux raisons : d'abord parce que la tranquillité de la nature normande convient à son caractère bourgeois et ensuite cela éloigne sa femme des convoitises d'autres hommes et des plaisirs futiles de la ville.

Dimanche et Julien

(Pierre Brasseur et Henri Garcin)

Mais la quiétude de ce petit monde est bientôt perturbée par la présence dans les parages d'un jeune et séduisant photographe qui vole les pommes de Jérôme et courtise Marie. Tous deux ignorent que cet inconnu se prénomme Julien et qu'il est un membre actif de la Résistance en contact avec Dimanche pour préparer le débarquement allié. 

Julien et Marie

(Henri Garcin et Catherine Deneuve)

Tandis qu'il regagne l'Angleterre pour briefer les britanniques et les américains en leur montrant des clichés du château (et, par inadvertance, de Marie) comme point de chute, les allemands réquisitionnent la demeure. L'officier Klopstock tombe immédiatement sous le charme de Marie. 

Julien, Marie et Klopstock

 (Henri Garcin, Catherine Deneuve et Carlos Thompson)

Parachuté à nouveau en France, Julien est récupéré par Jérôme et Marie qui le présentent à Klopstock comme le frère de la jeune femme. Le résistant va s'approvisionner en explosifs (pour faire sauter les quartiers des soldats ennemis dans le château la nuit du débarquement) auprès de Dimanche tout en dénigrant Jérôme auprès de Klopstock.

Jérôme et Marie

Plein d'espoir, le militaire pense qu'il a ses chances avec Marie mais Jérôme décide alors de la cloîtrer dans sa chambre après avoir remarqué que Klopstock et Julien lui tournaient autour. Elle réussit néanmoins à s'échapper une fois la nuit tombée avec Julien après avoir assommé Klopstock qui les a surpris en train de s'embrasser. Revenu à lui, l'officier lance ses hommes à leur poursuite tout en bouclant Jérôme, Charlotte et Dimanche dans la cave.

Marie

Excédé d'être traité de lâche (par son beau-père et sa femme), Jérôme réagit en s'évadant puis en aidant à préparer le parachutage des alliés tandis que Marie et Julien reviennent au château. Klopstock et ses hommes sont faits prisonniers et Marie se réconcilie avec Jérôme devant Julien. Deux mois plus tard, le couple défile à Paris avec les libérateurs sous les clameurs de la foule.

Après avoir aidé Louis Malle à adapter Zazie dans le métro (1960), Jean-Paul Rappeneau découvre avec son ami cinéaste un superbe château en Bretagne où il a l'idée de baser une histoire qu'il souhaiterait mettre en scène. Il ignore alors qu'il devra patienter cinq ans pour concrétiser son projet.

Entretemps, Rappeneau collabore à l'écriture de scénarios pour d'autres réalisateurs (notamment Philippe de Broca pour L'Homme de Rio, 1962) et se taille une réputation de script-doctor (ou de "matelassier" comme ils se surnomment, Claude Sautet et lui) dans le milieu. Mais il n'abandonne pas son affaire et transpose l'intrigue au Printemps 1944, époque qui lui rappelle son enfance, en Normandie. Peu de producteurs, pourtant, sont prêts à investir de l'argent dans une comédie sur fond de seconde guerre mondiale, même si Claude Sautet, Alain Cavalier et Daniel Boulanger l'aident à peaufiner son script dont il souhaite le ton proche des grandes comédies américaines de Howard Hawks et Ernst Lubitsch.

Le casting initial devait unir Françoise Dorléac et Louis Jourdan, mais ce dernier, exilé aux Etats-Unis, est rapidement rapidement remplacé par Philippe Noiret, recommandé par Sautet. Quant à Dorléac, son emploi du temps surchargé ne lui permet pas de s'engager : c'est la co-productrice Nicole Stéphane qui suggère alors le nom de Catherine Deneuve, remarquée aux côtés de sa soeur dans Les Parapluies de Cherbourg (Jacques Demy, 1964). Rappeneau est aussitôt séduit par la beauté, la pétillance et le débit vocal très rapide de la comédienne. Henri Garcin, Mary Marquet et Pierre Brasseur (ces deux derniers dans les rôles des parents terribles) complètent la distribution. Le tournage débute en Juillet 65 dans une ambiance idyllique, que même les éclats de voix de Brasseur ne troubleront pas.

A sa sortie, le film est récompensé par le Prix Louis Delluc et remporte un énorme succès critique et public : Rappeneau entre d'emblée dans la cour des grands grâce à sa mise en scène audacieuse, fluide et rythmée, l'originalité de son sujet et de son traitement, la fraîcheur de ses interprètes. Il va imposer une vision du cinéma très personnelle, ayant intégré les influences de ses maîtres tout en faisant preuve d'un perfectionnisme jamais démentie ensuite (seulement huit films en 50 ans de carrière !). 

Tout ici est vitesse et légèreté, alternance de prises de vue caméra à l'épaule et de scènes plus posées, les comédiens traversent l'image comme des fusées en dialoguant avec une rapidité qui ne sacrifie jamais la clarté de leurs échanges. C'est un vrai tourbillon. La réalisation a bénéficié des répétitions effectuées en amont du tournage durant lesquelles le cinéaste n'hésitait pas à mimer les situations - procédé qu'il perpétue sur le plateau au point que Philippe Noiret est alors souvent incapable de se concentrer ! Mais le résultat est là : Rappeneau imprime un swing terrible à l'histoire et Catherine Deneuve s'y épanouira pleinement (elle le retrouvera neuf ans plus tard pour le tout aussi réussi Le Sauvage). Il est vrai qu'elle est resplendissante, électrisant chaque plan, et le contraste entre son jeu plein de charme et d'énergie et celui bonhomme de Noiret, avec sa voix traînante et son gabarit massif, produit un effet comique immédiat et ravageur. Henri Garcin, suave, et Brasseur, puissant, sont également formidables.

La photo de Pierre Lhomme (ancien caméraman du chef opérateur des premiers films de de Broca, Jean Penzer) et la musique de Michel Legrand ajoutent encore aux qualités déjà nombreuses de la production : il suffit d'admirer le générique d'ouverture (une succession de clichés de Catherine Deneuve sur une mélodie superbe) pour être conquis.

La conjugaison de tous ces talents, maîtrisé par un cinéaste débutant mais à l'assurance étonnante, a certainement permis la réalisation d'autres comédies avec la même toile de fond (comme Le Roi de coeur de de Broca ou La Grande vadrouille de Gérard Oury). Rappeneau revisitera cette époque troublée avec le même brio 37 ans plus tard avec l'excellent Bon Voyage.  

UN MONSIEUR DE COMPAGNIE, de Philippe de Broca (1964)

UN MONSIEUR DE COMPAGNIE est un film réalisé par Philippe de Broca.

Le scénario est écrit par Philippe de Broca, d'après le roman de André Couteaux, avec des dialogues de Philippe de Broca et Henri Lanoë. La photographie est signée Raoul Coutard. La musique est composée par Georges Delerue.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jean-Pierre Cassel (Antoine Mirliflor), André Luguet (le grand-père d'Antoine), Catherine Deneuve (Isabelle), Jean-Pierre Marielle (Balthazar), Irina Demick (Nicole, la fiancée de Balthazar), Irène Chabrier (la repasseuse), Jean-Claude Brialy (le prince), Valérie Lagrange (Louisette, la soubrette du prince), Rosemarie Dexter (l'élève du cours de dessin à Rome), Sandra Milo (Maria, la femme du boulanger), Adolfo Celfi (Benvenuto), Annie Girardot (Clara, la femme sur la plage), Marcel Dalio (Alexandre Darius Socratès). 

 Papy Mirliflor et son petit-fils Antoine

(André Luguet et Jean-Pierre Cassel)

Antoine Mirliflor se réveille d'un affreux cauchemar : il rêvait qu'il travaillait ! C'est donc avec soulagement qu'il constate qu'il pêche à la ligne auprès de son grand-père qui lui a toujours enseigné de "ne pas perdre sa vie à la gagner". Hélas ! Peu de temps après, l'aïeul décède. Seul et sans argent, avec comme seul héritage une lunette astronomique, Antoine n'est pourtant pas désespéré.

Balthazar et Antoine Mirliflor

(Jean-Pierre Marielle et Jean-Pierre Cassel)

Il s'installe sur la butte Montmartre où il fait la connaissance de Balthazar, un marchand de glace, qui lui montre avec sa longue vue sa fiancée Nicole mais dont le couple bat de l'aile. Antoine promet à son ami de les réconcilier et pour ce faire, il séduit la jeune femme pour mieux savoir ce qu'elle attend d'un homme. 

Isabelle

(Catherine Deneuve)

En observant le voisinage, Antoine a remarqué une jeune femme blonde dont la beauté l'a ému. Aussi, quand Nicole parle de l'épouser à la place de Balthazar, il s'échappe pour échouer chez un riche excentrique, un prince féru de trains électriques miniatures pour lequel il joue les chefs de gare. Mais, épuisé par les cadences infernales imposées, Antoine fuit à nouveau. 

Antoine pose à Rome

Débarquant à Rome, il flâne dans la ville éternelle et se fait remarquer par le professeur d'un cours de dessin qui le convainc de venir poser pour ses élèves. Il y séduit une jeune fille mais, gagné à son tour par le trouble, il s'éclipse précipitamment, seulement vêtu d'un peignoir.

Maria et Antoine

(Sandra Milo et Jean-Pierre Cassel)

Antoine s'installe à la terrasse d'un café tenu par la pulpeuse Maria chez qui il trouve refuge en devenant son amant la nuit tandis que son mari, boulanger, travaille. Lorsqu'une procession funéraire passe dans la rue un matin et qu'il apprend que le frère du défunt est un riche avocat, il se joint au cortège.

Benvenuto, ses filles et Antoine (au lit)

(Adolfo Celfi et Jean-Pierre Cassel)

Il gagne l'amitié du juriste fortuné et les coeurs de ses filles au point d'être hébergé chez eux. Quand son bienfaiteur lui offre un poste à l'université, car Antoine a prétendu rédiger une thèse sur le travail, il est temps à nouveau de se retirer.

Clara et Antoine

(Annie Girardot et Jean-Pierre Cassel)

Avant de partir d'Italie, il a encore le temps d'une brève aventure avec Clara, croisée sur une plage. Puis il se retrouve à Londres où lors d'une vente aux enchères, il défie, alors qu'il est sans le sou, le milliardaire Alexandre Darius Socratès pour acquérir un tableau représentant la Joconde en train de bouder. 

"Tout ce qui est divin est sans effort."

Epaté par l'audace d'Antoine, Socratès l'introduit dans sa cour et lui décroche un contrat d'édition pour un livre sur son style de vie - l'ouvrage ne comporte en fait que des pages blanches puisqu'il ne fait rien et n'a rien envie de faire ! A l'imprimerie, il retrouve la jeune femme blonde entrevue à Paris puis Rome et Londres : elle se prénomme Isabelle et est la fille d'un des ouvriers. 

Antoine et Isabelle

Ils se plaisent et Antoine la demande en mariage, résolu à travailler pour elle. Mais le boulot dans la sidérurgie qu'il décroche est éreintant... Heureusement, il se réveille à nouveau de ce cauchemar, poursuivant sa partie de pêche avec son grand-père.

Tourné après le triomphe de Cartouche (1962), Un Monsieur de compagnie sera la dernière collaboration entre Philippe de Broca et Jean-Pierre Cassel, son interprète fétiche jusque-là. Le cinéaste semble avoir alors fait son choix entre son partenaire et leurs films au succès d'estime, et Belmondo, dont l'attractivité commerciale est plus prometteuse.

Quoi qu'il en soit, cet opus est une pépite digne des précédentes réussites du duo de Broca-Cassel (après Les Jeux de l'amour et Le Farceur en 1960 et L'Amant de cinq jours en 1961). Le long métrage brille d'abord par son esthétique pop et élégante, dont  la copie désormais restaurée par Pierre Lhomme sous la supervision du chef opérateur originel Raoul Coutard permet d'apprécier toute la luxuriance du Technicolor. Les couleurs sont magnifiques, délicieusement acidulées.

Mais surtout le film possède un charme virevoltant irrésistible : l'histoire est constituée d'une suite d'épisodes humoristiques au gré des expériences et rencontres faites par le héros, un oisif profiteur et ses bienfaiteurs/trices qu'il fuit dès qu'ils/elles lui proposent un travail ou de s'installer. Culotté, souriant, séducteur, Antoine Mirliflor est un opportuniste qui abuse de tout et de tout le monde mais qui découvre que ne rien faire demande quand même bien des efforts... Même si, comme il le dit, "tout ce qui est divin est sans effort".

De Broca a disposé d'un casting formidable et donne à tous ses comédiens leur moment, satellites gravitant autour d'un Jean-Pierre Cassel bondissant dans ce monde de rêve au croisement de la bande dessinée (avec des arrêts sur image où apparaissent des bulles de pensée), maison de poupées et brochure touristique. Le film préfigure ainsi aussi bien ce qu'on verra plus tard chez des cinéastes comme Jean-Pierre Jeunet ou Wes Anderson que ce qu'on a vu chez les maîtres de la comédie américaine (de Ernst Lubitsch à Blake Edwards en passant par Billy Wilder).

Cassel est divinement entouré par un vrai défilé de jolies filles légères (de la ravissante Rosemarie Dexter à la pulpeuse Sandra Milo en passant par Irène Chabrier, Valérie Lagrange, Irina Demick et Annie Girardot dans un savoureux caméo) et de garçons mémorables (Jean-Pierre Marielle drôlissime, Jean-Claude Brialy déchaîné, Marcel Dalio épatant). Le seul défaut commun à tous ceux/celles-ci sera de vouloir enfermer dans une cage ce jeune homme qui refuse de grandir.

Et puis, tel un fil rouge, il y a les rencontres poétiques et avortées avec Catherine Deneuve, d'une beauté lumineuse, apparaissant comme un fantasme insaisissable et à chaque fois accompagnée par un superbe thème mélancolique composé par Georges Delerue. En lui courant après, Jean-Pierre Cassel ne sait pas qu'il cherche à atteindre ce qui manque à son existence - l'amour, le vrai. Quand il le comprendra, il devra sacrifier sa liberté.

Cette décision complexe pour un un hurluberlu pareil est déjouée par une pirouette narrative tout à fait imprévisible mais jubilatoire. Immature et en mouvement permanent, cette figure alimentera de nombreux autres opus de de Broca, qui ne cessera d'en peaufiner la silhouette de L'Homme de Rio à L'Incorrigible en passant par Les Tribulations d'un chinois en Chine, Le Roi de coeur, Le Diable par la queue, ou Le Magnifique.

LE DERNIER METRO, de François Truffaut (1980)

LE DERNIER METRO est un film réalisé par François Truffaut.

Le scénario est écrit par François Truffaut, Suzanne Schiffman et Jean-Claude Grumberg. La photographie est signée Néstor Almendros. La musique est composée par Georges Delerue.

Dans les rôles principaux, on trouve : Catherine Deneuve (Marion Steiner), Gérard Depardieu (Bernard Granger), Heinz Bennent (Lucas Steiner), Jean Poiret (Jean-Loup Cottins), Maurice Risch (Raymond Boursier), Andréa Ferréol (Arlette Guillaume), Paulette Dubost (Germaine Fabre), Sabine Haudepin (Nadine Marsac), Jean-Louis Richard (Daxiat).

1942. Paris sous l'Occupation allemande. Lucas Steiner, dramaturge juif d'origine allemande et directeur du théâtre de Montmartre, est recherché par la Gestapo. C'est sa femme, Marion, comédienne, qui dirige sa troupe et l'établissement : elle est la seule à savoir que son mari se cache en fait dans les caves où, grâce à une bouche d'aération, il peut écouter les répétitions de sa dernière pièce, La disparue. 

Bernard Granger, Jean-Loup Cottins, Marion Steiner et Nadine Marsac

(Gérard Depardieu, Jean Poiret, Catherine Deneuve et Sabine Haudepin) 

Daxiat, un critique théâtral et collaborateur notoire des autorités allemandes, aimerait acquérir le théâtre tout en rédigeant des articles assassins sur la pièce qui se joue. Il le fait savoir à Marion en lui expliquant que, à cause des lois aryennes, elle n'est en vérité pas la propriétaire légal de l'endroit.

Marion et Lucas Steiner

(Catherine Deneuve et Heinz Bennent)

C'est au même moment que Bernard Granger, un comédien talentueux et prometteur, intègre la troupe pour tenir le premier rôle masculin de La disparue. Il est aussi un coureur de jupons insatiable, qui courtise d'abord sa partenaire Arlette Guillaume (qui préfère cependant les femmes et charme la jeune première Nadine Marsac, également dans la distribution). Puis, progressivement, malgré la froideur dont elle fait preuve à l'égard de tous, Marion devient l'objet de ses attentions.

Bernard Granger et Marion Steiner

Un soir que la gestapo veut procéder à une fouille minutieuse du théâtre à la fin d'une représentation, Marion sollicite l'aide de Bernard qui découvre la situation de Lucas. Steiner a alors la confirmation non seulement des sentiments de Granger pour sa femme mais de cette dernière pour le comédien.

Ce qu'ils ignorent, c'est que Bernard a également des relations avec la Résistance, qu'il décide de rejoindre plus activement quand il comprend que Marion ne quittera jamais Lucas, même si elle accepte de le tromper avec son accord tacite....

Le projet du Dernier métro était depuis longtemps dans les tiroirs, déjà bien remplis de scripts et d'idées de films, de François Truffaut : il voulait en fait filmer une trilogie sur le monde du spectacle dont ce long métrage était le deuxième chapitre, après La Nuit américaine (1973) - L'Agence Magic était sûrement le dernier volet (Claude Miller et Claude Berri ont envisagé de le tourner après le décès de Truffaut).

Le souhait du réalisateur emblématique de "La Nouvelle Vague" était aussi d'évoquer ses souvenirs de l'Occupation nazie. Il a réussi à faire d'une pierre, deux coups avec cette histoire qui traite de cette période tout en montrant la vie au sein d'une troupe de théâtre.

Pour l'époque, Le dernier métro représentait un film à gros budget, donc risqué, surtout après que Truffaut ait essuyé plusieurs échecs commerciaux. Mais ce quitte ou double semble avoir transcendé Truffaut. Il parvient, avec l'aide de sa fidèle collaboratrice Suzanne Schiffman et du dramaturge Jean-Claude Grumberg, à composer une production solide et romanesque, très rigoureuse historiquement.

La description de la vie quotidienne en ces temps troublés dans la capitale sous le feu des bombes, récolta un énorme succès critique et public, récompensés par dix César et une citation aux Oscar. Si le film a été tourné en studio (dans une ancienne usine), ce qui est aussi insolite de la part de Truffaut, adepte des films en décors naturels, cela lui donne une facture classique et très élégante, grâce à la photographie magnifique de Néstor Almendros et des mouvements de caméra dynamiques.

Le soin apporté aux détails (comme les costumes, mais aussi la bande-son, avec des chansons ré-arrangées, des diffusions radiophoniques) et l'emploi de grands acteurs au sommet de leur popularité et de leur art (même si Gérard Depardieu, au demeurant excellent, faillit refuser le film car il craignait de ne pas correspondre au style du metteur en scène !) forment un ensemble aussi flamboyant que réaliste, avec une narration fluide et très énergique (on ne voit pas passer les 120 minutes).

Les seconds rôles, très nombreux, sont également tous épatants, admirablement caractérisés et incarnés (Jean Poiret, Andréa Ferréol, Sabine Haudepin, Maurice Risch, Jean-Louis Richard - mention spéciale pour ce dernier, parfait en vrai salaud, et dont la scène où il est pris à parti par Depardieu reproduit une altercation authentique entre Jean Marais et un journaliste collabo !).

Truffaut ne montre pas un état de siège permanent mais dresse un portrait complexe, avec toutes ses facettes, à la fois de l'Occupation et de la Résistance. C'est surtout un grand film romantique sur fond historique : dans ce cadre, le cinéaste développe une romance à trois (Marion-Bernard-Heinz) débarrassée de tout cliché. Mais, pour le connaisseur du réalisateur, il y a un sous-texte savoureux avec des références à ses oeuvres passées, en particulier Jules et Jim (1961), dont Le dernier métro est une sorte de variation, se plaçant aussi au-delà des conventions sociales, morales et artistiques.

Enfin, le film peut se lire comme une déclaration d'amour à son actrice principale, Catherine Deneuve, qui fut une de ses (nombreuses) amantes. Elle est au coeur de ce récit, éprise de deux hommes, en majesté. Onze ans après l'échec de La Sirène du Mississipi, Truffaut l'immortalisait dans sa beauté et célébrait la qualité de son jeu : il n'est pas interdit de penser que ce soit lui qui, à travers le personnage de Bernard Granger, lui déclare que l'"aimer est à la fois une joie et une souffrance".

Quel plus bel hommage pour la femme, la comédienne, le théâtre, le cinéma !   

BELLE DE JOUR, de Luis Buñuel (1966)

BELLE DE JOUR est un film réalisé par Luis Buñuel.

Le scénario est écrit par Luis Buñuel et Jean-Claude Carrière, d'après le roman de Joseph Kessel. La photographie est signée Sacha Vierny. La musique est composée par Gustavo Pittaluga.

Dans les rôles principaux, on trouve : Catherine Deneuve (Séverine / Belle de Jour), Jean Sorel (Pierre), Michel Piccoli (Husson), Pierre Clémenti (Marcel), Francisco Rabal (Hippolyte), Geneviève Page (Anaïs), Georges Marchal (le Duc), Françoise Fabian (Charlotte), Muni (Pallas).

Séverine

(Catherine Deneuve) 

Séverine est hantée par des rêves récurrents de nature sado-masochistes où elle est punie par son mari à cause la froideur avec laquelle elle repousse ses désirs.

Pierre et Séverine

(Jean Sorel et Catherine Deneuve)

Pourtant, le couple que la jeune femme forme avec son époux, Pierre, un brillant chirurgien, semble sincèrement heureux. Il est attentionné et patient avec elle et elle le considère avec respect et tendresse. 

Husson et Séverine

(Michel Piccoli et Catherine Deneuve)

Lorsqu'un des amis de Pierre, Husson, glisse lors d'une conversation avec Séverine l'adresse de la maison close qu'il fréquente occasionnellement, la jeune femme, curieuse, décide de s'y rendre discrètement.

Séverine/Belle de Jour et Anaïs

(Catherine Deneuve et Geneviève Page)

Séverine, nerveuse, offre ses services à Madame Anaïs mais à certaines conditions précises : elle ne sera disponible que de 14 à 17 heures et veut travailler sous un pseudonyme. Elle devient "Belle de Jour" et a pour collègues Charlotte et Pallas.

Séverine/Belle de Jour, Anaïs, Charlotte et Pallas

(Catherine Deneuve, Geneviève Page, Françoise Fabian et Muni)

Les trois prostituées vendent leurs charmes à des clients excentriques : un représentant de commerce dodu et jovial, un mystérieux et imposant asiatique (qui présente aux filles une boîte contenant on ne sait quoi), et enfin un duo de malfrats. L'un est un espagnol reconnaissable à sa balafre sur sa joue gauche, l'autre un jeune homme à la dentition abîmée mais au charme ombrageux qui tombe amoureux de Belle de Jour (et réciproquement).

Séverine/Belle de Jour et Marcel

(Catherine Deneuve et Pierre Clémenti)

Husson découvre la double vie de Séverine en se présentant chez Anaïs mais maintenant que la jeune femme se prostitue, elle ne lui inspire plus aucune envie.

En revanche, Marcel ne peut plus se passer de Belle de Jour et, grâce à Hippolyte, découvre où elle habite. Il agresse Pierre qu'il blesse gravement avant de fuir et d'être abattu par la police.

Séverine cesse ses activités clandestines après ce drame pour veiller sur Pierre. Il se rétablit aussi miraculeusement que subitement. Leur couple peut désormais reprendre une existence normale et heureuse.

Luis Buñuel affirmait, mi-ironique mi-lucide, que si Belle de Jour avait été son plus grand succès commercial (en plus de lui valoir le Lion d'Or à la Mostra de Venise), c'était davantage grâce aux prostituées dans l'histoire que pour les qualités propres du film. Il est pourtant indéniable que c'est la conjugaison de l'étrangeté du récit et de son érotisme qui en fait, encore 50 ans après sa sortie, une oeuvre extraordinaire.

Issu du mouvement surréaliste, Buñuel peut paraître assagi avec ce long métrage, moins radical que son fameux Chien Andalou, mais en vérité, son originalité a simplement gagné en subtilité : le cinéaste laisse libre cours à l'imagination du public en refusant de lui tout lui expliquer et en continuant à lui soumettre une série d'images intrigantes et dérangeantes. En cela, il précède de beaucoup David Lynch.

La cible du cinéaste est ici, encore, la bourgeoisie qui dénature les individus et surtout bride le couple. Et des couples, il n'y a que ça dans Belle de Jour : pas seulement celui de Séverine et Pierre autour duquel se développe tout le scénario, mais également celui de Séverine et son amie Renée (incarnée par la si délicieuse Macha Méril), ou celui de Séverine et Husson (campé avec une onctuosité malsaine par Michel Piccoli), ou celui de Séverine et Anaïs (jouée par une Geneviève Page dont la voix est d'une lascivité ambiguë à souhait), ou enfin celui de Belle de Jour et Marcel (auquel Pierre Clémenti donne sa gueule de poète maudit et son allure punk avant l'heure).

Tous ces binômes renvoient à la révélation de l'absurdité de la condition de prostituée : Séverine se vend d'abord comme une thérapie incongrue à ses rêves sado-masochistes, puis elle prend un plaisir évident dans les bras de clients extravagants (le sommet étant atteint avec l'asiatique et sa curieuse petite boîte). Sa rencontre avec Marcel marque une étape décisive puisqu'elle tombe amoureuse de cette petite frappe, gueule cassée, en sachant pertinemment que cette romance est sans avenir (mais n'est-elle pas plus excitante parce qu'elle est justement condamnée ?). Lorsque Husson, qui l'a conduite indirectement dans la maison close de Anaïs, découvre son secret, Séverine comprend que sa double vie est sur le point de s'achever en même temps que cet homme, qu'elle déteste, lui inflige un affront humiliant car il ne la désire plus maintenant qu'il peut se la payer. Enfin, quand Pierre est gravement blessé, Séverine voit sa position bouleversée par rapport à son mari, le dominant physiquement, et découvrant que non seulement il ne lui reproche pas de s'être prostituée, mais qu'il est ému qu'elle ne l'ait pas quitté.

La prostitution devient donc, dans le parcours de Séverine, un acte de rébellion et d'affirmation puis de libération : elle s'affranchit de la domination masculine et dépasse son évidente frigidité tout en chassant ses démons. Le cinéaste y ajoute encore un zeste de saphisme dans la relation établie entre Anaïs et Séverine qu'on peut estimer de bien des façons (mère-fille, maître-disciple, employeur-employée, maîtresse-amante), tout en baisers volés. 

Buñuel, par sa réalisation d'une subtilité virtuose et en s'appuyant sur le script d'orfèvre qu'il a adapté du roman de Joseph Kessel avec son complice Jean-Claude Carrière, joue sur la confusion entre rêve et réalité. Le spectateur repère suffisamment facilement ces deux mondes tout en y étant entraîné s'en rendre compte immédiatement. Parfois ce qui se passe véritablement réussit même à être plus bizarre que les fantasmes de Séverine (comme cette cérémonie grotesquement macabre chez le Duc). Mais les obsessions sexuelles de l'héroïne sont troublées visuellement par la photo (magnifique de Sacha Vierny) et ses teintes automnales et l'interprétation de premier ordre, où la fausseté de Catherine Deneuve, impassible le plus souvent, radieuse dans le sordide, morose dans l'ordinaire, fait merveille - on comprend que Hitchcock ait tant voulu la diriger, même si cela n'a jamais abouti, tant elle reproduit ce "feu sous la glace".

Belle de Jour a si puissamment imprimé l'inconscient collectif qu'il reste le film ayant collé à Catherine Deneuve sa réputation de belle blonde glacée. Pourtant derrière le masque de cette jeune femme, qui tombe au terme d'une initiation détonante, on est surtout saisi par l'audace et la modernité, l'intelligence et l'intensité de cet authentique et inépuisable chef d'oeuvre.