INSTINCT DE SURVIE, de Jaume Collet-Serra (2016)

INSTINCT DE SURVIE (The Shallows) est un film réalisé par Jaume Collet-Serra.

Le scénario est écrit par Anthony Jaswinski. La photographie est signée Flavio Labiano. La musique est composée par Marco Beltrami.

Dans les rôles principaux, on trouve : Blake Lively (Nancy Adams), Oscar Jaenada (Carlos), Pablo Calva (Miguel), Sedona Legge (Chloe Adams), Brett Cullen (le père de Nancy et Chloe), Angelo Lozano Corso et Jose Trujillo Salas (les deux surfeurs).

 Nancy Adams

(Blake Lively)

26 Avril 2016. Nancy Adams, 26 ans, étudiante en médecine originaire de Galveston (Texas) et passionnée de surf, se rend en vacances sur une plage au Mexique où sa mère l'avait initiée avant d'être emportée par un cancer. Elle y est conduite par Carlos à qui elle indique qu'elle rentrera à son hôtel par ses propres moyens.

Nancy

Le temps est superbe, l'endroit paradisiaque, la mer parfaite : Nancy se jette à l'eau une première fois pour tester les courants. Puis elle revient sur la terre ferme pour y communiquer, via Skype, avec sa soeur cadette, Chloe, et son père, restés au Texas - ce dernier lui demande d'être prudente et de penser à sa rentrée universitaire. Puis elle reçoit un SMS de son amie Anna, qui devait l'accompagner mais a préféré sortir avec un garçon.

Les deux surfeurs

(Angelo Lozano Corso et Jose Trujillo Salas)

Nancy retourne à l'eau et s'aventure plus au large. Elle y rencontre deux jeunes surfeurs, dont l'un est coiffé d'un casque avec une caméra GoPro, qui la mettent en garde contre les flux capricieux du coin. Ils effectuent quelques glisses ensemble puis les deux garçons rejoignent la plage et leur voiture. Nancy, elle, décide de rester encore un peu.

Le requin dans le tube

Alors qu'elle profite de quelques tubes, elle est soudain percutée par un requin. Sous l'eau, le filin qui la relie à sa planche se coupe et le requin la mord à la cuisse gauche. Elle réussit à nager jusqu'à un récif et à y grimper pour s'abriter. Nancy se fait un garrot sommaire, puis suture la plaie en se servant de son collier et de ses boucles d'oreilles comme de fil et d'aiguille.  

Nancy face au requin

La nuit tombe, une balise flottante s'allume à environ 150 mètres du récif où la jeune femme se trouve. Le requin semble avoir disparu mais Nancy est trop faible et transie de froid pour risquer de quitter son refuge. Elle enfile, après l'avoir déchirée difficilement, une manche de sa combinaison autour de sa cuisse blessée à la manière d'un pansement de compression une fois qu'elle a desserré son garrot pour faire circuler le sang dans sa jambe. Sur la plage, elle aperçoit alors un homme assoupi mais qui se réveille au son de ses cris...

Nancy sur le récif

Malheureusement, c'est un ivrogne qui en profite pour lui voler son sac. Quand il voit sa planche de surf à la dérive, il s'enfonce dans la mer pour la récupérer mais le requin resurgit alors et l'attaque. Le matin se lève et les deux surfeurs de la veille reviennent : Nancy tente de les dissuader de se mettre à l'eau mais ils ne l'écoutent pas. Le requin a tôt fait de les agresser mortellement. L'après-midi, un soleil de plomb accable encore plus Nancy. Le casque équipé de la caméra du surfeur flotte jusqu'au récif où elle le rattrape : elle y enregistre un message puis le rejette à la mer en comptant sur la marée pour qu'il gagne la plage. 

"Take it !"

Voyant un banc de méduses autour du récif, Nancy plonge en espérant qu'il divertira le requin le temps qu'elle atteigne la balise. Une fois dessus, elle y trouve un pistolet et des fusées de sauvetage et en tire deux (sur quatre) en direction d'une péniche au large - mais sans que cela suffise à être remarquée. Elle vise alors le requin qui fonce sur la balise et le blesse. Enragé, le monstre tente alors de provoquer le chavirage de la balise et y parvient. Nancy l'attire alors dans les bas-fonds où le requin fonce sur les fondations acérées de l'îlot et s'y empale.   

Un an après...

Le casque avec la caméra ayant été retrouvé par Miguel sur la plage, son père, Carlos, repêche Nancy à bout de force à l'aube. Un an après, sur la plage de Galveston, Nancy initie sa petite soeur Chloe au surf après avoir examiné avec appréhension la mer...

Tous les étés, aux Etats-Unis, c'est la saison des blockbusters, ces films à grand spectacle produits pour triompher en salles. Parmi ces grosses machines, à l'intérêt et aux qualités très variables, se cachent ce que les analystes appellent des "sleepers", des longs métrages aux budgets beaucoup plus modestes mais qui deviennent des cartons inattendus. Généralement, il s'agit de films aux genres bien définis, ou plus précisément encore évoluant dans ses sous-genres, mis en scène par des réalisateurs à la notoriété faible avec des acteurs aussi peu connus, mais à la narration et à la mise en images efficaces. 

Cette absence de prétention artistique, la contrainte de livrer un divertissement calibré avec peu de moyens, a fait les beaux jours des projections dans les drive-in ou les compléments de programme à une époque.  Les studios ou structures indépendants qui les financent n'ont pas grand-chose ou rien à y perdre puisqu'ils ne coûtent pas cher et peuvent rapporter gros et que leur meilleure publicité est le bon vieux bouche-à-oreille.

The Shallows (soit, littéralement, Les Bas-Fonds) est un pur "sleeper" : avec seulement 17 millions pour le tourner, il en a remporté... Près de 125 rien que sur le sol américain ! Un vrai jackpot.

Le français Louis Leterrier (exilé aux Etats-Unis après avoir été découvert par Luc Besson, et à qui on doit Hulk ou Insaissables) devait initialement le diriger avant de se désister et d'être remplacé par l'espagnol Jaume Collet-Serra : c'est un habile faiseur, qui a souvent eu Liam Neeson devant sa caméra (le très bon Sans Identité, et les plus oubliables Non-Stop ou Extinction).

Le sujet tient sur un timbre-poste et pourrait se résumer par : une (jolie) fille, une plage, un requin. Mais ça suffit car le résultat séduit justement par son minimalisme. Depuis Les Dents de la Mer (Steven Spielberg, 1975, le premier blockbuster du New Hollywood), tous les cinéastes et les spectateurs savent le potentiel dramatique et spectaculaire qu'ont les "films de requins" - et comme Marathon Man (John Schlesinger, 1976) a traumatisé nombre de patients de dentistes, l'opus de Spielberg a nourri les angoisses de moult vacanciers partis faire trempette.

Collet-Serra suggère d'abord simplement, en isolant son héroïne au milieu de la mer ou en la filmant en train de surfer dans des tubes, la présence d'une menace qui ne se montre pas. Puis, subitement, le danger apparaît dans toute son horreur, très tôt : ainsi, le spectateur comme Nancy s'habitue à ce requin affamé et impitoyable, aussi vorace que rusé et puissant.

Quand on a une bombe (an)atomique comme Blake Lively devant son objectif, difficile de faire l'économie de quelques plans sur son physique admirable : la beauté solaire et la ligne de l'actrice n'est pourtant pas trop exploitée car, là aussi, il s'agit surtout de montrer l'épreuve qu'elle va traverser et dont elle gardera les stigmates corporelles et psychologiques. Le film insiste intelligemment davantage sur la survie de la jeune femme et oppose le combat de cette sirène contre le monstre.

La comédienne donne donc de sa personne mais sans que le spectateur ne se rince (trop) l'oeil (de toute façon, ça fait partie du jeu : la séduction de l'appât est aussi un argument), mais Lively tient son rôle avec beaucoup d'intensité. Son personnage, certes, ne cède pas exagérément à la panique (alors que n'importe qui dans pareille situation serait affolé et désespéré), mais le calme dont elle fait preuve est justifié par les études en médecine et donc l'habitude face aux moments délicats. Le scénario y ajoute un trauma familial pour la touche mélodramatique (la mort de la mère, le retour sur la plage que la défunte fréquentait qui donne à la présence de Nancy un air de pèlerinage) : c'est convenu mais pas bien méchant.

Les rebondissements sont assez fréquents et réalistes, avec une dose de sadisme raisonnable, pour ponctuer l'histoire (le voleur ivrogne, les deux surfeurs, le fils de Carlos) et le climax (avec le duel sur et sous la balise) est palpitant. Peut-être qu'un fan de ce genre de films serait plus exigeant que moi, qui n'en suis pas un grand consommateur, mais j'ai été accroché.

Vite fait mais bien fait (85 minutes), bien joué (par une des plus belles filles du ciné US actuel), cette série B est un plaisir, plaisir coupable certes, mais réel. 

ADALINE, de Lee Toland Krieger (2015)

ADALINE (The Age of Adaline) est un film réalisé par Lee Toland Kriger (uniquement disponible en VOD en France).

Le scénario est écrit par J. Mills Goodloe et Salvador Paskowitz. La photographie est signée David Lazenberg. La musique est composée par Rob Simonsen.

Dans les rôles principaux, on trouve : Blake Lively (Adaline Bowman / Jennifer Larson), Michiel Huisman (Ellis Jones), Harrison Ford (William Jones), Ellen Burstyn (Flemming Bowman à 82 ans), Kathy Baker (Kathy Jones), Amanda Crew (Kikki Jones), Peter James Grey (James Prescott), Izabel A. Pearce et Cate Richardson (Flemming Bowman à 5 ans et à 20 ans).

 Adaline Bowman / Jennifer Larson
(Blake Lively)

31 Décembre 2014. San Francisco. Adaline Bowman paie un faussaire pour des cartes d'identité aux noms de Jennifer Larson et Susan Fleischer. Puis elle se rend à la bibliothèque municipale où elle travaille comme archiviste. En visionnant de bandes d'actualité du début du XXième siècle, elle se rappelle son propre passé car, si elle les traits d'une jeune femme de 29 ans, elle est née en vérité en 1908 et s'appelle Adaline Bowman.

En 1929, elle rencontre James Prescott, jeune ingénieur durant la construction du Golden Gate et l'épouse. En 1932 naît leur fille, Flemming. En 1937, James trouve accidentellement la mort sur le chantier du pont. Dix mois plus tard, sur une route la nuit, Adaline perd le contrôle de sa voiture qui chute dans une rivière gelée. La foudre s'abat sur son véhicule et, du même coup, la réanime alors qu'elle était en état anoxique.

Ellis Jones et Adaline Bowman/Jennifer Larson
(Michiel Huisman et Blake Lively)

Les années passent et Adaline constate qu'elle ne vieillit pas alors que sa fille devient une jeune femme : bien que ne trouvant aucune explication scientifique, elle comprend qu'elle est devenue immortelle suite à son accident et aura 29 ans pour toujours. En 1943, le FBI la repère et cherche à la soumettre à des expériences mais elle réussit à s'échapper. Désormais, tous les dix ans, elle changera de nom, d'adresse, de job pour rester libre et en sécurité.  

Flemming et Adaline
(Ellen Burstyn et Blake Lively)

Sortie assister au vernissage d'une exposition de photos d'époque (où elle apparaît sur certaines), Adaline Bowman alias Jennifer Larson est abordée par Ellis Jones dont elle apprend le lendemain qu'il fait une importante donation d'éditions originales à la bibliothèque municipale pour la revoir. Elle accepte de dîner chez lui et ils passent la nuit ensemble. Mais, sachant cette histoire sans avenir, Adaline/ Jennifer reprend les préparatifs pour partir dans l'Oregon. Sa fille Flemming, désormais âgée de 82 ans, tente de la raisonner pour qu'elle cesse de fuir.

William, Kathy, Kikki et Ellis Jones et Adaline Bowman/Jennifer Larson
(Harrison Ford, Kathy Baker, Amanda Crew, Michiel Huisman et Blake Lively)

Adaline/Jennifer accepte de passer un week-end en amoureux avec Ellis chez les parents de ce dernier. Une surprise l'y attend puisque William, le père de famille, a été un de ses amants dans les années 60. Troublé, celui-ci se souvient de leur romance en Angleterre et en Amérique durant cinq semaines avant qu'elle disparaisse subitement alors qu'il allait la demander en mariage.

William Jones (jeune) et Adaline Bowman
(Anthony Ingruber et Blake Lively)

En remarquant une cicatrice sur la main gauche de Jennifer, William reconnaît la trace d'une blessure qu'Adaline s'était faite lorsqu'ils étaient ensemble. Elle lui avoue tout mais choisit de partir sur-le-champ. Ellis part à sa recherche et la retrouve gravement blessée après un accident de la route. Les secours arrivent et la réaniment. A l'hôpital, elle lui explique qui elle est vraiment et lui présente Flemming, qui s'était d'abord présentée comme sa grand-mère.
Un an après, alors qu'elle se prépare pour sortir avec Ellis, Adaline comprend qu'elle n'est plus immortelle en se détachant un cheveu blanc - une découverte qui la soulage car elle signifie qu'elle vivra désormais normalement.

Comme Welcome Back de Cameron Crowe, Adaline n'a pas eu droit à une exploitation traditionnelle en salles malgré son casting accrocheur, et c'est donc en VOD (ou, autrement dit, e-cinéma) que ce long métrage a été diffusé en France.

Le quatrième opus de Lee Toland Krieger (remarqué avec The Vicious Kind, en 2009) ne démérite pourtant pas, réunissant les vedettes féminine de la série Gossip Girl et masculine de Game of Thrones aux côtés d'Indiana Jones, pour une romance fantastique assez fine, bien plus digeste, sur un thème similaire, que L'étrange histoire de Benjamin Button de David Fincher (2008). 

Même si les scénaristes (ou les producteurs, toujours trop prudents ?) ont cru bon d'ajouter au début et à la fin une voix off ridiculement pompeuse pour expliquer sérieusement ce qui a rendu Adaline immortelle puis mortelle à nouveau (précaution inutile, superflue même), l'argument est bien développé, avec une humilité certaine mais non sans délicatesse ni originalité.

S'appuyant donc sur une solide bande d'acteurs, le réalisateur sait en jouer pour souligner l'étrangeté de la situation d'Adaline : ainsi voir (la sublime - et je pèse mes mots : cette fille est vraiment d'une beauté renversante, d'une classe folle) Blake Lively être appelée "Maman" par Ellen Burstyn permet rapidement et habilement de mesurer à quel point l'immortalité peut être cruelle pour celle qui en es doté. La mère, qui a 29 ans pour toujours, veille désormais sur sa fille âgée de 82 ans et le soin avec lequel elle agit en sa présence démontre que l'enfant comme le vieillard est aussi fragile.

De la même manière, on n'a aucun mal à partager l'émoi (dans tous les sens du terme) de Harrison Ford quand il retrouve intacte la jeune femme qu'il aima dans les années 60... Et qui partage désormais la vie de son fils ! Michiel Huisman comme son père de cinéma sont impeccables chacun, livrant des prestations très sobres, et empêchant au film de sombrer dans un mélodrame trop empesé.

On peut d'ailleurs regretter que Lee Toland Krieger soit si économe de ses effets et que sa mise en scène soit si discrète : dans les mains d'un Todd Haynes, un tel sujet aurait été bouleversant (en plus d'être formellement splendide) alors qu'on sent ici une prudence parfois excessive pour ne pas envoyer les violons, susciter des émotions trop violentes, explorer ce mélange de fascination et de malaise provoqué par la présence même d'Adaline. Les flash-backs sont d'ailleurs rares (faute de moyens pour reconstituer les époques en dehors des costumes ?), trop expéditifs, ils auraient pu pourtant fournir des épisodes passionnants, représenter l'évolution de l'héroïne à travers les soubresauts (sociologiques notamment) de l'Histoire. Il faut se contenter d'une scène où la famille Jones et leur invitée jouent au "Trivial Pursuit" pour souligner qu'Adaline sait répondre à toutes les questions parce qu'elle a été témoin de tous les événements cités.  

C'est là la limite du projet et de son traitement : ce récit sur l'amour mais aussi le deuil, le sacrifice, n'exploite pas tout son potentiel. Le film s'appuie sur le charme (ravageur) et la finesse du jeu de son actrice, bien soutenue par des partenaires chevronnés : un peu léger, voire superficiel, mais les admirateurs de la divine Blake Lively seront comblés. Souhaitons que les producteurs sachent lui offrir de futurs écrins à la mesure de sa beauté et de son talent et que les salles obscures s'ouvrent pour elle.

CAFE SOCIETY, de Woody Allen (2016)

CAFE SOCIETY est le 46ème film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Vittorio Storaro.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jesse Eisenberg (Bobby Dorfman), Kristen Stewart (Veronica "Vonnie" Sybel), Steve Carell (Phil Stern), Blake Lively (Veronica Hayes), Corey Stoll (Ben Dorfman).

Bobby Dorfman

(Jesse Eisenberg)

Années 30. Bobby Dorfman est un jeune homme qui décide de quitter New York et sa famille pour tenter sa chance à Los Angeles dans les studios de Hollywood. Là-bas est en effet déjà établi son oncle, Phil Stern, un des plus fameux agents artistiques de la capitale du cinéma, auprès de qui il obtenir un emploi.

Vonnie et Bobby

(Kristen Stewart et Jesse Eisenberg)

Mais l'oncle Phil ne sait pas quoi faire de son neveu et il ne lui confie, dans un premier temps, que des tâches subalternes, comme livrer du courrier. Pour qu'il découvre la cité des anges, Bobby Dorfman est guidé par une des secrétaires de l'agence, la séduisante Vonnie, dont il tombe immédiatement amoureux, mais qui lui explique être déjà engagée avec un journaliste prénommé Doug. 

Phil Stern

(Steve Carell)

En Vonnie est la maîtresse de Phil qui lui a promise de divorcer pour l'épouser. Quand il lui annonce n'en avoir pas le courage, la jeune femme trouve du réconfort auprès de Bobby et finit par céder à ses avances. Le garçon, qui ne s'épanouit pas à Los Angeles, veut alors regagner New York avec elle et s'y marier.

Mais, avant cela, Bobby reçoit les confidences de son oncle, ne pouvant pas oublier sa maîtresse depuis leur rupture et désormais résolu à divorcer. Le jeune homme découvre alors accidentellement que l'amante de Phil n'était autre que Vonnie.

Lorsqu'il va demander à celle-ci avec qui elle compte s'engager maintenant, elle choisit de rester à Los Angeles et donc avec Phil.

(A gauche :) Ben Dorfman

(Corey Stoll)

Bobby est de retour à New York et seconde son frère aîné Ben, un voyou, à la direction d'un club, le "Café Society", fréquenté par toute la haute société de la ville. Le jeune homme s'investit dans les affaires pour oublier sa déception amoureuse jusqu'à ce qu'il soit présenté à la très belle Veronica Hayes. Ils se plaisent et bientôt deviennent parents.

Cependant, Ben est rattrapé par ses méfaits et arrêté par la police. 

Bobby Dorfman et Veronica Hayes

(Jesse Eisenberg et Blake Lively)

De passage à New York, Phil est accompagné par Vonnie, désormais son épouse. Il paie un avocat réputé pour défendre Ben, sans que cela suffise à lui éviter la peine capitale.

Vonnie et Bobby

Alors qu'il est comblé comme mari, père et hommes d'affaires, Bobby est tout de même bouleversé en revoyant Vonnie. Ils se rapprochent à nouveau, tout en sachant que leur tour est passé. Lors du nouvel an, chacun de leur côté, Bobby comme Vonnie n'ont pas le coeur à la fête et pensent avec mélancolie à leur bonheur enfui. 

Veronica et Bobby (de dos)

Après l'excellent L'Homme irrationnel, le nouveau film de Woody Allen est, comme Magic in the moonlight en 2014, est une nouvelle comédie dans les années 30, mais où la mélancolie a pris le pas sur la fantaisie.

Cette fois donc, aux grincheux qui radotent en affirmant que "Woody Allen, c'était mieux avant", on répondra que "cette fois, c’est comme avant !" : l'époque, le héros juif  new-yorkais, la belle californienne, le souvenir d'un passé idéalisé, le vaudeville, tout est là. Les fans (comme moi) seront comblés par le résultat, d'une élégance douce-amère impeccable, accompagné par la voix-off du cinéaste lui-même.

Mais Woody Allen ne se repose toujours pas sur ses lauriers, et à 80 ans, réussit une nouvelle merveille : ce n'est pas une oeuvre crépusculaire d'un réalisateur à bout de souffle, mais un film d'une étonnante tenue, à la sensualité lumineuse.

Bobby  Dorfman et Vonnie, les deux personnages principaux de cette histoire, apparaissent comme les aïeux de Alvy Singer et Annie Hall dans le film de 1977, un des classiques du maître : leur couple est animé par la même maladresse, ce qui lui donne son caractère attachant, et la même fatalité, qui voue leur relation à un cruel échec. Pour donner corps à son héros, Woody Allen a rappelé Jesse Eisenberg, qu'il avait déjà dirigé dans son plus mauvais opus de la dernière décennie (To  Rome with love, 2012), mais qui s'impose comme son double le plus parfait : le jeune comédien reproduit la façon de parler si particulière de son metteur en scène, sa gaucherie, son air lunaire, sans en faire trop. 

Face à lui, Kristen Stewart est la nouvelle muse de l'auteur qu'il a su, comme Scarlett Johansson, Evan Rachel Wood ou Emma Stone (d'autres jeunes recrues récentes), formidablement mettre en valeur : elle est effectivement radieuse et d'une rare justesse dans un rôle qui est finalement très ingrat.

Les seconds rôles sont tous soignés, du frère aîné gangster (Corey Stoll), au couple de mondains rencontré à L.A et retrouvé à New York (Parker Posey et Paul Schneider), en passant par les intellectuels de gauche (Stephen Kunken et Sari Lennick). Mais Allen les emploie uniquement à des fins comiques, comme des respirations dans un récit qui est plus émouvant et sentimental que drôle.

En revanche, l'oncle Phil est formidablement campé par Steve Carell (qui a hérité du rôle prévu initialement pour Bruce Willis - selon les versions, ce dernier aurait préféré se consacrer à un autre projet, mais il semble qu'il ne se soit tout simplement pas entendu avec Allen), et la splendide Blake Lively incarne Veronica, avec qui Bobby refait sa vie (dur métier de passer des bras de Kristen Stewart à ceux de Blake Lively...).

Avec une ironie savoureuse, le cinéaste balade son héros entre deux belles jeunes femmes qui partagent donc le même prénom, mais sans insister lourdement sur le quiproquo que cela suggère (puisque le diminutif de Veronica est Vonnie). Par contre, il glisse, de manière plus grave, le nom de Hitler au détour d'une conversation, comme pour indiquer que l'âge d'or du "Café Society", son faste, coïncide avec le début de la tragédie en Europe. De l'art de mixer le dérisoire et le drame.

Visuellement, le film est une splendeur, et je pèse mes mots. On le note rarement, mais Woody Allen a souvent copieusement emballé ses productions, malgré des budgets serrés, en veillant à s'adjoindre de grands chefs opérateurs. Darius Khondji indisponible (il avait réglé l'image de ses deux derniers opus), c'est l'immense Vittorio Storaro qui a régi les lumières de Café Society. La Californie est idéalisé dans des tons chauds, ensoleillés, et New York est plus fantasmée (comme l'avoue le réalisateur) que jamais, cité glamour mais aussi encore articulée autour de quartiers pavillonnaires comme ceux dans lesquels grandit Allen entre deux et six ans, à l'époque de cette histoire.

Certes, le cinéaste orchestre tout cela avec parfois une étonnante désinvolture, le drame amoureux qui se joue entre Bobby et Vonnie faisant écho aux tensions sociales de la famille Dorfman, bien moins fortement exploitées en comparaison. On peut interpréter cela comme le fait que société du titre est celle choisie d'une certaine catégorie d'individus, tout comme le scénario privilégie le quatuor Bobby-Vonnie-Phil-Veronica à tous les autres personnages, ces satellites plus convenus.

Rarement Woody Allen aura signé une comédie aussi triste mais aussi poignante sur le regret amoureux, la fin d'une époque, les renoncements, et l'imminence d'une catastrophe plus vaste. Mais c'est aussi déchirant que superbe : sourire puisque c'est grave, n'est-ce pas ça, la suprême élégance ? Bien qu'il ne s'en estime pas digne, le réalisateur se hisse au niveau de ses maîtres avec son 46ème film, sur lequel plane la référence de Lubitsch et qui est spirituellement résumé en une réplique : "la vie est une comédie écrite par un auteur sadique."