L'AMANT DE CINQ JOURS, de Philippe de Broca (1961)

L'AMANT DE CINQ JOURS est un film réalisé par Philippe de Broca.

Le scénario est écrit par Philippe de Broca et Daniel Boulanger (également auteur des dialogues), d'après le roman de Françoise Parturier. La photographie est signée Jean Penzer. La musique est composée par Georges Delerue.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jean-Pierre Cassel (Antoine Chérier), Jean Seberg (Calire Thiébaut), Micheline Presle (Madeleine de Seaulieu), François Périer (Georges Thiébaut), Carlo Crocolo (Mario, le chauffeur de Madeleine), Claude Mansard (Paulin, le tailleur de Madeleine).

 Antoine Chérier et Madeleine de Seaulieu

(Jean-Pierre Cassel et Micheline Presle)

A la présentation de la collection de la maison de Haute-Couture de Madeleine de Seaulieu, Antoine Chérier, son amant, fait la connaissance de Claire Thiébaut, la meilleure amie de la styliste. Les deux jeunes gens se séduisent en plaisantant durant le défilé. Mais elle ignore qu'il est entretenu par Madeleine et lui ne sait pas qu'elle est l'épouse rangée de Georges, un gentil archiviste. 

Georges et Claire Thiébaut

(François Périer et Jean Seberg)

Antoine et Claire deviennent amants mais le week-end renvoie chacun à son triste sort. Comme chaque dimanche Claire accompagne son époux et leurs deux enfants en bas âge au château de Chantilly dont Georges connaît tout l'historique alors qu'Antoine entretient le jardin de la propriété de Madeleine à Montfort-l'Amaury.

"Madame, c'est la peau qui vous habille le mieux."

(Antoine à Claire)

Le lundi, les amants se retrouvent et Claire accepte de passer avec Antoine la nuit de mardi à mercredi. Elle raconte à Georges qu'elle dormira chez Madeleine à qui elle confie avoir un amant - elle comprend alors qu'Antoine est aussi celui de son amie quand celle-ci lui vante les mérites du jeune homme. Cela n'empêche pas Claire de passer une nuit exquise avec lui, en se promenant à Vincennes où ils jouent aux courses hippiques et s'amusent avec leurs gains jusqu'au petit matin.

Madeleine et Antoine

Souhaitant renoncer à sa situation pour partager sa vie avec Claire, Antoine annonce à Madeleine qu'il la quitte pour réintégrer la compagnie d'assurances où il travaillait avant de la rencontrer. Inquiète de ce rebondissement, Madeleine interroge Mario, son chauffeur, qui transporte aussi Antoine, et apprend sa liaison avec Claire.

"Comment appelez-vous la femme qui prend l'homme de sa meilleure amie ?
- Une paresseuse." (Madeleine à Georges)

Indignée, Madeleine va se venger en invitant Claire, Georges et Antoine à une réception le lendemain soir. Antoine sympathise avec Georges devant Claire, confuse - et confondue. Le jeune homme saisit les intentions de son ancienne maîtresse mais aussi, plus tard, en recevant Claire chez lui qu'elle ne souhaite pas quitter son mari pour mener une vie aussi sage avec lui.

Madeleine et Antoine

Georges, qui a également deviné les dessous de la manoeuvre de Madeleine, pardonne à Claire dont il souhaite avant tout qu'elle soit heureuse pour ne pas la perdre. Antoine tentera, en vain, de se réconcilier avec Madeleine tandis que Claire continuera à attendre qu'un nouvel amant.

Avec ses deux premiers films (Les Jeux de l'amour et Le Farceur, 1960), Philippe de Broca avait rapidement posé les bases d'un univers ludique via des intrigues sentimentales animées par son double de cinéma, Jean-Pierre Cassel. Leur collaboration connaîtra son aboutissement en 64 avec Un Monsieur de compagnie (dont je vous ai parlé récemment).

Entretemps les deux partenaires ont signé cette autre merveille, moins connue car reniée par le réalisateur. De Broca n'a jamais vraiment précisé pourquoi il était si peu satisfait de L'Amant de cinq jours, mais on peut penser que c'est parce qu'ici la noirceur du dénouement de l'histoire l'emporte sur la légèreté. Or, on sait que le cinéaste préférait produire des longs métrages positifs, autant par goût qu'en réaction à ses expériences personnelles durant la guerre d'Algérie.

Il est indéniable que ce film, alliant miraculeusement la comédie et le drame romantiques, détone : l'insouciance du fantasme n'y est pas représentée comme un refuge pour ses protagonistes mais bien comme la traduction de leurs peurs profondes. Madeleine voit dans Antoine sa propre jeunesse et sa beauté perdues, Claire projette sur lui son besoin de fantaisie dans une vie conjugale ennuyeuse, Georges ne voit pas (ne veut pas voir ?) l'infidélité de sa femme car il est trop absorbé par son travail d'archiviste, Antoine ne se rend pas compte qu'il risque de tout perdre en voulant celle qu'il aime plus que le confort de sa situation actuelle.

C'est l'occasion de louer une fois de plus le talent exceptionnel et mésestimé de Jean-Pierre Cassel, comédien auquel on a du mal à trouver un héritier aujourd'hui (son fils Vincent évoluant dans des registres très différents et sa fille Cécile s'est davantage affirmée comme chanteuse - sous le pseudonyme de Hollysiz). Adoubé par rien moins que Gene Kelly, c'était un danseur prodigieux et cette dimension physique définit son jeu à la fois très expressif et animé, sa classe naturelle faisant le reste (là encore, peu d'interprètes ont cette prestance). Tout est mouvement chez Cassel, et ce mouvement est précis, comme sa diction à la fois nuancée et claire (comparez la manière de dire les dialogues à l'époque avec celle de la majorité des - jeunes - acteurs actuels, et vous verrez à quel point tout le monde semble marmonner aujourd'hui...).

Le personnage d'Antoine est sans doute le plus lucide de tous, à tout le moins celui qui paiera le prix le plus élevé pour ses actions. Mais, avec une élégance épatante, soulignée par les dialogues magiques de Daniel Boulanger (à réévaluer lui aussi car s'il est moins flamboyant que Jacques Audiard, il est bien plus fin et spirituel), Jean-Pierre Cassel l'incarne à sa manière, bondissante et enjouée, même quand il comprend que les moments volés avec Claire ne sont qu'une parenthèse avant qu'elle ne rentre chez elle, ou quand il sait que le temps passé avec Madeleine n'est qu'un simulacre de vie à deux car elle est plus occupée en vérité par ses affaires que par lui le reste de la semaine.

Antoine émeut car il comble le vide dans l'existence de deux femmes tout en étant toujours frustré, et lorsqu'il voudra y remédier, il perdra tout : la protection de sa maîtresse qui ne lui pardonne pas d'en aimer une autre et l'affection de son amante qui le désirait surtout parce qu'il la divertissait. Sa dernière scène, où il est seul, le combiné de son téléphone à la main, largué par Madeleine et délaissé par Claire, est bouleversante : le Zébulon plein de charme est un jeune homme défait.

Auparavant, de Broca réussit à mêler la délicatesse à la sensualité dans une scène superbe où Antoine déshabille Claire, conquise et qui le mange des yeux, ou quand ils passent la nuit ensemble, entre amusement et passion. La ballade des amants dans Paris, la nuit, superbement photographiée par Jean Penzer (comme d'habitude, le film est visuellement renversant de beauté), est accompagnée par une musique magnifique de Georges Delerue. Cette partition habille d'une mélancolie poignante les instants tendres et charnels, par définition et par avance éphémères, quand ensuite chacun ressentira la cruauté de ses inaccessibles désirs (Madeleine voyant Antoine le quitter pour une femme plus jeune qu'elle - Micheline Presle est fabuleuse en "cougar" aigrie et vengeresse - , Antoine voulant travailler pour mériter Claire qui ne souhaite surtout pas reproduire ce qu'elle vit avec Georges, Georges préférant dormir sur son canapé plutôt que dans le même lit que sa femme par peur de lui dire des choses qu'il regrettera ensuite - François Périer est admirable dans cette scène).

Un mot encore sur Jean Seberg : elle compose un personnage de femme finalement indigne mais qu'elle parvient à rendre touchante, et sa beauté fragile reste aussi troublante après plus d'un demi-siècle. 

Philippe de Broca s'est trompé en n'appréciant pas son propre travail : L'Amant de cinq jours est un joyau.   

UN MONSIEUR DE COMPAGNIE, de Philippe de Broca (1964)

UN MONSIEUR DE COMPAGNIE est un film réalisé par Philippe de Broca.

Le scénario est écrit par Philippe de Broca, d'après le roman de André Couteaux, avec des dialogues de Philippe de Broca et Henri Lanoë. La photographie est signée Raoul Coutard. La musique est composée par Georges Delerue.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jean-Pierre Cassel (Antoine Mirliflor), André Luguet (le grand-père d'Antoine), Catherine Deneuve (Isabelle), Jean-Pierre Marielle (Balthazar), Irina Demick (Nicole, la fiancée de Balthazar), Irène Chabrier (la repasseuse), Jean-Claude Brialy (le prince), Valérie Lagrange (Louisette, la soubrette du prince), Rosemarie Dexter (l'élève du cours de dessin à Rome), Sandra Milo (Maria, la femme du boulanger), Adolfo Celfi (Benvenuto), Annie Girardot (Clara, la femme sur la plage), Marcel Dalio (Alexandre Darius Socratès). 

 Papy Mirliflor et son petit-fils Antoine

(André Luguet et Jean-Pierre Cassel)

Antoine Mirliflor se réveille d'un affreux cauchemar : il rêvait qu'il travaillait ! C'est donc avec soulagement qu'il constate qu'il pêche à la ligne auprès de son grand-père qui lui a toujours enseigné de "ne pas perdre sa vie à la gagner". Hélas ! Peu de temps après, l'aïeul décède. Seul et sans argent, avec comme seul héritage une lunette astronomique, Antoine n'est pourtant pas désespéré.

Balthazar et Antoine Mirliflor

(Jean-Pierre Marielle et Jean-Pierre Cassel)

Il s'installe sur la butte Montmartre où il fait la connaissance de Balthazar, un marchand de glace, qui lui montre avec sa longue vue sa fiancée Nicole mais dont le couple bat de l'aile. Antoine promet à son ami de les réconcilier et pour ce faire, il séduit la jeune femme pour mieux savoir ce qu'elle attend d'un homme. 

Isabelle

(Catherine Deneuve)

En observant le voisinage, Antoine a remarqué une jeune femme blonde dont la beauté l'a ému. Aussi, quand Nicole parle de l'épouser à la place de Balthazar, il s'échappe pour échouer chez un riche excentrique, un prince féru de trains électriques miniatures pour lequel il joue les chefs de gare. Mais, épuisé par les cadences infernales imposées, Antoine fuit à nouveau. 

Antoine pose à Rome

Débarquant à Rome, il flâne dans la ville éternelle et se fait remarquer par le professeur d'un cours de dessin qui le convainc de venir poser pour ses élèves. Il y séduit une jeune fille mais, gagné à son tour par le trouble, il s'éclipse précipitamment, seulement vêtu d'un peignoir.

Maria et Antoine

(Sandra Milo et Jean-Pierre Cassel)

Antoine s'installe à la terrasse d'un café tenu par la pulpeuse Maria chez qui il trouve refuge en devenant son amant la nuit tandis que son mari, boulanger, travaille. Lorsqu'une procession funéraire passe dans la rue un matin et qu'il apprend que le frère du défunt est un riche avocat, il se joint au cortège.

Benvenuto, ses filles et Antoine (au lit)

(Adolfo Celfi et Jean-Pierre Cassel)

Il gagne l'amitié du juriste fortuné et les coeurs de ses filles au point d'être hébergé chez eux. Quand son bienfaiteur lui offre un poste à l'université, car Antoine a prétendu rédiger une thèse sur le travail, il est temps à nouveau de se retirer.

Clara et Antoine

(Annie Girardot et Jean-Pierre Cassel)

Avant de partir d'Italie, il a encore le temps d'une brève aventure avec Clara, croisée sur une plage. Puis il se retrouve à Londres où lors d'une vente aux enchères, il défie, alors qu'il est sans le sou, le milliardaire Alexandre Darius Socratès pour acquérir un tableau représentant la Joconde en train de bouder. 

"Tout ce qui est divin est sans effort."

Epaté par l'audace d'Antoine, Socratès l'introduit dans sa cour et lui décroche un contrat d'édition pour un livre sur son style de vie - l'ouvrage ne comporte en fait que des pages blanches puisqu'il ne fait rien et n'a rien envie de faire ! A l'imprimerie, il retrouve la jeune femme blonde entrevue à Paris puis Rome et Londres : elle se prénomme Isabelle et est la fille d'un des ouvriers. 

Antoine et Isabelle

Ils se plaisent et Antoine la demande en mariage, résolu à travailler pour elle. Mais le boulot dans la sidérurgie qu'il décroche est éreintant... Heureusement, il se réveille à nouveau de ce cauchemar, poursuivant sa partie de pêche avec son grand-père.

Tourné après le triomphe de Cartouche (1962), Un Monsieur de compagnie sera la dernière collaboration entre Philippe de Broca et Jean-Pierre Cassel, son interprète fétiche jusque-là. Le cinéaste semble avoir alors fait son choix entre son partenaire et leurs films au succès d'estime, et Belmondo, dont l'attractivité commerciale est plus prometteuse.

Quoi qu'il en soit, cet opus est une pépite digne des précédentes réussites du duo de Broca-Cassel (après Les Jeux de l'amour et Le Farceur en 1960 et L'Amant de cinq jours en 1961). Le long métrage brille d'abord par son esthétique pop et élégante, dont  la copie désormais restaurée par Pierre Lhomme sous la supervision du chef opérateur originel Raoul Coutard permet d'apprécier toute la luxuriance du Technicolor. Les couleurs sont magnifiques, délicieusement acidulées.

Mais surtout le film possède un charme virevoltant irrésistible : l'histoire est constituée d'une suite d'épisodes humoristiques au gré des expériences et rencontres faites par le héros, un oisif profiteur et ses bienfaiteurs/trices qu'il fuit dès qu'ils/elles lui proposent un travail ou de s'installer. Culotté, souriant, séducteur, Antoine Mirliflor est un opportuniste qui abuse de tout et de tout le monde mais qui découvre que ne rien faire demande quand même bien des efforts... Même si, comme il le dit, "tout ce qui est divin est sans effort".

De Broca a disposé d'un casting formidable et donne à tous ses comédiens leur moment, satellites gravitant autour d'un Jean-Pierre Cassel bondissant dans ce monde de rêve au croisement de la bande dessinée (avec des arrêts sur image où apparaissent des bulles de pensée), maison de poupées et brochure touristique. Le film préfigure ainsi aussi bien ce qu'on verra plus tard chez des cinéastes comme Jean-Pierre Jeunet ou Wes Anderson que ce qu'on a vu chez les maîtres de la comédie américaine (de Ernst Lubitsch à Blake Edwards en passant par Billy Wilder).

Cassel est divinement entouré par un vrai défilé de jolies filles légères (de la ravissante Rosemarie Dexter à la pulpeuse Sandra Milo en passant par Irène Chabrier, Valérie Lagrange, Irina Demick et Annie Girardot dans un savoureux caméo) et de garçons mémorables (Jean-Pierre Marielle drôlissime, Jean-Claude Brialy déchaîné, Marcel Dalio épatant). Le seul défaut commun à tous ceux/celles-ci sera de vouloir enfermer dans une cage ce jeune homme qui refuse de grandir.

Et puis, tel un fil rouge, il y a les rencontres poétiques et avortées avec Catherine Deneuve, d'une beauté lumineuse, apparaissant comme un fantasme insaisissable et à chaque fois accompagnée par un superbe thème mélancolique composé par Georges Delerue. En lui courant après, Jean-Pierre Cassel ne sait pas qu'il cherche à atteindre ce qui manque à son existence - l'amour, le vrai. Quand il le comprendra, il devra sacrifier sa liberté.

Cette décision complexe pour un un hurluberlu pareil est déjouée par une pirouette narrative tout à fait imprévisible mais jubilatoire. Immature et en mouvement permanent, cette figure alimentera de nombreux autres opus de de Broca, qui ne cessera d'en peaufiner la silhouette de L'Homme de Rio à L'Incorrigible en passant par Les Tribulations d'un chinois en Chine, Le Roi de coeur, Le Diable par la queue, ou Le Magnifique.

MAX ET LES MAXIMONSTRES, de Spike Jonze (2009)

MAX ET LES MAXIMONSTRES (Where The Wild Things Are) est un film réalisé par Spike Jonze.

Le scénario est écrit par Spike Jonze et Dave Eggers, d'après le livre de Maurice Sendak. La photographie est signée Lance Accord. La musique est composée par Karen O et Carter Burwell.

Dans les rôles principaux, on trouve : Max Records (Max), Catherine Keener (Connie), Mark Ruffalo (Adrian). Les voix des Maximonstres sont assurées par : James Gandolfini (Carol), Lauren Ambrose (KW), Paul Dano (Alexander), Chris Cooper (Douglas), Forest Whitaker (Ira), Catherine O'Hara (Judith), Michael Berry Jr. (Bernard), Spike Jonze (Bob et Terry).

 Max

(Max Records)

Max est un garçon de neuf ans, solitaire mais à l'imagination débordante. Ses parents sont divorcés et il vit avec sa mère, Connie, et sa soeur aînée, Claire. Après une bataille de boules de neige qui a dégénéré, les amis de Claire détruisent l'igloo de Max dans le jardin de la maison. Pour se venger, le garçon saccage la chambre de sa soeur.

Max et sa mère, Connie

(Max Records et Catherine Keener)

A l'école, son professeur explique à la classe de Max que le soleil s'éteindra et que cela causera la fin de l'humanité, si elle n'a pas péri avant à cause des dégâts qu'elle provoque. Le soir, furieux que sa mère ait invité Adrian, un prétendant, Max se dispute avec elle et fugue jusqu'à un étang voisin où il monte dans une barque abandonnée là. L'étang devient un océan et Max navigue sur une mer déchaînée toute la nuit.  

Max et Carol

(Max Records et James Gandolfini)

Le matin, il accoste sur une île. En s'enfonçant dans une forêt, il découvre sept immenses créatures dont l'une d'elles, Carol, démolit leurs cabanes car il est en colère après le départ de son amie KW. Max se présente devant ces monstres et gagne leur confiance rapidement en leur affirmant qu'il est un roi doté de pouvoirs magiques, capable de ramener l'harmonie parmi eux. 

Max

 Le retour de KW apaise Carol qui a présenté les autres membres de la communauté à Max : il y a Ira (un géant au caractère aimable et doux), Douglas (qui ressemble à un cacatoés), Judith (au visage de tricératops, compagne d'Ira), Alexander (au visage de chèvre, souffre-douleur de la bande), et Bernard (au visage de taureau). Après une nuit de repos, Carol emmène Max visiter l'île et, dans une grotte, lui montre une maquette d'un village qu'il a construite. Max le convainc d'en organiser l'édification pour le groupe. 

Carol et Max

Lorsque KW apporte les deux hiboux Bob et Terry, Carol est contrarié par la présence de ces deux étrangers à leur communauté. Pour occuper tout le monde, Max organise un match afin de désigner le clan qui devra entretenir le village. Alexander est blessé durant la partie à cause de Carol que KW dispute avant de s'éloigner à nouveau. 

Max et Alexander

(Max Records et Paul Dano)

Max retrouve Alexander seul et celui-ci lui avoue n'avoir jamais cru que le garçon était un roi magicien, mais il conseille de ne pas le répéter à Carol. Ce dernier, après une nuit agité, reproche au matin à Max d'être un mauvais chef, responsable de l'absence de KW, et de la mort prochaine du soleil. Douglas s'interpose mais Carol lui arrache le bras droit (de la plaie coule du sable) puis poursuit le garçon dans la forêt où KW le cache en l'avalant. 

Carol

Après avoir sermonné Carol au sujet de ses colères incessantes qui perturbent le groupe, KW libère Max qui choisit alors de quitter l'île. Avant de partir, il retourne à la grotte où il découvre la maquette du village détruite mais y laisse une marque d'affection pour Carol (un coeur avec des brindilles). 

Bernard, Max, KW, Carol, Douglas, Judith, Alexander et Ira

(Michael Berry Jr., Max Records, Lauren Ambrose, James Gandolfini,

Chris Cooper, Catherine O'Hara, Paul Dano et Forest Whitaker)

Les monstres font leurs adieux à Max qui remonte dans sa barque. Carol, pris de remords, rejoint la plage pour le saluer aussi.   

Max et Carol

A la nuit tombée, Max rentre chez lui où sa mère, affolée, l'enlace puis lui prépare à dîner. Elle s'assoupit tandis qu'il se restaure.

Le projet d'adapter le court texte (moins de 340 mots en dix phrases, accompagnées d'illustrations) écrit par Maurice Sendak en 1963 a longtemps été une Arlésienne à Hollywood puisque le studio Disney s'y intéressa dès le début des années 80. Glen Keane et John Lasseter (qui n'avait pas encore fondé Pixar) réalisent même un film-test mais le résultat ne convainc personne.

Il faudra attendre 2001 pour que Universal acquiert les droits du livre puis 2003 pour que Spike Jonze s'y attache. Il obtient l'accord de Sendak, qui apprécie son style cinématographique, mais un différend oppose l'auteur à la major. Warner récupère l'affaire et entame la pré-production du film.

Jonze en tire un premier script de 110 pages. En 2006, les auditions commencent pour le casting tandis que le responsable des effets spéciaux des Chroniques de Narnia, Howard Berger, élaborent le design des monstres avec le Jim Henson's Creature Shop, car le cinéaste ne veut pas qu'elles soient générées en images de synthèses. Le tournage débute enfin en 2008 pour six mois à Victoria, en Australie, plus six mois supplémentaires pour l'enregistrement des voix à Londres. De prestigieux comédiens se prêtent à l'exercice : James Gandolfini, Forest Whitaker, Chris Cooper, Paul Dano - seule Michelle Williams sera remplacée par Catherine O'Hara pour le doublage de Judith.

Le résultat est un conte étrange mais à la poésie envoûtante : à partir du texte très bref de Sendak, Jonze réussit à donner une personnalité distincte et forte à chacun des monstres qui deviennent des projections de la psyché du jeune Max (excellemment interprété par Max Records, qui ne cherche jamais à rendre son personnage plus sympathique qu'il n'est) et des gens qu'il aime. Ils sont à la fois sauvages, dangereux, irrationnels, mais aussi affectueux. Le réalisateur montre leur masse menaçante, leur cruauté aussi pour mieux souligner que leur domestication par l'enfant ne saurait être que temporaire.

Le règne de Max est un fantasme et lorsqu'il le comprend, il sait qu'il peut/doit revenir auprès de sa mère, conscient qu'il aura à se comporter différemment, plus raisonnablement. Son voyage au pays des monstres est un donc un récit initiatique à la fois terrifiant et merveilleux, et le film, fidèle aux atmosphères récurrentes du cinéma de Jonze, est une méditation sur l'enfance, ses pensées, ses croyances, une fable sur le dialogue - avec soi et les autres (sachant qu'en apprenant à se connaître, on apprend aussi à mieux vivre avec les autres).

Fidèle au livre dans son esprit, Where The Wild Things Are existe comme long métrage en tant que tel, avec sa propre identité, son esthétique. Jonze a sur exploiter le matériau de base comme une sorte de storyboard mais en développant une trame narrative complexe. Son co-scénariste, Dave Eggers, a participé à l'enrichissement psychologique et social de Max, enfant mélancolique et dont l'agressivité traduit son mal-être, son sentiment d'être incompris.

Sa virée imaginaire (même si chacun la traduira librement, le film n'imposant aucune interprétation - est-ce un rêve ? Un véritable voyage dans une dimension parallèle ?) permet à Max une remise en question subtile : les monstres symbolisent sa mère, son nouvel amant, sa soeur, son instituteur, etc. En devenant leur roi, il apprend à dépasser ses craintes, à apprécier son pouvoir et ses limites (quand il en abuse et quand il est démasqué), d'autant que les créatures sont tour à tour drôles et colériques, joueuses et tristes, aimantes et agressives. Mais au fond elles souffrent comme lui du même mal de vivre, se posent les mêmes questions sur leur capacité à s'intégrer à une communauté et au reste du monde (territoire vaste et inconnu et donc inhibant).

Quand viendra l'heure de la séparation, l'émotion est là. Mais l'espoir aussi car Max retrouve, serein, sa famille, et les monstres ont grandi, ont acquis une maturité nouvelle comme lui. Un film curieux mais aux significations multiples et profondes, magnifiquement mises en scène.  

CARTOUCHE, de Philippe de Broca (1962)

CARTOUCHE est un film réalisé par Philippe de Broca.

Le scénario est écrit par Philippe de Broca, Charles Spaak et Daniel Boulanger (également auteur des dialogues), avec la participation de Jean-Paul Rappeneau. La photographie est signée Christian Matras. La musique est composée par Georges Delerue.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jean-Paul Belmondo (Louis Dominique Bourguignon alias "Cartouche"), Claudia Cardinale (Vénus), Odile Versois (Isabelle de Ferrussac), Jean Rochefort ("La Taupe"), Jess Hahn ("La Douceur"), Marcel Dalio (Malichot), Philippe Lemaire (Gaston de Ferrussac), Jacques Balutin ("Capucine").

 Dominique dit "Cartouche"

(Jean-Paul Belmondo)

XVIIIème siècle. Sous la Régence, en France. Voleur très habile et gouailleur, Dominique travaille pour le compte de l'affreux Malichot, chef des truands à Paris, mais dont les méthodes le révoltent. Il brave son autorité en contestant le partage des objets qu'il a dérobés mais doit ensuite fuir la capitale pour échapper à sa vengeance.   

"La Douceur", "Cartouche" et "La Taupe"

(Jess Hahn, Jean-Paul Belmondo et Jean Rochefort)

Il se réfugie dans une taverne où il remarque un sergent qui recrute des hommes et s'engage avec les dénommés "la Douceur", un colosse jovial, et "la Taupe", un aigrefin philosophe. Sur le champ de bataille, les trois tire-au-flanc deviennent d'inséparables amis qui sont salués comme des héros alors qu'ils ont soigneusement évités les combats rapprochés. 

"Capucine", Vénus et le sergent

(Jacques Balutin, Claudia Cardinale et Noël Rocquevert)

Lorsqu'ils apprennent qu'on va les renvoyer se faire trucider, Dominique, "la Taupe" et "la Douceur" décident de déserter en s'emparant de la solde destinée à leur régiment. En fuite, ils s'arrêtent dans une auberge où Dominique remarque une belle bohémienne entre deux gendarmes. Il libère la belle Vénus et lui confie son magot pour qu'elle le convoie à Paris pendant qu'il se débarrasse avec ses acolytes des soldats.

Vénus et "Cartouche"

Accompagné d'un moine peu orthodoxe, surnommé "Capucine", Vénus est capturée à Paris par Malichot et ses sbires. Lorsqu'il l'apprend, Dominique va la délivrer et, soutenu par "la Taupe" et "la Douceur", supplante Malichot à la tête des truands en partageant équitablement avec eux son trésor. 

"Cartouche" et Vénus

Dominique donne l'ordre à ses compagnons de ne plus s'attaquer qu'aux puissants et de ne plus commettre de meurtres pour s'emparer de leurs richesses. Les mises à sac s'enchaînent dans les demeures des nobles, les églises, les greniers, les caisses des impôts. La célébrité de ce lui qui signe désormais ses exploits du surnom de "Cartouche" grandit et il gâte Vénus en conservant sa popularité auprès de sa bande. 

Isabelle de Ferrussac

(Odile Versois)

L'émoi est tel parmi l'élite que Gaston de Ferrussac jure de neutraliser le brigand. "Cartouche", pourtant, s'ennuie de son spectaculaire succès, devenu en vérité aussi bourgeois que ceux qu'il détrousse. Il néglige aussi Vénus car il convoite Isabelle, la femme de son ennemi. Pour la conquérir, il est prêt à tout, comme lui remettre les diamants volés au Grand Turc en visite en France. Mais elle continue à lui résister, quand bien même elle est troublée par ce prétendant. 

"Cartouche" et Vénus

"Cartouche" donne un rendez-vous secret à Isabelle dans une auberge désolée, attendu que si elle vient c'est qu'elle l'aime, sinon elle pourra causer sa perte en le dénonçant à son mari. C'est la servante de Mme de Ferrussac qui indiquera à Gaston où se trouve le voleur qui est capturé par la garde. Vénus, bien que trahie, convainc les truands de l'aider à libérer "Cartouche" en tendant une embuscade à son escorte. Le plan réussit mais la bohémienne meurt en recevant une balle de pistolet visant son amant.

Vénus est morte

Alors que la fête bat son plein chez les Ferrussac et que Gaston annonce à Isabelle que le brigand a été pris, les truands font irruption dans le château. "Cartouche" porte le corps de Vénus et le couvre avec les bijoux des femmes de l'assistance. Puis il installe sa bien-aimée dans un carrosse qu'il immerge dans le lac voisin. La bande de voleurs repart pour des nuits qui, comme le prédit "la Taupe", seront désormais plus froides...

C'est la période des bonnes résolutions et une de celles que je vais tâcher de tenir cette année consistera à écrire davantage sur des films français dans ce blog largement dominé par le cinéma américain. 

Pour commencer en beauté, quoi de mieux que (re)voir Cartouche ?

Longtemps mésestimé par la critique, Philippe de Broca est désormais reconsidéré comme le cinéaste atypique qu'il était quand il débuta dans les années 1950. Sa filmographie a donc commencé avant que les "jeunes turcs" de la "Nouvelle Vague" révolutionnèrent le 7ème Art. Pourtant ce fils de bonne famille (petit-fils du peintre Alexis de Broca, fils d'un industriel du cinéma, diplômé de l'école technique de photographie et de cinématographie) tirera son inspiration en réaction à la guerre en Allemagne et en Algérie : traumatisé par cette période, il dira plus tard que "le rire est la meilleure défense contre les drames de la vie." Cette philosophie explique son oeuvre légère, élégante, mais non dénuée de gravité.

Après avoir été assistant de Henri Decoin, Claude Chabrol (sur Le Beau Serge, Les Cousins, À double tour), François Truffaut (Les 400 coups) et de Pierre Schœndœrffer (Ramuntcho), il réalise son premier long métrage en 59, Les Jeux de l’amour (avec son comédien fétiche, Jean-Pierre Cassel). 

Cartouche marque un tournant décisif : c'est son premier grand succès commercial et la la première de ses six collaborations avec Jean-Paul Belmondo. L'ambition de ce faux biopic, librement inspiré de la vie du véritable brigand du XVIIIème siècle, est assumée par son producteur-aventurier, le légendaire Alexandre Mnouchkine, puisqu'il s'agit de rivaliser avec les classiques américains des films de cape et d'épée.

A l'écran, le résultat est une indéniable réussite : magnifiquement photographié par Christian Matras, le design est somptueux, qu'il s'agisse des costumes flamboyants, des décors (naturels pour les prises de vue en extérieurs, ou en studio - notamment pour le repaire de Malichot puis de "Cartouche"). Le film n'a vraiment rien à envier à des chefs d'oeuvre comme Scaramouche ou Le Prisonnier de Zenda, d'autant que la mise en scène grise par son énergie (parfois foutraque - on peut noter des faux raccords amusants dans les scènes de bagarre impliquant des figurants).

Mais, comme je le disais plus haut, chez de Broca, la vigueur se nuance souvent de mélancolie. Le scénario, dans sa première partie, est euphorisant, décrivant la rébellion puis la fuite et le retour de Dominique devenu "Cartouche", ayant évincé Malichot, aimé de la sublime Vénus, respecté de ses hommes. Le voilà arrivé et, en vérité aussi embourgeoisé que les nobles qu'il détrousse. Notre bondissant héros s'ennuie et convoite alors un trésor plus grand, plus difficile à acquérir : Isabelle de Ferrussac.

Daniel Boulanger (qui signe aussi les dialogues plein de gouaille du film) et Charles Spaak - sans oublier Jean-Paul Rappeneau, non crédité mais qui officiait comme script-doctor à l'époque (comme d'autres futurs cinéastes, tels que Claude Sautet) - se sont visiblement amusés à donner le nom de leur réalisateur (Philippe de Broca de Ferrussac pour l'état-civil) à celle qui causera la perte de "Cartouche". Mais en exploitant cet élément, ils font aussi basculer le récit dans un second acte dont le spectateur pressent qu'il se terminera moins gaiement.

Ainsi l'aventure finit effectivement sur une étonnante note dramatique : la mort, sacrificielle, de Vénus, ses obsèques bouleversantes, à l'esthétique d'une beauté renversante, vous étreignent avec une force poignante. Et entraînent du coup le film dans une autre dimension, plus puissante, que ce qu'on supposait.

L'interprétation est exceptionnelle : Jean Rochefort (encore sans sa mythique moustache), Jess Hahn, Marcel Dalio (excellent en crapule rancunière), entourent un trio inoubliable composé par Jean-Paul Belmondo (génial dans ce registre où il est resté sans égal), Claudia Cardinale (qui ne vole pas son titre de "plus belle italienne de Tunis" mais donne aussi une émotion subtile à son personnage d'amante délaissée mais loyale) et Odile Versois (soeur de Marina Vlady, troublante en aristocrate troublée).

Porté par une merveilleuse musique de Georges Delerue (partenaire fidèle de de Broca), Cartouche illustre à la perfection cet avis de Vénus à son brigand bien-aimé : "amuse-toi, Dominique, ça empêche de mourir."

QUI ETAIT DONC CETTE DAME ?, de George Sidney (1960)

QUI ETAIT DONC CETTE DAME ? (Who Was That Lady ?) est un film réalisé par George Sidney.

Le scénario est écrit par Norman Krasna, d'après sa pièce de théâtre. La photographie est signée Harry Stradling Jr.. La musique est composée par André Previn.

Dans les rôles principaux, on trouve : Janet Leigh (Ann Wilson), Tony Curtis (David Wilson), Dean Martin (Michael Haney), James Whitmore (Harry Powell), John McIntire (Bob Doyle), Barbara Nichols et Joi Lansing (Gloria et Florence Coogle).

 David Wilson et Michael Haney

(Tony Curtis et Dean Martin)

Professeur de chimie à l'université de New York, David Wilson est surpris par sa femme, Ann, en train d'embrasser une de ses étudiantes. Apprenant qu'elle le quitte sur-le-champ, Dave, paniqué, appelle à l'aide son meilleur ami, Michael Haney, scénariste pour la télévision. 

Ann Wilson, Michael Haney et David Wilson

(Janet Leigh, Dean Martin et Tony Curtis)

Mike imagine alors une histoire insensée pour justifier l'infidélité de Dave : il explique à Ann qu'il fait partie de F.B.I. et que l'élève qu'il a embrassée est soupçonnée de travailler comme espionne pour lui soutirer des informations confidentielles sur ses travaux en chimie. Plus c'est gros, plus ça passe, et Ann croit à cet énorme mensonge en pardonnant à Dave. 

David et Michael

Bien que résolu à se tenir tranquille désormais, Dave est invité par Mike à l'accompagner à un rendez-vous galant avec deux actrices. Redevable envers son ami, il accepte en racontant à Ann qu'il doit s'absenter pour la soirée afin de remplir une mission secrète.

David et Ann

Le FBI ayant appris que Mike a demandé qu'on confectionne une fausse carte d'agent du Bureau envoie un de ses hommes, Harry Powell, chez les Wilson afin de tirer cette affaire au clair. Le fonctionnaire rencontre alors Ann qui, craignant que Dave ne soit en danger, entraîne Powell au restaurant où Mike a emmené Dave. 

Ann

Tandis que les deux copains prennent un verre en compagnie des plantureuses soeurs Coogle, Gloria et Florence, Powell et Ann les surveillent depuis une table voisine. Lorsque les deux actrices se retirent aux toilettes, Ann les suit et surprend leur conversation ambiguë où elles parlent de "liquider" Dave et Mike. Lorsqu'ils quittent le restaurant en compagnie des deux filles, Ann dégaine le revolver prêté par Mike à Dave pour défendre son époux avant que Powell ne la désarme. Mais une détonation éclate. Rapidement, les secours et les médias sont sur place et, alors que Dave s'est évanoui, Ann déclare à un journaliste que son mari est un espion qui voulait arrêter deux agents ennemis. 

Coincée dans l'ascenseur de l'Empire State Building !

Les révélations de Ann font la "une" des journaux et obligent le supérieur de Powell, Bob Doyle, pressé par la C.I.A., à convoquer Dave et Mike dans leurs bureaux de l'Empire State Building. Après s'être expliqués, les deux amis ne sont toutefois pas au bout de leurs peines puisque, dans l'ascenseur, ils sont pris en otage avec Ann par d'authentiques agents étrangers, désireux d'interroger Dave sur ses prétendus travaux secrets en chimie. Mais les espions seront neutralisés, non sans qu'auparavant Dave et Mike aient provoqués une inondation dans le sous-sol du bâtiment que, drogués, ils ont pris pour un sous-marin et décidés de le couler !

Quant à Ann, ayant découvert les mensonges de son mari, elle choisit de les lui pardonner car il l'a protégé du danger dans l'ascenseur...

En 1959, Tony Curtis jouit de l'énorme succès critique et public de Certains l'aiment chaud ! (Billy Wilder) et, dans la foulée, signe pour être la tête d'affiche de cette adaptation d'une pièce de théâtre, qui a été joué plus de 200 fois à Broadway. C'est l'auteur lui-même, Norman Krasna, qui se charge d'en tirer un script pour le grand écran.

Le studio Columbia engage alors George Sidney pour réaliser le film et convainc Dean Martin de donner la réplique à Curtis. Le premier rôle féminin est d'abord proposé à Shirley MacLaine, mais elle préfère signer pour Can-Can (Walter Lang) aux côtés de son partenaire de Comme un Torrent (Vincente Minnelli, 1958) Frank Sinatra. Les producteurs confient alors son personnage à Janet Leigh.

Après Houdini le grand magicien (George Marshall, 1953), Le Chevalier du Roi (Rudolph Maté, 1954), Vacances à Paris (Blake Edwards, 1958) et Les Vikings (Richard Fleischer, 1958), Who Was That Lady ? sera le dernier film réunissant le couple Curtis-Leigh et on ne peut qu'être troublé par la ressemblance entre ce que traverse Ann Wilson et son interprète puisque Janet Leigh divorcera de Tony Curtis en 62, après de multiples infidélités de ce dernier.

Ici aussi, l'héroïne est victime d'un mari volage qui pour la garder fait appel à son meilleur ami, scénariste. Le mensonge qu'il élabore est énorme mais fonctionne car justement il dépasse tout ce que l'épouse pouvait imaginer. La suite est une succession de quiproquos engendrée par le scénario délirant de Mike Haney et la crédulité de Ann Wilson qui, croyant que Dave est réellement un espion, court un grand danger et s'emploie à le protéger... Jusqu'à entraîner avec elle un véritable membre du FBI (qui, lui, bien sûr, sait que tout cela est faux) !

Arrivé à ce stade, il est probable que cette intrigue vous rappelle quelque chose. Si je vous dis : La Totale !, de Claude Zidi (1991). Toujours pas ? Et son remake True Lies, de James Cameron (1994) ? L'argument est similaire à ceci près que dans ces deux cas précités, le mari est réellement un espion dissimulant son activité à sa femme. Mais Qui était donc cette dame ? peut être considéré comme l'inspiration de ces deux longs métrages, et plus troublant encore, on notera que dans l'opus de Cameron, Arnold Schwarzenegger est uni à... Jamie Lee Curtis, la fille de Tony Curtis et Janet Leigh !

Pour en revenir à l'oeuvre de George Sidney (qui avait déjà dirigé Janet Leigh dans le merveilleux Scaramouche, dont je vous ai récemment parlé), ce n'est certes pas ce qu'il a fait de mieux : la première heure est très sympathique et drôle, avec une situation loufoque bien exploitée et un rythme tranquille mais efficace. Passée la longue scène du restaurant, formidablement amusante et mise en scène (avec un irrésistible James Whitmore en agent du FBI résigné à suivre les élucubrations de la charmante épouse crédule), le film commence à s'essouffler progressivement pour sombrer dans une farce moins inspirée. Pourtant le sujet offrait des développements évidents et très prometteurs. Seul le saccage ahurissant de la plomberie de l'Empire State Building par Curtis, sous l'effet d'une injection de Penthotal, et de Martin, certain d'être exécuté par les espions étrangers, provoque encore un franc éclat de rire... Avant un dénouement bien (trop) gentillet (Madame pardonne ses mensonges à Monsieur car il a failli être tué par leurs ravisseurs).

Tony Curtis et Dean Martin font très bien les andouilles pendant 115 minutes, même si "Dino" vole la vedette à tout le monde en improvisant des mimiques impayables (presque un film dans la film), jouant sur son image de pitre cool. Janet Leigh, cheveux courts et silhouette toujours aussi voluptueuse dans une robe noire moulante, est absolument adorable mais surtout plus sobre : quoi qu'elle fasse, elle est toujours parfaite, d'un charme absolu, d'une justesse irréprochable - comment ne pas aimer cette actrice ? (Comment Tony Curtis a-t-il pu la tromper ?!)

Tout ça n'est pas renversant mais distrayant pour passer d'une année à l'autre. Je souhaite donc que 2017 vous soit le plus pétillant possible, comme l'est la chanson-titre du film, interprété par Dean Martin :