COUP D'ECLAT, de Brett Ratner (2004)

COUP D'ECLAT (After Sunset) est un film réalisé par Brett Ratner.

Le scénario est écrit par Paul Zbysewski et Craig Rosenberg. La photographie est signée Dante Spinotti. La musique est composée par Lalo Schiffrin.

Dans les rôles principaux, on trouve : Pierce Brosnan (Max Burdett), Salma Hayek (Lola Cirillo), Woody Harrelson (Stan Lloyd), Naomie Harris (Sophie), Don Cheadle (Henri Mooré).

Max Burdett forme avec sa compagne Lola Cirillo un redoutable couple de cambrioleurs, spécialisé dans le vol de diamants. Ils ont ainsi réussi à dérober deux des trois diamants Napoléon originellement enchâssés dans l'épée de l'empereur.

Max Burdett
(Pierce Brosnan)

Mais après leur dernier coup, au cours duquel Max a été blessé par balle, ils ont convenu de se retirer sur une île paradisiaque pour profiter de leur fortune. C'est sans compter sur l'entêtement de l'agent du FBI Stan Lloyd, qu'ils ont plusieurs fois ridiculisé et qui a été suspendu, à les piéger et qui les retrouve.

Stan Lloyd
(Woody Harrelson)

Stan parie en effet que Max ne saura pas résister à une dernière prouesse : s'emparer du dernier diamant Napoléon exhibé sur un paquebot de croisière au large de l'île où il réside avec Lola. Le système de sécurité semble effectivement inviolable et Burdett ne veut pas risquer de décevoir sa compagne qui lui a fait promettre de l'épouser en renonçant à ses activités coupables.

Lola Cirillo
(Salma Hayek)

La situation va cependant se compliquer pour Max quand Henri Mooré, un gangster local, l'aborde non pas pour voler le diamant mais pour qu'il lui indique comment faire. Burdett coopère et établit un plan pour les hommes de main du malfrat. 

Henri Mooré
(Don Cheadle)

Or, Mooré est surveillé par Sophie, jeune et ambitieuse policière, qui accepte de collaborer avec Stan pour capturer leurs adversaires respectifs.   

Sophie
(Naomie Harris)

A moins que Max n'ait, une fois de plus, tout prévu pour doubler les autorités et Mooré. Mais arrivera-t-il à mystifier Lola ?

Max et Lola

L'affiche est séduisante : le casting ne manque pas d'allure, l'histoire est légère, le tout est bien emballé. Rien de renversant certes, mais rien de honteux non plus. C'est parfait quand on ne sait pas quoi regarder et qu'on ne veut pas se distraire bêtement.

Pourtant, on reste un peu méfiant car, derrière la caméra, c'est Brett Ratner, un de ces faiseurs sans personnalité, dont la filmographie ne compte pas grand-chose de valable (à moins d'apprécier Rush Hour ou d'être indulgent avec X-Men 3, l'affrontement final).

Par contre, la musique est composée par le génial Lalo Schiffrin (l'homme qui a signé les bandes originales de Bullitt ou de la série Mission : impossible quand même) et la photo est signée par Dante Spinotti (collaborateur fidèle de Michael Mann sur Révélations, Heat, et Curtis Hanson sur L.A. Confidential, Wonder Boys). 

Il ne faut pas critiquer After sunset pour plus qu'il n'est : s'il se présente, dans son prologue, comme un traditionnel et énième film de braquage, il s'agit en vérité d'une comédie policière qui a l'originalité de démarrer là où souvent les opus de ce genre se termine, avec la retraite du cambrioleur. Mais, suivant le célèbre aphorisme de Oscar Wilde - "Le seul moyen de se délivrer de la tentation, c'est d'y céder" - , le scénario ne tarde pas à remettre le héros devant le dernier objet qu'il convoite.

Le troisième diamant Napoléon a pourtant affaire à une rude concurrence puisque Pierce Brosnan, qui venait d'être remercié par les producteurs de la saga James Bond (il n'avait pourtant pas démérité) et qui s'amuse visiblement dans ce rôle de braqueur génial et hédoniste, doit choisir entre le précieux caillou et une Salma Hayek qui n'a jamais été aussi affolante (le film est un vrai festival à la gloire de la beauté de l'actrice mexicaine, où elle évolue le plus souvent en petite tenue avec un plaisir communicatif). Leur couple fonctionne parfaitement et renoue avec les duos les plus mémorables.

Alors, évidemment, le suspense est désamorcé par des séquences purement humoristiques : le personnage campé par Woody Harrelson suscite sinon de francs éclats de rire au moins des sourires ravis (culminant avec ce moment embarrassant où Stan et Max sont surpris par le chef du premier dans le même lit). Et le subplot impliquant Don Cheadle comme la romance entre Harrelson et la superbe Naomie Harris sont téléphonés : le film mise sur l'acceptation par le spectateur que la convoitise du diamant compte moins que ce qu'il provoque chez les protagonistes. 

Avec ce Coup d'éclat ensoleillé et sensuel, l'équipe du film comme le téléspectateur s'offrent une récréation. Ce n'est ni un exercice de style aussi brillant que la collection des Ocean's de Soderbergh ou l'égal d'un classique comme L'affaire Thomas Crown, mais l'archétype du film du dimanche - je défie d'ailleurs tous les garçons (et certaines filles même) de ne pas être d'accord avec Pierce Brosnan quand il dit à Salma Hayek : "j'adore quand tu déshabilles."

COMME DES BÊTES, de Chris Renaud et Yarrow Cheney (2016)

COMME DES BÊTES (The Secret Life of Pets) est un film d'animation réalisé par Chris Renaud avec Yarrow Cheney.

Le scénario est écrit par Brian Lynch, Cinco Paul et Ken Daurio. La musique est composée par Alexandre Desplat. Le film est produit par le studio Illumination dirigé par Chris Meledandri.

Les voix françaises sont assurées par : Philippe Lacheau (Max), François Damiens (Duke), Dorothée Pousséo (Gidget), Willy Rovelli (Pompon), Florence Foresti (Chloé). 

Katie et Max

Max est un petit Jack Russell terrier qu'a adopté sa maîtresse Katie quand il était encore chiot. Chouchouté, il est devenu son unique compagnon au fil des ans et ne comprend pas toujours pas où elle disparaît quand elle part chaque matin à son travail puisqu'il ne quitte qu'exceptionnellement l'appartement.

Max

Pourtant la vie paisible et favorisée de Max va être bouleversée le soir où Katie rentre avec une surprise de taille : elle a recueilli à la fourrière un énorme corniaud du nom de Duke ! 

Duke

Bon gré, mal gré, Max et Duke cohabitent : le premier est d'abord impressionné par le gabarit du second qui entend bien s'imposer dans son nouveau foyer, mais le Jack Russell ne souhaite pas que cette situation s'éternise pour profiter seul de l'affection de Katie.

Gidget

Après avoir demandé conseil à Chloé, la chatte boulimique des voisins du dessus, Max piège Duke en brisant plusieurs pièces de mobilier en affirmant que Katie accusera le nouveau venu d'en être responsable. Le stratagème fonctionne, comme peut le remarquer Gidget, une ravissante chienne esquimau américaine qui habite en face et qui a le béguin pour Max (sans que celui-ci s'en préoccupe).

Mais Duke entend bien prendre sa revanche et, lors d'une sortie avec le promeneur des chiens du quartier (tous des amis de Max), il l'attire dans un coin du jardin public pour l'assommer. Dans l'affaire, les deux chiens perdent leur collier et, entretemps, leur gardien est reparti avec les autres toutous sans faire attention à leur absence.   

Les agents de la fourrière

Incapables de retrouver l'itinéraire de l'appartement de Katie, Max et Duke sont livrés à eux-mêmes et vite repérés et capturés par des agents de la fourrière. 

Max et Duke

Résignés à leur triste sort, ils vont pourtant être sauvés par Pompon, un lapin psychopathe qui, depuis qu'il a été abandonné par ses propriétaires, a pour projet de tuer tous les humains avec son armée d'animaux délaissés, ayant trouvé refuge dans les égouts.

Pompon

Problème : quand Pompon comprend que les deux chiens n'ont pas été abandonnés et ne partagent pas ses ambitions, il est résolu à les rattraper pour les supprimer. Heureusement, dans le même temps, Gidget s'inquiète de n'avoir pas vu revenir Max et Duke et convainc toutes les bêtes domestiquées du quartier de partir à leur recherche, découvrant en cours de route qu'il faut aussi les sauver du terrible Pompon...

Comme des bêtes est sorti après une campagne promotionnelle très alléchante (et très activement menée sur sa page Facebook, où je l'ai découvert) mais aussi avec un lourd handicap car il passe après Zootopie de Byron Haskin, produit par Disney. Succéder à une telle réussite n'est pas un cadeau, mais le studio Illumination de Chris Meledandri s'est taillé une rapide et solide réputation avec de gros succès ces dernières années (Moi, moche et méchant 1 et 2, 2010 et 2013, le spin-off Les Minions en 2015).

Cette structure qui développe ses productions au sein de la major Universal fait équipe avec le studio de Pierre Coffin, Mac Guff, en France, et Meledandri a acquis son expérience en travaillant pour la 20th Century Fox (il a participé à L'Âge de glace en 2007). L'alliance de ces trois entités a abouti à des films d'animation à l'humour déjanté et au rythme déchaîné, dépassant même au box office Dreamworks.

Le succès est toujours au rendez-vous avec The Secret Life of Pets qui a enregistré un démarrage canon aux Etats-Unis, en Angleterre et en France. Pourtant l'accroche du film est un peu trompeuse, et le résultat un poil décevant par rapport aux promesses avancées dans les nombreux teasers...

Le titre suggère en effet qu'on va nous montrer ce que font les animaux de compagnie en l'absence de leurs maîtres humains via le personnage du Jack Russell terrier, Max, dont la relation avec Katie ressemble à celui d'un petit garçon avec sa mère. Exposé comme cela, le sujet fait inévitablement penser à Toy Story (John Lasseter, 1995) où était dévoilée la vie secrète des jouets.

Mais cet aspect n'occupe ici que le premier tiers du film qui bascule ensuite dans un récit à la fois plus convenu et plus foutraque : l'arrivée de Duke, un énorme corniaud, adopté par Katie va changer la donne pour Max et le spectateur tout en suivant encore un peu l'inspiration du classique de Pixar. Les deux chiens ne s'apprécient guère : l'un voit son territoire menacé, l'autre veut en profiter. Les circonstances vont les obliger à s'entraider quand ils sont livrés à eux-mêmes en ayant tenté de se débarrasser l'un de l'autre.

A la rue, les deux héros sont livrés à une aventure plus incertaine mais plus excitante pour le spectateur, surtout par un effet domino que cette situation déclenche : en rencontrant le lapin Pompon, ils mettent la patte dans un engrenage affolant - d'abord en gagnant un allié puis en s'en faisant un terrible ennemi, devenu dingue à cause de son abandon et de leur mensonge. Leur fuite et les quêtes qui la ponctuent (trouver de quoi manger, puis l'ancien maître de Duke, puis le domicile de Katie, en traversant un New York menaçant dont ils ne connaissent pas autre chose que leur quartier et poursuivis par deux agents tenaces de la fourrière) assurent déjà un spectacle entraînant.

Mais des buddy movies comme ça, on en a vu un paquet, et les auteurs ne se sont pas particulièrement forcés pour le traiter de manière originale. Ils expédient même un peu trop simplement quelques étapes (par exemple, le fait que Max et Duke deviennent si solidaires l'un de l'autre alors que chacun était si résolu à semer l'autre dans le square, ou que les autres animaux de leur immeuble s'engagent tous si promptement à partir à leur recherche, alors que certains n'ont que de peu - voire aucune - de relation avec eux - cf. l'addition de l'aigle Tiberius ou le concours de la chatte Chloé). C'est l'aspect le plus décevant du film.

Mais, en revanche, tout l'autre versant de l'histoire est bien plus convaincant et réjouissant, volant même facilement la vedette au tandem Max-Duke. D'abord, il y a toute l'armée dirigée par Pompon, un bestiaire hallucinant et délirant, avec chats, chiens, cochons (tatoués !), serpents, crocodiles, oiseaux. Le lapin en chef est hilarant, même si le doublage hystérique de Willy Rovelli peut lasser alors que le personnage est suffisamment efficace sans cette outrance vocale dans les aiguës. Il y a des scènes irrésistibles, parfois grâce à des détails (la carotte grignotée pour en faire une clé capable d'ouvrir les cages du camion de la fourrière), visuellement bluffantes.

Et ensuite il y a le gang de Gidget, avec le basset, le bulldog, l'aigle (qui tente de devenir végétarien), et l'impayable Chloé (superbement doublée, elle, par Florence Foresti, très sobre et pince-sans-rire). Leur périple, parallèle à celui de Max et Duke, guidé par un vieux clébard paralytique et quasiment aveugle mais plus filou que tous les autres réunis, est jubilatoire, culminant dans une scène de combat final aussi surprenante que drôlissime (Gidget y révélant des talents spectaculaires, le tout filmé au ralenti).  

Moins subtil que Zootopie, techniquement aussi moins impressionnant, mais bluffant dans ses meilleurs passages, et emballé avec beaucoup de tonicité (90'), Comme des bêtes ne démérite pas mais souffre de chutes de régime dommageables et surtout de la comparaison avec son devancier produit par Disney. J'aurai aimé aimer davantage, mais le compte n'y est pas tout à fait, quoique la proposition soit louable et conseillée. 

LE BAGARREUR, de Walter Hill (1975)

LE BAGARREUR (Hard Times) est un film réalisé par Walter Hill.

Le scénario est écrit par Walter Hill, Bryan Gindoff, Bruce Heustell, d'après l'idée de Lawrence Gordon. La photographie est signée Philip Lathrop. La musique est composée par Brian De Vorzon.

Dans les rôles principaux, on trouve : Charles Bronson (Chaney), James Coburn (Speed), Jill Ireland (Lucy Simpson), Strother Martin (Poe), Maggie Blye (Gayleen Schoonover), Michael McGuire (Gandil).

 Chaney
(Charles Bronson)

Années 1930, Etats-Unis. Chaney, la cinquantaine, vagabond, rencontre Speed, le manager d'un champion de boxe clandestin qui vient de perdre son dernier combat. Il le convainc de miser sur lui et expédie son premier adversaire au tapis. Les deux hommes s'associent. 

Speed
(James Coburn)

Direction : la Nouvelle-Orléans. Speed y retrouve sa compagne, Gayleen Schoonover, et présente à Chaney Poe, un médecin opiomane, qui le soignera après les combats. Le boxeur rencontre dans un bar une jeune femme, Lucy Simpson, qu'il raccompagne chez elle. Mais il ne s'impose pas pour finir la nuit avec elle et promet qu'ils se reverront.   

Chaney

Speed entraîne Chaney chez un fermier avec lequel il a arrangé un combat. Mais, après la victoire de Chaney, leur adversaire refuse de les payer, lui et Speed. Chaney récupérera quand même son dû en rudoyant le fermier et ses acolytes qui fêtaient leur entourloupe dans un bistrot plus tard dans la soirée. 

Chaney et Lucy
(Charles Bronson et Jill Ireland)

De retour en ville, Speed approche le riche manager Gandil pour défier son champion mais il doit pour cela réunir 3 000 $. Empruntant à divers créanciers, il collecte la somme tandis que Chaney, ignorant ces combines, revoit Lucy avec lequel il entame une liaison et avoue comment il gagne sa vie.

Speed et Chaney

Chaney affronte et bat le champion de Gandil. Plutôt que de rembourser ses banquiers, Speed dilapide sa part dans des maisons de jeux et de passe. Gandil invite le manager et le boxeur pour racheter la moitié du contrat qui lie les deux hommes, mais Chaney refuse. Lorsque Speed, rattrapé par ses créanciers, insiste auprès de son partenaire pour qu'il reconsidère sa décision, celui-ci choisit de rompre leur association. 

Le dernier combat de Chaney

Chaney apprend ensuite que Lucy fréquente un autre homme, riche, avec qui elle va s'installer. Speed est pris en otage par Gandil pour que Chaney soit obligé de combattre son nouveau champion. Poe convainc le boxeur de disputer ce dernier combat. Réussira-t-il à vaincre pour la première fois un challenger qu'il n'a pu observer auparavant ?

Rédacteur de scripts pour divers réalisateurs, Walter Hill souhaite passer à son tour derrière la caméra et voit son rêve exaucé par le producteur Lawrence Gordon qui lui donne l'idée de The Streetfighter. Le scénariste estime le potentiel du sujet mais souhaite le remanier en resituant l'action durant la Grande Dépression et en le tournant en noir et blanc.

Si l'histoire est effectivement retouchée avec la collaboration de Bryan Gindoff et Bruce Heustell, Hill se résigne à l'adapter en couleurs. Il renonce également à son idée de casting initiale, souhaitant confier le rôle de Chaney au jeune Jan-Michael Paré et celui de Speed à Warren Oates : il ne le regrettera pas longtemps même s'il appréhendait alors de diriger Charles Bronson, devenu une vedette depuis la fin des années 60 et réputé pour être un "director's killer", réclamant qui plus est un cachet d'un million de dollars (une fortune pour l'époque et pour une petite production).

La présence en tête d'affiche de cet ex-bûcheron, qui mène de front une carrière en Europe et aux Etats-Unis, et alors âgé de 54 ans, va effectivement apporter une autre dimension au récit et au personnage : comme dans Il était une fois dans l'Ouest (Sergio Leone, 1968), il campe un homme surgi de nulle part, apparaissant pour sa première scène en train de descendre d'un train. On devine, sans qu'on soit davantage informé par la suite, qu'il a traversé une existence dure (Hard Times, comme l'indiquait le titre original) et qu'il en a tiré une certaine sagesse (comme il l'explique d'emblée à Speed, il ne compte pas combattre longtemps, juste assez pour gagner assez d'argent, conclure une "période creuse"). Comme tous les héros de Hill, c'est un bloc, énigmatique, impénétrable, qui n'hésite pas à couper les ponts dès qu'il sent une résistance ou une menace : in fine il demandera juste au médecin Poe (joué par Strother Martin avec gouaille) de s'occuper du chat qu'il a recueilli dans sa chambre d'hôtel et à Speed de veiller sur Poe (qui est opiomane), mais renoncera à sa romance avec Lucy (incarnée par la compagne de Bronson, la délicate Jill Ireland) quand elle refusera d'être entretenue par lui (préférant la sécurité d'un mari plus fortuné).

Malgré l'appréhension de Hill, Bronson s'entendra bien avec lui, respectant le fait qu'il ait aussi écrit le film, quand bien même il n'appréciera pas, en découvrant le film, que plusieurs scènes avec Jill Ireland aient été coupées au montage. Le cinéaste sera également impressionné par la condition physique de l'acteur et il est effectivement impressionnant dans la peau de ce boxeur inspiré de Jack Dempsey (quand bien même il n'aurait pas été en mesure de tenir trop longtemps durant les scènes de combat car il fumait trop - mais Hill ajoutera que Bronson "restait capable d'envoyer n'importe quel membre de l'équipe au tapis si on l'avait provoqué" !).

Ce ne sera pas la même chanson avec James Coburn: bien que le comédien y livre une formidable composition de flambeur fort en gueule et filou, sa carrière déclinait à l'époque et il en souffrait, jalousant le salaire et la popularité de son partenaire.

A la fois portrait mélancolique d'un bagarreur vieillissant et réflexion simple et directe sur la violence qu'engendre toujours une époque de crise sociale et économique, le film tire sa force de sa concision (90 minutes) et de son absence de sensiblerie. Comme le dit Speed, en regardant son champion disparaître dans la nuit à la fin : "c'était quelqu'un, ce bonhomme-là !"

THE PLACE BEYOND THE PINES, de Derek Cianfrance (2013)

THE PLACE BEYOND THE PINES est un film réalisé par Derek Cianfrance.

Le scénario est écrit par Derek Cianfrance, Ben Coccio et Darius Marder. La photographie est signée Sean Bobbitt. La musique est composée par Mike Patton.

Dans les rôles principaux, on trouve : Ryan Gosling (Luke Glanton), Bradley Cooper (Avery Cross), Eva Mendes (Romina), Rose Byrne (Jennifer Cross), Mahershala Ali (Kofi), Ray Liotta (Pete DeLucca), Bruce Greenwood (Bill Killcullen), Dane Dehaan (Jason Glanton), Emory Cohen (AJ Cross).

Luke Glanton est un cascadeur qui réalise, avec deux partenaires, un spectaculaire numéro à moto dans un cirque itinérant. Il se produit dans un patelin aux environs de New York, Shenectady, où il s'est déjà produit un an auparavant.

Luke Glanton et Romina
(Ryan Gosling et Eva Mendes)

Il retrouve Romina, avec qui il avait eu une liaison, une jeune serveuse, Romina, dont il découvre qu'elle lui a donné un fils, Jason. Mais la jeune femme a refait sa vie en couple avec Kofi.

Pour Luke, la paternité est une remise en question fondamentale et il quitte le cirque pour être prêt de son enfant, espérant aussi reconquérir Romina. Il est engagé par un garagiste du coin, qui ne tarde pas à lui proposer de commettre ensemble des braquages. Après avoir d'abord refusé, Luke comprend que l'argent lui permettrait de subvenir aux besoins de la famille qu'il veut former.

Mais après une altercation avec Kofi, il est chassé par Romina. Se fâchant avec le garagiste, qui a détruit sa moto quand Luke lui a annoncé vouloir renoncer aux braquages, il décide d'attaquer seul une nouvelle banque. Son dernier coup, pense-t-il, avec le butin duquel il espère combler son fils et la femme qu'il aime.

Avery Cross
(Bradley Cooper)

Mais, en tentant d'échapper à la police, Luke est traqué par un agent, Avery Cross, qui le neutralise. Le flic devient, grâce à cet acte de bravoure, au cours duquel il est blessé, un héros et il tente, grâce cela, de négocier une promotion qui lui est malgré tout refusée.

Jennifer Cross
(Rose Byrne)

Avery est frustré, d'autant plus que son épouse, Jennifer, supporte mal sa popularité, dont ses collègues se servent pour abuser de leurs pouvoirs en tracassant Romina, chez qui se trouve une partie de l'argent volé par Luke.

Cross découvre que plusieurs de ses homologues, y compris son chef, sont corrompus, et décide de les faire traduire en justice, quitte à sacrifier sa carrière - mais en obtenant du procureur une place dans son bureau. L'affaire éclate, c'est un scandale, mais Avery n'est pas compromis.

AJ Cross et Jason Glanton
(Emory Cohen et Dane Dehaan)

Quinze ans passent. Avery enterre son père, magistrat intègre et réputé à qui il succède. Divorcé, il accepte la garde de son fils, AJ, que sa mère n'arrive plus à discipliner. A l'école, il devient l'ami de Jason, issu d'un milieu plus modeste, mais qui lui fournit occasionnellement de la drogue. 

Lorsqu'il l'invite à une fête chez lui, AJ ingore qu'il va permettre à Jason de découvrir que son père était Luke. Cette révélation va bouleverser tous les protagonistes...

Cette fresque de 135' est découpée en trois actes dont l'action se déroule sur une quinzaine d'années et impacte deux générations de personnages. Mais, en vérité, que l'époque à laquelle l'histoire se déroule ne vous trompe pas : Derek Cianfrance a bel et bien réalisé un (post) western avec ce drame où la fatalité poursuit deux pères et leurs fils.

Le scénario, écrit par Cianfrance, Ben Coccio et Darius Marder, est audacieux, moins par sa construction (linéaire) que par sa progression : au bout de 3/4 d'heures où on suit le personnage du motard Luke Glanton (joué avec un magnétisme impressionnant par Ryan Gosling), un coup de théâtre fait basculer le film en l'orientant de manière très risquée. On se demande alors comment les auteurs vont enchaîner et continuer à pouvoir développer aussi puissamment leur intrigue.

Pourtant ils parviennent à rebondir en dressant le portrait aussi passionnant d'un personnage de policier ambitieux qui profite d'un moment de gloire pour gravir les échelons (Bradley Cooper est également excellent dans ce rôle ingrat mais charismatique). L'acte deux se déploie alors, s'éloignant radicalement du précédent : le spectateur sait que ces deux pistes narratives vont se rejoindre mais sans savoir comment. Sinon par un nouveau tour de force scénaristique...

Une ellipse de quinze ans et c'est le troisième et dernier acte : les héros en sont les fils du motard et du policier, le film révèle alors son thème pivotal - la prédestination - de façon magistrale. Ce que les pères produisent, les fils sont-ils condamnés à le reproduire ? Cette interrogation est creusée avec une exceptionnelle intelligence, une intensité dramatique poignante, et son dénouement est bouleversant sans céder à aucune facilité. Ce mélange de sobriété et de souffle romanesque est l'oeuvre d'un cinéaste qui perpétue le grand cinéma classique américain où l'espace et le temps encadrent le sort des individus qui les traversent. Le patelin qui est le théâtre de ce récit a pour nom Shenectady, ce qui signifie en dialecte iroquois "l'endroit au-delà des pins" ("the place beyond the pines"), avec donc cette forêt où Luke, Avery et Jason reviennent sans cesse et où s'écrivent leurs destins.

Les plans majestueusement composés, avec une photographie sublime (de Sean Bobbitt), le souffle à la fois épique et intimiste, mais aussi la justesse mesurée du traitement, le casting fourni et impeccablement dirigé (tous les seconds rôles sont formidables : Eva Mendes, Rose Byrne, Mahershala Ali, Ray Liotta, Bruce Greenwood, et surtout les deux "juniors" : Dane Dehaan et Emory Cohen), tout participe à la grande cohérence esthétique et narrative, aboutit à une émotion vibrante précisément contenue.

Rarement a-t-on l'occasion de regarder un film réunissant autant d'atouts et les exploitant aussi brillamment : c'est le sentiment qui vous saisit devant l'oeuvre d'un cinéaste au sommet de son art ou face à un deuxième film comme celui-ci qui a tout d'un "instant classic". De quoi surveiller avec appétit le prochain effort de Derek Cianfrance.

DRIVE, de Nicolas Winding Refn (2011)

DRIVE est un film réalisé par Nicolas Winding Refn. 

Le scénario est adapté par Hossein Amini du roman du même nom de James Sallis. La photographie est signée Newton Thomas Siegel. La musique originale est composée par Cliff Martinez.

Dans les rôles principaux, on trouve : Ryan Gosling (le chauffeur), Carey Mulligan (Irene), Bryan Cranston (Shannon), Oscar Isaac (Standard), Christina Hendricks (Blanche), Albert Brooks (Bernie Rose).

Le chauffeur
(Ryan Gosling)

Il n'a pas de nom mais c'est un chauffeur automobile qui met ses talents au service de cascades pour des films de cinéma le jour et de braqueurs la nuit. Entre ses deux activités, il travaille dans un garage, tenu par son ami Shannon, même si ce dernier ne sait rien de sa vie nocturne.

Shannon
(Bryan Cranston)

Néanmoins, convaincu du talent du jeune homme, ledit Shannon souhaiterait qu'il participe à des courses automobiles et, pour financer ce projet, il se résout à demander le soutien d'un gangster, Bernie Rose. 

Bernie Rose et le chauffeur
(Albert Brooks et Ryan Gosling)

Le chauffeur vit dans un appartement modeste, voisin d'une jeune mère célibataire, Irene, qui élève son garçon, Benicio.  

Benicio, Irene et le chauffeur
(Kaden Leos, Carey Mulligan et Ryan Gosling)

Le mari d'Irene, Standard, sort de prison peu après. Il est heureux de retrouver sa femme et son fils et résolu à demeurer désormais dans le droit chemin. Mais son passé le rattrape vite : un malfrat, Cook, qui le protégeait derrière les barreaux, menace de tuer Irene et Benicio s'il ne participe pas à un braquage pour le rembourser.

Standard et le chauffeur
(Oscar Isaac et Ryan Gosling)

Par amitié (ou amour ?) pour Irene, le chauffeur offre ses services à Standard. Grâce à Blanche, une complice, ils ciblent un prêteur sur gages pour le voler mais la situation dégénère.  Standard est abattu, mais le chauffeur récupère le magot, d'un montant d'un million de dollars (au lieu des 40 000 prévus). Il est poursuivi par une autre voiture qu'il réussit à semer avec difficulté. Cela signifie que l'affaire est plus dangereuse qu'il ne l'avait pensée.

Blanche
(Christina Hendricks)

Blanche, rudoyée par le chauffeur, avoue que les hommes de Cook sont à leurs trousses pour se débarrasser d'eux et mettre la main sur le fric. Les malfrats surgissent dans le motel où ils se sont cachés, prévenus par Blanche. Le chauffeur parvient à les tuer mais Blanche meurt.

Le chauffeur règle ses comptes... Au marteau !

Le chauffeur va ensuite affronter Cook, qui n'est que le lieutenant de Nino, un proche de Bernie Rose. Puis il va retrouver Irene qu'il sauve in extremis de deux hommes de mains, tandis que Nino explique à Bernie qu'il faut exécuter Shannon et le chauffeur. 

Après avoir découvert le cadavre de Shannon, le chauffeur poursuit en voiture Nino qu'il finit par envoyer dans l'océan. Il téléphone à Irene en lui avouant ses sentiments puis va s'expliquer définitivement avec Bernie pour qu'il laisse la jeune femme et son fils tranquilles... 

Irene et le chauffeur

Il en va parfois de la réussite d'un film comme de l'alignement des planètes : le résultat tient à pas grand-chose, relève quasiment du miracle. Drive en est la parfaite et brillante démonstration.

  

Le début du film contient en germe tout ce qui en fait la singulière qualité. La séquence d'ouverture est à la fois simple et accrocheuse, et Nicolas Winding Refn la réalise si bien qu'il gagne son pari dès ces premières minutes. Pourtant la figure de la course-poursuite, qui sera déclinée ensuite dans l'intrigue, est un cliché du genre, mais elle est ici enrichie et épurée à la fois, notamment par la grâce de a bande-son qui mêle le vrombissement du moteur, le crissement des pneus et la musique entêtante (avec la chanson Nightcall de Kavinsky). Dans le décor nocturne d'une ville aux allures de forêt urbaine (ce Los Angeles déjà si bien filmé par Michael Mann), le bolide se joue des voitures et hélicoptères de la police jusqu'à ce que le chauffeur sans nom mette les deux braqueurs qu'il a véhiculés à l'abri dans un parking souterrain et ne quitte la scène. 

Ce prologue, stylé, séduit par sa modestie : le cinéaste danois ne prétend pas réinventer les codes du polar, il fait même preuve d'une salutaire humilité et se réfère davantage en vérité à des réalisateurs de série B comme Joseph H. Lewis ou Don Siegel que des auteurs plus modernes comme Mann ou Tarantino. Son héros correspond aussi à cette catégorie de film : un solitaire taiseux mais qui ne manque pas de culot, sûr de son talent bien spécial, qu'il met en pratique comme cascadeur à Hollywood, chauffeur de braqueurs ou mécanicien. Cet homme sans passé, sans identité, sans attaches, travaille pour un garagiste dont la claudication semble être le stigmate d'une ancienne vie semblable à celle de son protégé.  

Si sa voiture semble être le prolongement physique de ce driver, la machine semble soudain connaître sa première faille lorsqu'il fait la connaissance de sa jolie voisine (interprétée par Carey Mulligan dont la délicatesse ferait, il est vrai, fondre n'importe quel homme) au regard triste. Pourtant, il s'éclipse dès que son mari réapparaît... Pour mieux leur porter secours quand ce dernier est impliqué dans une sale affaire. Son attitude à la fois fuyante et sentimentale interroge, tout comme elle sidère quand après une scène d'un tendre romantisme il laisse exploser toute sa violence contre des malfrats menaçant sa belle : le moment est inoubliable.

Le rôle a valu à Ryan Gosling d'être comparé à Steve McQueen, mais McQueen était un tigre à la virilité héritée d'une jeunesse difficile. Pourtant, il impose quelque chose de plus féminin, une silhouette svelte, fragile presque, à la fois flegmatique et timide. Ce qui ne fait que souligner le bouillonnement qui semble l'habiter et le rend crédible en chevalier au grand coeur mais à la brutalité bien réelle. Son look se distingue par un blouson argenté au dos duquel est dessiné un scorpion, arthropode à la symbolique riche - combatif, passionné, mystérieux, il représentait Selkis dans la mythologie égyptienne.

Winding Refn aime visiblement jouer avec ces archétypes pour mieux brouiller leur signification. Les crédits du générique sont écrits en rose, la musique électronique cite le disco et donne ainsi l'impression que l'histoire qui est censée se dérouler de nos jours se situe dans les années 80. Sans cesse, le film navigue entre l'hommage et le pastiche, réécrit plutôt qu'il ne créé. Mais il le fait davantage en retranchant qu'en ajoutant, comme le scénario d'Hossein Amini qui a complètement retaillé le roman de James Sallis (dont la narration était dominée par des flash-backs alors qu'ici elle est linéaire).

Ainsi désossé, Drive impose son mouvement au spectateur comme son action à ses personnages, filant droit, sans concessions, hypnotique plutôt que spectaculaire. On est alors comme le passager de ce récit qui définit avec à-propos la mission du cinéma : nous emmener ailleurs.