L'HOMME IRRATIONNEL, de Woody Allen (2015)

L'HOMME IRRATIONNEL (Irrational Man) est le 46ème film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Darius Khondji.

Dans les rôles principaux, on trouve : Joaquin Phoenix (Abe Lucas), Emma Stone (Jill Pollard), Parker Posey (Rita Richards), Jamie Blackley (Roy).

Abe Lucas

(Joaquin Phoenix)

Abe Lucas est un professeur de philosophie d'une quarantaine d'années. En pleine crise existentielle, il se complaît dans une déprime alcoolisée mais accepte l'invitation du campus de Braylin de donner des cours durant la session estivale.

Jill Pollard

(Emma Stone)

La réputation de Lucas, dont la rumeur lui prête des liaisons avec des étudiantes et des méthodes d'enseignement aussi originales que discutées, le précède. Mais deux femmes en particulier ne s'en effraient pas : l'une d'elles est Jill Pollard, brillante élève de son cours.

Abe Lucas et Rita Richards

(Joaquin Phoenix et Parker Posey)

L'autre est Rita Richards, professeur de biologie, dont le couple bat de l'aile, et dont les infidélités sont notoirement connues.

Toutes deux ne tardent pas se rapprocher de Abe, qui finit par céder aux avances de sa collègue. Mais il se révèle impuissant, incapable de satisfaire une femme depuis un an parce qu'il est traumatisé par la mort d'un de ses amis en Irak et qu'il n'arrive plus à écrire son nouveau livre (sur Heiddeger et le fascisme).

Abe Lucas et Jill Pollard

(Joaquin Phoenix et Emma Stone) 

Le hasard va pourtant bouleverser l'existence de Abe qui, alors qu'il déjeune avec Jill, surprend avec elle une discussion à la table voisine de la leur. Une mère de famille y confie à ses amis qu'elle est sur le point de perdre la garde de ses enfants au profit de son mari, dont l'avocat est visiblement de mèche avec le juge chargé de prononcer leur divorce.

Cette histoire poignante et injuste va inspirer à Abe un plan délirant bâti sur l'idée d'un "meurtre altruiste".

Jill Pollard et Roy

(Emma Stone et Jamie Blackley)

Les jours suivants, Abe revit littéralement, arrêtant de boire et de déprimer. Il recouche avec Rita et s'abandonne dans les bras de Jill. Le fiancé de cette dernière, Roy, devine vite la situation et finit par rompre. 

Rita Richards et Jill Pollard

(Parker Posey et Emma Stone)

Mais quand le juge Spangler, celui-là même qu'incriminait la mère de famille dont Abe et Jill avaient entendu les confessions au restaurant, est retrouvé mort, l'affaire agite les médias et la communauté de Braylin. Rita puis Jill se mettent à suspecter Abe de ce meurtre et leurs relations avec leur amant va en être progressivement et profondément affectées, surtout quand l'étudiante décide de connaître la vérité...

Pour son 46ème film, Woody Allen revient en très grande forme, après le déjà excellent Magic in the Moonlight. La régularité avec laquelle le cinéaste new yorkais enchaîne les productions ne cesse d'impressionner.

Si on devait rapprocher L'Homme irrationnel de ses précédents et récents opus, il faudrait citer Le Rêve de Cassandre (2007) et Match Point (2005). En remontant plus loin en arrière, la référence la plus évidente serait Crimes et délits (1989). Ce qui relie tous ces titres concerne une réflexion acide sur la moralité et l'impunité du crime.

Il n'y a pas de hasard à voir Woody Allen citer abondamment des philosophes (en particulier les existentialistes, comme Jean-Paul Sartre, avec sa célèbre sentence : "L'enfer, c'est les autres") mais aussi Friedrich Nietzsche (et son ouvrage, Vérité et mensonge au sens extramoral) dans un opus dont le héros est justement professeur de philosophie. Mais la littérature est également convoquée via Crime et châtiment de Fiodor Dostoïevski. Toutefois, ces grands textes sont avant tout un moyen de contextualiser l'histoire et identifier les personnages, et non des instruments visant à transformer le film en un véhicule trop sérieusement référencé.

Le cinéaste interroge le thème du surhomme qui, en projetant de commettre un acte ignoble (en l'occurrence un meurtre), prétend faire le bien : c'est le point de bascule du scénario de Allen où Abe Lucas, décrit jusque là comme un individu pathétique, bedonnant, alcoolisé et désabusé, trouve une nouvelle raison de vivre en s'imaginant rétablir la justice dans un geste qu'il estime altruiste. Le propos est ambitieux mais le film l'exploite avec une épatante fluidité et un humour noir jubilatoire.

Le plaisir qu'on prend à suivre ce récit provient en grande partie au fait que Woody Allen en traite tous les aspects avec un dosage parfait entre une grande densité (tous les aspects du problème sont développés dans un film par ailleurs concis - il dure 95') et une malice jouissive (le rôle d'une a priori inoffensive lampe de poche gagnée lors d'une fête foraine décidera du sort du héros). Cette balance entre la comédie de moeurs et le questionnement plus grave produit des étincelles dans une oeuvre équilibrée et pleine.

La réalisation, chez Allen, ne passe pas par des effets voyants : peu ou pas de mouvements de caméra, mais plutôt une recherche du cadre juste, de la distance idéale avec les personnages, la composition des images (où les gros plans sont rares). Dans plusieurs de ses oeuvres récentes, on retrouve, comme ici, néanmoins un rapport aux corps plus palpable, avec le recours à des interprètes choisis pour leur capacité à composer non plus des doubles du cinéaste ou de ses muses emblématiques que des individus tourmentés entre leurs désirs sensuels et leurs interactions intellectuelles. Cette évolution est devenue sensible depuis que Allen a réalisé trois films avec Scarlett Johansson, qui a érotisé/sexualisé notablement son cinéma.

Si l'on pousse l'analyse plus loin, en évoquant la propre vie privée du réalisateur, il devient aussi troublant que ses films en sont devenus une sorte de reflet : encore une fois, il met en scène un homme face à une femme moins âgée que lui (ici Abe et Jill), auquel s'ajoute des seconds rôles intermédiaires (Rita et Roy). Cet homme mûr est déstabilisé par la jeunesse de celle qu'il finit par aimer, et qui causera, d'une manière plus ou moins radicale, sa chute (parfois au sens littéral, parfois plus symboliquement). Si cela confirme le féminisme du cinéaste, qui a toujours soigné ses héroïnes, on peut se demander dans quelle mesure cela parle de son propre couple actuel (avec une compagne beaucoup plus jeune) et de sa conception de la vie conjugale.

Comme dans son précédent film, la photographie est somptueuse et Darius Khondji fait une fois de plus des merveilles, donnant à l'image une lumière solaire qui apparaît comme un contrepoint élégant au cynisme du propos. Situé en plein coeur de l'été dans le cadre d'un campus chic, le récit possède ainsi une séduction que rend d'autant plus trouble une intrigue empoisonnée.

Quant à l'interprétation, elle est à nouveau de premier ordre, portée par des acteurs au sommet de leur art.

Joaquin Phoenix joue pour la première fois dans un film du réalisateur new yorkais et s'y coule comme un familier de son oeuvre : lesté de quelques bons kilos, il impose une présence impressionnante, cabotinant d'abord en professeur aussi pédant que pesant avant de nuancer sa composition de telle manière que le spectateur le trouve successivement irritant, affligeant, sympathique et ignoble. Avec sa gueule cassée et mélancolique, il est inoubliable.

Emma Stone retrouve pour la deuxième fois d'affilée Allen dans un emploi différent de celui qu'elle tenait dans Magic in the moonlight (une manipulatrice irrésistible) mais pour une figure radieuse. La séduction de la comédienne sublime tout le récit qu'elle traverse avec une grâce incomparable : conquis, le cinéaste a prédit qu'elle deviendra la plus grande vedette du cinéma américain dans le futur, et la finesse de son jeu ajoutée à son charme naturel semble effectivement lui ouvrir une voie royale.

Leur ronde amoureuse est un spectacle surprenant et nul autre que Woody Allen ne peut filmer la cristallisation des sentiments avec autant de drôlerie avant de précipiter les amants dans un engrenage aussi dramatique.

Parker Posey, qui fut dans les années 90 l'égérie du cinéma indépendant Outre-Atlantique, effectue un come-back inattendu dans un rôle qui paraît avoir été écrit sur mesure pour elle, dans sa nouvelle maturité d'actrice et de femme. Elle est extraordinaire en enseignante dont les désirs, à l'instar de tous les personnages de l'histoire, dominent la raison.  

Enfin, Jamie Blackley incarne avec sobriété le rôle ingrat de Roy, le petit ami délaissé et jaloux, se plaignant de voir sa fiancée obnubilé par son rival alors même qu'il est le premier à  lui en parler (un paradoxe typiquement "Allenien" et toujours aussi marrant).

Accompagné par une bande-son où Jean-Sébastien Bach côtoie l'entêtant The in-crowd du Ramsey Lewis trio (un morceau de jazz plus moderne que d'habitude chez le cinéaste), Irrational Man est une nouvelle pépite dans la collection de gemmes de la filmographie de Woody Allen - c'est même assurément un de ses chefs d'oeuvre, égalant en maîtrise et en perversité humoristique et morale ses meilleurs opus. 

SHERLOCK HOLMES, de Guy Ritchie (2009) / SHERLOCK HOLMES : JEUX D'OMBRES, de Guy Ritchie (2011)

SHERLOCK HOLMES est un film réalisé par Guy Ritchie.

Le scénario est écrit par Lionel Wigram, Michael Robert Johnson, Anthony Peckham, Simon Kinberg, d'après les personnages créés par Arthur Conan Doyle. La photographie est signée Philippe Rousselot. La musique est composée par Hans Zimmer.

Dans les rôles principaux, on trouve : Robert Downey Jr (Sherlock Holmes), Jude Law (Dr John Watson), Rachel McAdams (Irene Adler), Mark Strong (Lord Blackwood), Eddie Marsan (Inspecteur Lestrade). 

John Watson et Sherlock Holmes

(Jude Law et Robert Downey Jr)

Sherlock Holmes et son comparse, le Dr John Watson, interrompent une messe noire dirigée par lord Blackwood, qui a déjà assassiné cinq jeunes femmes. Il est remis à l'inspecteur Lestrade. Le criminel est jeté en prison puis rapidement jugé et condamné à mort par pendaison. Son dernier souhait est de voir Holmes avant son exécution pour lui dire qu'il reviendra d'entre les morts pour se venger et terminer sa mission. Watson acte ensuite le décès de Blackwood.

Lord Blackwood

(Mark Strong)

Watson, après cette affaire, quitte Holmes pour s'installer avec sa fiancée, Mary Morstan. Le détective s'ennuie jusqu'à ce que Irene Adler, celle qui a été à la fois son adversaire la plus coriace et son amour secret, resurgisse pour lui proposer une grosse somme d'argent afin de mener une nouvelle enquête. Il devine qu'elle agit pour un commanditaire suffisamment dangereux pour qu'elle lui obéisse et qui est à la recherche d'un homme roux.

Lestrade

(Eddie Marsan)

C'est alors que Lestrade fait appel à Holmes : la tombe de Blackwood a été profanée et il aurait été vu par un témoin en train d'en sortir. Accompangé de Watson, le détective trouve dans le cercueil du criminel l'homme que lui a demandé de trouver Irene. 

Holmes et Watson inspectent le domicile du mort, un scientifique dont les recherches sont liées à celles de l'occultiste Blackwood. Après avoir affronté des canailles protégeant le laboratoire, ils sont arrêtés par la police. Mary, la fiancée de Watson, paie sa caution, tandis que Holmes est libéré par trois notables londoniens, parents de Blackwood, qui lui demandent en échange de retrouver le sorcier. 

Mary Morstan

(Kelly Reilly)

Mais deux de ces trois dignitaires sont assassinés ensuite et Holmes persuade Watson de lui prêter main forte. Ils ignorent que Blackwood est effectivement bien vivant et rallie à son projet de prendre le contrôle du Royaume-Uni plusieurs membres éminents du Parlement réunis au sein d'une secte. 

Les investigations de Holmes et Watson les mènent jusqu'à un abattoir où Blackwood retient Irene en otage. Une fois celle-ci libérée, ils quittent les lieux qui sont ravagés par une série d'explosions. Un policier prévient Holmes que les autorités le recherchent. 

Irene Adler

(Rachel McAdams)

Pour tenter de saisir les manoeuvres de Blackwood, Holmes se drogue, ce qui augmentent ses capacités déductives mais le plonge ensuite dans un bref coma. A peine remis de leurs blessures, après un bref séjour à l'hôpital, Irene et Watson le retrouvent dans sa planque où il leur fait part de ses conclusions : Blackwood va attaquer le Parlement ! Tandis que Watson et Irene s'éclipsent sur l'ordre du détective, Lestrade arrive pour l'arrêter.  

Holmes réussit à s'échapper et rejoint Watson et Irene qui ont localisé la bombe chimique de Blackwood dans les sous-sols du Parlement. Le criminel affronte le détective qui sauve la vie d'Irene et dévoile comment leur adversaire s'y est pris pour simuler sa propre mort, provoquer celles de ses proches.

La jeune femme donne à Holmes l'identité de l'homme qui l'avait employé et qui va certainement vouloir les supprimer maintenant, ce qui n'effraie pas le détective.

Guy Ritchie était, en 2009, plus connu pour être le mari de Madonna que pour être un cinéaste digne d'intérêt, sauf si vous juger Snatch comme un bon film (ce qui n'est pas mon cas). Aussi a-t-il été bien inspiré, d'un point de vue financier mais aussi artistique, d'accepter de devenir le simple metteur en scène de cette commande ambitionnant de dépoussiérer une des icônes de la littérature policière : rien moins que Sherlock Holmes - qui allait connaître un an plus tard sur BBC One un autre impressionnant lifting, incarné par le génial Benedict Cumberbatch.

Déjà influencé par Tarantino dans ses opus précédents, Ritchie l'est encore ici car son traitement évoque une relecture très pulp de la créature de Arthur Conan Doyle : le scénario, touffu à l'extrême, avec son intrigue affreusement compliquée, s'accorde au style survitaminé du cinéaste, chargé de raconter tout ça en un peu plus de 120 minutes. 

Interprété par un Robert Downey Jr, plus cabotin que jamais, mais dont le jeu a le mérite de ne pas s'inscrire dans le registre convenu immortalisé par Basil Rathbone ou Peter Cushing, Holmes est cependant très fidèle à la description qu'en rédigea Doyle : on le voit pratiquer la boxe, pratiquer le violon, ne pas hésiter à se droguer, et arborer un look vestimentaire qui le fait ressembler à un bohémien faussement négligé. Cette énergie tranche avec la vision devenue caricaturale du détective gal et imperturbable qui fume la pipe en exprimant ses déductions à haute voix d'un ton professoral.

Pourtant, à côté du numéro parfois un peu grotesque de Downey Jr, la prestation de Jude Law et, plus surprenant, de Rachel McAdams, tous deux extraordinaires en Watson et Irene Adler, rendent justice à leurs rôles qui ne se résument plus à ceux du fidèle assistant et de l'alter ego féminin de Holmes. La manière dont le film suggère, au milieu d'effets plus bruyants, l'homosexualité du détective, autant attiré qu'effrayé par cette femme, et que son acolyte n'a plus peur de remettre à sa place est très bien inspirée, et finement traduite par les deux acteurs.

Le scénario et la direction artistique mettent en avant l'aventure et l'action plutôt que la cérébralité, comme en témoigne un procédé récurrent qui montre Holmes détailler son action avant de la mettre en pratique, le spectateur vérifiant à quel point il sait aussi bien anticiper qu'attaquer - Holmes est ici autant une tête qu'un corps, autant un héros mental qu'un héros physique. De même, l'intrigue mélange avec une fantaisie décomplexée les sciences occultes et déductives : dans un cas comme dans l'autre, Blackwood et Holmes sont dépeints comme des individus s'estimant supérieurs et plus avisés que la moyenne. Le pseudo-sorcier veut reprendre en main l'Angleterre, le détective veut continuer à imposer ses caprices aux besogneux policiers : dans les deux cas, ils défient l'autorité, la toisent avec arrogance (brutalement pour Blackwood, sarcastiquement pour Holmes).

On aura remarqué que les producteurs ont imposé un américain (Robert Downey Jr) dans le rôle du plus célèbre enquêteur britannique et, si ce choix répond d'abord au fait que RDJ est devenu l'acteur le plus "bankable" du moment (depuis sa résurrection commerciale dans l'armure de Iron Man), on peut aussi l'interpréter comme la volonté de confier ce personnage à un comédien qui ne le vénère pas, se l'approprie sans manière et lui imprime une personnalité plus contrastée, plus outrée même. Holmes est ainsi capricieux et jaloux - il ne supporte pas que Watson le quitte pour une femme (les héritiers de Doyle ont d'ailleurs fait pression pour que, contrairement au voeu de Downey Jr, Holmes ne soit pas explicitement considéré comme un homosexuel, mais il semble au moins bisexuel si l'on observe bien son attitude envers Watson et Irene Adler). 

Pour exister face à lui, le Dr Watson de Jude Law est aussi affûté intellectuellement et, malgré sa claudication, également très vif physiquement, se battant, tirant au pistolet, crapahutant dans des caves, abattoirs, docks, ironisant sur les gamineries du détective. Bien sûr, ce n'est pas aussi subtilement drôle que ce qu'on devinait dans le chef d'oeuvre mutilé de Billy Wilder (La vie privée de Sherlock Holmes) mais cette version communique une bonne humeur rafraîchissante, tonique et humaine. 

La réalisation de Guy Ritchie oscille entre un maniérisme parfois dommageable (avec un montage trop haché, des effets trop appuyés - ralentis, accélérations) et un vrai souci esthétique (superbe photo du français Philippe Rousselot, qui réussit à bien intégrer des plans complètement générés par l'informatique, et à restituer l'ambiance urbaine, grouillante, crasseuse de Londres sans sombrer dans le steampunk). Le réalisateur semble toutefois éprouver un sincère attachement pour ses héros et un souci pour exposer clairement une histoire tellement boursouflée qu'elle traduit une peur ridicule sinon du vide, du moins des temps morts ou calmes (c'est le défaut de nombre de productions de ce genre : les producteurs préfèrent submerger le spectateur d'informations, de rebondissements, plutôt que de les laisser respirer de crainte qu'ils ne s'ennuient).

Il reste encore à saluer la magnifique partition écrite par Hans Zimmer, aux accents tziganes et aux rythmes entraînants, pour dire que ce Sherlock Holmes est un spectacle parfois bêtement agité mais aussi souvent jubilatoire : le succès qui l'a couronné explique aussi qu'il a rapidement connu une suite.

*

SHERLOCK HOLMES 2 : JEU D'OMBRES (A Game of Shadows) est un film réalisé par Guy Ritchie.

Le scénario est écrit par Michelle et Kieran Mulroney, d'après les personnages créés par Arthur Conan Doyle. La photographie est signée Philippe Rousselot. La musique est composée par Hans Zimmer.

Dans les rôles principaux, on trouve : Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes), Jude Law (John Watson), Noomi Rapace (Sima), Jared Harris (James Moriarty), Stephen Fry (Mycroft Holmes), Kelly Reilly (Mary Watson), Rachel McAdams (Irene Adler), Eddie Marsan (Lestrade).

Consacré comme le détective le plus perspicace de son époque, Sherlock Holmes suit, seul depuis que son compère, le Dr John Watson, a déménagé pour s'installer avec sa future épouse, Mary, Irene Adler car il veut connaître l'identité de l'homme qui l'emploie depuis la précédente affaire qu'il a résolue (voir Sherlock Holmes 1).

James Moriarty et Irene Adler

(Jared Harris et Rachel McAdams)

C'est ainsi que Holmes va être confronté au professeur James Moriarty dont il a la conviction de son implication dans une série d'attentats en Europe - attentats qui pourraient précipiter le déclenchement d'une guerre mondiale. Mais quel profit en retirerait cet érudit diabolique et d'apparence pourtant respectable ?

John et Mary Watson

(Jude Law et Kelly Reilly)

Les investigations de Holmes le conduisent jusqu'à un établissement louche dans lequel il décide d'organiser l'enterrement de la vie de célibataire de Watson. Laissant le docteur se livrer à une partie de cartes, le détective inspecte l'étage où il a repéré un individu déjà remarqué sur les lieux d'un précédent attentat. C'est ainsi que Holmes fait connaissance avec une diseuse de bonne aventure gitane, Sima, menacée par un tueur car son frère serait lié à un projet criminel en relation avec les manigances de Moriarty, même si la jeune femme est sans nouvelles de son proche depuis des mois.

Sima et Sherlock Holmes

(Noomi Rapace et Robert Downey Jr.)

Le mariage de Watson se déroule sans problèmes, même si entretemps Holmes a décidé de défier Moriarty en lui rendant visite à l'université où il enseigne. Les egos démesurés des deux hommes, que seul le sens moral distingue, aboutit à des menaces réciproques : le professeur affirme que rien ni personne ne l'arrêtera et le confondra, le détective jure qu'il se dressera contre ses funestes projets. Moriarty promet alors que Watson, après Irene Adler, dont Holmes est sans nouvelles, souffrira des dommages collatéraux de leur affrontement.

Moriarty et Holmes

Holmes rattrape Watson et Mary lors de leur voyage de noces et écarte la jeune femme pour la protéger. Les hommes de main de Moriarty passent à l'attaque mais le détective et son ami leur échappent de justesse pour rejoindre Sima et ses acolytes gitans qui leur ouvrent la route, en évitant les frontières, pour suivre Moriarty.

Mycroft Holmes

(Stephen Fry)

De nouveaux mouvements se produisent - en Inde un magnat du coton est ruiné par un scandale, en Chine un trafiquant d'opium décède d'une overdose, aux Etats-Unis, un aciériste meurt. La poursuite conduit Holmes et ses comparses à Paris, puis en Allemagne et, enfin en Suisse où Mycroft, le frère du détective, ponte des services secrets britanniques, assure la sécurité d'une conférence de chefs d'Etats et d'ambassadeurs. C'est là que resurgit Moriarty dont Holmes a compris qu'il voulait provoquer la guerre pour amasser une fortune en fournissant des armes aux divers belligérants.

Holmes et Watson

Qui, du détective ou du professeur, aura le dernier mot ? 

Comme je l'écrivais dans la critique du premier film, Guy Ritchie n'est certainement pas un grand cinéaste, mais c'est un réalisateur habile et qui a su, en acceptant de se plier aux contraintes du film de commande, tirer les leçons de ses erreurs. Cela se vérifie encore plus avec cette suite qui est meilleure que le premier épisode mais aussi supérieur à tout ce qu'a pu filmer jusqu'alors le réalisateur britannique.

Explosif, le résultat l'est encore, et ce, dès le début car le film s'ouvre par une déflagration qui semble résumer la philosophie de la production : faire plus fort, ce qui correspond à ce que finance Joel Silver.  

L'intrigue de Sherlock Holmes : Jeu d'ombres reste certes tortueuse mais quand même mieux tricotée et lisible que celle du précédent opus, où le mélange d'enquête et d'occultisme (fusse-t-il bidon) convainquait à moitié. Ici, les attentats qui ponctuent l'aventure permettent à la fois de jouer sur la menace qui plane sur l'Europe et l'aspect dérisoire et prétentieux des efforts de Holmes pour déjouer une guerre. Le procédé est malin et efficace, alimentant l'histoire sur plus de deux heures sans égarer le spectateur ni l'ennuyer.

Ritchie n'a presque qu'à dérouler ce scénario qui, en multipliant les fracas, oppose surtout deux adversaires passionnants à observer dans leur propre querelle d'ego : Michelle et Kieran Mulroney ont, il est vrai, utilisé le méchant le plus emblématique, charismatique et coriace du génial détective en la personne du professeur Moriarty. Ce criminel est l'égal, sinon le supérieur, de Holmes dans sa capacité à avancer en ayant toujours un coup d'avance. Mais le film le traite avec une sorte de distance froide, implacable, très intelligente : ennemi souvent cité dans les romans de Conan Doyle mais finalement peu montré, il est un redoutable cerveau déléguant pour mieux progresser, sûr de lui.

Alors que, depuis le premier film, Holmes est présenté et ici confirmé comme un intellectuel qui éprouve le besoin de se dépenser physiquement, n'hésitant pas à faire le coup de poing (et d'ailleurs pratiquant diverses formes de combats en parallèle à ses enquêtes), vêtu comme une sorte de gypsy (qui va rencontrer d'authentiques gitans durant ses investigations) débraillé, mal rasé et hirsute, Moriarty contraste par son aspect apprêté, ses manières suaves, sa détermination glaçante. Une des réussites du film est de nous convaincre qu'il peut vaincre Holmes et que Holmes est dépassé à la fois par cet homme mais aussi par l'ampleur de ses exactions.

Une bonne partie de l'intrigue relègue donc Watson au second plan, même si, grâce au talent de Jude Law (vraiment excellent), le docteur conserve une présence forte et singulière. De même Irene Adler, toujours campée par Rachel McAdams, disparaît rapidement (sans qu'on soit cependant certain que son personnage soit mort). Mais le casting réserve une bonne surprise en inventant la tireuse de cartes tzigane Sima, à laquelle Noomi Rapace donne un charme certain (quand bien même on peut regretter que la production n'ait pas attribuée, comme prévu initialement, le rôle à une française, ce qui aurait été moins exotique qu'une suédoise) : le rôle échappe au faire-valoir féminin en tout cas et pimente la relation toujours aussi drôlement équivoque du couple Holmes-Watson.

L'action est riche et abondante dans l'histoire et Ritchie a sur varier ses effets d'une manière plus satisfaisante que dans le premier volet : le script n'abuse déjà pas des fameuses répétitions mentales de combat de Holmes, à partir de quoi on a également moins de ralentis-accélérations (ou, quand c'est le cas, à meilleur escient - comme en témoigne la fuite des héros dans la forêt bombardée, merveilleusement montée). Parfois encore, toutefois, on déplore ses champ-contrechamp trop rapides (alors que filmer simplement dans un même plan deux, ou trois, personnages dialoguant est tellement plus efficace, surtout avec des acteurs de ce calibre).

Le film enchaîne ainsi des scènes d’action avec ces trois héros dans un déluge de "bullet time", faisant osciller dangereusement le spectateur entre épilepsie et nausées. Retrouvant ses tics de mise en scène, Ritchie souligne chaque geste d’un combat par douze effets à la seconde (changement d’angle, de profondeur…), manière pompière de signifier son appartenance au genre.

Mais, de même que la partition superbe de Hans Zimmer accompagne ces rocambolesques péripéties, jusqu'au duel final directement emprunté à La chute du Recheinbach, le face à face entre Robert Downey Jr. (cabotinant encore beaucoup, mais sachant se retenir avec à-propos) et Jared Harris (terrifiant à souhait, un casting judicieux préféré au recrutement d'une vedette), arbitré par Stephen Fry (grandiose en frère aîné des Holmes) tient ses promesses, ponctué par des scènes vraiment drôles (le voyage en poney). 

On en reprendrait volontiers une tasse, même si les auteurs, interprètes et producteurs mesurent l'effort à accomplir pour réussir ce qui serait une trilogie (voire une franchise) ayant revivifié avec autant de dynamisme que la série de la BBC le détective le plus célèbre de la littérature.

AGENTS TRES SPECIAUX : CODE U.N.C.L.E., de Guy Ritchie (2015)

AGENTS TRES SPECIAUX : CODE U.N.C.L.E. (Men from U.N.C.L.E.) est un film réalisé par Guy Ritchie.

Le scénario est écrit par Guy Ritchie, Jeff Kleeman, Campbell Wilson et Lionel Wingram, d'après la série créée par Norman Felton. La photographie est signée John Mathieson. La musique est composée par Daniel Pemberton.

Dans les rôles principaux, on trouve : Henry Cavill (Napoleon Solo), Armie Hammer (Illya Kuryakin), Alicia Vikander (Gaby Teller), Elizabeth Debicki (Victoria Vinciguerra), Lucas Calvani (Alexander Vinciguerra), Hugh Grant (Waverly), Sylvester Groth (Rudi Teller).

 Napoleon Solo et Illya Kuryakin

(Henry Cavill et Armie Hammer)

Berlin-Est, les années 60, durant la Guerre Froide. L'agent de la C.I.A. Napoleon Solo exfiltre une jeune mécanicienne, Gaby Teller, en semant, avec difficulté, un espion du K.G.B., Illya Kuryakin.

Mais en livrant la jeune femme à son supérieur, à qui il prête ses talents contre l'impunité pour diverses escroqueries commises sur le marché de l'Art, Solo a la désagréable surprise d'apprendre que la CIA et le KGB ont accepté de collaborer pour la suite de la mission : il va donc être obligé de faire équipe avec Kuryakin.

 Illya Kuryakin et Gaby Teller

(Armie Hammer et Alicia Vikander)

Leur objectif : retrouver le père de Gaby avec elle et le libérer d'un groupe d'anciens nazis pour qui il doit élaborer une ogive nucléaire.

 Napoleon Solo, Victoria et Alexander Vinciguerra, 

Gaby et Rudi Teller, et Waverly

(Henry Cavill, Elizabeth Debicki, Lucas Calvani,

Alicia Vikander, et Hugh Grant) 

Celle qui finance ce projet est la riche et séduisante Victoria Vinciguerra dont le mari et complice, Alexander, s'adonne à la course automobile à Rome, et avec lequel elle possède sa propre île privée au large de la capitale italienne. Là où se trouve le laboratoire dans lequel est retenu le Dr Teller. 

 Napoleon Solo et Victoria Vinciguerra

(Henry Cavill et Elizabeth Debicki)

Tandis que Kuryakin se fait passer pour le fiancé de Gaby pour rencontrer l'oncle de celle-ci, Rudi, ex-tortionnaire du IIIème Reich et partenaire des Vinciguerra, Solo propose ses services à Victoria en qualité de "récupérateur de matériel délicat". Mais les plans des deux agents sont contrariés lorsque Gaby les double, travaillant en vérité pour le compte des services secrets britanniques sous les ordres de Waverly, qui souhaite protéger le Dr Teller et récupérer sa technologie.

Gaby Teller, Illya Kuriakin et Napoleon Solo

(Alicia Vikander, Armie Hammer et Henry Cavill)

Une fois Gaby sur l'île Vinciguerra avec son père, Solo et Kuryakin doivent aller les libérer et neutraliser la bombe avant que Victoria et Alexander ne la déplacent pour s'en servir contre leurs ennemis...

La série télé Men from U.N.C.L.E. a été créée en 1964 par Norman Felton, avec l'aide de Ian Fleming, le "père" de James Bond, qui imagina le personnage de Napoleon Solo comme l'équivalent américain de son agent 007 anglais. Cette production fut ensuite diffusée jusqu'en 1968, profitant du succès de Chapeau Melon et Bottes de Cuir et des films d'espionnage - elle passera en France en 1967 sur l'O.R.T.F. puis en 1988 (!) sur TF1 (où je la découvris).

Le film se présente comme une "prequel", un "antépisode", révélant dans quelles circonstances Napoleon Solo, l'agent américain de la CIA, et Illya Kuryakin, son homologue russe du KGB, ont commencé par unir leurs forces dans l'intérêt supérieur de la paix mondiale et à l'initiative des services secrets britanniques dans le cadre de l'U.N.C.L.E. (United Network Command for Law and Enforcement).

Il faut encore savoir qu'à l'origine le personnage de Kuryakin est devenu l'autre héros de la série grâce aux réactions positives des téléspectatrices de l'époque.

Guy Ritchie et ses scénaristes ont respecté le concept original de la série télé qui reposait sur un mélange d'espionnage, d'aventures exotiques, d'action, d'humour et de jolies filles. Les auteurs ont juste remanié le caractère et le physique de Kuryakin, moins énigmatique, calme et fluet que son incarnation par David McCallum pour l'interprétation plus sanguine et athlétique de Armie Hammer (impeccable en colosse bouillonnant mais méthodique - il avait été remarqué dans Lone Ranger, de Gore Verbinski, 2013, et The Social Network, de David Fincher, 2010). En revanche, même s'il est lui aussi plus baraqué que Robert Vaughn, Henry Cavill (qui tombait la cape de Superman de Man of Steel, de Zack Snyder, 2013) joue Solo avec le même flegme suave, sarcastique et charmeur, profitant au passage de la défection de Tom Cruise initialement approché pour le rôle. Leur duo fonctionne parfaitement et le spectateur s'amuse volontiers de la rivalité entre le "cowboy" et le "péril rouge", tels que l'un surnomme l'autre, en même temps qu'il apprécie de les voir exécuter eux-mêmes leurs cascades. 

Le cinéaste s'est fait plaisir, mais il a su le communiquer en soignant le design de cette production, en reconstituant des années 60 fantasmées grâce à une équipe technique de premier ordre (des décors de Oliver Scholl aux costumes de Joanna Johnston, collaboratrice régulière de Spielberg - remarquez les lunettes de soleil assorties aux robes d'Alicia Vikander, épatante en mécano qui ne s'en laisse pas conter, les costumes trois-pièces sur mesure de Cavill, le look plus casual de Hammer, les toilettes d'une classe folle d'Elizabeth Debicki, géniale et sublime en méchante). 

L'histoire repose sur une trame étonnamment simple pour un récit d'espionnage, préférant s'amuser des clichés des films de l'époque et du genre lui-même. Ici, la glamour l'emporte sur l'action (même si on a droit à de spectaculaires courses-poursuite - en voiture, hors-bord, moto - et quelques morceaux de bravoure bien emballés - l'assaut de l'île tourné au moyen de split-screens), le rythme est beaucoup moins effréné, le montage moins haché aussi, et ça fait du bien, l'humour pince-sans-rire (comme la scène où Rudi Teller est victime de ses propres instruments de torture défectueux) va jusqu'au dénouement expédié lors d'un dialogue téléphonique. Jubilatoire !  

Cette façon de faire, très "old school", ne verse pas dans la parodie comme les OSS 117 du français Michel Hazanavicius, mais cette option distanciée est finalement très rafraîchissante. Si Ritchie n'abandonne pas certains de ses tics (comme révéler des fausses pistes avec de brefs et rapides retours en arrière alors que les exposer linéairement leur conserverait leur efficacité), le plaisir qu'on prend à suivre les péripéties de ces agents, au son d'une bande originale irrésistible (où les compositions de Danie Pemberton côtoient celles de Ennio Morricone, Roberta Flack ou Nina Simone - superbe version de Take care of business durant le générique de fin), l'emporte sur ces menues réserves. une publicité pour parfum, il n’en est pas moins efficace et d’une classe ultime.

Il faut être bien difficile pour résister à ces Agents très spéciaux, dont j'espère qu'ils reviendront pour de nouvelles missions (après que Guy Ritchie ait terminé sa version des Chevaliers de la Table Ronde ?).

WHITE BIRD, de Gregg Araki (2014)

WHITE BIRD (White Bird in a Blizzard) est un film écrit et réalisé par Gregg Araki, adapté du roman Un Oiseau blanc dans le blizzard de Laura Kasischke.

La photographie est signée Sandra Valde-Hansen. La musique est composée par Robin Guthrie.

Dans les rôles principaux, on trouve : Shailene Woodley (Katrina "Kat" Connors), Eva Green (Eve Connors), Christopher Meloni (Brock Connors), Shiloh Fernandez (Phil Hillman), Dale Dickey (Mrs. Hillman), Thomas Jane (détective Theo Scieziesciez), Angela Bassett (Dr. Thaler), Gabourey Sidibé (Beth), Mark Indelicato (Mickey), Sheryl Lee (May).

Automne-Hiver 1988. Eve Connors disparaît subitement et sans explications un jour de la maison où elle vit avec son mari, Brock, et sa fille, Katrina ("Kat").

 Eve Connors

(Eva Green)

Incrédules, le père et la fille avertissent la police, qui accorde apparemment peu d'importance à l'affaire, même si le détective Theo Scieziesciez promet de suivre le dossier.

 Kat et Brock Connors

(Shailene Woodley et Christopher Meloni)

Pour l'adolescente, cet événement suit la perte de sa virginité dans les bras de son petit ami et voisin, Phil Hillman, jeune homme séduisant mais vrai cancre au lycée, qu'elle fréquente davantage pour le sexe que par amour, même s'il diffère désormais fréquemment leurs étreintes.

 Kat Connors et Phil Hillman

(Shiloh Fernandez et Shailene Woodley)

Kat est en vérité presque soulagée de la disparition de sa mère comme elle le confie à sa psychothérapeute, le Dr Thaler, et ses deux meilleurs amis, Beth et Mickey, car Eve Connors, après ses premières années comme épouse et mère, était devenue une femme perturbée, agressive, méprisant ouvertement son mari, et oppressant sa fille.

 Kat, Beth et Mickey

(Shailene Woodley, Gabourey Sidibé et Mark Indelicato)

Parce qu'elle a besoin de réponses mais aussi parce qu'elle est physiquement attirée par lui, Kat se rend chez Theo et couche avec lui. Le détective a l'intime conviction que Eve Connors est morte, probablement assassinée, même si aucune preuve contre Brock, qu'il suspectait, n'a permis de le confondre. 

 Theo Scieziesciez et Kat Connors

(Thomas Jane et Shailene Woodley)

Printemps-Eté 1991. Kat suit désormais des études universitaires à Berkeley et profite d'une semaine de vacances pour rentrer voir son père. Il lui annonce fréquenter une nouvelle femme, May, et elle lui donne sa bénédiction puisque Eve n'a pas reparu.

En revoyant Theo, la jeune femme apprend que, contrairement à ce qu'elle pensait, la police a continué à enquêter sur la disparition de sa mère. Mais en remarquant que Phil l'évite et en essayant d'interpréter les rêves récurrents qu'elle fait au sujet de Eve, Kat s'interroge sur l'éventualité d'une liaison entre son ex-boyfriend et sa mère et si son père s'en doutait également.

La vérité sera sensiblement différente mais finira par éclater peu après le retour de Kat en fac...

J'avoue ne m'être jamais vraiment penché sur la filmographie de Gregg Araki, même si je connaissais le cinéaste de nom et de réputation : distingué comme un des enfants terribles du cinéma indépendant américain, il avait sensation avec Kaboom, un long métrage explosif sur la sexualité de la "doom generation" des années 90.

En adaptant un roman de Laura Kasischke, consacrée depuis avec la parution de son chef d'oeuvre Les Revenants, on pouvait donc estimer que Araki s'assagissait. Et cette impression semble se confirmer dès les premières scènes de White Bird à l'esthétique à la fois sobre et élégante, loin des extravagances colorées de ses précédents efforts.

Pourtant, en s'intéressant à nouveau à une adolescente, le cinéaste continue d'explorer cet âge de la vie qui a inspiré ses oeuvres antérieures : en lieu et place d'une recherche de sensations fortes via des stupéfiants, c'est la quête d'une mère subitement disparue qui est au coeur de cette histoire. Et, contre toute attente, cette disparition ne provoque pas de grand bouleversement chez Kat et son père, même si elle survient au moment où la jeune fille s'éveille sexuellement. 

Les lecteurs de Laura Kasischke ne seront pas dépaysés par la transposition sur grand écran de Gregg Araki : il restitue parfaitement les décors familiers de la romancière, cette banlieue pavillonnaire de la middle-class américaine, située dans une ville si banale qu'elle n'est jamais nommée. Ce cadre tranquille est d'abord, dans le premier acte de l'intrigue, moins celui d'une investigation classique (la présence policière y étant résumée à un seul détective, très moyennement motivé) qu'à un champ d'expérimentations diverses pour l'héroïne. Entre ses cours au lycée, ses soirées à refaire le monde avec ses deux meilleurs amis, son flirt avec son voisin, Kat s'ennuie et la disparition de sa mère intervient comme l'élément déclencheur pour s'émanciper. Libérée de cette présence qui n'avait rien de la figure maternelle rassurante, elle aspire à des sensations fortes et, sous le prétexte d'indiquer une piste au policier chargé de l'affaire, se donne à lui après s'être présentée chez lui dans une tenue sans équivoque.

Araki pose cette première partie à la fin des années 80 qu'il reconstitue à l'économie (budget modeste oblige) mais de manière habile, au moyen d'une bande-son datée (Cure, Depeche Mode).

Le deuxième acte débute après une ellipse de presque trois ans et va insister sur l'influence intacte de la disparue, sorte de fantôme hantant encore son mari et sa fille. Araki ponctue ce retour épéhémère au bercail de scènes oniriques en laissant le spectateur spéculer, comme Kat, sur leur signification.

L'histoire a changé de décennie et les couleurs traduisent aussi bien ce saut dans le temps que l'exacerbation des sentiments vis-à-vis de ce mystère irrésolue. Kat a besoin désormais de réponses pour avancer dans la vie, et le film va et vient, de flash-backs trompeurs sur la glissade psychologique de Eve, à la fois frustrée et aguicheuse, et la maturité acquise par sa fille, prête à affronter la vérité. Le procédé permet de souligner la mécanique interne de l'intrigue reposant sur la question de la transition et du conflit : même dérangée et dérangeante, cette mère est, à l'image du titre du film, encore invisible comme un oiseau blanc dans le blizzard mais interpelle sa fille en rêve en lui indiquant qu'elle est là, devant elle.

En étant décidée à déchirer le voile, à découvrir pourquoi et dans quelles circonstances Eve est partie, Kat sonde une liste de suspects potentiels : son ex-petit ami était-il aussi l'amant de sa mère ? Son père l'a-t-il appris et s'est-il vengé (confirmant le récit du détective au sujet de menaces mises à exécution contre de précédents voisins) ? Tout cela se résumait-il à une lutte entre une mère souffrant de ne plus être désirée et jalouse de sa fille devenue plus attirante qu'elle, à une compétition de séductions. En creusant ces pistes, Araki donne à la fois une substance étonnante à la disparue en même temps qu'il définit Kat par le biais de cette douloureuse introspection.

De spectatrice, Kat devient force motrice, et l'interprétation qu'en donne Shailene Woodley est remarquable, aussi convaincante dans l'expression du charme physique, troublante combinaison d'un corps sensuelle et d'un visage encore adolescent, que dans la détermination affichée de la jeune femme avide de réponses.

Son face-à-face atypique avec Eva Green, lors de scènes brèves et intenses, offre à cette dernière l'occasion d'une composition à la fois vertigineuse, où elle réussit à être parfaitement crédible en quadragénaire à la dérive (alors qu'elle n'avait que 34 ans lors du tournage, soit à peine onze de plus que Woodley), et teintée d'auto-dérision (le rôle joue à la fois sur sa présence érotique et ses précédentes prestations dans des rôles habitées).

Pour son formidable duo d'actrices, son dénouement imprévisible et remuant, son ambiance subtilement malsaine et sensuelle à la fois, sa puissance symbolique, ce récit initiatique en forme de polar mérite vraiment qu'on s'y arrête : un film envoûtant, métaphorique et troublant.

MAGIC IN THE MOONLIGHT, de Woody Allen (2014)

MAGIC IN THE MOONLIGHT est le 44ème film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Darius Khondji.

Dans les rôles principaux, on trouve : Colin Firth (Stanley Crawford), Emma Stone (Sophie Baker).

Stanley Crawford (Colin Firth) 

et Sophie Baker (Emma Stone)

1928. Stanley Crawford, un célèbre illusionniste britannique, se produit à Berlin sous l'accoutrement de Wei Ling Soo. Un de ses vieux amis et collègues, Howard Burkan, vient faire appel à lui pour démasquer une jeune femme, Sophie Baker, qui se prétend spirite et entreprendrait, avec sa mère, qui lui sert d'impresario, de dépouiller une riche famille établie sur la Côte d'Azur (le fils unique est d'ailleurs prêt à l'épouser).

Crawford, prétentieux, rigide et misanthrope, qui emploie son temps hors de la scène à chasser tous les médiums, qu'il considère comme des charlatans, relève le défi, en sacrifiant un voyage avec sa fiancée aux îles Galapagos. 

Une fois sur place, il ne tarde pas à s'attirer l'inimitié de tous ses hôtes et de celle qu'il affronte. Mais Sophie est une adversaire coriace et désarmante, qui le perce vite à jour. Quand Crawford lui présente sa vieille tante Vanessa, qui l'a élevé, et vit près de chez les Catledge, la jeune femme révèle des détails que personne ne connait et qui bouleverse l'illusionniste, alors convaincu qu'elle a réellement un don surnaturel.

Reconnaissant sa défaite auprès de Burkan, il la présente à la presse. Troublé aussi par le charme de Sophie, il refuse toutefois de déclarer ses sentiments quand elle, le fait de manière suggestive lors d'une réception fastueuse donnée par l'héritier des Catledge pour annoncer leurs fiançailles.

La situation prend toutefois un tour nouveau lorsque la tante Vanessa a un accident de la route et se trouve entre la vie et la mort. Crawford va jusqu'à prier pour qu'elle s'en remette avant de comprendre comment on s'est joué de lui et pourquoi. Malgré cela, admettra-t-il son amour pour Sophie en lui pardonnant ? 

La régularité métronomique avec laquelle Woody Allen filme est impressionnante et la qualité de son oeuvre tout autant : il peut parfois mieux réussir son coup mais jamais il ne produit quelque chose de mauvais ; il y a toujours, même dans dans un de ses opus ratés, quelque chose qui vous reste en mémoire et qui, à défaut de sauver le long métrage, vous y fait repenser avec le sourire ou peut nourrir une conversation avec un autre amateur.

La décennie passée a aussi prouvée que Woody Allen avait su trouver un nouveau souffle en osant quitter son giron new-yorkais : certes, ses voyages ont été aussi motivés par l'obtention de financements étrangers, mais il a puisé dans ses déplacements une vigueur qui a profité à son écriture. La découverte de nouveaux décors, le recrutement de nouveaux (et souvent plus jeunes) acteurs, a redonné à son cinéma des couleurs, une audace. 

Quand on se rappelle de Match point, Scoop, Vicky Cristina Barcelona (fameux triptyque avec sa muse Scarlett Johansson), Le Rêve de Cassandre, Midnight in Paris, ou de Blue Jasmine, on mesure tout cela (et on relativise les titres plus mineurs comme To Rome with love et Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu - des films choraux auxquels ils manquaient justement un argument assez fort et aux castings surpeuplés).

Et quand il a reposé sa caméra à Manhattan, c'est pour y raconter une fable jubilatoire (l'excellent Whatever works).

Magic in the moonlight fait partie des très bons crus "Alleniens" de ces dernières années (on attendra encore un peu pour les comparer à d'autres, plus anciens et passés à la postérité). 

Il se trouve que  le sujet m'attirait spécialement car je m'intéresse à l'histoire des prestidigitateurs du début du XXème siècle (j'avais même eu le projet d'écrire un scénario à ce propos, mais sans parvenir à trouver une intrigue et un angle qui me satisfassent). 

Ainsi, j'ai pu apprécier, en premier lieu, la qualité de la documentation du cinéaste sur la guerre entre illusionnistes (il est impropre de parler de magiciens car les illusionnistes détestaient ce terme) et les spirites, magnétiseurs et autres filous : le célèbre Harry Houdini, "roi de l'évasion", fut un contempteur acharné de ces escrocs (quand bien même il souscrit au "pacte de mort des magiciens", un rituel d'invocation des disparus par leurs proches survivants).

Le personnage de Wei Ling Soo s'inspire aussi de figures de l'époque à laquelle se déroule l'histoire du film :il n'était en effet pas rare que des occidentaux se griment en orientaux pour rendre leurs spectacles plus exotiques et leurs numéros plus impressionnants aux yeux d'un public fasciné par tout ce qui venait du bout du monde..

  

Mais Woody Allen et la magie, c'est une vieille histoire : déjà dans Stardust memories, puis plus tard dans Le Sortilège du scorpion de Jade et Alice, on y trouvait des personnages et des éléments du folklore. Encore plus récemment, dans Scoop, il incarnait un prestidigitateur raté. 

Quoi de plus naturel en somme pour un auteur dont le discours, tour à tour mélancolique et léger, dramatique et comique, sur les sentiments et leurs révélations alimente l'oeuvre que d'invoquer la magie, ses artifices, pour souligner le dérisoire ou l'essentiel dans les relations entre hommes et femmes.

Magic in the moonlight procède de la même manière et, comme toute fable, elle délivre une morale simple mais  typique de la philosophie de la vie selon Woody Allen : il n'y a pas d'amour sans qu'un tour soit joué.

En insistant sur la possibilité d'un merveilleux irrationnel opérant dans la rencontre entre un illusionniste désabusé et grincheux et une séduisante pseudo-spirite faussement ingénue, l'auteur, pourtant au sommet de son pessimisme sur la condition humaine, comme en témoignent des dialogues de plus en plus féroces (à la fois drolatiques et sinistres - drolatiques car sinistres même), semble pourtant confier à ses spectateurs qu'il est finalement peut-être préférable d'être heureux malgré une supercherie que d'être malheureux dans le vrai - ou, à tout le moins, en acceptant quelques compromis avec la vérité.

Après l'exploration cruelle et vertigineuse de la déchéance sociale, sentimentale et mentale d'une grande bourgeoise trompée dans Blue Jasmine, Magic in the moonlight s'apprécie aussi pour sa délicatesse et son absence de drame. Comme d'autres cinéastes très productifs, le cinéma de Woody Allen possède cette vertu, qui exercer une séduction durable sur ses fans, de se décliner de façon réactive : après un opus grave, le suivant sera plus léger, cette alternance permet ainsi d'apprécier chacun car leurs attraits sont distincts.

Pourtant, malgré ce soin à démarquer chaque oeuvre de la précédente, on peut s'amuser à noter que Allen aime à mixer de plus en plus régulièrement une certaine mélancolie, toujours élégante (une sorte de "désespoir gai") et d'exotisme, comme c'était déjà le cas avec Vicky Cristina Barcelona ou Midnight in Paris : ici, encore, on retrouve un cadre inattendu pour le cinéaste (la "french riviera"), capté à une époque emblématique (la fin des "années folles"), avec donc tout l'aspect esthétique qui leur est liés (costumes, décors, véhicules, musique, ambiance), et une histoire d'amour contrariée, improbable, pleine d'embûches,  mélange de joutes oratoires piquantes et de moments suspendus où les protagonistes sont face à eux-mêmes sans savoir comment réagir, désarçonnés par ce qu'ils éprouvent, et l'exprimant ensuite maladroitement (de manière à la fois touchante et humoristique).

Libéré de New York, ville dont il connaît tout comme il l'a abondamment filmée, Woody Allen retrouve ailleurs le charme de l'illusion dans ses cartes postales où il situe désormais ses histoires, empruntant à divers genres, sans restriction, comme le polar, la comédie, la romance, le fantastique. 

Qu'importe alors, en définitive, s'il s'agit d'un grand ou même d'un de ses meilleurs films, récents ou plus globalement, Magic in the moonlight s'apprécie plutôt dans ce que son auteur nous glisse : le discours d'un artiste qui ne croit plus en rien mais qui raconte pourtant encore des histoires de gens qui font "comme si".

La mise en scène est au diapason : discrète mais juste. Allen n'est pas un réalisateur adepte de mouvements d'appareils ostentatoires, sa caméra est au service de son récit et de ses acteurs. Tant pis pour le spectacle ?

Pas si vite, car le cinéaste s'entoure de techniciens d'un calibre fabuleux, comme cette fois-ci avec le chef opérateur Darius Khondji, qui a produit une photographie somptueuse pour le film (guère étonnant de la part du responsable des images de Seven de David Fincher comme de Alien, la résurrection de Jean-Pierre Jeunet). 

Et tout le "production design" est à l'avenant, avec des costumes, des décors vraiment superbes - étonnamment "riche" pour un long métrage qui ne doit pourtant pas disposer d'un budget important. 

Et les acteurs ? 

Il semble que Woody se soit trouvé une nouvelle muse avec la ravissante et excellente Emma Stone puisqu'on sait déjà qu'elle est la vedette de son prochain film (The Irrational Man, aux côtés de Joaquin Phoenix). Elle incarne à la perfection et avec un charme désarmant Sophie Baker, parée de toilettes qui lui vont à merveille, imposant sa candeur irrésistiblement : on est conquis dès le premier regard par cette spirite à laquelle on pardonnera tout et qu'on aime aussi pour son sens de la répartie assénée avec un sourire fondant.

Face à elle, Colin Firth : je connaissais très mal cet acteur, l'ayant remarqué dans les deux Bridget Jones (où il jouait Marc Darcy, le rôle le plus ingrat). Récompensé d'un Oscar (mérité selon l'avis général) pour Le Discours d'un roi (pas vu), il mène une carrière sans grand éclat et j'étais curieux de voir ce qu'il donnerait chez Woody Allen (quand bien même celui-ci nie toujours farouchement diriger spécialement ses acteurs, se contentant comme il le dit d'essayer de bien les choisir). Et Firth est formidable, évitant ce que beaucoup d'autres avant lui ont fait, imiter le phrasé et les postures de son metteur en scène quand il joue, composant sobrement mais efficacement un personnage désenchanté mais piégé.

Un très bon couple (assurément là un des meilleurs chez Allen depuis celui formé par Larry David et Evan Rachel Wood dans Whatever works, dans un registre d'âge et de rapports similaires).

Magic in the moonlight ? Magique !