MINUIT A PARIS, de Woody Allen (2011)

MINUIT A PARIS (Midnight in Paris) est le 42ème film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Darius Khondji. 

Dans les rôles principaux, on trouve : Owen Wilson (Gil Pender), Rachel McAdams (Inez), Marion Cotillard (Adriana), Léa Seydoux (Gabrielle), Kathy Bates (Gertrude Stein), Corey Stoll (Ernest Hemigway), Adrien Brody (Salvador Dali), Marcial Di Fonzo Bo (Pablo Picasso), Tom Hiddleston (Scott Fitzgerald), Alison Pill (Zelda Fitzgerald)...

Gil Pender et Inez arrivent à Paris pour y préparer leur mariage, en compagnie des parents de la jeune femme (qui ne s'entendent pas avec leur futur gendre). Gil, qui veut se consacrer à l'écriture d'un roman, aimerait s'installer dans la capitale française mais ce projet ne séduit pas sa future épouse. 

Gil et Inez

(Owen Wilson et Rachel McAdams)

Il doit aussi supporter un autre couple américain dont le mari est un ancien prétendant d'Inez, un type imbuvable, suffisant et prétendant tout savoir sur Paris, sa culture, son passé.

Paul, son amie, Inez et Gil

(Michael Sheen, Rachel McAdams et Owen Wilson)

Un soir, alors qu'Inez va danser avec ses amis, Gil va se promener et s'égare. A minuit, une voiture s'arrête près de l'endroit où il cherche à se repérer et ses occupants l'invitent à une soirée. En route, Gil comprend que ses hôtes sont Scott et Zelda Fitzgerald et qu'il a remonté le temps jusque dans les années 1920. Il rencontre ensuite Ernest Hemingway, Gertrude Stein, Pablo Picasso et la nouvelle muse de ce dernier, la belle Adriana, dont il tombe amoureux au premier regard.

Adriana

(Marion Cotillard)

Pour s'assurer qu'il n'a pas rêvé cette nuit, Gil se rend au même endroit le lendemain, toujours à minuit. A nouveau, il est transporté dans le passé et croise de nouveaux artistes de l'époque : Salvador Dali, Cole Porter, Juan Belmonte, T. S. Eliot, Luis Buñuel, Man Ray...

Zelda et Scott Fitzgerald

(Alison Pill et Tom Hiddleston)

 Gil, Ernest Hemignway et Gertrude Stein

(Owen Wilson, Corey Stoll et Kathy Bates)

Pablo Picasso

(Marcial Di Fonzo Bo)

Salvador Dali

(Adrien Brody)

Man Ray et Luis Buñuel

(Tom Cordier et Adrien De Van)

Son beau-père le fait suivre les nuits suivantes mais le détective engagé est semé. L'amour que Gil éprouve pour Adriana fait voler son couple avec Inez en éclats mais aboutit à une impasse car la muse des peintres ne pense trouver le bonheur que dans des années encore antérieures.

Gil et Adriana

(Owen Wilson et Marion Cotillard)

Gil rebondit malgré tout en se posant à Paris, où il peut se consacrer à son roman, et en se liant avec Gabrielle, une jeune et jolie antiquaire, partageant ses goûts...

Gabrielle

(Léa Seydoux)

C'est, parmi les films récents de Woody Allen, un des plus joyeux, les plus drôles, tout en restant mélancolique - il faudra attendre Magic in the Moonlight (en 2014) pour qu'il renoue avec ces tonalités.

A l'époque de Midnight in Paris, Allen a repris son tour d'Europe, entamé avec Match Point (2005), Scoop (2006), Le Rêve de Cassandre (2007), Vicky Cristina Barcelona (2008), et plus tard par To Rome with Love (2012). Ces voyages hors de Manhattan en particulier et de l'Amérique en général découlent de la recherche de financements mais aussi d'une volonté manifeste d'explorer d'autres horizons, de situer ses histoires dans d'autres cadres, même si c'est la première fois en près de quarante ans de carrière qu'il aligne des longs métrages à l'étranger aussi fréquemment.

Profitant d'un crédit d'impôts pour les tournages en France (et certainement en échange d'un petit rôle pour Carla Bruni, la femme du président de la république d'alors, Nicolas Sarkozy), Woody Allen pose donc sa caméra à Paris pour une comédie sentimentale délicieuse. Les premières images sont une succession de cartes postales de la capitale comme si le cinéaste avait voulu se débarrasser de l'hommage envers ses hôtes. Mais on peut aussi estimer qu'il s'agit de la manière dont n'importe quel touriste découvre la capitale et c'est alors une figure logique puisque le héros de l'histoire est un touriste idéalisant Paris.

Derrière quelques bonnes répliques et ce sentimentalisme assumé, Allen ne trompe personne très longtemps en brossant le portrait d'un couple qui, bien que sur le point de se marier, est composé de deux individualités contraires : le romantique démocrate Gil n'a rien à voir/à faire avec cette Inez bourgeoise républicaine, encore moins avec ses beaux-parents qui le méprisent ouvertement. Rarement le cinéaste aura d'ailleurs manifesté autant de critique avec ses concitoyens américains, comme le confirme ensuite le rôle joué par Paul et son amie : non seulement ceux-ci sont d'épouvantables snobs mais en plus ils prétendent mieux connaître la France et sa capitale que ses propres habitants et guides !

Puis le film bascule, à la fois dans la comédie romantique et le fantastique féerique, quand Gil remonte le temps lorsqu'un soir il s'égare en ville et que le douze coups de minuit sonnent. Allen met en scène alors les rencontres de son héros avec la fine fleur culturelle des années 20, une fabuleuse concentration d'expatriés s'illustrant dans la littérature, la peinture, le cinéma.

Le casting est particulièrement soigné et donne un relief à la fois drôle et troublant à cette idée puisque chaque acteur est à la fois très bon dans son rôle mais aussi très ressemblant avec la célébrité qu'il incarne : Tom Hiddleston et Alison Pill pour Scott et Zelda Fitzgerald, Corey Stoll pour Ernest Hemingway, Adrien Brody pour Salvador Dali (deux scènes hilarantes, ponctuées par une réplique culte : "I see... A Rhinoceros !"), Kathy Bates pour Gertrude Stein, Marcial Di Fonzo Bo pour Pablo Picasso... C'est par ce dernier qu'est introduit un personnage fictif mais crédible de muse qui va entraîner Gil et le film dans sa thématique profonde : Adriana ou l'insatisfaction.

Avec cette héroïne dont le protagoniste (comme le spectateur) tombe amoureux au premier regard, Woody Allen interroge l'interprétation de l'art (via un tableau la représentant peint par Picasso) : pour le pédant Paul, la toile raconte une histoire dont Gil connaît la vérité, ce qui est donc communément admis n'est pas toujours vrai.

A mesure que les connaissances qu'acquiert Gil contredisent ce que dit Paul et apprécie Inez, l'évidence que le couple de Gil et Inez ne tiendra pas (n'a jamais tenu) se fait plus évidente. Le film avance ainsi en même temps que l'histoire de Gil et Inez recule, régresse, se dissout. Cette mécanique est actionnée avec une fluidité remarquable.

Ce fossé est souligné aussi par les divergences sociales : Inez et ses parents sont plus soucieux des apparences que d'authenticité (ainsi, alors qu'ils sont chez un antiquaire et se voient proposer une chaise pour 18 000 $, Gil trouve le prix exorbitant mais sa belle-mère trouve ça "cheap" - un mot qui reviendra pour désigner en vérité autant les goûts que la personnalité de Gil). Ce sont des bourgeois mesquins et racistes, prêts à accuser sans preuves une femme de ménage (quand Inez perd une paire de boucles d'oreilles, que Gil lui a prise pour les offrir à Adriana) et à railler les français ou les opinions jugées communistes de Gil.

Néanmoins, ledit Gil a un rôle ambigu : il mène une double vie, courtisant sans scrupules Adriana, qu'il lâchera, plus sidéré que dépité, quand il constatera qu'elle aussi n'a pas les mêmes aspirations que lui, et tombant vite, à la fin, sous le charme de la jolie antiquaire, Gabrielle.

Gil n'est pas non plus un individu si détaché de la réalité qu'il trouve si pénible : son affection pour le passé a besoin de passer par des éléments concrets, physiques, ce n'est pas un doux rêveur nostalgique mais plutôt un fétichiste pour lequel divers objets font office de véhicules : des disques vinyles de Cole Porter, des livres dénichés chez des bouquinistes, les monuments historiques de la capitale - autant de passerelles bien matérielles entre le présent subi et le passé idéalisé. Il n'hésite pas non plus à user des avantages que lui procurent ses allers-retours entre aujourd'hui et hier, comme lorsque après avoir croisé Picasso avec Adriana, il fait à son tour la leçon à Paul, ou quand, s'étant fait traduire le journal intime d'Adriana, il sait pouvoir la séduire en lui offrant des boucles d'oreilles (qu'il enlève à la collection d'Inez).

Mais Woody Allen anime Gil de telle manière qu'il nous est toujours plus sympathique que lâche ou manipulateur. Et nous comprenons à la fois sa fascination pour les "Roaring twenties", qui voit défiler une galerie somptueuse d'artistes : comment ne pas l'envier quand il reçoit les conseils d'Hemingway ou Gertrude Stein, dialogue avec Dali, fait la fête avec les Fitzgerald ? La reconstitution est très soignée, et le budget relativement modeste est sur l'écran, dont les éléments sont magnifiés par la photo splendide de Darius Khondji. Allen fait aussi preuve d'une malice jubilatoire quand, au détour d'une scène, Gil glisse à un Buñuel perplexe l'idée du film L'ange exterminateur (qu'il ne réalisera qu'en 1962 !).

La romance avec Adriana introduit aussi une réflexion aigre-douce sur le rapport au temps : Gil fantasme les années 20 quand elle rêve, elle, de la Belle Époque, où elle finira par se rendre et rencontrer de charmeurs Paul Gauguin et Edgar Degas sous les yeux d'Henri de Toulouse Lautrec, qui, eux, auraient souhaité vivre lors de la Révolution française. Tous ont donc en commun de ne pas s'estimer heureux dans leur temps et d'idéaliser des périodes historiques antérieures.

Ces considérations nuanceront la nostalgie de Gil qui comprendra qu'il s'agit moins d'un problème avec le temps que de trouver la femme avec laquelle il se sentira bien au présent. Mais, là encore, Allen résout cela avec ironie puisque son héros trouvera la paix et l'amour avec une charmante antiquaire, donc avec quelqu'un qui, justement, fait commerce du passé. Cela lui permet de dépasser la conviction que c'était mieux avant et que se complaire dans le passé (ou la vénération du passé) revient à fuir le présent au lieu d'en savourer les plaisirs.

Dans un nouveau mouvement de balancier, Gil passe du statut d'homme coincé dans le passé à celui d'homme prêt à aller de l'avant, lorsqu'il abandonne Adriana et retrouve, providentiellement, Gabrielle, après avoir rompu avec Inez entretemps.

Le charme irrésistible du film passe grandement par ses interprètes : Owen Wilson imite un peu trop le phrasé et la gestuelle du cinéaste mais incarne très bien ce Gil tiraillé entre plusieurs femmes, plusieurs époques.

Marion Cotillard campe avec une séduction rare et une fragilité émouvante Adriana, ajoutant Woody Allen à son prestigieux tableau de chasse (avec ses rôles chez Christopher Nolan, James Gray, Ridley Scott, Michael Mann, Steven Soderbergh).

Rachel McAdams incarne à la perfection l'odieuse Inez, tandis que Léa Seydoux n'a besoin que de quelques scènes pour illuminer le film comme Gil.

Minuit à Paris est un film délicieux, d'une grande élégance visuelle (jusque dans son affiche dont le fond est celui de La nuit étoilée peinte par Vincent Van Gogh), drôlement poétique. Cette fantaisie romantique offre aussi son lot de réflexions (sur le temps, sur l'art, sur l'inspiration) avec cette touch si spirituelle qui fait tout le prix du cinéma de Woody Allen.

MATCH POINT, de Woody Allen (2005)

MATCH POINT est le 36ème film écrit et réalisé par Woody Allen.

La photographie est signée Remi Adefarasin.

Dans les rôles principaux, on trouve : Jonathan Rhys-Meyer (Chris Wilton), Scarlett Johansson (Nola Rice), Emily Mortimer (Chloe Hewett), Matthew Goode (Tom Hewett), Brian Cox (Alec Hewett), Penelope Wilton (Eleanor Hewett).

Chris Wilton et Tom Hewett

(Jonathan Rhys Meyer et Matthew Goode)

Après une brève carrière sur les courts, Chris Wilton s'est reconverti comme professeur de tennis dans un club huppé de Londres. De condition modeste, il a pour élève le riche Tom Hewett. Leur passion commune pour l'opéra scelle leur amitié et Chris fait la connaissance de la famille Hewett, séduisant la soeur de Tom, Chloe.

Chris Wilton et Nola Rice

(Jonathan Rhys Meyer et Scarlett Johansson)

Il rencontre aussi à cette occasion Nola Rice, la fiancée de Tom, originaire des Etats-Unis, et cherchant à percer, sans succès jusqu'à présent, comme ne manque jamais de le lui rappeler sa belle-mère, comme actrice.

Chris Wilton et Chloe Hewett

(Jonathan Rhys Meyer et Emily Mortimer)

Pistonné par Chloe, Chris est embauché dans la société de Alec, le père de la jeune femme, qui lui promet une belle carrière. Mais le jeune homme est attiré par Nola et ils deviennent amants après une nouvelle dispute entre elle et sa belle-mère.

Tom Hewett et Nola Rice

Chris épouse Chloe qui est pressée d'avoir un enfant. Puis il croise un de ses anciens amis tennisman à qui il se confie : bien que vivant une liaison passionnée avec Nola, il ne souhaite pas perdre Chloe et surtout le confort matériel qu'il a conquis grâce à elle. Peu après, Tom annonce à Chris qu'il a rompu avec Nola pour épouser Heather, enceinte de ses oeuvres.

Chris retrouve, en rejoignant Chloe dans un musée, Nola, de retour des Etats-Unis où elle a fait le point sur sa situation personnelle et professionnelle. Elle consent à lui donner son numéro de téléphone et, quelques jours après, ils reprennent leur relation clandestine.

Nola et Chris

Alors que Chris esquive Chloe, impatiente d'être enceinte, Nola lui apprend qu'elle est enceinte et menace de tout dire aux Hewett s'il ne divorce pas pour vivre avec elle et assumer sa paternité car elle refuse d'avorter ou qu'il se contente de l'aider financièrement pour élever leur enfant.

Alec Hewett et Chris Wilton

(Brian Cox et Jonathan Rhys Meyer)

Acculé, Chris dérobe un fusil de chasse à son beau-père lors d'un week-end dans leur maison de campagne, s'introduit par la ruse dans l'appartement de la voisine de Nola et l'abat, le met à sac pour faire croire à un cambriolage en s'emparant de bijoux et de médicaments, attend Nola et la tue. Il quitte l'immeuble sans avoir été vu : un crime parfait. Puis il se débarrasse de ce qu'il a volé en le jetant dans la Tamise - seule une bague ne tombe pas à l'eau sans qu'il s'en rende compte.

De retour à la maison de campagne des Hewett, après avoir remis le fusil à sa place, Chris est aux côtés de Chloe quand elle annonce à ses parents et son frère qu'elle est enfin enceinte.  

La mort de Nola et de sa voisine est publiée dans le journal, puis la police convoque discrètement Chris pour l'interroger sur sa liaison avec la jeune femme qui tenait, sans qu'il le sache, un journal intime. Il avoue cette relation mais nie être impliqué dans le meurtre, assurant que Nola fantasmait quand elle écrivait qu'il se préparait à divorcer pour l'épouser.

Un des inspecteurs est convaincu que Chris est coupable mais la découverte sur le cadavre d'un toxicomane de la bague de la voisine de Nola convainc la police qu'elle a trouvé l'assassin. Même s'il n'est plus inquiété par la justice, et promis à un bel avenir parmi les Hewett, Chris restera tourmenté par sa conscience sous la forme de l'apparition des fantômes de ses victimes et la conviction qu'il a eu de la chance de s'en tirer ainsi.  

Au mi-temps de sa cinquième décennie comme cinéaste, Woody Allen est dans une situation délicate car il ne trouve plus de financement pour ses nouveaux projets : si ses films continuent de connaître de beaux succès à l'étranger, et en France en particulier, ils ne font plus recette depuis longtemps en Amérique, même si le cinéaste attire toujours des acteurs prestigieux. Même la critique doute de ses capacités après une succession d'opus sans relief (ses derniers efforts louables ont été Tout le monde dit I love you en 1996 et Accords et désaccords en 1999). Seuls les fans les plus fidèles (comme moi) suivent encore ses productions qui sortent avec une régularité métronomique chaque Automne, mais plus par habitude que par réelle conviction...

Lorsqu'un grand cinéaste s'exile pour trouver ailleurs de quoi payer ses films, c'est rarement bon signe : Hollywood est plein d'auteurs de renom qui ont terminé leur carrière dans des films produits par des mécènes exotiques mais avec des résultats improbables. Aussi l'annonce du tournage de son 36ème long métrage à Londres étonna-t-il tout le monde en 2005 - soumis à condition, faut-il le préciser, et parsemé d'obstacles encore (ainsi Kate Winslet se retira du projet une semaine avant la première prise de vue).

Mais à l'image de sa scène d'ouverture, qui voit une balle de tennis rebondir sur l'arête d'un filet et se figer, la chance a souri à Woody Allen comme à son pathétique héros : ce fut non pas le début de la fin mais une renaissance que ce "Point du Match" représenta.  

En s'éloignant de New York, sa seule et véritable muse, plus que n'importe quelle actrice (Diane Keaton, Mia Farrow), c'est comme si le cinéaste avait trouvé une nouveau souffle, déjà pressenti en 1996 quand il se déplaça à Venise et Paris pour Everybody says I love you. Ce déplacement géographique se prolonge d'un changement d'inspiration puisque Match Point n'est pas une comédie, ni un drame inspiré par Bergman (comme jadis Intérieurs, 1978 ; September, 1987 ; ou Une autre femme, 1988) : c'est carrément une tragédie aux airs de film noir !

Avec l'application dont il a su faire preuve pour ses meilleurs scénarios, l'auteur a conçu une intrigue très dense, implacable, aux personnages intemporels et pourtant actuels, abondant en références littéraires (Crimes et châtiments de Dostoïevski), mise en scène avec une précision clinique (il filme Londres et sa campagne environnante avec la même adresse que New York). 

Mais ce qui frappe plus encore, c'est le choix du héros : un arriviste fini qui va tout faire pour s'élever socialement et protéger ses acquis dans la haute société londonienne en faisant preuve d'un cynisme, d'une hypocrisie et d'une perversité sans limites. Ecartant toute ironie, toute drôlerie, Woody Allen s'est mué en un observateur minutieux et impitoyable dans un récit plus long qu'à l'accoutumée (120') mais parfaitement maîtrisé. Un tour de force. 

Match Point peut compter sur une distribution exceptionnelle qui a incontestablement vivifié le cinéma de son auteur et lui a inspiré des audaces inattendues. Jonathan Rhys Meyer prête son physique avantageux et son regard fiévreux, qui font tant penser à ceux de Terence Stamp, à ce Chris Wilton sans scrupules, issu d'un milieu modeste et saisissant avec avidité mais subtilité la chance qui s'offre à lui. Ces opportunités sont d'abord professionnelle - ex-joueur médiocre, il abandonne un poste de prof de tennis pour devenir employé puis cadre dans la société de son beau-père (incarné par le grand Brian Cox - , sociale - il noue un mariage avantageux avec une jeune femme aussi conventionnelle que terne (campée par Emily Mortimer, excellente en pauvre gourde) - , et sexuelle - il entame une liaison avec l'ex-girlfriend de son désormais beau-frère (Matthew Goode, excellent en fils à papa tête à claques). 

Cette maîtresse est jouée par Scarlett Johansson. Si j'ai souvent douté de ses prestations précédentes et suivantes, il faut dire qu'elle n'a jamais été aussi bien filmée et dirigée que par Woody Allen, dont on connaît le faible pour les jolies jeunes femmes, mais qui semble avoir été réellement subjugué par la révélation de Lost in translation. Dès sa première scène, le spectateur partage le trouble du cinéaste : la voix grave, aguicheuse, la manière dont elle allume sa cigarette, sa robe blanche (une référence évidente à Lana Turner dans Le facteur sonne toujours deux fois, de Tay Garnett, 1946), c'est spectaculaire. Son rôle est à la fois secondaire et central, elle est celle par qui tout bascule, et même quand elle n'est plus dans le cadre (du récit, de l'image), elle hante encore le film. La force de ce personnage tient à sa progression tout en finesse de la femme fatale, d'objet du désir, à celui de victime - une révolution supplémentaire chez Allen, qui a toujours veillé à donner à ses actrices des rôles de femmes égales et même souvent supérieures aux hommes. Mais Nola est un obstacle pour Chris et elle sera sacrifiée par son amant comme elle a été écartée auparavant par son fiancé mufle, sa belle-famille méprisante. Le destin de cette jeune femme fait écho avec une noirceur glaçante à l'arrivisme du héros mais aussi au refus d'une élite sociale d'intégrer un corps étranger, jugé indigne de son rang.

L'acuité, l'intensité, de ce film impressionne de la part d'un cinéaste qui, à 70 ans, passait pour fini, en panne d'inspiration, à bout de souffle. Il n'a pas seulement médusé les sceptiques, il a prouvé qu'il abordait une nouvelle période, sa plus passionnante depuis les années 80, sa plus riche depuis les 70's, comme s'il rajeunissait au contact de nouveaux interprètes plus "frais" (Scarlett Johansson à deux autres reprises, Ewan McGregor, Colin Farrell, Haley Atwell, Owen Wilson, Marion Cotillard, Evan Rachel Wood, Emma Stone, Jesse Eisenberg, Kristen Stewart).

Jeu, set et match pour Woody !

HAPPINESS THERAPY, de David O. Russell (2012)

HAPPINESS THERAPY (Silver Linings Playbook) est un film réalisé par David O. Russell.

Le scénario est écrit par David O. Russell, adapté du roman Silver Linings Playbook de Matthew Quick. La photographie est signée par Masanobu Takayanagi. Les musiques du film ont été réunies par Susan Jacobs. 

Dans les rôles principaux, on trouve : Bradley Cooper (Pat Solatano, Jr), Jennifer Lawrence (Tiffany Maxwell), Robert De Niro (Pat Solatano, Sr), Jacki Weaver (Dolores Solatano), et Chris Tucker (Danny).

Diagnostiqué tardivement comme bipolaire, Pat Solatano a été interné huit mois dans une clinique psychiatrique après avoir agressé l'amant de sa femme, Nikki, qu'il a surpris ensemble chez lui. Sans emploi, il est obligé de retourner s'installer chez ses parents et de suivre un traitement ainsi qu'une psychothérapie.

Son père, Pat Sr, est devenu bookmaker et espère gagner assez d'argent avec ses paris pour ouvrir un restaurant. Sa mère veille sur sa convalescence en essayant de le raisonner quand il parle de se réconcilier avec Nikki, qui a obtenu une ordonnance restrictive contre lui. 

Pat accepte l'invitation à dîner de son ami Ronnie dont la femme, Veronica, est une amie de Nikki. Lors du repas, il fait la connaissance de Tiffany Maxwell, la soeur de Veronica, dont le mari, policier, est mort récemment, et qui tente elle aussi de se remettre de cette épreuve. La jeune et jolie veuve a été renvoyée de son travail après avoir couché, désespérée, avec tous ses collègues. Excédée par la prévenance de leurs hôtes, Tiffany quitte la table avant la fin et demande à Pat de la raccompagner chez elle. 

Pat (Jr.) Solatano et Tiffany Maxwell

(Bradley Cooper et Jennifer Lawrence)

Amie de Nikki, Tiffany propose son aide à Pat pour lui remettre une lettre si, en échange, il participe avec elle à un concours de danse. Après y avoir réfléchi, il accepte, à contrecoeur, et se soumet en compagnie de la jeune femme à un entraînement rigoureux. Contre toute attente, Pat prend goût à ces rendez-vous, même si son père se méfie de Tiffany et de l'euphorie de son fils. 

Dolores et Pat (Sr.) Solatano 

(Jacki Weaver et Robert De Niro)

Il aimerait en vérité que ce dernier se calme et passe plus de temps avec lui, convaincu qu'il lui porte bonheur lors des matchs sur lequel il parie. Cette superstition culmine jusqu'à une confrontation des Eagles de Philadelphie sur laquelle Pat Sr mise tout ses économies et à laquelle doit assister, au stade, Pat Jr. Mais celui-ci a promis de voir Tiffany le même jour.

Pris à parti par des supporters du camp adverse, Pat Jr est finalement arrêté par la police et les Eagles perdent leur match. Tiffany surgit, furieuse, chez les Solatano et explique à Pat Sr que, contrairement à ce qu'il croit, c'est quand son fils est avec elle que ses joueurs gagnent. Le père fait alors un pari insensé avec son meilleur ami : il prédit que les Eagles gagneront largement leur prochaine rencontre mais également que Tiffany et Pat Jr auront une moyenne de cinq points sur dix à leur concours de danse.

Tiffany et Pat (Jr.)

Pat Jr refuse d'abord de suivre son père dans cette affaire avant de comprendre, en relisant la lettre que Nikki a remise à Tiffany, que c'est cette dernière qui l'a écrite pour qu'il ne la lâche pas. Il décide alors de la pièger à son tour en acceptant le pari lancé par son père.

Le jour venu, Les Eagles gagnent contre les Cowboys. Pat Jr et Tiffany doivent alors obtenir la moyenne au concours de danse dans le public duquel il aperçoit Nikki... 

J'aime bien, je l'avoue, les comédies sentimentales mais à certaines conditions : les sucreries formatées produites par les grands studios sont divertissantes mais souvent peu mémorables, par contre quand un cinéaste avec un tant soit peu de personnalité et une histoire atypique s'inscrit dans ce genre, le résultat peut être jubilatoire, comme c'est le cas avec le film de David O. Russell. 

Je suis toujours friand des petites histoires sur la genèse des films et les bonus des dvd permettent de les découvrir parfois. Ainsi ai-je appris que c'était le regretté Sydney Pollack qui avait en quelque sorte initié ce long métrage en en acquérant les droits (avant même sa publication) pour que Russell l'adapte et le réalise. Toutefois le metteur en scène de Out of Africa prévint son collègue que la tâche serait délicate car l'histoire mêlait humour et romance avec des personnages décalés. Mais David O. Russell ne fut pas apeuré car il trouva dans ce livre un écho à sa propre expérience : en effet, son fils était lui-même bipolaire.

Prévu au départ, par le cinéaste, pour les acteurs Vince Vaughn (puis Mark Wahlberg) et Zooey Deschanel (on notera que Wahlberg et Deschanel formèrent déjà un couple dans Phénomènes de M. Night Shyamalan), O. Russell corrigea sa copie pour convaincre Bradley Cooper dont la "bonne énergie de mauvais garçon" l'inspirait. Pour incarner Tiffany Maxwell, ce fut beaucoup plus laborieux : Anne Hathaway, Elizabeth Banks, Kirsten Dunst, Angelina Jolie, Blake Lively, Rooney Mara, Rachel McAdams, Andrea Riseborough et Olivia Wilde furent pressenties, avant que Jennifer Lawrence fut engagée. Considérée comme trop jeune au début (elle a dix ans de moins que Cooper), elle passa des essais qui impressionnèrent le cinéaste.

Que nous enseignent ces anecdotes ? Peut-être que la qualité essentielle de Happiness Therapy est, comme son réalisateur et ses interprètes, de gagner le coeur du spectateur grâce à leur énergie et leur conviction.

Sur le papier, il faut le reconnaître, elle est plutôt improbable, cette histoire d'amour entre deux névrosés avec un concours de danse comme ressort. David O. Russell la filme avec une caméra qui ne lésine pas sur les effets avec des mouvements d'appareil ostentatoires : il la joue un peu comme Scorsese, ce qui aboutit à un résultat étonnant, déconcertant, un peu maladroit même. L'hystérie n'est jamais loin, les personnages sont souvent à cran, à vif, avec des maux prononcés (les toc du père, les accès de colère du fils, la nymphomanie occasionnelle de Tiffany, les visites du copain d'asile, la fébrilité de la mère)...

Mais, comme l'a expliqué le réalisateur dans une "leçon de cinéma" au magazine "Studio Ciné Live", Happiness Therapy exprime surtout l'enthousiasme qu'il visait en l'écrivant et en le filmant. Russell n'a pourtant pas toujours été considéré comme un "nice guy" par ses acteurs - George Clooney, qu'il avait dirigé dans l'excellent Les Rois du désert, lui reconnaissait un vrai talent mais un comportement tyrannique - et il a connu un gros creux dans sa carrière après l'échec de I Love Huckabees (que je n'ai pas vu) avant de revenir en grâce avec Fighter (un film sur le milieu de la boxe, pas mal mais alourdi par le cabotinage de l'horripilant Christian Bale). Là, les planètes étaient en quelque sorte alignées : le cinéaste est en possession d'un sujet qui lui tient à coeur, qu'il met en scène avec une sorte d'insouciance revigorante, avec des acteurs acquis à sa cause (parce qu'ils jouaient aussi leur réputation : Cooper peinait à trouver le rôle qui ne se limiterait pas à sa belle gueule et Lawrence voulait convaincre le monde qu'elle n'était pas que la vedette de la franchise Hunger Games).

Cette union sacrée entre l'auteur et ses interprètes donne tout son charme au film et compense ses excès. L'enjeu d'une bonne comédie romantique n'est pas de savoir si les deux protagonistes finiront ensemble (c'est une convention) mais plutôt comment ils y arriveront. Le scénario offre une progression dynamique à cette romance en évitant beaucoup de clichés (par exemple, Pat Jr. et Tiffany ne s'embrassent vraiment qu'à la toute fin, et avant cela, on devine à peine le trouble qui peut signifier leur attirance - Pat Jr. apercevant Tiffany nue de dos dans le reflet d'un miroir chez elle). Les seconds rôles sont étoffés et font contrepoids avec des moments forts (Pat Jr. frappant accidentellement sa mère, Pat Sr. pleurant devant son fils). Et le morceau de bravoure final - le concours de danse - communique une folie contagieuse, avec une chorégraphie loufoque et sensuelle à la fois.

Bradley Cooper est effectivement formidable dans ce rôle grâce auquel, depuis, sa carrière a pris une autre dimension (persuadant Clint Eastwood de le recruter dans American Sniper, énorme carton critique et public pour un résultat choc) : il est parfait dans la peau de cet homme trompé qui finit par se calmer et pardonner - et aimer à nouveau. Sa présence physique l'emporte sur sa séduction naturelle sans qu'il ait eu besoin de se transformer exagérément (les cheveux courts et une barbe seulement).

Jennifer Lawrence est phénoménale aussi et elle n'a pas volé son Oscar de la meilleure actrice (ravi à la favorite Emmanuelle Riva à l'époque) : sa sensualité et ce mix épatant de fragilité et de détermination sont irrésistibles. Elle aussi a une densité à l'écran qui marque le spectateur, et pas seulement parce qu'elle y apparaît brune et avec quelques kilos supplémentaires (on notera d'ailleurs que cette comédienne, aussi jeune que douée, a un sacré tempérament, pleine d'autodérision et d'autorité quand elle ose publiquement se moquer d'elle-même et râler contre la discrimination salariale et physique des actrices à Hollywood).

Dans des rôles secondaires, Jacki Weaver et surtout Chris Tucker sont aussi remarquables (le second est très bien dirigé, O. Russell l'empêchant de cabotiner comme il s'y complaît souvent). Mais c'est Robert De Niro qui surprend le plus positivement : quoique grimaçant encore comme la caricature de personnages qu'il a souvent joués dans sa longue carrière, il est impeccable en père paniqué, et même terriblement émouvant lors de la fameuse scène citée plus haut où il confie tout l'amour qu'il porte à son fils.

Pas étonnant qu'avec les critiques favorables, le joli succès commercial et la pluie de récompenses, David O. Russell ait fait de Cooper, Lawrence et De Niro sa troupe fétiche depuis (on les retrouve tous trois à l'affiche de son dernier film, Joy, sorti le 30 Décembre dernier). Happiness Therapy est aussi ce film précieux qui aura scellé la réunion de ce cinéaste et de ces interprètes : Le Bon Côté des Choses, son titre québécois résume bien la réussite de ce projet.  

BEGINNERS, de Mike Mills (2011)

BEGINNERS est un film écrit et réalisé par Mike Mills.

La photographie est signé par Kasper Tuxen. La musique a été composée par Roger Neill, David Palmer et Brian Reitzell.

Dans les rôles principaux, on trouve : Ewan McGregor (Oliver), Christopher Plummer (Hal), Mélanie Laurent (Anna) et Goran Visnjic (Andy).

Oliver et son chien Arthur

(Ewan McGregor et Cosmo)

Oliver est un jeune homme qui exerce la profession d'illustrateur à Los Angeles. Il travaille actuellement à la conception du livret pour le premier album d'un groupe de musique pop, The Sads ("Les Tristes") - un nom qui renvoie à l'humeur d'Oliver qui traverse une passe difficile sur le plan privé.

Hal et son fils Oliver

(Christopher Plummer et Ewan McGregor)

En effet, Oliver vient de perdre son père, Hal, mort d'un cancer à 80 ans. La situation a pris une dimension encore plus déchirante car quelques années auparavant, après le décès de son épouse, Hal a révélé à son fils qu'il avait toujours été homosexuel et qu'il voulait désormais l'assumer en espérant refaire sa vie avec un homme.

Anna et Oliver

(Mélanie Laurent et Ewan McGregor)

Encore en plein deuil, Oliver traîne sa tristesse mais son existence va être bouleversée de manière inattendue lorsque des amis insistent pour qu'il les accompagne à une fête costumée. Il va y faire la connaissance d'une jeune femme, actrice française, prénommée Anna, avec laquelle il convient de se revoir.

Andy et Hal

(Goran Visnjic et Christopher Plummer)

Très rapidement, Oliver et Anna deviennent amants mais ils hésitent à s'engager car, lui, doute de la rendre heureuse et, elle, doit repartir pour un tournage.

Oliver ne peut toutefois réprimer ses sentiments envers Anna et il se souvient du dernier bonheur que connut son père quand il rencontra Andy, un autre homosexuel, plus jeune que lui, et qui l'accompagna jusqu'à son décès.

Le jeune homme est aussi encouragé dans sa relation avec Anna par le chien de son défunt père, Cosmo, dont il entend les réflexions...

J'aime bien voir ou revoir des films mélancoliques : ils stimulent mes endorphines, vous savez ces hormones du plaisir, "secrétées par l'hypophyse et l'hypothalamus chez les vertébrés" qui provoque excitation, douleur ou orgasme (merci Wikipédia pour me donner l'air plus érudit...). Bref, ça agit comme un analgésique et procurent une sensation de bien-être, parfois d'euphorie.

Pourquoi ai-je besoin de ces petits shoots ? Pourquoi espérer être plus heureux en regardant un film où les personnages ne le sont pas, ou aimeraient l'être davantage ? Parce que Beginners résonne d'un écho particulier en moi.

Je ne vais pas vous raconter ma vie, qui n'a rien de palpitant, et parce que ce n'est pas la vocation de ce blog - j'ai d'ailleurs une réticence avec cette idée de journal intime qui serait publié sur le Net, donc à la vue de tout le monde (et qui, ainsi, n'a plus rien d'intime !). Mais, comme vous, j'ai connu des pertes et des malheurs, petits ou plus grands, que je traîne de manière plus sensible lors de ces périodes de l'année où la multitude est ravie d'ouvrir ses cadeaux et d'espérer que les douze prochains seront plus favorables.

Au petit jeu des catégories dans lesquelles on s'amuse à faire entrer les oeuvres culturelles (livres, disques, films...), on peut par exemple imaginer qu'il en existe une, simple et facile, qui séparerait les longs métrages qu'on voit pour se distraire, pour s'évader, et une autre avec ceux qui semblent nous parler intimement, comme si on reconnaissait dans la fiction une part de nous bien spécifique.

J'évoquai plus haut les pertes et les malheurs qui nous éprouvent dans l'existence. Comme Oliver, le héros du film de Mike Mills, mon père a quitté ce monde il y a déjà quelques années. Son décès m'a évidemment atteint sur le coup, mais m'a surtout progressivement rongé et plongé dans une sorte de dépression sournoise parce que j'ai fini par m'y habituer. Je traînai ma misère, comme Oliver, et comme lui, quand des amis ou des inconnus auxquels on me présentait me croisait, on me demandait pourquoi je semblais si malheureux. Soit j'esquivais la question, soit je passais aux aveux - et, plutôt que de trouver un exutoire, je restais englué dans ce chagrin.

Il m'a fallu du temps pour comprendre que, selon une formule célèbre, "on ne refait pas sa vie, on la continue". Autrement dit, on n'oublie pas les disparus, on apprend à vivre avec eux, leurs morts font partie de notre existence - pas seulement la notre d'ailleurs : elle fait aussi partie de la vie de nos proches, de nos amis, de nos amours, qui doivent alors nous accepter avec notre deuil, notre peine, nos souvenirs.

Beginners est une traduction sensible de cet état, et la raison pour laquelle ce film a si bien su le capter, c'est parce que Mike Mills, qui a écrit le scénario et assuré la réalisation, parle en fait de sa propre histoire. Oliver est son quasi-double, et la relation des derniers jours de Hal est celle de son propre père, qui a également vécu avec une femme jusqu'à la mort de celle-ci avant de faire son coming-out.

Le cinéaste y a ajouté des astuces narratives et visuelles très inspirées comme le fait qu'Oliver travaille à l'illustration du livret de l'album d'un groupe de pop appelé The Sads ("Les Tristes") : il imagine alors une série d'images (dessinée par Mills lui-même) qui ambitionne de retracer l'Histoire de la tristesse. Le résultat désarçonne l'employeur de Oliver et les musiciens, qui préféreraient tous deux quelque chose de plus classique (des portraits). Bien entendu, Oliver utilise ce support pour parler de lui, de ce qu'il traverse : comme tout artiste en difficulté, il espère sans doute que par ce moyen il sera soulagé d'une partie de sa propre tristesse, trouvera des réponses, une issue.

Le récit est développé selon deux lignes parallèles : au présent, on assiste à la rencontre et à la liaison entre Oliver et Anna ; au passé, on découvre à la fois des épisodes de l'enfance d'Oliver (où son père est absent, à cause de son travail comme le lui raconte sa mère, excentriquement séduisante ; parce qu'il fréquentait des homosexuels en secret, à une époque où cela était réprouvé par la morale et la loi), la révélation de la maladie de son père et sa fin de vie en compagnie de son amant, Andy.

La partie romantique est délicatement traitée, avec une subtilité bien plus touchante que les comédies sentimentales formatées des grands studios. Jusqu'à la fin du film, et même une fois arrivée à sa conclusion, le spectateur n'est pas assuré que cela va marcher entre Oliver et Anna. La jeune femme doit composer avec un père (qu'on ne voit jamais) qui lui impose une pression récurrente, réclamant d'elle plus d'attention, de présence, à un moment où elle prend son indépendance, s'emploie à faire décoller sa carrière d'actrice (qu'on devine modeste). Mike Mills met en scène ces moments amoureux avec grâce, souvent filmés à la dérobée, ce qui en souligne la précarité, avec une caméra mobile et des éclairages naturalistes (la photo de Kasper Tuxen est magnifique, sans être trop appuyée, contrairement à beaucoup de films réalisés par d'anciens clipeurs comme Mills).

La partie filiale est au diapason : le cinéaste réussit l'exploit de glisser de l'humour dans un récit dramatique, dont on connaît le terme dès le départ. Le personnage de ce père qui a mené une vie clandestine pendant toute sa vie et qui connaît le véritable amour au soir de son existence, avec une intensité joyeuse, ne sombre jamais dans le mélodrame. La représentation de l'homosexualité, qui plus est vue à travers le destin de ce septuagénaire, évite là aussi tous les clichés, sans montrer de "vieilles folles". Là encore, la manière dont ce passé est filmé épate par sa finesse, et lorsque Hal s'éteint, l'émotion vous serre vraiment la gorge.

L'interprétation compte pour beaucoup dans la séduction qu'exerce le film et Mike Mills a eu du flair pour former sa distribution.

J'ai toujours apprécié Ewan McGregor, même si je n'ai pas vu toute sa filmographie. Mais il fait partie de ces acteurs qui, en plus d'être de ma génération (il a deux ans de plus que moi), m'ont accompagné et jamais déçu. Je l'ai découvert chez Danny Boyle (Petits meurtres entre amis, Trainspotting, Une vie moins ordinaire), suivi chez Tim Burton (Big Fish, où il incarnait le personnage du grand Albert Finney plus jeune), chez Michael Bay (The Island, le seul film supportable de ce gros bourrin), aux côtés de Jim Carrey (dans I love you Philip Morris), Renee Zellweger (Bye bye love), Eva Green (Perfect Sense)... C'est un acteur sobre, au jeu physique, parfois intense, toujours élégant, avec une pointe d'ironie. Ce personnage de Oliver était fait pour lui, il l'incarne parfaitement.

Mélanie Laurent a tourné Beginners à une époque charnière de sa carrière, alors qu'elle accédait à des rôles internationaux (elle venait de participer à Inglorious Basterds de Tarantino), se lançait dans la réalisation (Les adoptés) et la chanson (un échec immérité), après avoir décroché le César de la révélation féminine. Cette exposition lui a valu de nombreuses et injustes critiques, comme si beaucoup lui reprochait son éclosion spectaculaire et une personnalité engagée (qui passe toujours mal en France où les artistes passent pour des citoyens déconnectés de la réalité et privilégiés). Mais c'est comme si cela avait nourri son interprétation dans le film de Mills où elle apparaît fragile et charmante, à fleur de peau et craquante. Le couple qu'elle forme avec McGregor possède en tout cas une réelle alchimie, on croit à leur romance, et on souhaite que leur union fonctionne.

Christopher Plummer est un comédien mythique depuis qu'il triompha dans La mélodie du bonheur de Robert Wise. Pour ma part, il est surtout le héros d'un film méconnu et superbe, La forêt interdite de Nicholas Ray. Après une carrière qui couvre un demi-siècle, sa prestation remarquable dans Beginners lui a valu un Oscar du meilleur second rôle indiscutable : son jeu, lumineux, d'une dignité et d'une classe formidables, est fabuleux et poignant. Mills a su utiliser à bon escient la mythologie de cet acteur pour nourrir celle du père hors du commun qu'il incarne.

Enfin, pour être complet, il faut aussi saluer la prestation de Goran Visnjic dans le rôle de Andy : ça fait tout de même drôle de voir celui qui fut l'ombrageux et séducteur docteur Luka Kovac durant neuf saisons de la série télé Urgences dans la peau d'un gay amoureux d'un septuagénaire, mais il l'interprète avec une fraîcheur émouvante, transformant la surprise en bonne idée.

Si vous en avez l'occasion, n'hésitez pas à investir quelques Euros dans le DVD où, en suppléments, on trouve une interview exemplaire (d'une quinzaine de minutes) du réalisateur et un making-of (en noir et blanc), avec des propos vraiment intéressants des comédiens principaux. Beginners est un joli film, un film troublant, attachant, tristement gai (sans jeu de mots), gaiement triste : un de ces films qui fait du bien, simplement, malgré un sujet et des personnages en pleine (re)construction.  

FANTASTIC MR. FOX, de Wes Anderson (2010)

FANTASTIC MR. FOX est un film d'animation réalisé par Wes Anderson.

Le scénario est écrit par Wes Anderson et Noah Baumbach, d'après le livre de Roald Dahl. La photographie est signée Tristan Oliver. La musique est composée par Alexandre Desplat.

Les voix en version originale sont assurées par : George Clooney (Foxy Fox), Meryl Streep (Felicity Fox), Jason Schwartzman (Ash Fox), Eric Anderson (Kristofferson), Bill Murray (Badger), Willy Wolodarsky (Kylie), Willem Dafoe (le Rat), Robin Urlstone (Boggis), Hugo Guinness (Bunce), Michael Gambon (Bean).

Après avoir été complices en vols de tous genres, Foxy et Felicity Fox ont décidé de changer d'existence pour élever honnêtement leur fils unique, Ash. Foxy abandonne ainsi ses activités coupables pour devenir un éditorialiste respectable et ambitionne d'offrir un foyer digne confortable à sa famille.

Un bel arbre pour la famille de Foxy Fox...

Pour réaliser son rêve, Foxy convainc le notaire, Badger, de l'aider à acquérir un bel arbre même si celui-ci est planté en face des propriétés de Boggis, Bunce et Bean, trois propriétaires humains aussi riches que redoutables pour les animaux nuisibles à leurs exploitations.

Foxy et Felicity Fox

Cependant, après une douzaine d'années tranquilles, Foxy s'ennuie et il reprend ses méfaits en mentant sur ses escapades nocturnes à Felicity, devenue peintre-paysagiste, et à Ash, qui aimerait pourtant l'accompagner pour gagner son respect.

Ash et Kristofferson

Ce train-train est bouleversé avec l'arrivée de Kristofferson, le neveu de Foxy, dont le père est malade. La présence du nouveau venu attise la jalousie de Ash car ce cousin est un modèle de vertu, instruit et pratiquant le yoga. Cela séduit Foxy, qui peut compter sur cet allié calme et habile, et à Felicity, qui le juge digne de confiance.

Boggis, Bunce et Bean

Mais, en allant voler la volaille de Boggis, Bunce et Bean, Foxy déclenche leur colère. Elle atteint rapidement des proportions épiques et les représailles des trois humains mettent en péril non seulement la famille du renard mais aussi celles de tous les animaux du voisinage.

Le Rat

Coincés sous terre, manquant de vivres, la communauté reproche son inconséquence à Foxy avant de de se rassembler derrière lui lorsque Kristofferson est capturé et que le fameux renard perd sa queue dans la bataille. 

Que Wes Anderson adapte un jour un ouvrage de Roald Dahl, voilà qui était comme une évidence : on trouve chez le cinéaste et le romancier la même malice et la même adresse pour parler de thèmes graves avec énergie. Par ailleurs, la fameuse esthétique "maison de poupées-boîte à bijoux" de l'un convient tellement bien au petit monde si mobile raconté par l'autre que leur rencontre promettait des merveilles. Promesses parfaitement tenues avec cette superbe transposition du récit Fantastique Maître Renard.

Ce film a aussi été une étape importe pour Anderson qui avait un peu déçu ses fans avec son précédent opus, A Bord du Darjeeling Limited (2007) - même si, pour ma part, j'ai une grande tendresse pour ce long métrage. Cela lui fournissait l'occasion de s'essayer à une technique inédite pour lui, celle du cinéma d'animation au moyen du procédé de la stop motion capture, c'est-à-dire des prises de vue image par image de figurines dans des décors en modèle réduit (popularisé par les studios Aardman, à qui on doit Wallace et Gromit ou Chicken Run avec leurs héros en pâte à modeler).

Après leur collaboration sur La Vie Aquatique (2003), Anderson veut partager la réalisation avec Henry Selick (L'Etrange Noël de Mr. Jack, 1993), familier de l'univers de Roald Dahl (dont il a adapté James et la Pêche Géante en 1996), mais ce dernier préfère se consacrer à Coraline (2009), d'après Neil Gaiman. Le cinéaste lui trouve alors comme remplaçant Tristan Oliver. 

Anderson veut totalement s'imprégner de l'esprit de Dahl et loue sa propriété de Gypsy House dans le Buckinghamshire : dans ce cadre bucolique, il trouve l'inspiration pour celui de l'histoire, avec l'arbre où habitera la famille Fox, puis listera tous les objets, accessoires et autres éléments prolongeant l'intrigue. Il en respecte d'ailleurs fidèlement la construction narrative, n'y ajoutant qu'une (épique) poursuite finale, et modifiant légèrement le dénouement, mais l'histoire correspond surtout aux thèmes explorés dans ses précédents films, peaufiné avec Noah Baumbach (déjà co-auteur de Life Aquatic with Steve Zissou).

Comme les héros habituels de Anderson, Foxy Fox est un adulte qui n'a pas grandi et n'assume pas ses responsabilités : son comportement va provoquer une série de catastrophes dont ses proches vont souffrir. C'est une figure semblable à celle de Royal Tenenbaum, Steve Zissou. Mais à côté de ce père indigne, il y a un fils qui, parce qu'il cherche le respect de son géniteur et se questionne sur le sens de (sa) la vie, fait contrepoids : en s'invitant dans la grande aventure alors déclenchée, il permet une résolution des problèmes, résout les conflits, en privilégiant l'action au dialogue. Mr. Fox avait promis à sa femme, Felicity, à la naissance de leur fils, Ash, de cesser ses rapines pour leur assurer une vie de famille paisible. En manquant à sa promesse, et en semant le chaos à cause cela, il n'a pas d'autre choix pour se racheter, aux yeux des siens mais aussi de la communauté qu'il a compromise, que de réparer.

Le miracle du film, au-delà de la performance technique, soulignée par un montage très tonique (préfigurant la furia de The Grand Budapest Hotel avec ses séquences dignes du slapstick), tient surtout à l'équilibre prodigieux entre l'abondance des péripéties, tour à tour spectaculaires et drôles, et l'émotion qui s'y glisse, interrogeant la notion de famille, de filiation, de solidarité, de résistance. 

Anderson a pu s'appuyer sur un casting vocal exceptionnel, lui-même mis en condition dans des circonstances peu communes : en effet, tous les acteurs ont non pas enregistré en studio mais en plein air, dans une nature semblable à celles de leurs personnages, et surtout en mouvement, pour obtenir un rendu plus réaliste dans la diction, les respirations, les intonations, le rythme. Avoir réussi à embarquer dans une telle aventure George Clooney (Foxy), Meryl Streep (Felicity) - deux nouveaux venus - mais aussi des habitués comme Jason Schwartzman (Ash), Bill Murray (Badger), Willy Wolodarsky (Kylie), Michael Gambon (Bean), Eric Anderson (Kristofferson - le propre frère de Wes) et Willem Dafoe (le Rat), sans oublier Adrien Brody, Owen Wilson dans de plus petits rôles participent au régal.   

On en oublierait presque qu'on assiste à une sorte de super représentation de marionnettes, patiemment animées, tant l'ensemble possède une fluidité époustouflante. La photo est superbe, avec ses teintes automnales, et la bande originale d'Alexandre Desplat (qui combine avec des titres des Beach Boys, Rolling Stones ou des extraits de la partition de George Delerue pour Les Deux anglaises et le continent) est magnifique (le compositeur va devenir le nouveau partenaire attitré d'Anderson, remplaçant le fidèle Mark Mothersbaugh).

Fantastic Mr. Fox est un chef d'oeuvre : stylisé, amusant et mélancolique, incroyablement entraînant, abondant en morceaux de bravoure (comme le combat digne des meilleurs duels kung-fu entre Foxy et le Rat), il a permis de constater que Wes Anderson n'avait rien perdu de son immense talent - mieux même, il lui aura donné un deuxième souffle.